Lady GaGa voltou, só que dessa vez com o lado negro da fama – The Fame Monster. O álbum, apesar de ter todo um conceito próprio, é, ainda assim, um complemento teórico de seu antecessor The Fame (e daí vem a semelhança quase estúpida dos nomes) : o álbum de Poker Face e Just Dance tem como temas principais os supostos lados “benéficos” da fama, como o advento da fortuna, a vida nas festas e a própria celebridade, ilustradas de dentro pra fora pelas canções Money Honey, Just Dance, The Fame e Paparazzi, entre outras (obs : a moda é tema de todas as canções, mesmo que em segundo plano). Já Fame Monster lida com o que GaGa chamou numa conferência de imprensa de “medo de monstros” : monstro do sexo, do álcool, da solidão, do amor e etc. E junto com a mudança de tema, vem a mudança de aparência; é no mínimo insensato chamar sua moda de “linear”, mas enquanto promovia uma determinada linha de canções, com ideologias parecidas, ela mantinha um tipo de aparência. Pode-se constatar esse fato sutil colocando a fase Beautiful, Dirty, Rich/Just Dance (transição) em contraste com a Poker Face/LoveGame. E com o advento de um novo álbum, o contraste torna-se definitivamente claro. Lady deixa um pouco de lado vestimentas glamourosas e “escandaluxo” e começa a mostrar uma moda mais dark, gótica – ou no mínimo mais bizarra.

Beautiful, Dirty Rich : algo mais clubber, até mais recatado (GaGa usava calças nessa fase!)

Poker Face : upgrade mais glamouroso, chegando a ser meio Drag…

Poker Face e Alejandro : separados por um porre?

Bad Romance

Romance é o 1° single do álbum. A faixa  já faz muito sucesso em todo o mundo, estando atualmente colocada na 11ª posição da Billboard Hot 100. É uma faixa de Dance Pop, uptempo por natureza, que em muito lembra Poker Face; seja pelo arranjo, seja pela estrutura da letra (refrão, brigdes, MoMoMoMa’s e  GaGa Ohh La-La’s). Tende-se a achá-la repetitiva no início, mas ouvido-a por mais 3 vezes, torna-se o mais novo hit de GaGa. Segundo declarações da cantora e o próprio tema da canção, esta faixa seria relacionada ao “monstro do amor” e apresenta duas visões que, à primeira vista, deveriam ser tratadas em trabalhos diferentes : exploração dos prazeres de um “romance ruim” e o amor livre de barreiras por seu melhor amigo. Amor esse tão grande que quer explorar até os aspectos mais aterrorizantes e grotescos da vida do ser amado. É o que ela diz em versos como :

I want your ugly
I want your disease
I want your everything
As long as it’s free
I want your love
Love, love, love I want your love

Enquanto a letra parece retratar o lado romântico com mais atenção, o clipe tende a mostrar o lado efêmero de uma aventura amorosa; mas de qualquer maneira, em se tratando de GaGa, as possibilidades são muitas.

Alejandro

Alejandro ainda é aceitável para as pistas, quem sabe com um remix – mas já tem um foco mais melancólico. A partir daqui, as semelhanças com The Fame decrescem progressivamente (com grande excessão de Telephone). A canção parece tratar de um amante/namorado possivelmente ciumento, agressivo ou injusto – ou até mesmo os três juntos – e diante desse drama, a pessoa no outro extremo da relação tem que tomar uma decisão.  Sua letra chega a tornar-se mais interessante que a melodia – talvez com um clipe interessante, venha a tornar-se single.

Monster

Talvez a canção mais simbólica do álbum, é uma das mais chocantes também. Parte do bridge :

We might’ve fucked not really sure, don’t quite recall

Bom, já que ela acha que transou com o rapaz mas não lembra, podemos supôr que esse seja o/um dos “monstro do álcool” ou do “amor” mesmo. Uptempo novamente, reconhecemos no fundo o auto-tune de Space Cowboy, um DJ que acompanhou GaGa em sua Fame Ball Tour, que volta como produtor dessa faixa e de Dance In The Dark. Monster encontra-se na situação da canção anterior; o ponto forte do trabalho é a letra e não a melodia. Essa faixa parece tratar de uma atração irresistível por um Bad Boy, do qual GaGa tenta resgatar alguma lembrança. A coisa toma rumos gaguísticos, e, quando ela se dá por si, há um “monstro” em sua cama. De frente a essa situação, ela se pergunta se pode confiar/amar um “lobo disfarçado” muito sedutor.

Speechless

A canção é uma “exceção” no contexto do álbum; o arranjo é baseado no piano e uma guitarrinha básica – o que já destoa incrivelmente do ritmo frenético das faixas anteriores. Podemos até dizer que a música vem de Stefani Germanotta  – pois trata de seu pai. Destacadando-a como um dos momentos mais importantes de sua carreira, Speechless fala de uma suposta abdicação de seu pai perante a vida, o que teria deixado GaGa – ou melhor, Stefani – sem palavras. Em certo ponto da canção, a cantora questiona se sua desistência o salvaria de seu estado crítico. Mesmo não se podendo afirmar o motivo exato do sofrimento, o contexto da faixa e seu arranjo mais intimista tornam este um dos momentos mais iluminados do álbum – momento no qual possamos talvez identificar o “monstro da solidão” ou mesmo do “amor” – afinal, amor entre familiares é essencial.

Dance In The Dark

O Dance Pop volta com tudo nessa faixa, que nos lembra aquelas musiquinhas de máquinas de Pump, à la Cascade – a diferença é que a canção não chega a ser tosca.  Não a vejo com um potencial a single tão grande assim, mas quem sabe. A letra parece tratar de garotas que tem seus desejos inibidos e qualidades menosprezadas por namorados ou homens em geral; aí a dança no escuro, onde ninguém as vê. Pode tratar-se do “monstro da solidão” também; mas vamos ter que esperar um feedbackzinho básico maior sobre o álbum.

Telephone

Agora sim : se pudesse apostar em alguma música desse CD depois de Bad Romance, com certeza seria Telephone. E pelo que parece, os casting do álbum também; a canção conta com colaboração de seis pessoas, entre produtores e cantores – incluindo Beyoncé. A faixa parece ser a versão GaGa da música Video Phone, à qual a cantora prestou serviços. Bem toscos, diga-se de passagem. A diferença entre elas é que a sua versão ficou 40 milhões de vezes melhor do que a de Bey, apesar de a letra ficar no campo das boates mesmo – esta fala de alguma pessoa bem chata que insiste em ligar enquanto GaGa e sua trupe estão batendo cabelo loucamente numa pista de dança qualquer.

So Happy I Could Die

Novamente com Space Cowboy, So Happy I Could Die continua com o clima de buatshy e parece explorar novamente os monstros do sexo e álcool :

I love that lavender blonde
The way she moves
The way she walks
I touch myself can’t get enough

Parte do refrão :

Happy in the club with a bottle of red wine
Stars in our eyes ‘cuz we’re having a good time

Mesmo com todos os recursos empregados, a faixa tem um clima de êxtase misturado com melancolia, como se a cantora estivesse totalmente bêbada – portanto, “nas nuvens” (eu espero, pelo menos) – mas com a sensação de decadência de quem capota no meio da pista pela tontura (quem já não fez isso? haha).

Teeth

Parece que GaGa se encontrou com um Apache pra compor o arranjo da música. Nessa faixa, o produtor deixa o botão “balada” do sintetizador descansar um pouco; mas de qualquer maneira, a canção é uptempo e é a mais divertida do álbum, no sentido inocente da palavra. Já a letra revela que a faixa é tudo menos pura :

Don’t be scared
I’ve done this before
Show me your teeth
Don’t want no money (want your money)

That shit’s is ugly
Just want your sex (want your sex)

Basicamente é sobre uma GaGa sedenta por, provavelmente, uma noite de sexo (jura?). Palavras como “amor” e “religião”, encontradas na letra, não devem ser interpretadas literalmente, dada a efemeridade aparente da situação. Não tem muita cara de single, pois é muito brincalhona – não leva muito o rótulo “vamos dançar” – mas quem sabe qual será seu destino…

Concluindo, as 8 faixas tendem a ir para um lado mais selvagem, cru, ignorante da “fama” (mais pra “vida” do que “fama”), mas não perdem em qualidade por isso. Novamente, a liberdade das letras e os aspectos visuais dos trabalhos de GaGa chamarão mais a atenção e trarão mais novidades do que os arranjos musicais em si. Talvez nos seja necessário certo tempo para a adaptação à nova fase – O lançamento de The Fame tem pouco mais de um ano – porém, ao meu ver, um dos anos mais importantes para a música pop e a mainstream em geral. Um ano de transformações velozes, só para os que podem (e os que não podem, viram sub-artistas reciclados, como Jennifer Lopez mostrou em seu último single), que se concretiza como uma forma de arte atualizada – algo como o Pop 2.0. Não se pode decidir hoje se o caráter dos acontecimentos é bom ou ruim (e também não é tão simples assim), mas se nos basearmos no fato que a evolução só vem com a mudança, possivelmente estamos indo longe com essa artista.

Letícia

]]> http://neuraldisarray.wordpress.com/2009/11/21/help-from-panavision/ Sat, 21 Nov 2009 11:31:19 +0000 neuraldisarray http://neuraldisarray.wordpress.com/2009/11/21/help-from-panavision/

I never realised that film manufacturer websites could actually be useful.

At http://www.panavision.com/tools.php you’ll find a collection of charts, tables, diagrams and calculators.. for depth of field (takes into account your sensor size/film gauge and everything), equivalent focal lengths, f-stop fractions, and HMI filming speeds at both 50 and 60Hz. It’s a good resource, and I was quite surprised to find so much free information on a website that’s meant to be flogging panavision gear. So.. congrats to panavision on providing me with more than XCU camera-porn and propaganda (a la RED’s website)

Boulevard Chaos

a revolucionária red one.

“a câmera é indiscutivelmente uma das invenções mais importantes… é a única ferramenta que possui a habilidade de parar o tempo, gravar a história, gerar arte, contar estórias e comunicar mensagens que transcendem línguas como nada jamais concebido.”

- Jim Jannard , fundador da red cameras.

se no universo da fotografia, as câmeras digitais já estão mais que estabelecidas, no mundo do cinema ainda há resistência à adoção de cameras digitais. esta resistência, durante muito tempo era amparada por termos como resolução, latitude de cor, e outras especificações técnicas que só confirmavam as limitações da imagem digital que mesmo o olhar destreinado percebia.

mas a luta por uma câmera digital que tivesse uma qualidade à altura da velha mídia não cessou. aos poucos, fabricantes como sony (com sua f900) e arri(com a d21) foram chegando a resultados extremamente profissionais, comparáveis à resolução de 2k atribuida à imagem de película.

no entanto foi com as câmeras red que a revolução se iniciou.  estas câmeras, criadas pelo criador dos óculos oakley, possuíam números absurdos de resolução. 4k era o termofazia toda a diferença. imaginar uma resolução que seria o dobro da película tradicional 35mm era algo que dividia opiniões e levantava muitas dúvidas. quando finalmente a ‘red one’ saiu do papel por um preço incomparavelmente baixo (se comparado aos custos de se filmar com película) e com a qualidade que demonstrou nos primeiros testes, alguns, entre eles pesos pesado da industria hollywoodiana como steven sonderbergh e peter jackson, a adotaram imediatamente.

outros nomes do cinema ainda resistem e tentam se agarrar a detalhes técnicos de percepção duvidosa e questionável, sem se lembrar que como diria césar charlone, ‘toda câmera tem problemas’, o que conta na red é o custo benefício.

não é preciso dizer que a red se tornou uma febre, tudo passou a ser gravado com ela, de publicidade, programas de tv, videoclipes, filmes como ‘che’, ‘gamer’, ‘jumpers’, ‘o procurado’. os resultados são incríveis a ponto de se misturar a imagem com a película e ser impossível notar onde se usou uma, onde se usou outra câmera.

não bastando esta pequena revolução, a red anunciou mais dois modelos: a scarlet e a epic. mais tarde, estes dois novos modelos se tornaram ‘cérebros’, peças para que possamos montar uma câmera a nosso gosto… um lego para gente grande. o impressionante é que um desses ‘cérebros’ chega a proporcionar esmagadores 28k de resolução. nem sei se é possível comparar isto a algo. imagine que os blu-ray, já com uma resolução incrível, possuem pouco menos de 2K. os 28K estão bem fora do que podemos imaginar. mas isso ainda não tem data para acontecer.

red epic em sua configuração de máquina fotográfica.

e agora, a novidade aos amantes e aficionados pelo cinema pixelizado, uma novidade! no dia 30 de outubro de 2009 foram anunciados os protótipos da epic-xs35, câmera que se tornará disponível em breve para aqueles que possuem a red one (como troca, pagando a diferença, claro) e que gravará sinal de vídeo digital com uma resolução de 5K em até 100 frames por segundo. o post dos desenvolveres incluem fotos de protótipos de câmeras que servirão tanto para fotos still quanto para gravação de vídeo (isso são boas novas também para os fotógrafos still!). além de fotos de partes da câmera desmontada, aonde podemos ver o imenso sensor e outros componentes internos. também há uma bela foto de um protótipo já montado e pintado de preto (os outros ainda estão sem pinturas, na cor prata).

enfim, aqui esperamos por mais novidades do mundo digital e torcemos para que a RED continue desenvolvendo duas idéias que deixam o conceito de tornar a obsolescencia obsoleta.

***quer conhecer de perto as câmeras red? a escola de cinema é a primeira escola do brasil a oferecer workshops regulares com estas câmeras. saiba mais em http://www.escoladecinema.com.br/cursos_fotografia.html

Now that I’ve shot the holy grail of cinema myself, super 35mm as well as racking up the footage count on 16mm, and I’ve had my hands on the Red One, seen the Arri D21 in action daily on the BBC production “Atlantis”, and had a good look at some very exciting stuff from Canon on the 5D and 7D, I can safely say that I’m quite comfortable sitting on the fence.

Even if I were forced to jump off to one side or the other, I don’t think I could. Film is beautiful, it’s organic, it’s ever so slightly unworldly, an unmatched creative medium. However, it’s prohibitively expensive for most, and the images I have seen from the Red One in the hands of a master DOP are nothing short of breathtaking. The same can be said of the new Canon DSLR’s.

The film vs digital debate is as hot as ever, and I have to say, all things considered they are running neck and neck at full pelt. Neither is giving the other any room to relax or lessen the pace. Where the race will end is anyone’s guess. It seems inevitable that digital should eventually take over, but this will be an economic win rather than a technical or artistic one.

I am of the opinion that the choice of acquisition format should be made based on the pros and cons of the mediums and the budget available. My first choice, budget aside would be 35mm for most all in-camera, traditional, cinematic or dramatic films, even intense action as long as it’s not too VFX intensive. Where digital solutions start having the edge is with intensive VFX needing quick turnaround and obviously on-set compositing with automated heads, cranes and so forth where backgrounds are keyed out and a 3D environment rendered on the fly as with “Atlantis”.

Digital acquisition is also most suitable for 3D stereoscopic applications where 35mm is arguably completely impractical.

We are in a very interesting transition in cinema where beautiful imagery can be created in more varied ways than ever before. In my opinion, my advise to anyone trying to decide between film and digital acquisition, is to rather spend your time on assembling the best lens package you can afford, and then move onto your lighting package. The question of camera and film vs pixels can be left purely to the accountants without much worry on your part about your picture.

C’est tombé ce week-End, mister Jim Jannard himself a annoncé qu’ils allaient modifier leur feuille de route et qu’ils cherchaient des utilisateurs investisseurs capables de mettre 28000$ pour acheter un outil en cours de finition. C’est un peu un aveu de la fragilité de la structure, en gros j’analyse la nouvelle comme un message sous jacent disant ” Donnez nous du pognon qu’on puisse finaliser cette p. de camera car on y arrivera pas tout seuls…” Malgré tout et c’est là qu’ils sont forts c’est aussi une solution pour avoir le n° de portable de Jim … vu qu’il annonce qu’il le donnera a qui achètera un prototype d’EPIC.

Le projet est colossal, il manquent de monde chez RED et certainement de moyens. C’est une nouvelle importante, qui me laisse assez songeur mais si j’avais ces 28k$ je jouerai bien.

Il sont fort chez RED.

La problématique pour moi c’est que c’est une sorte de façon d’avouer qu’ils sont dans les choux et que la puissance colossale des gros fabricants de caméra risque de leur faire du tord. Si Sony ou Panasonic se décide à mettre un gros capteur dans une de leur camera ça va faire mal ! Canon semble avoir envie de mettre la paille a tout le monde et leurs DSLR Video n’en sont qu’a leurs balbutiements. Le premier qui sort un codec RAW + gros capteur et une ergonomie plus “film” va forcement prendre une place importante dans cette course.

La bataille ne fait que commencer. Pour l’instant j’en suis RED !

C’est pas une nouvelle toute fraiche mais c’est un outil fort intéressant.

La société Nexto conçoit et fabrique des videurs de carte mémoire depuis fort longtemps et ils sont très appréciés par les photographes. L’idée est de faire de même pour la vidéo avec un videur de carte dédié aux support tel que le SxS de Sony, le P2 de Panasonic, mais encore les cartes compact Flash de la RED.

Avec la RED j’avais déjà expérimenté les videurs de cartes mais jusqu’a présent nous n’avions pas la possibilité de relire les média. En effet les données sont bien copiées sur le disque mais impossible de vérifier autre chose que le poid des fichiers ce qui reste très flippant. Ce système est intéressant, quand on veut partir léger avec peut de cartes il suffit de prendre 2 videurs de cartes et on sécurise ainsi les données sur 2 disques différents. C’est moins lourd a gérer qu’un ordinateur portable.

La ou le produit est innovant c’est que le NVS 2500 permet de relire les fichiers vidéo des codects suivants :

Ahhh, what an interesting time it is for RED One owners and enthusiasts. I am an enthusiast and will remain one until I make the next great Indie film that gets me major much or someone gives me one (and the editing system to support it). Cos lets just face facts – despite the fact that this camera is the most incredible and best prices camera in it’s domain – it is hectically expensive and requires a hectic editing setup to support and finish.
But having said that, RED is coming out with slightly less hectic and more affordable options – more about that and the interesting things that is RED later.

Camera Body $17500

Look to spend closer to $50k for kitting out this baby. But even with a pack of RED Primes and the best MacPro, RAID, Graphics setup – it is still very well priced – in.its.play.park.
All right let take a look at some spec candy. For the full effect of specification glazing see here.

There are various different output and acquisition formats, as well as different available frame rates. Quite awesome really.
I had the privilege to edit some 4k footage from the OpenCut Competition last year – wow.

Red One

I posted a tweet on Twitter recently, asking filmmakers (indie and otherwise) their thoughts on shooting on film or High Definition) if they had a a budget of $15 million dollars. The conversation erupted into a ful-fledged debate on the merits of each medium. The reason I chose this amount was arbitrary except for two things: 1) it’s the amount I’m going after for my next project and 2) it’s enough money to where the cost of shooting film is negligible.

A big reason why indie filmmakers like myself have shot in HD is because of the cost. You don’t pay for film stock, processing, development, or final assembly. Most if not all movies shot in film have a digital intermediate (DI) prepared for editing anyway. That said, there are many indie filmmakers who have expressed an interest in shooting film if given the chance and the money to do so.

So I asked, “Suppose you’ve got a budget of $15M to shoot your film. What do you do: shoot in film or HD?”

The answers came to me on Facebook and Twitter and I posted them on my primary WP blog at  http://www.AngeloBell.com and opened up the conversation to a wider audience. After I tallied the replies it became obvious that I could have easily titled this blog, “Film vs the RED ” as most people who said they would shoot HD would shoot RED.

For the Full Story, Click here: http://www.angelobell.com/2009/10/film-vs-hd-with-15m/

I don’t normally post skateboarding stuff even though I’m a massive fan, and have been since I was a little kid. I did grow up across the street from the Brooklyn banks and skated them for a few years as well. But the cinematic and photographic sense of this video is superb, and heeds the necessity of posting it here. It also looks as if it was shot with Red One camera.

 

As part of the continuing series on African Filmmaking, we look at a film that’s made acclaim in both filmmaking and development in Nairobi’s Kibera Slum.

We’re looking at Kibera Kid this time. A short film revolving around the choices that people have in Kibera, and one young boy’s choice to change his fate.

Otieno, a twelve year old orphan living in Kibera, Kenya, Africa’s largest slum,  lives with the Razors gang, his substitute family.  Otieno has to choose between a life of crime or redemption. KIBERA KID was shot entirely on location in Kibera, with a cast from Kibera. KIBERA KID has won seven international awards, including the prestigious student EMMY, has been screened at 38 international film festivals and has been featured by media throughout the world.

Nathan Collett, the film’s Writer/Director/Co-Producer studied African History at Stanford University, California, USA and completed his Post-Graduate degree in Film Production (MFA) at the University of Southern California Film School. Nathan was a Fulbright scholar (2006-2007), researching storytelling in Nairobi slums.

From this, he founded Hot Sun Films and it’s non-profit arm Hot Sun Foundation, both located in Kibera in Nairobi, Kenya. Hot Sun Foundation started the Kibera Film School to train youth in all aspects of filmmaking. Through filmmaking and cultural exchange, Nathan hopes to change the world’s impressions of Africa. And so far, with the progress Togetherness Supreme is making, they’re getting there.

Hot Sun Films is currently producing the follow up the 12 minute short, Kibera Kid. The first-ever feature film made in Kibera, TOGETHERNESS SUPREME, a story of hope and reconciliation. It’s a fictional feature film made through screenwriting workshops with over 50 young residents of Kibera and examines the events related to the 2008 post-election violence. It’s positive message and unique approach are sure to bring it success similar to the 7 Awards that Kibera Kid was awarded including a 2007 Student Emmy for Best Children’s Film. It’s also been covered extensively by Reuters and The BBC.

A Teaser for the film is out on Youtube and you can keep up with Hot Sun Films on Youtube here

The film’s cast all come from the Kibera Slum and are a part of the Hot Sun Foundation’s initiatives to bring sustainable development projects to Kibera. So far, they’ve kept a pretty detailed log of how things have been going as far as the filming and production of the film on their About Page. They’re shooting on a RED Camera, they’re the only ones at the moment with the RED One camera in East Africa. The first Kenyan film to be shot on a RED was Judy Kibinge’s short film The Killer Necklace a couple years ago.

A great film and an awesome initiative, it’s amazing to see this kind of dedication to developing Kibera, which will finally be known for something other than what’s been making the news recently: Slum Tourism. I can’t wait to watch Togetherness Supreme and all the other films that will come from the Kibera Film School.

A me Lady Gaga, in principio, piaceva eh.

Anzi, ha cominciato a piacermi quando nessuno neanche la conosceva (e ho testimoni che lo possono confermare).

La trovavo particolare. Poi boh, è esplosa. E qualcosa è cambiato. E’ diventata quasi un fenomeno (da baraccone?! ). Chiaramente ci fa, più che ci è. Non parliamo dei fan, che hanno visto in Stefania una sorta di “salvatrice”. Insomma, si è cominciato a vedere in lei qualcosa di più di quello che chiaramente é: una cantante pop. E ammetto che hanno iniziato a girarmi.

E’ uscita oggi in radio Bad Romance (prodotto ovviamente da Red One), il singolo di lancio tratto dalla riedizione del suo primo disco, The Fame: Monster, in uscita a Novembre e che conterrà otto brani inediti (tra cui l’orribile Alejandro). Beh, questo nuovo brano non mi dispiace affatto. Ricorda molto i suoi grandi successi, in primis Poker Face, quindi si è buttata sul “sicuro”.

Però vabbè, nonostante la trovi sopravvalutata oltre l’inverosimile, se c’è da dire che mi piace, mi piace.

A me Lady Gaga, in principio, piaceva eh.

Anzi, ha cominciato a piacermi quando nessuno neanche la conosceva (e ho testimoni che lo possono confermare).

La trovavo particolare. Poi boh, è esplosa. E qualcosa è cambiato. E’ diventata quasi un fenomeno (da baraccone?! ). Chiaramente ci fa, più che ci è. Non parliamo dei fan, che hanno visto in Stefania una sorta di “salvatrice”. Insomma, si è cominciato a vedere in lei qualcosa di più di quello che chiaramente é: una cantante pop. E ammetto che hanno iniziato a girarmi.

E’ uscita oggi in radio Bad Romance (prodotto ovviamente da Red One), il singolo di lancio tratto dalla riedizione del suo primo disco, The Fame: Monster, in uscita a Novembre e che conterrà otto brani inediti (tra cui l’orribile Alejandro). Beh, questo nuovo brano non mi dispiace affatto. Ricorda molto i suoi grandi successi, in primis Poker Face, quindi si è buttata sul “sicuro”.

Però vabbè, nonostante la trovi sopravvalutata oltre l’inverosimile, se c’è da dire che mi piace, mi piace.

Poster Pontypool

Buenas, después de mis grandes dosis de películas en Sitges y sus consiguientes horas de sueño, vuelvo a las andadas.

La peli que hoy os traigo se llama Pontypool, del director Bruce Mcdonald (Roadkill, Highway 61, Dance me outside, Hard core logo, The Tracey fragments) nos viene esta historia de infecciones víricas un tanto raras, de la cuál ya tenemos programada una secuela para el 2010 llamada Pontypool changes, sinceramente, la esperaré con ansias

Grant Mazzy (Stephen McHattie)

Nos presentan al elenco principal en nuestro único escenario, la emisora de radio CLSY en el pueblo perdido de Pontypool. El locutor de radio Grant Mazzy interpretado por Stephen McHattie (A history of violence, The fountain, 300, Watchmen), este locutor, recién contratado, no tiene pelos en la lengua. La jefa Sydney Briar, interpretada por Lisa Houle y por último, la bella Laurel Ann, interpretada por Georgina Reilly.

Estamos viendo en vivo la emisión del programa de nuestro locutor Big Muzzy, ah no, Grant Mazzy (broma para niños torturados por sus padres con el inglés), nos conectan con Ken Loney, nuestro “hombre en el aire” para que nos diga como se ven las cosas desde el “helicóptero”, a parte de pequeñas claro. A media conexión nos clavan al asiento con la locución de unas escenas que esta presenciando Ken justo delante suyo de una muchedumbre de gente con malas intenciones acumulándose en las afueras del pueblo al rededor de la consulta del Doctor Méndez (Hrant Alianak).

Nos van dando información sobre un brote de violencia que se va contagiando entre la gente, con llamadas telefónicas de vecinos, conexiones con Ken, todo a cuentagotas, dentro de la emisora, encerrados y con la sensación de que en el exterior se está armando una revolución de gente que va matando y comiéndose a la peña y que además se va propagando la “infección”. Una atmósfera claustrofóbica muy bien conseguida.

El sistema de transmisión de la infección, que no voy a revelar, es de la manera más rebuscada, increíble, absurdas y genial al mismo tiempo. Un aplauso por mi parte aunque es una película que tienes que mirar en serio para intentar pillar la idea final y sin esperar ver grandes dosis de sangre aunque la situación lo permitiría, eso si, rompería la atmósfera conseguida.

Una paja mental en toda regla, muy interesante, con buenas ideas, toques de humor perfectamente encajados y en la dosis justa, una peli que recomiendo si queréis pasar un buen rato con una buena peli.

Laurel Ann (Georgina Reilly)

Apuntes de la película:

- Esta película fue estrenada el 6 de setiembre de 2008 en el festival internacional de Toronto.
- Los productores escogieron producir esta película en Febrero del 2008 y en 3 meses consiguieron el dinero para producirla yendo de puerta den puerta pidiendo pasta a los colegas.
- La película se basa en la novela “Pontypool changes everything” adaptada por su propio escritor Tony Burgess.
- La emisora donde transcurre todo es el sótano de una antigua Iglesia, dónde también se grabó el piloto de la serie Fringe. Se tardó 3 semanas en acondicionar el sótano.
- La película se grabó en 15 días y secuencialmente.
- La película se grabó en la nueva cámara HD “Red One”, que opta a ser la sucesora de los 35mm y que convierte a esta película en la primera película canadiense hecha en este formato.
- Los efectos visuales están hechos por “Mr. X special effects house”, culpables de Max Payne, Resident Evil, Eastern Promises, Dawn of the dead.

We’re currently working with cameras that are designed for broadcast TV, or documentary production, or advertising.. applications where flexibility and economy come first over aesthetics. And that’s fine, it’s good to be familiar with these sorts of cameras because you see them everywhere. Whenever I see TV news camera people, I see the same fundamental camera body.. it’s not a DSR, but it’s certainly set up like one. Small-scale ads, docos, short films, and anything “HD” seems to be shot on something like a Z1, so it’s good to know how all that works.
But then there’s the other side of the scale.. digital cameras specifically designed for motion picture production. Obviously, I’ve never shot on one. I’ve looked at a few in late 2007, as part of a digital cinematography lecture, that’s about it. Point is, I want to become more familiar with these sorts of cameras.. knowledge is power and all.

RED ONE

So first there’s RED ONE. No one can shut up about RED, partly because it’s so price-competitive. You can buy a RED ONE body, outright, for something like $18,000. You can rent one for $850 per day. And for that price, you’re getting a 35mm CMOS sensor. This makes for shallow depth of field, and compatibility with all sorts of 35mm lenses, because the single CMOS sensor is of comparable size. The camera shoots in 4K resolution (massive), and compresses the data using a wavelet codec, meaning that the usual blocky compression artefacts of MPEG or whatever are absent. But it also means that to decode the wavelet, you need about 8 Mac Pro towers wired together.. some extreme processing power. So you generally take your hard drive to Lemac, they process the REDCODE for you and give you lower quality offline footage to edit. Once you’re finished, you go back and make the full quality online.. output it to film or whatever. I’m not sure how much it costs for them to decompress the REDCODE RAW into something usable.. should look into that.

Phantom 65

Moving on.. this one’s crazy.
The Phantom 65.. world’s first 65mm digital cine camera. Like RED, it shoots in 4K resolution, but the sensor’s a massive 65mm. The shallowness of this depth of field must be fairly incredible.. god help the focus puller. But the madness continues — at full resolution, this camera can record at up to 140fps, 313fps at 2K, 479fps at 720p… 34,482 frames per second, if you reduce image size to 16 pixels by 8. You wouldn’t, obviously.. but it’s impressive. Not sure how easy it is to get 65mm lenses, but if you’ve got the money for a Phantom, I guess you’ve got enough to get the corresponding glass as well. If not, there’s also a 35mm sensor version (Phantom HD) that outputs 1920 x 1080.. capable of 1000fps, full resolution. Jesus.

Thomson Viper

The Thomson Viper doesn’t seem quite as impressive, right after discussing RED and Phantom, but it has definite advantages. Its got a mechanical shutter, just like a film camera — meaning that bright light sources will not produce a ‘vertical smear’ like they would with an electronic shutter. Its sensor captures 1920 x 4320 pixels, and much of this is colour information. Whereas other cameras, such as RED, use a bayer pattern sensor to interpolate (mathematically predict) colour information, the Viper combines colour information from each of its three 2/3″ sensors, so there’s a separate Red, Blue, Green value for each pixel… which is why the vertical resolution is 4320. While the sensors capture in 1920 x 4320, the camera then creates a regular full HD image from this wealth of data (or you can output in ‘filmstream mode’… full uncompressed 4:4:4 RGB signal.. if you’ve got the hard drive space). The 3CCD setup, while providing a more accurate rendition of colours, also prevents you from using conventional 35mm film lenses.. that and the fact that it’s got 2/3″ sensors. So in terms of depth of field, it’s not going to be as shallow as RED or Phantom. It’s going to be comparable to 16mm cameras, or a DSR-450, etc.

Panavision Genesis

The Panavision Genesis takes a very different approach to the viper. There’s just one 35mm CCD sensor, capable of capturing full 4:4:4 colour data. The single 35mm chip allows for the use of 35mm lenses with shallow depth of field. Usually single CCDs are unable to capture colours accurately, hence the 3CCDs in the Viper, and the use of a CMOS chip in RED.. but apparently, Genesis makes use of a single CCD without compromising colour fidelity.. not that I’d know. The final image resolution comes out at 1920×1080 in native 16:9 aspect ratio. It’s good, but RED wins in terms of resolution output, and most likely price as well.

Sony F23

Finally, I want to quickly look at the Sony F23, because I hear it mentioned a lot without knowing anything about it. Right. So it’s another HD camera, 1080p output, with 10-bit 4:4:4 colour.. no interpolation. It uses three 2/3″ CCDs, like the Viper, and it can run at up to 60fps (pretend the Phantom doesn’t exist and you’ll be ok). Again, the depth of field’s not as shallow, and your choice in lens is limited by the prism system. Still. If someone knocked on my door and handed me an F23, I think I’d cope.

Obviously, this is a sweeping summation of some incredibly complex camera technologies. But it’s a start.

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