Richard Strauss (1864-1949)
Concerto in D major for Oboe and Small Orchestra

• I. Allegro Moderato

Oleg Balanuta – Oboe
The Lebanese National Symphony Orchestra,
conducted by Walid Gholmieh

youtube upload by Baal16

Very sad to hear of the passing of Elisabeth Söderström, aged 82.

Swedish soprano, un-diva-ish diva, full of fun and laughter, great star of Glyndebourne when I was there in the 1970s. The definitive Countess in Richard Strauss’s Capriccio, sang all three leading female roles in Der Rosenkavalier (once all three on the same night!), pioneering exponent of Janacek (especially Emilia Marty in The Makropulos Case); a very moving Leonore in Beethoven’s Fidelio; also sang Tatyana in Eugene Onegin, Melisande in Debussy’s opera, and many more. Champion of songs and lieder in a surprising number of languages! Her last role on stage was the Countess in Tchaikovsky’s Queen of Spades.

Thank you, Elisabeth, for brightening all our lives.

more here:
http://www.telegraph.co.uk/news/obituaries/culture-obituaries/music-obituaries/6629452/Elisabeth-Soderstrom.html

http://www.washingtonpost.com/wp-dyn/content/article/2009/11/21/AR2009112102168.html

Pomysł prosty i na pewno ktoś już na taki wpadł. Oto lista pięciu utworów muzycznych, które odnoszą się do konkretnych pór dnia. Żeby było ciekawie, listę postanowiłem ograniczyć do muzyki poważnej. Więc proszę nie liczyć na Gimme Gimme Gimme (A Man After Midnight) ani na którąś z pięćdziesięciu piosenek o tytule Sunday Morning. Zaczynamy od świtu:

Świt nad rzeką Moskwą, Modest Musorgski. Początek opery Chowańszczyzna, której nie widziałem, ale ma świetny tytuł. Fragment ten ilustruje najprawdopodobniej świt nad rzeką Moskwą.

Sunday Morning, Benjamin Britten. O, jednak będzie ten tytuł! Jeden z instrumentalnych przerywników Sea Interludes z opery Peter Grimes. Miał być Poranek Griega, ale przez kilka lat miałem to jako budzik w telefonie, więc już mi wystarczy.

Popołudnie fauna, Claude Debussy. Przełomowy utwór – po nim muzyka poważna nie była już nigdy sobą. Nie mylić z “Popołudniem fauny”, popularnym programem przyrodniczym.

Im Abendrot, Richard Strauss. Tytuł “O zmierzchu” oznacza tu wprawdzie ostatnie lata życia. Żeby jednak pasowało do listy, udajmy, że to tylko o tym, jak słonko zachodzi.

Um Mitternacht, Gustav Mahler. W ten oto późnoromantyczny sposób dotarliśmy do północy. Najlepsza pozycja na płycie Mahler Midnight Moods. Nie mylić z piosenką Gib mir, gib mir, gib mir einen Mann nach Mitternacht.

Zachęcam do klikania w linki, póki działają oraz do podawania własnych propozycji.

Animowany obrazek: Nevit Dilmen, Wikimedia Commons.

Fritz Reiner ©Life

Il 15 novembre 1963 moriva a New York Fritz Reiner. Era nato a Budapest il 19 dicembre 1888 e fu avviato dal padre agli studi giuridici. Successivamente studiò pianoforte e composizione alla Accademia Franz Liszt della città natale, avendo come maestro Béla Bartók. Dopo un’attività iniziale presso l’Opera di Budapest, diresse a Dresda dove fu a lungo in contatto con Richard Strauss. Emigrò negli USA nel 1922 e nel 1928 ne prese la cittadinanza. Inizialmente direttore a Cincinnati (dal 1922 al 1931), quindi insegnò al Curtis Institute di Philadelphia, dove ebbe tra gli allievi Leonard Bernstein. Dal 1938 al 1948 fu direttore alla Pittsburg Symphony. Diresse molto al Metropolitan di New York. Dal 1953  al 1963 fu direttore della Chicago Symphony Orchestra, che sotto la sua guida divenne una delle migliori orchestre del mondo.

Fritz Reiner nel 1950 ©Life

Con l’Orchestra di Chicago incise per la RCA molti dischi, tra cui i primi stereo attualmente rimasterizzati nella collana Living Stereo, che sono giustamente leggendari. È considerato l’interprete di riferimento dello Strauss sinfonico.

Fritz Reiner ©Life

È considerato il direttore più tirannico della storia dell’interpretazione, al punto che su di lui nacquero vari aneddoti, alcuni dei quali piuttosto inquietanti…

Fritz Reiner ©Life

Si racconta che sottoponesse continuamente i propri orchestrali a dei test, con conseguenze negative per coloro che non li avessero superati. Secondo un aneddoto un pomeriggio Reiner percorrendo il corridoio dei camerini degli strumentisti ascoltò casualmente il primo trombone steccare durante un esercizio; bussò alla porta del camerino e si limitò a dire: “Lei è licenziato!”

Fritz Reiner ©Life

È possibile che ci sia un po’ di esagerazione, comunque i metodi autoritari di Reiner hanno testimonianze plurime. Il gesto di Reiner era di estrema parsimonia e si limitava allo stretto necessario. Come ampiamente dimostrano alcuni video realizzati dalla WGN-TV a Chigago nel 1953-54 e pubblicati in DVD dalla Vai

Prima parte del I movimento della Settima di Beethoven

Anche lo sguardo non lascia dubbi sul rapporto tra direttore e orchestrali.  Un altro esempio: questa volta mozartiano.

Prima parte del I movimento della Sinfonia KV543

No me canso de ver esta celebérrima escena de la película de Kubrick. A parte de sus virtudes cinematográficas y de la música de Richard Strauss, esta escena gusta porque habla del origen del hombre, del origen de aquello que nos hace diferentes a los demás animales. Es sugerente la imagen del animal que se intercala mientras el homínido golpea su esqueleto: la inteligencia nace con la representación. El simio se figura en la mente algo que no está directamente presente y con ello surge nuestra inteligencia imaginativa. Además, la representación va ligada a la elaboración de herramientas. Como puedo representarme la realidad ausente puedo imaginar otros usos que no son los naturales a las cosas que veo a mi alrededor. De ese violentar la naturaleza, de hacer cosas contranatura, de usar un hueso para algo distinto a la función natural de un hueso, surge el hombre, el ser más antinatural de los seres naturales. El hombre, el animal cuya habilidad evolutiva consiste precisamente  en dejar de ser animal.

Sin embargo, el tema del monolito no hace justicia a la realidad. A pesar de lo sugerente que queda en una película de ciencia-ficción (el origen extraterrestre de la inteligencia) no es preciso en el sentido en que sugiere tanto un origen no natural de la inteligencia como su aparición como un salto brusco. No, la inteligencia es un producto natural cuyo origen es el mismo que el de la capacidad de vuelo de las aves o la fiereza de los felinos y su origen se debe a un lentísimo proceso evolutivo de una duración de millones de años.

My daycare’s been closed this week on accounta the swine flu, so my mother’s been down helping out with the baby (whom I should really call The Toddler, but it just doesn’t roll off the tongue). Last night, I showed her a video I’d made when the baby was 11 months old and just starting to walk. I had a hell of a good time making it — both the backyard filming on his 11-month birthday, a morning filled with June sunlight and such great pride in this new accomplishment, and the later editing. I’d added a soundtrack, of course: the opening theme from Thus Spake Zarathustra. More commonly known as the theme from 2001: A Space Odyssey.

It was ridiculously outsized music for the occasion, but it gave me great joy to synch my little one’s steps to the pounding of the tympani. I must have watched it fifty or sixty times when I made it, and I sent it out to all and sundry. My mother, stuck with dial-up in the hinterlands, could never get it to play. Hence the viewing last night. After five months of not having watched it, I was surprised to find my eyes welling as the little one came stomping, in gigantic happy slow-motion, across the yard toward the camera. When it ended, I made us watch it again.

This morning, I popped him in the car for a short tour and power nap while my mother took a shower. I put on the radio, and what should the tidy classical host be announcing but Thus Spake … Talk about your timing. The theme struck up, I put the car in reverse, and for once I didn’t hit scan as we tooled along — I just listened to the whole thing, checking the rearview mirror occasionally to see how heavy junior’s lids were getting, back there in the back seat.

Here are some of Stravinsky’s thoughts on other composers, taken from Robert Craft’s less than reliable book Conversations with Igor Stravinsky:

I remember seeing Mahler in St. Petersburg. His concert there was a triumph. Rimsky was still alive, I believe, but he wouldn’t have attended because a work by Tchaikovsky was on the programme (I think it was Manfred, the dullest piece imaginable). Mahler also played some Wagner fragments and a symphony of his own. Mahler impressed me greatly, himself and his conducting.

I would like to admit all Strauss operas to whichever purgatory punishes triumphant banality. Their musical substance is cheap and poor; it cannot interest a musician today. I am glad that young musicians today have come to appreciate the lyric gift in the songs of the composer Strauss despised, and is more significant in our music than he is: Gustav Mahler.

“FROM ABRAXAS TO JESUS”
By Eric John Sawyer

“The bird fights its way out of the egg. The egg is the world. Who would be born first must destroy a world. The bird flies to God. The God’s name is Abraxas” (Hermann Hesse)

A grayish green fungus covers the fireplace and the chairs and tables in this room. Santana’s “Borboletta”, is turning beneath the stylus as three men share a reefer and talk softly to each other in unknown tongues.

It is 1974, I think.

“Have you listened to this album ?” the older man says as he holds up the cover.

Peering through the mist of that moment, I can see the name Richard Strauss. The complex musical structures stimulated our minds bringing out a rich flow of thoughts.

Brutal honesty is my Achilles heel and hallucinogenic absorption reduces the options for deceit. I could flash the entire tale of my youth in a flow of seemingly irrelevant, unconnected events, but when I would smoke the herb, the point of existence became very precise and the moment became intensely relevant to the point of panic.

The brotherhood of man may be a fallacy, but it also may be the truth. Lived within the shell of my own experience, there is a commonality that is hard to ignore. Disciples of one another, the false one is not easily noticeable, for we are of one blood and we all share in this image of God.

I blew upon the cover of a book called “Demian” by Hermann Hesse.

“Do you want to borrow it ?” asked the older man.

(…read more…)

Il programma del terzo concerto della stagione OSN Rai ha forse come filo conduttore le ricorrenze anniversarie dei tre compositori: i bicentenari di Schumann e Mendelssohn e il 60enario di Richard Strauss. A celebrare il rito due coetanei, giovani ma già affermati: il direttore Tomáš Netopil e il violinista Nikolaj Znaider.

Tomáš Netopil

Moravo, 34 anni, Netopil ha compiuto i suoi studi di violino e direzione d’orchestra in patria perfezionandosi poi alla scuola del grande Jorma Panula. Dotato di grande musicalità e slancio, riesce facilmente a conquistare orchestre e pubblico con interpretazioni trascinanti.

Nikolaj Znaider, nato a Copenhagen da famiglia polacco-israeliana, ha studiato con Boris Kushnir. A 16 anni vinse il primo premio alla quarta edizione della Carl Nielsen Competition, da allora ha intrapreso una carriera strepitosa che lo ha visto esibirsi con le maggiori istituzioni musicali del mondo e con i più grandi direttori di oggi. Suona un Guarneri del 1741 che fu del leggendario Fritz Kreisler.

Nikolaj Znaider

Il programma di ieri sera, in replica stasera, iniziava con l’Ouverture Julius Caesar che Schumann compose per un’opera che rimase solo un abbozzo. Pagina non frequente nei programmi dei concerti e nelle incisioni discografiche, che meriterebbe di essere più eseguita e conosciuta. Il secondo brano invece è conosciutissimo e quest’anno è già stato proposto a Torino almeno due volte: il Concerto in mi minore op.64 di Mendelssohn, ma è uno di quei capolavori che non ci si stancherebbe mai di ascoltare, sicuri che ogni volta darà nuove emozioni. A maggior ragione se a interpretarlo c’è un virtuoso come Znaider. Probabilmente non c’era invece necessità di riascoltare per una ennesima volta l’Also sprach Zarathustra di Richard Strauss, che deve la sua popolarità soprattutto al cinema di Stanley Kubrick. La popolarità di massa veramente si limita ai primi 90 secondi, forse i più ispirati e suggestivi di tutta la composizione. Comunque poiché la pagina rimane sempre un ottimo test per saggiare oltre che i propri impianti hifi casalinghi anche il livello delle orchestre ben venga tutto sommato la verifica. Superamento a pieni voti (nonostante un piccolissimo incidente perdonabilissimo e più che comprensibile) per orchestra e direttore.

Confermo il miglioramento dell’acustica in platea (ma forse anche in altri settori) dovuto alla copertura parziale del coro con una struttura in plexiglas. La stessa sensazione mi è stata confermata da altri spettatori. Insomma una dimostrazione che perseguendo alcuni obiettivi se ne raggiungono poi altri imprevisti. Che risultato invece abbiano le luci nelle riprese tv sarà da verificare quando saranno teletrasmesse. Spero che sia diverso da quello del concerto trasmesso su Raitre stanotte (all’1:40!!!) ripreso alla Scala da altro staff e altra regia: Daniele Gatti e gran parte degli orchestrali avevano la pelle così arrossata per l’effetto delle luci rosse soffuse da farli sembrare pronti per un immediato ricovero in un ospedale dermatologico.

            Supreme Court Justice Antonin Scalia, who once lamented that overturning a law criminalizing homosexuality might lead to the invalidation of laws criminalizing masturbation, adultery and fornication, received a little lap dance on Saturday night. Location: The Washington National Opera. The purpose: To further the performance of Richard Strauss’s “Ariadne auf Naxos.”

            Scalia was on stage at the Kennedy Center Opera House as a VIP supernumerary, along with his colleague Justice Ruth Bader Ginsburg and Washington’s delegate to the House of Representatives, Eleanor Holmes Norton. They were part of the onstage “audience” which watches an opera—Ariadne auf Naxos—performed during the second half of this weirdly post-modern tale of backstage drama and on-stage romance. For just a few seconds, the flirtatious and resolutely promiscuous Zerbinetta—dazzlingly sung by the evening’s star, soprano Lyubov Petrova—gave Scalia his own little show during one of her robustly sexual solos. The justice looked pleased. He was, of course, merely doing his duty as a celebrity wallflower on opening night of this new-to-Washington production.

            It was one of those odd, only-inside-the-Beltway moments, and the audience howled. But the WNO’s Ariadne auf Naxos is thoroughly entertaining and this production meets its fundamental challenge: How do you stitch together Ariadne’s polar absurdities, its mix of crowd-pleasing silliness and High Art? How do you make us care about a mythological romance between abandoned Ariadne and the young god Bacchus, when we have already met them, in the piece’s lengthy prologue, as a temperamental diva and sneering tenor, both straight from opera central casting?

            Strauss and his mandarin librettist, Hugo von Hofmannsthal, conceived Ariadne as an enactment of the tensions within the creative process of making opera. A young, idealistic composer, the sort of lad who has read his Sorrows of Young Werther and spent long winter nights with Jean Christophe, is about to premiere his new opus, Ariadne auf Naxos, which celebrates with Kierkegaardian extremity the purity of erotic and existential longing. But at the very moment his magnum opus is about to begin, a cruelly indifferent Major Domo announces that the rich patron of the spectacle has decreed that Ariadne auf Naxos will be presently concurrently with a commedia del arte farce improvised by Zerbinetta and her troupe. High Art and Escapism must coexist.

            The composer is crushed, but he isn’t immune to the charms of the irrepressibly sexual Zerbinetta. And thus begins a philosophical, musical and theatrical interpenetration of ideas: Pure love and fleeting desire, grand art and entertainment, music and narrative. Behind the scenes, Strauss is orchestrating everything and much of the pleasure of the piece is listening to the music’s suggestion of metaphysical affinities and opposites. It’s an odd and difficult confection to pull off, not least because it is also a major test of just about every voice type a composer can throw on stage.

            First seen at the Seattle Opera in 2004, this production (by Chris Alexander) has a solid conceit: Instead of a “great noble” and “the richest man in Vienna” throwing a party (as in the original libretto), we have a capricious contemporary art patron hosting a gala, complete with champagne, a sit-down meal and fireworks to begin promptly at 9 p.m. The prologue (essentially the first act) is played out back-stage at the gallery, a blandly institutional space with cinder block walls and exposed pipes and restrooms serving as dressing rooms for the evening’s stars, while the opera-within-the-opera takes place in the gallery itself, with a domineering Richard Serra sculpture serving as Ariadne’s cave.

Updating is usually reflexive, an excuse for not thinking about the mechanics of the drama. But this updating is inspired. The art world is one of the few places where one can actually see Philistinism in practice today. Everywhere else, we’re all Philistines, or at least required to pretend that we’re Philistines. Even the rich. But the art world still takes itself seriously enough to believe in taste.

            I first saw Ariadne at New York’s Metropolitan Opera, with Kathleen Battle as Zerbinetta and Jessye Norman as Ariadne. It was luxury casting, but with a downside: Almost everyone else got lost in the vocal glamour. Not so with the Washington Opera, where many of the best bits come from singers in smaller roles, including Ariadne’s trio of winsome nymphs (Jennifer Lynn Waters, Cynthia Hanna, Emily Albrink) and Zerbinetta’s comedians (Nathan Herfindahl, Jason Karn, Greg Fedderly and Grigory Soloviov). Gidon Saks had all the right dramatic moves as the Music Teacher, rumpled, wise and addled.

            Petrova, as Zerbinetta, dominated among the major roles. Her coloratura is not some flute-like register unnaturally attached to a normal soprano sound. It has edge and power throughout the range, and this combined to make her Zerbinetta more than the usual brainless flirt. She was arguing her world view—take your pleasures and move on, no worries—and her vocal pyrotechnics made her a powerful philosophical force rather than a mere distraction.

            Kristine Jepson’s Composer was also more than the usual petulant teenager one so often sees in this role. Vocally, there are moments of astonishing sweetness and beauty in her tone. When she pushes it, that sweetness is lost, but the more powerful tone isn’t ugly, just less interesting. As Ariadne, Irene Theorin seemed trapped in vocal middle ground, not quite sure if this is a Strauss soprano in the Daphne mold, or one of his more Wagnerian-sized heroines. She too had moments of pure loveliness—and a lot of growl in her “totenreich” at the beginning of her soliloquy. But I left perplexed, never quite comfortable that she was comfortable in this role. As Bacchus and the Tenor, Corey Evan Rotz was replacing the announced singer. He began well, and the voice has an appealing, light but forceful tone. He stumbled at one point and that seemed to shake him but I’d like to hear him again.

            Andreas Delfs, making his WNO debut, conducted the orchestra. Delfs moved things along briskly, perhaps too briskly, especially in the opening of Ariadne’s big number. Strauss’s often very light scoring in this quasi-chamber opera exposed the orchestra, sometimes for the worse, especially with the upper string sound. But this is to quibble unnecessarily. The show works well enough from top to bottom that you can forget any of these musical trifles, and simply immerse yourself in one of Strauss’s oddest, wildest and most daring inventions.

Lyubov Petrova as Zerbinetta; image by Karin Cooper for the Washington National Opera

Romantyzm niby skończył się koło roku 1900, ale nie dla wszystkich. W kolejnym tekście z serii Klasyka laika w Kulturze Liberalnej możecie poczytać o dwóch świetnych dziełach romantycznych z lat 40-tych dwudziestego wieku.

Dodatek multimedialny: Pierwsza część pierwszego utworu oraz druga część drugiego.

On October 10:

1813 – Giuseppe Verdi, Italian composer, was born.

Giuseppe Verdi. Portrait by Giovanni Boldini, 1886

 

1830 Queen Isabella II of Spain was born.

1900 US actress Helen Hayes was born.

1919 Richard Strauss‘ opera Die Frau ohne Schatten had its debut performance in Vienna.

1923 Nicholas Parsons, English actor, radio & TV presenter was born.

Parsons recording Just a Minute at the Pleasance Grand, Edinburgh.

1930 Harold Pinter, English playwright and Nobel laureate was born.

1950 Us author Nora Roberts was born.

1957 The Windscale fire in Cumbria took place, it was the world’s first major nuclear accident.

1970 Fiji  gained its independence.

1971 the London Bridge reopened in Lake Havasu City, Arizona

1975 The Treaty of Waitangi Act was passed.

Sourced from NZ History Online & Wikipedia.

Das Tor zum inneren Raum

Seit Urzeiten lockte die “vermeintliche” schöpferische Kraft von Drogen Maler, Graphiker, Dichter, Musiker und andere Künstler. Doch Inspiration ist ein flüchtiges Ingrediens der Kunst, denn mancher, der im Rausch zu neuen Dimensionen seines Könnens zu finden glaubt, erlebte am Ende in der Sucht seinen eigenen Untergang.

Die Frage, wie weit Drogen Kunstwerke entstehen ließen oder beeinflußten, konnte nie schlüssig beantwortet werden und das hat ganz einfache Gründe. Keine Droge verschafft eine “eigene Welt”, sondern höchstens eine “neue Weltanschauung” mit verschiedenen Erfahrungswerten.

Drogenwirkungen haben etwas mit Träumen gemeinsam und mit Träumen hat auch künstlerische Phantasie zu tun, und damit ist die Rolle von Drogen im künstlerischem Schaffen von vornherein relativiert.

Nach Aussagen von Künstlern, die mit Drogen experimentierten, sind deren Schaffenskraft und Inspiration oft zweifelhafter Natur und nicht sicher mit der Droge in Verbindung zu bringen.

Daß Drogen den Blick auf die Wirklichkeit erweitern können, wird im Sachbuch von Knaur – “Rausch und Erkenntnis – das Wilde in der Kultur” (München 1986) beschrieben. Hier geht es uns um Rausch und Erkenntnis und nicht um Delirium und Zerstörung – beschreiben die Autoren ihre Vorgangsweise. Claudia Müller – Ebeling, 1956 geboren, studierte Kunstgeschichte und Indologie in Freiburg, Florenz und Paris – später in Hamburg auch Literaturwissenschaft und Ethnologie. Mehrere Studienreisen führten sie in die Karibik und auf die Seychellen. Sie veröffentlichte u.a. Beiträge in den Büchern “Namaste Yeti” und “Das Tor zum inneren Raum” und schrieb zusammen mit Christian Rätsch “Isoldes Liebestrank” (1986).
Claudia Müller-Ebeling beschäftigte sich mit dem Phänomen der Malerei im Labyrinth des Innenraumes und vergleicht visionäre Malerei mit Phasen der Traumwelt.

Viele Kulturen und Epochen haben uns Kunstwerke, Bilder, gespeist aus der alltäglichen, d.h. materiell sichtbaren Welt und solche aus der geistig immateriellen Welt hinterlassen. Die Gewichtung jedoch, welche Wirklichkeit wichtiger, wahrer, relevanter sei, wechselte.

Vertreter der einen und anderen Richtung – Theoretiker und Praktiker – stritten oft erbittert um die Vorrangstellung, und je mehr sich die Epochen der Gegenwart nähern, desto schneller lösen sich realistische und visionäre Kunst in ihrer Vormachtstellung ab.

Was ist visionär?

Vision kommt von videre = sehen, zielt jedoch nicht auf materielles, sondern auf immaterielles Sehen. Das Rezeptionsspektrum visionärer Kunst bewegt sich zwischen Erscheinung und Trugbild. Zwei Faktoren machen Malerei zur visionären Malerei: die Intention des Künstlers und der Blickwinkel des Betrachters. Visionäre Kunst will nicht das Sichtbare wiedergeben, sondern das Unsichtbare sichtbar machen.

Sie will, wie Jean Moreas (frz. Dichter griech. Abstammung, 1856-1910; Symbolist, dann Neuklassiker im “Manifeste du Symbolisme”) fordert, “die Gegenstände der „äußeren Wirklichkeit als Zeichen wahrnehmen, die zu den uranfänglichen Ideen” geleiten sollen. Sie überführt die Vision, die ein Maler, eine Epoche, eine ganze Kultur von der transzendenten Wirklichkeit hat, in Bilder.

„Ein Visionär ist ein Mensch, der durch die Dinge hindurch sieht; nichts hemmt die Bahn seines Blicks;
er ist Entdecker schwindelerregender kristalliner Ebenen, Chronist unbekannter Welten.
Er kennt die Beschwörungsformeln, die arglistige Hölle zu bändigen; schafft ein Gleichgewicht von übernatürlichem und Natur…“

~ Marcel Brion ~

Damit die Vision der Landschaft als Spiegel der Empfindungen und religiösen Emphase des Menschen vor seinem inneren Auge entsteht, hat Caspar David Friedrich (1774-1840, dtsch. bedeutender romantischer Landschaftsmaler), in einem gänzlich kahlen Atelier “sein äußeres Auge geschlossen, um mit dem inneren Auge zu sehen”. Mit der Technik der Reduzierung von Außenreizen brachte er seine Phantasie zum Erblühen, fand Zugang zu seiner künstlerischen Vision. http://www.oppisworld.de/zeit/biograf/cdf.html

In vielen Kulturen im Nahen und im Fernen Osten und besonders in Mexiko spielten psychoaktive Pflanzen in der Malerei eine so offensichtliche Rolle, daß die Beeinflussung der indianischen Kunst Mittelamerikas durch den Psylocibin-Pilz plausibel erscheint und der Künstler Ernst Fuchs bewußt wurde, “daß die Kulturen der alten Völker allesamt durch den Genuß bestimmter Drogen ihre spezifische Form erhalten haben. http://de.wikipedia.org/wiki/Ernst_Fuchs_%28Maler%29

Was immer in Gebrauch gewesen sein mag, um die Perzeption des Menschen zu vertiefen und zu erweitern, angefangen vom Fasten und Meditieren, bis zum Einnehmen von Drogen, eines scheint mir gewiß: Die Menschen haben immer gewußt, daß erst durch den bestmöglichen Einblick in das Seelische die Herrschaft des Geistigen und Schöpferischen möglich wird” (Fuchs 1978:102).

In “Psychedelische Kunst” berichten Robert Masters und Jean Houston in ihrer Literatur, Verlag Knaur; München, Zürich, 1971, über Ernst Fuchs geb. 1930, daß Fuchs sich intensiv mit Juden – und Christentum beschäftigte. Er erlebte den Aussagen zufolge mystische Tiefen und seine Glaubensoffenbarung fließt mit seiner künstlerischen zusammen, indem er die Tiefe der Visionen auszudrücken vermag.
“In all seinen Arbeiten wird die Hand eines Künstlers sichtbar, der die Formen und Bilder der psychedelischen Erfahrung einsichtig überträgt, gestaltet und ausdrückt.” (Masters u. Houston 1969:157)

Ernst Fuchs lernte 1954 verschiedenen Drogen in Paris und den USA kennen. “Vom Trinken und Berauschtsein im allgemeinen”, hielt Fuchs nichts, so wie er es kannte.
Dennoch experimentierte Fuchs ca. zwei Jahre mit fast allen halluzinogenen Drogen, da er in der Verbindung mit Traum und Drogen einen inneren Zusammenhang sah. In einer nachträglichen Gestaltung und in Verbindung mit LSD-Visionen formte Ernst Fuchs “ein” Rauschmaterial zur Architectura  Caelestis: Reiche Ornamentierung, starke Farbigkeit mit dem Ausdruck inneren Leuchtens, all diese Merkmale psychedelischer Kunst sind in Fuchs` Beschreibungen enthalten. Im Psalm 1969, gemalt von 1949 bis 1960 steigt das dornenbekrönte Haupt Jesu, die leuchtende Vision aus den Tiefen des Wassers.

“Bild meines Durchbruchs zum Christentum. Meine Begnadigung”, beschreibt Fuchs sein Kunstwerk. (1966:133)

Von den vielen psychedelischen Malern, wie Mati Klarwein, Arlene Sklar-Weinstein, Helmut Wenske, Allen Atwell, Ivan Albright, Pavel Tchelitchew, ist der Belgier – Henri Michaux (1899-1984), Dichter, Zeichner und Maler von besonderer Einzigartigkeit. Gesichter waren ein beherrschendes Thema für Michaux, und seine Aquarelle aus einer Serie aus den Jahren 1948/49, die er nach dem plötzlichen Tod seiner Frau malte, wurden als einzigartig künstlerisch bezeichnet. Von protokollartiger Wiedergabe sind Michaux’s Kunstwerke, die durch den Einfluß von Meskalin entstanden.

Stil und Technik unterscheiden sich deutlich voneinander. Die Bilder Michaux`s sind Kalligraphien der inneren Unruhe und dokumentieren Zerfall, Auflösung – Angst.

Die Resultate seiner Meskalin Experimente waren unter anderem seine 1958 entstandene Meskalin-Zeichnung und sind in seinem Buch “Turbulenzen im Unendlichen” erkennbar. Die Kunstwelt sah in ihnen “Dokumente psychischer Erschütterungen und existenieller Unordnung”. Michaux gilt als einer der großen künstlerischen Einzelgänger dieses Jahrhunderts. Nach abgebrochenem Medizinstudium reiste er als Matrose ein Jahr lang um die Welt.

Aber Michaux war auch ein Abenteurer im Geiste, der “die Beziehung zum Unterbewußten” vermehren wollte. Seine ausgedehnten Exkursionen durch Südamerika und den fernen Osten, die er in seinen persönlichen Aufzeichnungen – “Ein Barbar in Asien” auswertete, waren auch ein Stück Selbsterforschung, seine Aufbrüche ins Innere und zugleich Erkundigungen der Welt. Seine Selbstversuche mit Meskalin aus dem Peyote Kaktus, die er unter ärztlicher Kontrolle in der Mitte der fünfziger Jahre unternahm, versuchte er nach Abklingen des Rausches eindrucksvoll festzuhalten. Die so entstandenen Zeichnungen von seismographisch-vibrierenden Linien, die sich zu abstrakten mikroskopischen Strukturen reihen, unterscheiden sich deutlich von all seinen vorherigen figurativen  Arbeiten.

William Shakespeare (1564-1616), englischer Dichter und einer der Hauptdramatiker der Weltliteratur, der in seinen Werken den ganzen Bereich menschlichen Daseins umspannt, war ein unvergleichlicher Schilderer von Charakteren.  Klassiker Archiv – Glanz und Elend

“Nicht Mohn und nicht Mandragora
Noch alle Schlummersäfte der Natur
Verhelfen je dir zu dem süßen Schlaf,
Der gestern noch dein Eigen war.”

Daß Opium und andere Drogen bei Shakespeare in etwa zweihundertmal auftauchen, hat aber nichts mit einer privaten Leidenschaft dafür zu tun.

Ebenfalls eine Ausnahme, aber unter anderen Umständen, war im Jahre 1928 der Komponist Richard Strauss (1864-1949). http://www.komponisten.at/komponisten/215.html

Seine sinfonischen Dichtungen “Don Juan”, “Tod und Verklärung”, “Ein Heldenleben” und Opern wie “Salome”, “Elektra”, “Der Rosenkavalier”, “Ariadne auf Naxos” und “Arabella”, Lieder, Kammermusik und anderes sind sehr bekannt. Richard Srauss, der sich einer Nasenscheidewand – Operation unterziehen mußte, bekam in einer Frankfurter Klinik in Deutschland zur örtlichen Betäubung vor der Operation zwei mit Kokain getränkte Wattebäuschchen fünf Minuten in die Nasenlöcher geschoben.

Wie sein HNO-Facharzt Hans Leicher 1978 in einer Fachzeitschrift mitteilte, besuchte er den Patienten Strauss zwei Stunden nach seiner Operation und fand “den Boden des Krankenzimmers und die Bettdecke mit frisch geschriebenen Notenblättern bedeckt”. Richard Strauss sagte ihm, “das Zeug habe ihn ganz munter gemacht” – zur Vollendung der zwei Arien – “Aber der Richtige, wenn’s einen für mich gibt” und “Und du wirst mein Gebieter sein” – für seine Oper “Arabella” angeregt, an der er damals gerade arbeitete. Der Komponist meinte zu dem Arzt: “Die Nachwelt wird Sie dafür verantwortlich machen” (zitiert nach “Der Spiegel” 1978/Nr.117)

Allerdings sollte man nicht übersehen, daß die geschilderten Wirkungen üblich sind. Wissenschaftler – u.a. Ashley (1974) sind der Meinung, “daß eine mäßige Menge Kokain weit mildere, angenehmere Zustände der  Euphorie erzeugen, bei denen Halluzinationen fehlen”.

Die Wirkungen ähnlichen denen von Sigmund Freud’s (1884) Kokainexperimenten.  (S. Freud, 1856-1939, österreichischer Psychologe und Schöpfer der Psychoanalyse)

2009.09.21-09.25

09.21:古典星光大道-蕭士塔高維契(Dmitri Shostakovich) 1

09.22:最夯話題區:美聲男伶(Il Divo)/蔡明亮的”臉”,理查.史特勞斯的”莎樂美”

(Richard Strauss:Salome)

09.23:音樂電影-情鍵四分鐘(Four Minutes) 2

09.24:熱門古典樂-印象派畫家梵谷(Van Gogh)及音樂家

09.25:About Piano/Spiritual article-買個奇蹟

Today is the 60th anniversary of the death of the great composer Richard Strauss in 1949. I’ve already used up the music which is probably the most appropriate for this occasion, so I thought I’d mark it instead with a clip from the work that is probably most familiar to my likely readership, Also Sprach Zarathustra, as used in the closing stages of Stanley Kubrick’s masterpiece 2001: A Space Odyssey.

This little clip is from the final stages of the film, though the music itself is from the opening segment of the Strauss work, the part that represents the Sunrise.

For people of my age, this music is inextricably linked not only with the film, but also with the TV coverage of the moon landings that happened about the same time as its release, about 40 years ago, and for which it also provided the theme music. I don’t know which came first. I’d love to be able to say that these events are behind what made me become an astrophysicist but, as I’ve explained before, the truth is somewhat different.

Anyway, the theme of transfiguration and rebirth depicted in the movie  seems to me to be one more closely related to Strauss’ earlier work Tod und Verklärung,  and it always makes me think of the following lines from East Coker, the first of the Four Quartets by TS Eliot:

Old men ought to be explorers
Here or there does not matter
We must be still and still moving
Into another intensity
For a further union, a deeper communion
Through the dark cold and the empty desolation,
The wave cry, the wind cry, the vast waters
Of the petrel and the porpoise. In my end is my beginning.