Quando noi, poveri esseri umani, vediamo uno shot che è il seguito di un altro, è nella nostra natura di mettere in relazione gli eventi che si verificano nel tempo e nello spazio. E’ qui dove comincia la teoria del montaggio. Ma prima, al fine di comprendere la teoria, essere chiari sulle caratteristiche più importanti della storia del montaggio video.Nei primi anni del cinema, il montaggio non è stato utilizzato come lo è oggi.

Il primo film su pellicola, fu di attualità, ad esempio: una nave entra nel porto.Tuttavia, non passò molto tempo prima che i film realizzati dai Fratelli Lumiere, e la società Edison, contenessero una trama. Le cose sono cambiate nel 1903. Edwin S. Porter è il padre del montaggio. Nel 1903, mette in atto le sue capacità senza precedenti di costruire un film e raccontare una storia da scene multiple, al contrario di quello che accadeva all’epoca in cui tutta la storia si svolgeva di fronte ad una telecamera fissa. Fu il primo ad utilizzare l’editing come mezzo per raccontare la storia del film! L’editing è ciò che in realtà dice la storia, non gli attori. Porter ha anche definito le transizioni dei film, che svolgono un ruolo importante nella teoria del montaggio. Ciò dimostra che in realtà ha visto l’editing come una forma d’arte, capace di raccontare storie in maniera indipendente. Porter è il padre del cinema narrativo.

Sono stati influenzato dalla teoria di Porter, (si possono visualizzare due scene non collegate e dedurre che le due sono in realtà collegate) i registi russi come Eisenstein e Kuleshov che lavorato per adottare questo principio nella loro cinematografia. Lev Kuleshov, un’icona del cinema sovietico, ha scritto saggi sulla sua comprensione della teoria del cinema. Uno dei miei saggi preferito è “Kuleshov: i principi di Montaggio”, dove spiega come il montaggio è veramente l’essenza del cinema.

L’ editing è la tecnica di utilizzare diverse scene apparentemente non correlate, e montandole assieme permettere al pubblico di dedurne il loro significato sequenziale. In realtà, queste inquadrature tendono a contrapporsi a vicenda, ma se abbinate in una sequenza di montaggio, tendono a produrre una rispostanel il pubblico. Questo tipo di cinema rende interattivi gli spettatori. Essi sono coinvolti nel processo del film e richiede un certo livello di intelligenza. Pertanto questo lavoro viene chiamato “montaggio intellettuale”.

Per capire il concetto base del montaggio Kuleshov immaginare il seguito:

• 1) Shot di una macchina che va a destra (tesi)
• 2) Shot di un bambino che va a sinistra (antitesi)
• 3) Una ruota di bicicletta giaceva a terra, la filatura, e un paio di scarpe slegati accanto ad esso.

Che storia pensi che è stato detto qui? Quel bambino il piccolo è stato colpito dalla macchina? Direi di si. Però tutte le riprese potrebbero essere state riprese in giorni diversi, in luoghi diversi, e con diversi attori che non si sono mai visti tra di loro. Ma in qualche modo, è nella nostra natura mettere in relazione le inquadrature diverse, perché sono uno accanto all’altra, e creare una storia. Questo è il montaggio intellettuale.

]]> http://dosarelepix.wordpress.com/2009/11/23/filme-de-vazut/ Mon, 23 Nov 2009 09:15:22 +0000 mihaisuzuki http://dosarelepix.wordpress.com/2009/11/23/filme-de-vazut/

De-abia astept sa vad filmul acesta :

Numai ideea ca regia ii apartine lui Quentin Tarantino ma face sa vrea sa-l vad.

Quest’oggi si parla di tutti gli Spettacoli che il Villaggio Valtur di Agadir ha proposto nell’estate 2009.

Quelli che mi son piaciuti di più, Legend, Regia, il Cabaret e quelli che mi son piaciuti di meno, Le perle di Agadir, Humanus, Notre Dame de Paris.

E ovviamente si parla delle emozioni che ci hanno regalato i ragazzi e le ragazze dell’Equipe di Agadir, chi ci ha fatto ridere, chi ci ha fatto commuovere.
Loro: Andrea, Mimmo, Vito, Charlie, Nahid, NisRin, Karima, Adil, Davide, Khalil, Tony, Enrico, Sasà, Andrea, Giuliana, Francesca, Pedro, Mounia, Hassan, Mattia, Marco.

Per non dimenticare

Spettacoli Valtur Agadir 2009

Unspektakuläre Toe-up-Sneakers aus den Java-Resten von diesen und diesen Socken für meinen Mann.

Die Ferse ist jetzt nicht gerade eine Vorführferse geworden, aber okay. Habe da zum ersten Mal die Toe-up Herzchenferse aus dem Genialen Sockenworkshop gestrickt. Und wie meistens bei so Techniksachen ist der erste Versuch ausbaufähig (was man auf dem Foto jetzt gar nicht so sieht). Aber ich werde (bzw habe schon) daran (ge)arbeiten(t)

Liebe Grüße

Gerlinde

Un altro grandissimo film da non perdere è “Apolcalypse Now”, tratto da un racconto di Joseph Conrad (La linea d’ombra) parla di un colonnello, kurtz, degli stati uniti in Vietnam che ha sconfinato in Cambogia dove ha costruito un piccolo impero personale. Al capitano Willard è affidata la missione di raggiungere il colonnello ed eliminarlo, il viaggio sarà terribile costellato di insidie ed orrori.

La parte saliente del film, ossia quella che rende diverso Apocalypse Now da un film prettamente didascalico sulla guerra del Vietnam, oltre alla stessa impostazione del film, che mette la guerra sullo sfondo, concentrandosi solo sul protagonista, è l’incontro tra il capitano Willard e il colonnello Kurtz, incontro carico di toni epici e misteriosi. Kurtz, un monumentale Marlon Brando, ripreso in penombra, sembra qualcosa di più e di meno di un essere umano. Egli spiega, tra le righe, la sua filosofia: occorre uccidere, distruggere e mutilare, anche donne e bambini, se la causa è giusta.
Il colonnello, che si è macchiato dei delitti più terribili, lo ha fatto per seguire fermamente il suo ideale, senza lasciarsi corrompere come gli altri militari o gli stessi membri del governo, che uccidono come fa il colonnello Kilgore, facendo insensate stragi, e poi si preoccupano di condannare lui come omicida (accusa quasi assurda nel bel mezzo della guerra del Vietnam). È dunque un eroe o un pazzo sanguinario? Willard cerca di capire la vera natura di Kurtz, ma più si avvicina a lui e più sente di condividere le sue idee, pur notandone l’evidente follia: Kurtz si crede onnipotente, perde di vista il limite umano. Deve, e vuole, essere distrutto.
Qui si scorge il contributo di James Frazer, antropologo che scrisse a proposito delle origini del mito e della religione nelle diverse civiltà umane. È palese la sua influenza dal legame che ha con il lavoro di Joseph Conrad e da un’inquadratura del film, nella quale si vede il più importante saggio di Frazer, Il Ramo d’oro. Frazer descrive come in molte civiltà primitive è facile per gli indigeni vedere in un essere umano un dio, e credere ciecamente in lui, obbedendo ad ogni suo ordine (esattamente come i montagnard fanno con Kurtz). Leggendo Frazer, la scena finale di Apocalypse Now diventa più comprensibile: quando l’uomo-dio manifesta i primi sintomi di cedimento e di prossima morte o malattia, per evitare che lo spirito divino fugga e sparisca per sempre, portando sciagura sull’intero popolo, è necessario che egli venga ucciso, trasferendo il potere nelle mani dell’omicida, il quale diventa il nuovo dio. Kurtz era malato, e aveva trovato un efficace espediente per evitare che gli indigeni lo uccidessero: essi, per placare la loro insofferenza e preoccupazione, nei momenti in cui Kurtz stava male, praticavano sacrifici animali. Ciò è chiaro nella scena dell’assassinio: Kurtz morente viene associato al bufalo sacrificato dagli indigeni (tra i quali balla forsennatamente anche Lance). Willard, dopo aver ucciso il colonnello esce dal suo rifugio e viene accolto dalla folla dei montagnard come un dio: essi si inchinano davanti a lui in silenzio.
Il regista, Coppola, spiega il suo ragionamento sul bene e sul male: un uomo che ha la possibilità di portare molto avanti il suo potere, può darsi che non riesca a fermarsi in tempo, e ad individuare il confine fra la propria anima ancestrale, violenta e amorale, e quella civile, perdendo di vista la possibilità di convivere con gli altri, se sono più deboli. E non è un caso, sembra dire Coppola, che questa filosofia venga normalmente applicata a quella guerra talmente sciagurata da confondere e stravolgere tutti gli aspetti della morale non solo americana, ma di tutto il mondo.
La luce gioca un ruolo fondamentale nel film: il suo taglio netto luce/ombra colloca i personaggi, che sempre vivono un dramma interiore, nella dimensione della tragedia imminente. Essi agiscono su un palco creato appositamente per loro, marionette i cui fili sono tirati dal crudele ed incorruttibile fato. Questo sembra essere chiaro: nessuno ha la facoltà di decidere del proprio destino, il libero arbitrio è solo una facoltà che ci illudiamo di avere.
E quel colonnello Kurtz, così gigantesco nel compimento di un destino già scritto, sa che non basta uccidere e massacrare per dimenticare la propria anima malata. Non serve la poesia, non serve la follia, non serve nascondersi nelle ombre e mostrare solo quello che si vuole.
La morte è l’unica amica nel mondo da incubo del Vietnam, in cui tutto è grottesco nella sua crudeltà. L’unica cura è la morte, che porta lontano da tutto l’orrore alienante della guerra.
Contrasta col titanismo eroico di Kurtz il piccolo capitano Willard, un Martin Sheen struggente, un uomo stanco che vive in un incubo. Divorato dai suoi demoni, agisce e vive senza crederci veramente. Il suo senso morale, o quello che ne resta, lo spinge a compiere la sua missione, ma la sua mente gli grida di scappare. Kurtz e Willard, due facce della stessa medaglia, l’uno lo specchio dell’altro, due uomini ormai a metà, ognuno dei quali ha nei confronti della propria mente un solo dovere: quello di non impazzire.

Für meine Patentante zu Weihnachten aus einer abgelagerten Regia Tibet Color. Um ehrlich zu sein: Die Farben sind nicht (mehr) so meins, aber meine Tante wird sich freuen. Wie alle Paar für sie, habe ich diese auch mit der Wickelmaschenferse gestrickt. Mittlerweile schaffe ich die auch lochfrei und sie geht mir wesentlich besser von der Hand als die Bumerang.

Liebe Grüße

Gerlinde

Sono da poco iniziate le riprese del seguito della fiction Squadra Antimafia, Palermo Oggi, prodotta da Pietro Valsecchi, per la regia di Pier Belloni, andata in onda dal 31 marzo al 5 maggio 2009, registrando picchi di share fino al 23,09%, con ben 5.933.000 di telespettatori nell’ultima puntata.

Confermato il vecchio cast composto da Simona Cavallari- Claudia Mares-, Claudio Gioe’- Ivan Di Meo-, Giulia Michelini- Rosalia “Rosy” Abate-, con l’ingresso di una new entry un po’ speciale: Alfredo Mongano, dipendente anche nella vita reale della Polizia di Stato.

La fiction, girata tra la Sicilia, Civitavecchia e Roma, si articolerà in 8 puntate, in palinsesto mediaset per la prossima primavera. Le prime indiscrezioni lasciano trapelare le tematiche principali intorno alle quali ruoterà la nuova serie: narcotraffico, incrocio tra mafia, servizi segreti e massoneria. In attesa di assistere alla visione auguriamo alla produzione e al cast di riscuotere un successo pari o superiore alla prima serie.

SweetArky89

I den minste størrelsen i alle fall.

Benjamins voksebody i størrelse 0-5 måneder er nå ferdig korrekturlest av mange flinke prøvestrikkere, og skal være feilfri og lettforståelig. 

Jeg er i gang med strikkingen av neste størrelse, 6-12 måneder. Var helt sikker på at to nøster var nok til den også. Men nei, nå har jeg to ermer og en nesten lang nok hoveddel, men ikke mer garn.

Typisk nok at akkurat denne fargen har gått ut fra leverandøren. Så hvis noen har et slikt nøste som dette (farge 5399 i Regia 4-fädig Nation Color) så er det velkommen hjemme hos meg. 

Jeg har heldigvis funnet det i en nettbutikk. Det føles jo litt teit å bestille ETT nøste garn fra en nettbutikk i USA eller hvor det var. Men det føles enda dummere at bodyen bare skal ligge der. Så da blir det vel til.

Una lezione su come si svolge il workflow della produzione video tenuto direttamente dalla Red Giant, nota casa di produzione di plugin.

Il cortometraggio è scritto, diretto e prodotto da Àlex Lora. Co-diretto da Andrés Bujardón. Direttore della fotografia: Vìctor Casasola. Musica: 13 Angels Standing Guard ’round the Side of Your Bed degli A Silver Mt. Zion. Sax suonato da David Jàcome.

In una città … anno 2010 … Non c’è scelta di trovare un appartamento in città. Tre personaggi  cercano di trovare una sede alternativa per riposare in pace … Una stretta distopia, uno stressante ricerca; impossibile interazione poetica verso una fuga …

AWARDS

-2009 – FIRST PRICE – XXXI ELCHE INTERNATIONAL FILM FESTIVAL (SPAIN)
-2009 – AUDIENCE AWARD IN VIII FESTIVAL 3 CANTOS (MADRID, SPAIN).
-2009 – JOAQUIM PORTER I MOIX AWARD IN V CELRÀ’S FILM FESTIVAL (GIRONA, SPAIN).
-2009 – CRISIS AWARD IN III METROPOL’HIS FILM FESTIVAL (L’HOSPITALET, SPAIN)
-2009 – 2ND BEST SHORTFILM IN THE 12TH YOUTH SHORT FILM FESTIVAL OF ELX (SPAIN)
-2009 – BEST EDIT IN THE 12TH YOUTH SHORT FILM FESTIVAL OF ELX (SPAIN)
-2009 – BEST SOCIAL VALUES SHORT IN THE 12TH YOUTH SHORT FILM FESTIVAL OF ELX (SPAIN)
-2009 – BEST FICTION SHORT IN FESTIMATGE CALELLA 09 (SPAIN)
-2009 – BEST DIRECTION IN FESTIMATGE CALELLA 09 (SPAIN)
-2009 – FIRST PRICE IN II SHORT FILM FESTIVAL EFATA (SPAIN)
-2009 – MOST INTERNATIONAL PROJECTION AWARD IN III FESTIVAL DIGITAL EL SECTOR (SPAIN)
-2009 – JURY MENTION IN III FESTIVAL DIGITAL EL SECTOR (SPAIN)
-2009 – FIRST PRICE IN THE HD SHORTFILM FESTIVAL OF MURCIA (SPAIN)
-2009 – 3RD PRICE IN THE III ACAR FILM FESTIVAL OF VALENCIA (SPAIN)
-2009 – SPECIAL MENTION IN THE I FESTIVAL DE CINE SOLIDARIO DE GRANADA (SPAIN)
-2009 – JURY PRICE BY MUCHO MAS QUE CINE ASSOCIATION – YEFF (SPAIN)
-2009 – 2ND PRICE IN 6TH PROYECTA 09 CEU VALENCIA (SPAIN)
-2009 – SPECIAL MENTION IN VIII FESTIVAL CORTOS POR CARACOLES SEVILLA (SPAIN)
-2009 – BEST DIRECTION IN IV YOUTH FESTIVAL HUETOR VEGA GRANADA (SPAIN)
-2009 – BEST SHORT IN II FESTIVAL DE CORTOS DE UTRERA (SPAIN)
-2009 – BEST SHORT WITH SOCIAL BACKGROUND IN ECOVISION 09 (ITALY)
-2009 – SPECIAL MENTION IN LE TROTTOIR IN CORTO OF MILAN (ITALY)
-2009 – SOCIAL VALUES AWARD IN KIMERA FILM FESTIVAL (ITALY)
-2009 – BEST EDIT IN IV SHORT SHORTS FILM FESTIVAL MÉXICO

Un’altro grandissimo regista che ha segnato la storia recente del cinema è senz’ altro Peter Greenaway che è considerato come uno dei più significativi cineasti della cinematografia britannica contemporanea, occupando di diritto un posto centrale nel dibattito sul cinema d’autore.

Figlio di un impresario edile e ornitologo dilettante, e di una insegnante, Peter John Greenaway nasce a Newport, in Gran Bretagna, il 5 aprile del 1942, trascorre la sua infanzia tra Londra e l’Essex, a contatto con la natura. A dodici anni, dopo aver deciso di diventare un pittore, Peter si iscrive al Walthamstow College of Art. Inizia a interessarsi all’arte cinematografica a sedici anni, dopo aver visto al cimema il film di Ingmar Bergman Il settimo sigillo.
Nel 1962, Greenaway realizza il suo primo cortometraggio: Death of Sentiment. Dopo aver tentato, senza riuscirvi di iscriversi alla scuola di cinema del Royal College of Art, torna alla pittura e nel 1964 espone per la prima volta i suoi lavori nella mostra ‘Ejzen’tejn at Winter Palace’, allestita alla Lord’s Gallery. Nello stesso periodo, inizia anche a scrivere i suoi primi romanzi, ispirandosi in particolare a Borges e a Italo Calvino. Nel 1965, dopo una breve parentesi come critico cinematografico, inizia a lavorare come montatore al Central Office of Information, un organismo governativo dove rimarrà per circa dieci anni, partecipando alla realizzazione di una ottantina di documentari, tra cui I am going to be an architect e Legend of birds. Sempre in questi anni Greenaway si dedica all’illustrazione di libri e alla scrittura di ben 18 romanzi, per i quali però non troverà un editore.
Utilizzando la struttura e i mezzi del Central Office of Information, Greenaway realizza alcuni cortometraggi come Treno (1966), un balletto meccanico dell’ultimo treno a vapore entrato nella stazione di Waterloo, Tree (1966), che mostra un albero rinsecchito circondato dal cemento all’esterno della Royal Festival Hall, e Windows (1975) che offre viste di paesaggi inglesi filmati attraverso varie finestre. Nel 1978, il British Film Institute produce il cortometraggio Un viaggio attraverso H (La reincarnazione di un ornitologo), che conquista il premio Hugo al Festival di Chicago. Due anni dopo, raccogliendo diversi lavori pittorici realizzati in varie occasioni e componendo 92 situazioni secondo il sistema della musica aleatoria di John Cage e dello spirito accumulatorio di una enciclopedia, Greenaway riesce a produrre il suo primo lungometraggio: Le cadute (1980), vincitore del premio del British Film Institute e dell’Age d’or a Bruxelles.

« Penso che nessun giovane cineasta agli inizi dovrebbe avere il permesso di usare una macchina da presa o una videocamera senza avere prima frequentato tre anni di una scuola d’arte. »
(Peter Greenaway)

Come si deriva dalla sua formazione di pittore, il principale interesse di Greenaway riguarda l’ arte figurativa e la pittura in particolare. I suoi film sono caratterizzati da un forte impatto visivo e da tematiche estreme come il sesso e la morte. L’arte stessa, come mezzo per interpretare la realtà, è spesso un soggetto portante dei suoi lavori. Da questo deriva la sua concezione del cinema come un tipo di arte figurativa, ne ricerca le fonti e i riferimenti culturali nella storia dell’ arte e nella storia dell’ iconografia in generale. La sua attenzione, e il suo maggior interesse si concentrano sulla pittura barocca e sul manierismo; Greenaway ritiene infatti il barocco come molto affine alla nostra epoca, che considera vuota di ideali propri, ma capace di rielaborare in una maniera eccessiva i risultati delle epoche precedenti. Ama in particolare le opere di alcuni artisti, come il Tiepolo, il Bronzino e Veronese
L’interesse di Greenaway per la pittura si concretizza nel suo linguaggio cinematografico, a partire dalle singole inquadrature dei suoi film. Queste sono realizzate come opere pittoriche, sia che si tratti di scenografie semplici e spoglie o al contrario che siano ridondanti e barocche. Sempre Greenaway parte a considerare le inquadrature dei suoi film come se fossero dei campi chiusi (dalla cornice dello schermo cinematografico), e vi lavora finché non sono completamente risolte da un punto di vista della composizione e di ogni piccolo dettaglio. Una volta definite e concluse in maniera statica, le inquadrature possono diventare parte della sequenza filmica. L’estrema ricchezza di particolari delle scene di Greenaway, viene poi sottolinata dal particolare montaggio dei film. La generale staticità delle inquadrature, l’utilizzo dello zoom, di movimenti di camera lenti, soprattutto lungo direzioni ortogonali alla macchina, la presenza delle tecniche del piano sequenza e della carrellata, usati per lunghe sequenze temporali, servono a focalizzare l’attenzione dello spettatore sulla complessità della costruzione scenica, sui dettagli e sul loro significato simbolico.
Una caratteristica evidente nei film di Greenaway è la scarsa attenzione destinata all’intreccio della trama, che sembra invece relegata a un aspetto secondario. In realtà, le trame dei suoi film rispondono a una diversa concezione del racconto. Una delle critiche maggiori di Greenaway riguarda la narrazione tradizionale applicata alle sceneggiature dei film; quel tipo di narrazione che ha un inizio, uno sviluppo che coinvolge l’azione dei protagonisti, un colpo di scena e un finale conseguente. Le Storie del regista gallese si strutturano invece partendo da schemi diversi. Basa i suoi racconti su dei sistemi di segni, che usa poi come filo conduttore delle trame. Questi sistemi di segni sono vari, e nel corso degli anni Greenaway ne ha sviluppali diversi, partendo ad esempio dalla numerologia, o dalle lettere dell’alfabeto, o dai colori. In Lo zoo di Venere, per citare un caso, sono le lettere dell’alfabeto a sostenere la struttura profonda della trama.
Riassumendo, l’obiettivo del regista non è quello di impressionare o emozionare lo spettatore con l’inteccio narrativo o con la spettacolarità dei suoi film, quanto quello di privilegiarne l’impatto visivo. Il suo desiderio è quello di immergere lo spettatore dentro il suo universo simbolico di forme, di sommergerlo con una serie infinita di dettagli e indizi, disseminati lungo tutte le sue inquadrature, di modo che da ogni particolare sia possibile derivare sempre nuove aperture e suggestioni.
Greenaway insiste da sempre sul concetto di sperimentazione in campo cinematografico, e sul tentativo di superare quelli che sono per lui i principali limiti del cinema tradizionale, e cioè la trama narrativa, gli attori, la cornice e la macchina da presa. Il ricorso alla tecnologia digitale, anche derivata da altri media, è vista dal regista come una grande opportunità per approdare a un genere di opera cinematografica non vincolata a un solo punto di vista, ma fruibile in maniera multidimensionale.

I suoi film più importanti sono:

I misteri del giardino di Compton House (1982), Lo zoo di Venere (1985), Il ventre dell’architetto (1987), Giochi nell’acqua (1988), Il cuoco, il ladro, sua moglie e l’amante (1989), L’ultima tempesta (1991), I racconti del cuscino (1996), Nightwatching (2007)

Importantissima anche la sua installazione multimediale realizzata a Milano per “L’ultima cena di Leonardo”.

Lo zoo di venere

Nightwatching

I misteri dei giardini di Compton House

L’ultima cena, installazione a Milano

Lest We Forget è un corto con Mark Ashworth, diretto da Brandon McCormick e prodotto in quattro settimane presso Whitestone.

Il film è stato realizzato in associazione con Paste magazine per la loro campagna Save Paste. Potete donare per salvare la rivista dalla chiusura.

Nessuno vive invano. E qualche volta, qualcuno riesce anche a non morire invano. Sebbene ogni vittima di ogni guerra sia un imperdonabile peccato.

ed ecco il making of

Vediamo quali sono le maggiori  professionalità che ruotano nell’ambito di una produzione cinematografica:

Il Produttore

E’ il finanziatore del prodotto cinematografico.Prima, era un mecenate, oggi è solo un esecutore , usa i capitali di banche e di società. Siccome il film necessita di investimenti anche miliardari, egli concorda con il regista la scelta del soggetto, che può nascere da un’idea, un libro, un incontro, della sceneggiatura, degli attori… e finanzia tutte le operazioni e i personaggi coinvolti nel progetto, fino alla proiezione del film nelle sale cinematografiche.

Lo Sceneggiatore

Elabora l’idea, il soggetto, la scaletta, il trattamento e la sceneggiatura per rappresentare audiovisivamente una storia. È colui che scrive il film prima ancora che sia girato.

Il direttore di produzione

Deve saper parlare tutte le lingue dei mestieri del cinema; il produttore ed il direttore di produzione sono in stretto contatto tra di loro.Preparano e fanno firmare i contratti , fanno realizzare costumi e scenografie, in studio o reali.
Egli coordina anche la fase della post-produzione, dal montaggio alla sonorizzazione, dal taglio del negativo alla prima proiezione del film.

Il Regista

E’ colui che dirige la piccola comunità che popola un film durante le riprese; decide (con lo sceneggiatore e il produttore) il soggetto da rappresentare, poi, con lo scenografo, il direttore di produzione e l’aiuto- regista, effettua la scelta delle location (i luoghi dove si effettuano le riprese), del cast artistico e tecnico, allestisce e dirige la troupe.

Aiuto regista

E’ il più stretto collaboratore del regista ed è responsabile di tutte le comparse, dirige l’animazione delle scene di massa e dei cosiddetti fondi.

Il direttore della fotografia

E’ la persona che si occupa della luce e dei colori delle scene di un film. Deve scegliere le location, decide il numero dei tecnici da impegnare nel parco-luci, ecc.

L’operatore di macchina

E’ un tecnico che realizza le inquadrature con i movimenti di macchina.

Lo scenografo

Cerca, trova, costruisce, modifica il set , deve conoscere la storia dell’arte e le epoche storiche per poter costruire una scenografia sempre più adatta al genere e all’epoca e funzionale alle esigenze della scena. Deve conoscere la sceneggiatura e le intenzioni del regista per poterne interpretare lo stile.

Il tecnico del suono

Si occupa della registrazione dei dialoghi.

Il compositore

Si occupa della composizione delle colonne sonore.

Il montatore

E’ uno dei personaggi più importanti per la buona riuscita di un film. Assistito dal regista, visiona tutta quanta la pellicola, sceglie le inquadrature che ritiene più espressive, elimina alcune parti e unisce insieme altre. E’ lui che sovrintende alla confezione finale del film per dare unità di stile e un giusto ritmo al prodotto.

Operatore di effetti digitali

E’ l’artista che si occupa di effetti digitali di postproduzione, lavora in team con il montatore ed il regista.

Il distributore

Colui che si occupa della commercializzazione finale del prodotto.

]]> http://twilightfandom.wordpress.com/2009/10/15/new-moon-i-breve-ma-cosa-ci-fa-alessio-boni-in-mezzo-ai-volturi/ Thu, 15 Oct 2009 12:40:35 +0000 dianacullen http://twilightfandom.wordpress.com/2009/10/15/new-moon-i-breve-ma-cosa-ci-fa-alessio-boni-in-mezzo-ai-volturi/ http://lafrontierascomparsa.wordpress.com/2009/10/15/michel-gondry-air-france-spot/ Thu, 15 Oct 2009 08:00:14 +0000 Sergio Alberini http://lafrontierascomparsa.wordpress.com/2009/10/15/michel-gondry-air-france-spot/

Spot per Air France dove Gondry mostra tutta la sua arte onirica e di precisione nel montaggio e nell’effettistica. Bellissimo.

Oggi continuo con la presentazione di registi che hanno fatto la storia del cinema: Guerre Stellari (in originale Star Wars) è una saga cinematografica creata da George Lucas. La trama, scritta negli anni settanta, è una delle poche serie di space opera nel cinema. Inizialmente composta da una trilogia, Guerre Stellari si è ampliata tra il 1999 e il 2005, diventando un’esalogia. Il primo film della serie, intitolato semplicemente Guerre Stellari, uscì il 25 maggio 1977 negli Stati Uniti d’America (il 21 ottobre dello stesso anno in Italia) e divenne fin da subito un fenomeno, grazie alla miscela di elementi presi da cinema, fumetti e televisione.

George Lucas ha più volte ammesso di essersi ispirato a diversi generi letterali e cinematografici a lui cari, come i western, i telefilm seriali (specialmente Flash Gordon), e le opere del regista Akira Kurosawa, tra cui La fortezza nascosta e I sette Samurai; Lucas ha affermato che le figure della cavalleria medievale, dei cavalieri, del paladino, e di altre cariche della società feudale hanno inspirato diversi personaggi e concetti presenti nei film. Il lavoro dell saggista Joseph Campbell, specialmente il libro L’eroe dai mille volti (The Hero with a Thousand Faces), ha inoltre fortemente influenzato Lucas.

Una nuova speranza è stato pesantemente inspirato dai film di Akira Kurosawa, come La fortezza nascosta e La sfida del samurai. Il parallelo più evidente è quello tra i due contadini e i droidi C-3PO e R2-D2, in quanto il film viene visto dal loro punto di vista. Lucas ha inoltre citato Sentieri selvaggi e Lawrence d’Arabia come fonte d’ispirazione.

Le scene della battaglia finale in Una nuova speranza sono basate sui combattimenti aerei della seconda guerra mondiale; il personaggio di Jabba The Hutt fu inizialmente concepito sulle fattezze di Sydney Greenstreet, così come appare in Casablanca. Ne La vendetta dei Sith, le scene di battaglia ambientate su Kashyyyk sono un omaggio alle inquadrature iniziali de Salvate il soldato Ryan. Le grandi battaglie tra le navi, le manovre di fiancheggiamento rievocano le atmosfere dei film di genere piratesco; Anakin Skywalker che accetta di unirsi a Palpatine per sapere come salvare quelli che ama è una marcata metafora del dottor Faustus.

Eigentlich finde ich es ja viel spannender, Fotos von verstrickter Wolle zu zeigen oder anzugucken. Aber ich bin soo stolz auf das, was da in den vergangenen Wochen aus den Koffern meiner Besucher “geflogen” ist – das muss ich hier einfach mal loswerden!!

Meisen fühlen sich auch in Kapstadt sehr wohl, schließlich haben wir hier jetzt Frühling - und dank Daniela hab’ ich nun Nachschub für weitere Handschuhprojekte  . Zum Beispiel aus Granatapfel, Campari Piccolo oder einem Wellensittich in tollen Grüntönen.

Wenn ich ganz zufällig mitbekomme, wie der Wollmeisen-Shop aufgefüllt wird und nur mal so zum Spaß ein bißchen was in den virtuellen Einkaufskorb packe, dann kann es passieren, dass ich meine Wollkaufbeschränkungsvorsätze ganz schnell über den Haufen werfe. Deshalb bin ich nun stolze Besitzerin eines Überraschungspaketes von fünf “We’re different”-Strängen. Wenn schon, denn schon - schließlich waren Farbtöne in Gelb-orange angekündigt.

Als wären sie für mein Lieblingsfarbenspektrum gefärbt! Wenn ich richtig gerätselt habe, handelt es sich um eine Clementine, eine Sonne, einen Bob, ein Versuchskaninchen und einen richtig schön grünen Mistelzweig – auf dem Foto konne ich ihnen leider ihre wahre Schönheit nicht entlocken, aber die sehen alle klasse aus!!

Ganz frisch eingeflogen ist ein Geschenk von Daniela. Sie scheint sich immer ganz genau zu merken, was ich so schreibe oder kommentiere . Und sie kennt auch meinen Farbgeschmack, wie man an dem orangen Drachenstrang eindeutig erkennen kann. Ganz besonders habe ich mich aber über den Strang daneben gefreut. Mein erster “Socks that rock” – ich hab’ ja häufiger mal erwähnt, dass ich die Wolle gerne mal ausprobieren würde!! Vielen herzlichen Dank, Daniela.

Das passende Anleitungsheft mit vielen Zopfmustern hat sie auch noch dazugepackt. Deshalb schlage mich jetzt mit dem Luxusproblem herum, was ich zuerst anstricken soll. Denn auch meine Besucherfamilie hat mich mit Wolle und Strickanleitungen überrascht.

Auch eine Premiere, die Galaxy hab’ ich noch nie verstrickt. Ich bin gespannt, ob ich die typische Musterung hinbekomme.

Und dann war da noch mein Opalabo, der Vollständigkeit halber . Ich mag es diesmal sehr gerne und bin froh darüber, dass ich es noch nicht abbestellt habe.

Jetzt geh’ ich mal verstrickte Wolle fotografieren, das ist dann doch spannender!

Pattern: None. Started with Broad Street from Knitty, but that come out huge, so I made up my own, fingers down.
Yarn: Regia 4-ply in color 2004
Needles: US 3/3.25 mm

So I have this pair of machine-knit glittens that I got from Kohl’s and I love them to death. But I, being a knitter, decided I must make my own fingerless gloves as a foray into fingering yarn that isn’t knitted on giant needles into lace. I’d had a million pairs of fingerless mitts, but I decided my new gloves must have fingers, and patterns for those are somewhat harder to find. I love how these came out though, once I figured out what the hell I was doing.

And the figuring out took some time. The first glove i made was too big in the hand (I didn’t decrease enough after the fingers), the thumb was in a weird place, and the cuff, which I made while following Broad Street and didn’t want to frog, was grafted to the hand of the glove. Except the stitch numbers were uneven, so there was random decreasing and whatnot.

The second glove was much better. The thumb was still in an odd place and the ribbing started a bit late, but it’s a good, sturdy glove.

The third glove has a proper thumb, fit snugly, and has late ribbing to match the second. I’ll be keeping the last two, and the first one was… destroyed. I didn’t frog it, really, because I still had a fair amount of yarn left after knitting the next two. I did, however, chop the cuff off of it in order to knit the fingers of the third one.

In other knitting news: Owls is done and pictures were taken, so look for that soon. I also started a new project (socks) and will be starting a new sweater soon. So stay tuned. : )

Un incredibile short-film creato e diretto da Robin Risser, suo progetto di tesi presso la ESAG-Penninghen.La solitudine, un sentimento universale e la ricerca della speranza, questo è il motivo portante dell’opera.

Created and directed by Robin Risser
robndesign.com

Entierly filmed with a Canon EOS 5D Mark II