Una parte importante de la obra de muchos pinto- res siempre fue el estudio de las obras de otros pintores, copiarlas, analizarlas,  descomponerlas y recomponerlas hasta hacerlas  propias. Hay innumerables ejemplos de cuadros  re interpretados a  través   del espíritu  de  cada pintor. En este pequeño artículo nos proponemos repasar algunos de  estos cuadros que nos muestran  una re interpretación diferente, es decir, la  visión  distinta de cada pintor.

Durante  sus  años  de  estudio,  Auguste  Renoir (1841 – 1919) pasó horas copiando, en la compañía de su amigo Henri Fantin-Latour (1836 – 1904), las obras de los grandes maestros franceses, italianos y holande- ses. “La pintura sólo puede ser aprendida en los museos. Cuando digo que la pintura tiene que ser aprendida al Louvre, no quiero sugerir que hay que copiar lo antiguo para pintar como Rafael o Rubens. Hay que pintar con- forme la época en la que vivimos. Pero sólo en los mu- seos nos surge el deseo de pintar…La naturaleza no nos puede incumbir este sentimiento. El ser humano no decide ser pintor cuando ve un panorama bonito, sino cuando mira otras pinturas.”

Fue  influenciado por varios pintores, como  Bou- cher,  Delacroix,  Ingres.  Renoir  busca  su inspiración sobre todo en Ingres (1780 – 1867)  y  en su “Baño turco“ al pintar sus “Les Grandes Baigneuses”, con sus cuerpos femeninos de líneas claras y precisas y el color de  piel suave. Es evidente la influencia de Ingres también en la representación de las tres mujeres en el primer plano del cuadro. La influencia de Rafael, que descubrió durante sus viajes a Italia también se puede notar en  este mismo cuadro: “Vi en Roma  la Venus de Rafael…sus manos…maravillosas …”

En  1881 pinta El Almuerzo de los remadores, el  cuadro que sería uno de los más importantes de  la pintura impresionista. Renoir capta el particular efecto de luz tamizado por el toldo y evoca la atmósfera de un día lleno del sol del verano al borde del Sena. Sus cuadros son una galería de retratos de amigos y conocidos del pintor. La hermosa joven que juega con el perrito es Alice Charigot, que años más tarde será su esposa. En frente de ella, la actriz Ellen André, que observa enternecida a su novio, el rema- dor. Apoyados en la balaustrada, el propietario del hostal y su hija Alphonsine. Al fondo, el banquero y coleccionista de arte impresionista Charles Ephrussi.

En 1906, le toca a Paul Cézanne (1839 – 1906) inspirarse tanto en Ingres como en Renoir. Él también se vuelve obcecado por este cuadro que pinta durante 10 años. Mientras que Cézanne pintaba sus “Les grandes Baigneueses”, un buen amigo suyo escribía:”realizó por lo menos 30 cuadros de prueba, de pequeñas dimensiones, entre éstos, dos o tres son muy buenos y atrevidos; también realizó un montón de esbozos, acuarelas y diseños que podían formar un álbum entero.” Fue así que nació una de sus mayores obras.

Hay tres cuadros titulados “Les grandes Baigneueses”, muy parecidos entre ellos, pero la mayor intensidad se concretizó en el cuadro que ahora puede ser visto en Philadelphia. Los colores simples y armoniosos están empleados como si se  tratara de una acuarela.

La  pintura  de  Cézanne  tuvo  un gran impacto sobre el arte  del siglo XX, incluyendo el arte abstracto. A partir de Cézanne se desarrollan casi todas las corrientes del siglo XX. Los simbolistas ven a Cézanne  como  su Maestro.  Matisse  afirma:  “Cézanne es el Maestro de todos nosotros.”

Pablo  Picasso sabe  cuanto  le debe a Cézanne él también. Después de la muerte de  Cézanne, pinta, en 1907, su famoso cuadro “Las Señoritas de Avignon”, que es un homenaje al cuadro “Les Grandes Baigneuses” de su predecesor y un reconocimien- to  sincero de su admiración por  Cé- zanne.

Con este cuadro, Picasso marca el despegue definitivo del arte contemporáneo. Antesala del Cubismo, esta escena de burdel aborda con un nuevo   lenguaje   un   tema   tradicional. Desde un interior angosto, en articulados planos cromáticos, las meretrices, como si de geométricos tótems se tratase, interpelan con  desafiante mirada.

Una reinterpretación del cuadro “Venus de Urbino“ de Tiziano (1488 – 1576) hizo Édouard Manet ( 1832 – 1883) en “Olympia” en 1863. La obra produjo uno de los escándalos más famosos de la historia de la pintura, cuando fue presentada en 1865 en el Salón. Manet se liberta de los lazos convencionales pesados pero  también guarda la energía y la actualidad del cuadro de Tiziano. Su modelo fue Victorine Meurent. Su deseo de  mostrar una mujer concreta, a partir de la cual pretendía crear una  Venus moderna asombró a sus   contemporáneos. En el cuadro todo indica, utili- zando las palabras del propio Manet, “la sensualidad dura  de  Victorina”. Las  tonalidades  blancas  de  los materiales (las sábanas y hasta el chal) están representadas de  un modo tradicionalista., cubriendo e iluminando la belleza del cuerpo. La pequeña cinta de ter- ciopelo negro, atada alrededor del cuello, es “el último obstáculo hasta la desnudez total”, escribía más tarde Michel Leiris (1901 – 1990). La cinta desnuda todavía más el cuerpo, y, gracias al poder del contraste, realza los tonos suaves de la piel. El gato negro substituye el perro adormecido del cuadro de Tiziano.  Baudelaire, al ver el gato, exclamó: “¡Maravilloso gato, duérmete sobre mi corazón apasionado!”. El ramo de flores en la mano de la sirvienta también escandalizó, por ocu- par casi tanto espacio como el desnudo. “¡No es saludable que un ramo de flores gozase de más atención que un cuerpo de mujer!” lo burlaba un crítico.

Pero, muchos jóvenes pintores  demostraron su entusiasmo  por  la  obra  de  Manet.  Cézanne afirmó: “¡Usted logró una obra tan grande como sólo un pintor verdadero puede llegar a crear!” y en los años 70 pintó dos variantes de la Olympia moderna.

Unos  años  después,  Paul  Gaugain (1848  - 1903)  también  reinterpreta  este  cuadro  famoso  que despierta el escándalo, creando una Olympia oceánica. La copia de la Olympia estaba colgada en la pared del taller del artista en los  trópicos. El  cuadro  de Gaugain “ Tre Arii  Vahine ” (1896) será comprado por Degas que lo guardará hasta el final de su vida.

En 1903, el joven Picasso también llega  a  ser influenciado por Manet y realiza “La  Parodia  de Olympia” .

Del “Retrato del Papa Inocencio X” de Velázquez , se ha dicho que es el mejor retrato de toda Roma. Velázquez consigue en este cuadro, sin apartarse de los esquemas tradicionales de retratos pontificios, imponer su personal toque de novedad. Sorprende por su veracidad y el estudio psicológico del personaje, hasta el punto de que el propio retratado exclamó “demasiado real” al verlo.

“El Retrato del Papa Inocencio X” de Velázquez fue el blanco de la interpretación aterrador de Francis Bacon en 1953.  El cuadro muestra la expresión torturada de un papa sangriento, encarcelado en una construcción tubular semejante a un trono. El fondo, pintado en líneas verticales, realza cruelmente la figura que grita, inmovilizada, impotente, con los puños apretados.

El retrato de Velázquez obsesionó en toda una etapa de su vida a Francis Bacon, que hizo de él numerosos estudios, los más famosos muestran a un Papa de rostro deformado, profiriendo un grito de angustia existencial.

Procedente como Velázquez de un país de profundas raíces católicas, Bacon convierte sus estudios de Papas en un claro ataque a la religión, al dogma y a la autoridad de la Iglesia.

La maestría del pintor inglés Glenn Brown, (nominado al premio Turner del 2000), radica en esa mezcla bizarra de gélida nostalgia con euforia petardista donde coexisten visiones repetidas de humo sólido, realizadas con exquisitez de fina repostería. Piel azul poblada de costras radioac- tivas que reflejan una época de futuro anterior para el cuerpo y el planeta. Entre representaciones de obras de los grandes maestros figuran  Rembrandt, Goya, Velázquez. El Retrato del Papa Inocencio X por Velázquez fue el punto de partida para su retrato de Mark E. Smith.

Leo esta mañana en la web del periódico Público un artículo sobre el fundador de los Creative Commons en el que continúa defendiendo el modelo híbrido en el que se ha pasado de una sociedad de sólo lectura que no participaba en la creación, a una híbrida de lectura-escritura en colaboración. Personalmente, todavía me rasco los ojos cada vez que leo que Internet está consiguiendo ésto, me encanta, estoy super contento porque es justo lo que los artistas necesitan, es como tener un workshop diario y continuado durante 365 días al año, con ideas y proyectos entremezclándose para avanzar hacia un destino que seguirá siendo incierto (por eso es arte, porque no son acciones deterministas, es pura indeterminación dependiendo del estado de ánimo del artista-creador. Más arte que eso no puede haber.

Desde PlanetaNeutral apoyamos y apoyaremos siempre los CC. El futuro, esperanzador (por lo menos en propuestas), tiene los dados. Esperaremos a ver cuánto saca.

Fuente: La libertad en Internet facilita el éxito de los artistas

Esta es el segundo remake en SACD (Super Audio CD) en ser lanzada por los estudios Zenph; la primera fue la grabación “Las variaciones Goldberg de la obra de Bach”, de Glenn Gould, edición Columbia 1955 y completamente recreada.

El equipo de proyectos del estudio Zenph dio luz a las grabaciones originales del 78 de la mano de Art Tatum en el año 1933 con las primeras cuatro canciones de este CD. Fueron los cuatro primeros cortes comerciales del pianista, quien falleció en el año 1956. Los temas del 5 al 13 provinieron de un concierto en vivo presentado por Gene Norman en Los Ángeles en 1949. Esto se dio justo cuando la cinta magnética estaba siendo introducida en el mercado estadounidense por Ampex. En ese momento, Zenph identifica cada parámetro de cada nota grabada originariamente e ignora todo el ruido, distorsión, variaciones de velocidad y otros imperfectos de las antiguas grabaciones. Los algoritmos computacionales de Zenph replican exactamente lo que hacían los dedos y pies de Tatum. Luego procesa la información hacia el control de un Yamaha Disklavier Pro Mark III Gran Concierto de más de dos metros de largo, el cual toca posteriormente la interpretación de Tatum sin ninguna imperfección. Luego, esta grabación puede ser grabada en DSD en sonido surround, e incluso utilizar un Neumann KU-100 de cabeza bineural, que replica la información espacial en dos canales para auriculares.

Sobre este preciso trabajo que el equipo de Zenph realizó sobre los originales de Tatum, se descubrió que la compañía había grabado mal la velocidad en algún momento durante la producción del original del 78, y que Tatum, en realidad, había tocado 12 de los 13 temas incluso más rápido que la velocidad a la que habían grabado el demo anterior. Sus altibajos ornamentacionales en la velocidad de los temas sobre el teclado suenan tan fenomenales hoy en día como en la antigua grabación. El cofundador de Zenph, John Walker, dijo que una vez que han acumulado suficiente información acerca del estilo de interpretación de un autor tal como Gould o Tatum, pueden aplicarlo a melodías que ellos nunca han interpretado. Y los futuros remakes no se encontrarán limitadas a los pianistas. La tecnología ya ha sido aplicada a cuerdas de bajo como segundo instrumento de remake (reinterpretación).

Una situación de grabación en vivo fue montada nuevamente para la reinterpretación. En los temas del 5 a 13 y sus bineurales equivalentes de 18 a 26, se puede oir a la audiencia aplaudir en el Auditorio Shrine de Los Ángeles luego de cada asombrosa selección del Yamaha Disklavier y su fantasmagórico pianista. Esto ocurre debido a que todas las selecciones originales de Tatum de todos estos temas fueron grabadas en vivo nuevamente en el año 1949 en el mismo auditorio. Incluso si no tienes auriculares hi-end ni ningún modo de leer la capa SACD de este disco, puedes intentar con los temas bineurales: 14 a 16.

Experimentarás la música como si fueras el mismo Tatum, sentado en la banqueta del piano. Las cuerdas graves sonarán frente a ti a la izquierda y las agudas a la derecha. Es realmente una sensación de misterio profundo, el estar justo allí, y no requiere el formato SACD más desarrollado para sentir el efecto.