Ou alors c’est le syndrome de Stockholm.

Bref, balnave à tous les étages.

(Allez savoir, Vous)

Não dá para imaginar, ao certo, onde diabos a crítica internacional foi buscar paralelo com filmes de David Lynch e Michelangelo Antonioni [um longo suspiro] para explicar, justificar, talvez, o filme “Hotel Atlântico”, de Suzana Amaral. A falta de sentido, força, expressão dos atores (com exceção de Marcia Martins que eu suspeito não ser atriz profissional) não tem nada que ver com o cinema onírico do primeiro ou a “incomunicabilidade” do segundo. Mesmo por que estes são rótulos baratos e grosseiros de enquadramento do cinema de ambos. Não perguntem a David Lynch o sentido dos seus filmes, pois não há – mas, diga-se, não há propositalmente! Antonioni recusa essa bobageira de “incomunicabilidade”, só que, assim mesmo, as pessoas (os críticos, na verdade) insistem em tachá-lo. Bem, toda essa bronca é porque a referência aos dois cineastas consta no cartaz do filme, porque um crítico de um jornal americano, eu acho, e que não saca muito de cinema pelo visto, escreveu isso em sua crítica – daí o pessoal de marketing do filme vai e recorta essa frase e coloca ali como um selo de qualidade, sendo que se tivessem lido a crítica de Inácio de Arújo, na Folha, por exemplo, teriam tido mais trabalho, apesar da generosidade do crítico. O filme foi selecionado pelo festival de Toronto (como não me perguntem) e saiu de lá como chegou aqui: sem causar efeito algum na platéia, eu presumo.

Suzana Amaral fez um filme legal em sua carreira: “A hora da estrela” há muito, muito tempo. Adaptação do livro de Clarice Lispector. Macabéa ganhou vida! Os atores sustentam o filme! Era um filme que carecia de atores! Agora, “Hotel Atlântico” não precisava de atores profissionais (no máximo um ou dois) e, pelo visto, tanto Suzana Amaral quanto o crítico não devem ter lá prestado muita atenção aos filmes de Pasolini. Ele não usava atores profissionais em muitas de suas obras. Aliás, muitos diretores italianos apelaram para tal recurso (Visconti e Fellini, se não me falha a memória certamente operaram assim) e é bem provável que o próprio Antonioni aprontou algo do tipo. Repito, eu acho que a única atriz não profissional era a Marcia Martins, no papel de esposa do sacristão, e ela foi justamente a melhor em cena. Enfim, se este filme tem paralelo com algo eu diria que a sua pobre narrativa faz eco (quando ele já está bem fraquinho) a de Wim Weders em “No decurso do tempo”. Um Road Movie que também conta com uma personagem deslocada e errante. E, talvez, tenha algo que ver com o cinema de Sukorov, no que diz respeito ao tempo e andamento, especialmente com o primeiro filme dele, “A voz solitária do homem”, que mostra um homem devassado pela experiência da guerra e paralisado diante da vida que lhe resta viver com sua esposa.

So que a ruindade não tem limites: pois quem pôde ver “O invasor”, de Beto Brant, certamente se lembrará da interpretação ousada de Mariana Ximenes, mas ao vê-la novamente em “Hotel Atlântico” vai ter algo mais próximo e, ainda assim, piorado de sua personagem Clara em “A favorita”. Filme? Nada… novela mesmo e daquelas que fazem com que experimentemos os mesmos sentimentos de uma samambaia ao ouvir Wagner. Nem mesmo em uma cena de sexo do filme em que, diferentemente das propagandas dos Cartões Bradesco (em que você poderia escolher uma “celebridade” para um momento especial; no caso, fazer compras “num elegante shopping com uma das mais belas atrizes do Brasil”: Mariana Ximenes. A propósito, provavelmente deve ter sido o seu melhor papel depois de “O invasor”), a excitação/admiração vinha da escolha do fã por sua “celebridade” preferida. A personagem de Ximenes, Diana, não consegue excitar Alberto (uma personagem que é uma tentativa fracassada de materializar um fracassado), assim como a platéia ou sequer convencê-la de que ela “encarna” uma personagem. Talvez se ela também tivesse apelado a uma promoção do Bradesco ao invés de exibir os seios que não faziam páreo aos da esposa do sacristão não apenas em volume, mas também em tensão erótica, quem sabe não teríamos tido melhores resultados.

Bom, se estava aí uma metáfora para o próprio filme eu não sei, mas se a idéia de Suzana Amaral era nos dizer que o cinema brasileiro atual vive uma fase broxante eu a alço imediatamente à condição de genial, mas, sinceramente, não creio que tenha sido o caso.

Um filme aberto, abertíssimo, para infinitas combinações de entendimento é algo aceitável quando isto faz parte de um plano ou até mesmo do acaso, mas não do descaso ou do descontrole criativo. A platéia que, a meu ver, possui determinado grau de exigência, especialmente aquela habituada a ver filmes que não apelam às mesmas receitas de sempre do cinema norte-americano ultra-comercial, saiu cabreira da sala de projeção.

Outra marca patente do filme é a “crise” existencial em que embarca a personagem ao renunciar as imposições sociais. Alberto é abordado por um homem que o reconhece como artista e sempre que usa a palavra artista o faz com deboche e desdém. Sabemos que a função dos artistas foi maculada pela marca da “celebridade” que recai sobre os ombros de muitos: elevando ao estrelado pessoas sem o mínimo talento. Muitos bons atores são mal tratados com filmes ruins, roteiros idiotas, equipe técnica relaxada. Teremos aí, então, outra pérola escondida do filme? Ao menosprezar o artista estamos diante da inveja ou da inutilidade da função? Difícil saber se por trás de algo assim estamos vislumbrando uma nova crítica de Suzana Amaral ou apenas um pretexto para seguir com a narrativa em frente, porque o desenlace subseqüente é desprovido de sentido (o mesmo que fez parecer ao crítico americano estar diante de um filme influenciado por David Lynch).

Alberto, em dado momento do filme, leva um tombo que parece ter sido não planejado. Foi sem querer e ficou registrado, seguiu em frente. Depois, mesmo sujo de lama, se levantou e o filme rodando. Espero que o cinema brasileiro faça o mesmo movimento. Não importa a lama. Eu acho, que neste filme, Suzana Amaral apenas leu mal o texto de João Gilberto Noll, diferentemente do que fez com o texto de Clarice.

Por: Fábio Montarroios.

Hotel Atlântico. 2009. Brasil. Direção e Roteiro: Suzana Amaral. Elenco: Julio Andrade, Mariana Ximenes, João Miguel, Gero Camilo, Helena Ignez, Luiz Guilherme, Andre Frateschi, Lorena Lobato, Marcia Martins, Renato Dobal, Walter Breda, Esther Benevides, Tina Rinaldi, Jiddu Pinheiro e Tiago Pinheiro. Gênero: Drama. Duração: 107 minutos. Baseado na obra de mesmo nome de João Gilberto Noll.

Nu ai ce face vineri seara? Ai ce face vineri seara, dar nu ai bani? Ai chef sa vezi filme? [Sau pur si simplu, you need a place to crash!] Vino in noaptea de vineri spre sambata, 13/14 noiembrie la maratonul cinematografic Road Movie. Editia a doua. Proiectia are loc la Casa de Cultura Mihail Ursachi Iasi, incepand cu ora 21.30 si terminand cu ora 6. Intrarea este evident libera!

Ce filme poti vedea:

De la ora 21.30: In to the wild (Sean Penn, 2007, SUA; color, 148 min.)

De la ora 00.20: Los amantes del Circulo Polar (Julio Medem, 1998, Spania/Franta; color, 112 min.)

De la ora 02.30: Duel (Steven Spielberg, 1971, SUA; color, 90 min.)

De la ora 04.10: Leningrad Cowboys go America (Aki Kaurismäki, 1989, Finlanda/Suedia; color, 78 min.)

Imi aduc aminte ca la editia precedenta s-a servit cafea si mancare. Inca un motiv in plus pentru a te duce! Daca ajungi pe acolo iti urez vizionare placuta!

P.S. Din meniu: Cafea, alune, covrigei si (posibil) hamburgeri.

Suzana Amaral, cineasta premiada com os longas-metragens
A Hora da Estrela e Uma vida em segredo, lança o filme Hotel Atlântico
em circuito nacional. O filme, que participou do Festival Internacional
de Toronto, foi avaliado pelo Hollywood Reporter como um enigmático
road movie brasileiro que viaja em direções intrigantes com ecos
de Antonioni e David Lynch. O filme que tem tem sessão de pré-estréia
em Porto Alegre  no dia 11 de novembro, às 21h30, no Unibanco Arteplex,
terá estreia nacional no dia 13.

LEIA MAIS NOS SITES
:: SORTIMENTOS.COM >> http://www.sortimentos.net/?p=3866
:: GEBBEG >> http://gebbeg.com.br/?p=7074

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Una altra de les meves pel·lícules preferides. Aquest film aconsegueix emmascarar el drama d’una família que, tot i mantenir-se unida durant tot el viatge, no podria estar més separada pel que fa a gustos, formes de ser, de veure el món, d’enfrontar els problemes. Tot  això queda amagat rera les rialles que provoca i com d’entrenyable poden arribar  asemblar els protagonistes.

La sinopsi és senzilla. Una nena, grassoneta i de grans ulleres, és convocada per participar en un concurs de bellesa lluny de casa. Tot i que la família no passa pel millor moment, tothom decideix fer costat a la nena i s’embarcaran en un llarg viatge, en una furgoneta vella, en el qual els passarà de tot. I cada obstacle en el camí es torna més dur i xocant per ells. Però el viatge continua i l’entusiasme de la petita Olive fa tirar endavant i obliga a superar qualsevol problema… qualsevol.

Presentada en forma de comèdia, aquesta road movie, aprofita per fer una crítica social als canons de bellesa i l’ètica dels propis concursos de bellesa infantils. Perquè una nena com la petita protagonista pot arribar a un concurs d’aquest estil? Com pot ser que una nena tan petita es pugui arribar a preocupar tant per la seva imatge? Quina necessitat hi ha de patir així?

D’altres temes es tracten: el suïcidi, els somnis trencats, els problemes laborals i econòmics, la mort,… Tot un poti-poti de sentiments que viatgen en un antic vehicle i que ens arrenca un gran somriure i, alhora, grans llàgrimes. Una barreja perfecta, amb una música excel·lent. Uns actors i actrius molt ben escollits i amb una gran interpretació. A destacar la petita Abigail Wreslin (vista últimament a “Zombieland”) com una gran descoberta de Hollywood. De veritat, li recomano a tothom, sense pensar-ho dos cops. Després ja em direu què us ha semblat.

Per cert, “Little Miss Sunshine” va guanyar el festival de cinema de Sundance, premi molt merescut com imaginareu. Enguany, la guanyadora ha estat “Sin nombre”. Pròximament la comentaré en aquest blog. Ja la podeu anar veient!!

Got an email this morning from a student filmmaker in Malaysia with a lot of questions, no doubt shared by other budding filmmakers. Usually I’m just too busy with a million other things to answer well emails like this (because I don’t even have time to answer well emails from friends and family). But this inquisitor caught me on a Sunday morning with my cup of coffee in hand and my (perception that I had) free unaccounted for time : )

So I figured I’d share his good (but non-personal and generic) questions and my answers (his questions in italics, my answers in bold):

Dear Mr. Carew,
I’m a student from [xxx] University in Malaysia. I’m majoring in film for my final project in the next semester and I’m currently doing a research on cinematic techniques used by indie filmmakers. I was hoping if you could give your opinions on the following questions which would be a lot of help for my research.

1) Do I need a good story to make a good film?
Yes. Most certainly. Without a good story you are wasting your time: it’s a lot of effort to create a film, so always start with a good story. Even for the shortest of films (because, no matter how short, they’re always a lot of work; and you want viewers to be on the edge of their seats, not yawning or looking at their watches.)

2) Is there any inexpensive ways to minimize camera shake in a moving shot?
Here’s a few ways:
-Use lenses with optical image stabilization on the new DSLRs that take video (e.g., Panasonic GH1 or Canon 7D).
-Use a Glidecam or similar device.
-Use a Kenyon gyroscope (A bit more expensive).
-Practice a lot shooting handheld. Larger shoulder mounted cameras are actually less shaky than small cameras.

3) What are possible ways for setting up a certain mood of a scene using color?
First, make sure the lighting is good. Then, decorate the set through production design and costume the actors with a color strategy/palette in mind. Then learn and use color correction, e.g., using Apple Color.

4) Is lighting/reflectors necessary for an outdoor scene?
Not necessarily. But it’s very handy to have at least a large white piece of cardboard, to bounce a little light onto your actors faces. And it’s best to shoot at the “magic hours” (sunrise and just after + sunset and just after). Or shoot on an overcast day. In any case, try to avoid shooting in direct sunlight around noon–the light is too harsh.

5) What are some tips that you can give to make digital video look more professional?
-Try to shoot progressive, not interlaced. Ideally at 24 frames per second progressive (http://en.wikipedia.org/wiki/24p)
-Don’t have lots of shaky shots. In fact, try to shoot the whole movie locked off on a tripod.
-Try for a shallower depth of field. Which you can get if your camera has a larger sensor (like the GH1 or 7D) or if you use a 35mm adaptor kit (like the ones from RedRock Micro, etc.)
-Try to rent or borrow a Red One or 16mm or 35mm film camera. Red One will be cheaper, because you don’t have to buy and process the film.

6) What is different and imaginative to the viewers now?
Well, films and expectations of filmmakers have evolved over the years. People expect faster pacing and faster editing cuts. People like it (but at the same time are getting used to) when the camera goes to gritty and “exotic” places (e.g., Babel, Constant Gardener, Slumdog Millionaire, etc.) Expectations are higher now in terms of CG, and a lot of CG is used.
In general I would say:
-Find (or write) a good, authentic story.
-Don’t show things you can’t show well (e.g., fight scenes are very hard, etc.)
-Get good actors (not just friends or fellow students). Actually do auditions.
-The world would love to see a fresh human tale about your town/city in Malaysia–which may seem very mundane and pedestrian to you, but which is probably very real and exciting to the other 6 billion people on the planet. I.e., I would say just take your camera outside onto the streets, rooftops, windows, mountains around you. And find a couple good actors. Remember Jean Luc Godard said all you need to make a movie is “a girl and a gun.”

7) What are some tips you that can give for making a travel related short film?
I’m not sure if you mean a documentary or a narrative feature. Not sure that I have any brilliant ideas here, but a few thoughts:
-For documentaries, it’s a common practice to show the traveller boarding his or her train/plane/bus etc., then to show the vehicle driving/flying away, then to cut to the passenger. This, of course, requires you to either have two (matched) cameras. Or to film it twice (“faking” it).
-”Road movies” (e.g., Thelma and Louise, Motorcycle Diaries, Easy Rider) are a whole genre, about escaping one’s mundane existence by traveling (without good plan and/or destination in mind) and the joy and camaraderie of being “on the road”. Study this genre to make one of these movies: http://en.wikipedia.org/wiki/Road_movie
-Spend time to get a lot of “B” camera footage of your vehicle traveling through land/cityscape (both from interior and exterior POV, and with passengers).

George Miller con cuatro duros en el bolsillo se inventó en 1979 una de las auténticas obras de culto del séptimo arte. Desde los primeros planos, ya intuimos que algo va mal por el planeta Tierra, alguna pata del sistema se ha debido venir abajo.

No sabemos cuál, pero desde luego la justicia se nos presenta como una ruina, escenificada en un edificio cochambroso en cuyo interior deambulan cuatro vigilantes de la carretera, quiénes al juzgar por lo que vemos, no ostentan un cargo excesivamente bien visto en la sociedad.

La acción se desata con ‘El Jinete Nocturno’, un loco de la carretera al que Max y su compañero ‘El Ganso’ pondrán fin en el propio asfalto. A partir de ahí, unos motoristas nómadas amigos del Jinete llegarán a la ciudad para clamar venganza.

Comenzará el western futurista. Tenemos a la ley, al sheriff y su ayudante, representada en Max y en sus compañeros. Y al otro lado a los forajidos y bandidos, los nómadas de la carretera. El enfrentamiento entre unos y otros resultará trepidante, sin conceder tregua ninguna.

Un final memorable, un acoso asfixiante de los bandidos, quiénes sembrarán el terror a su paso. Hasta que nazca el solitario de la carretera, Mad Max. Se enfunda su traje de cuero. Calza sus botas. Enciende el motor de su ocho cilindros de su ’Interceptor’ y lo hace rugir. Sale al asfalto e impone su nueva ley. El mundo está jodido, y en ese mundo sólo sobreviven los más duros. Obra maestra. 

Assim como em …Tenenbaums e …Stevie Zissou, Viagem a Darjeeling trabalha no terreno da paternidade e suas disfunções. Diferente de lá, o pai em questão não está presente na tela pela morte e isso requer dos filhos um deslocamento pelo desconhecido. Estamos, portanto, numa espécie de road movie.

Há um jogo entre essa história de viagem e movimentação com o barroquismo da imagem de Wes Anderson. Um jogo que, em diversos momentos, parece estranho e deixa uma gosto de algo em desacordo.

Os planos de Anderson tendem para o estático, o desânimo, a inércia. Em Viagem a Darjeeling temos, talvez, o primeiro grupo de personagens em seu universo ficcional cuja tensão está na ação.

Viagem a Darjeeling (The Darjeeling Limited, 2007), dir. Wes Anderson (Telecine Cult – 20h15)

Código: FLM 0251

Calidad: Back up

Audio: Inglés
Subtítulos: Español, inglés
Formato: Widescreen

Título original: Hell ride
País de origen: EE.UU.
Año: 2008
Duración: 84 min.

Dirección: Larry Bishop
Actores: Larry Bishop, Michael Madsen, Dennis Hopper, Eric Balfour, Vinnie Jones, Leonor Varela

Pistolero es un motoquero que junto a su hermano The Gent y su amigo Comanche, busca vengar la muerte de su amada, a manos de una pandilla motorista rival, “The 666ers”.

Extras:

- Comentarios

- Making of

- The babes of Hell ride

- The guys of Hell ride

- The choppers of Hell ride

- Michael Madsen’s video diary

- Red band trailer

Código: FLM 0227

Calidad: Back up

Audio: Inglés
Subtítulos: Español
Formato: Widescreen

Título original: Joy ride
País de origen: EE.UU.
Año: 2001
Duración: 97 min.

Dirección: John Dahl
Actores: Steve Zahn, Paul Walker, Leelee Sobieski

En un aburrido viaje por la ruta, dos jóvenes deciden hacerle una broma por radio a un camionero. Sin embargo, ellos deberán pagar por las consecuencias.

Extras:

- Finales alternativos

- Más que un clavo oxidado

Den chilenske filmen Touristas er verdt å se bare på grunn av de norske navnene på karakterene. Ulrik Skakkebak går enda an, men hva med Olsen Forden? Disse detaljene gir meg følelsen av at det må finnes en historie bak historien, som om det hele startet da regissør Alicia Scherson møtte norske ryggsekkturister på ferie, kanskje i nettopp den naturparken vi besøker, og så har de sittet sammen rundt leirbålet og lært hverandre dumme setninger slik turister gjør: «Det er godt med pølse», og «god natt min skatt». Hvem vet, kanskje foregikk det slik? Men i filmen er historien litt mer komplisert.

Det er noe mystisk ved Ulrik Skakkebak (Diego Noguera), som går ut over den suspekte norske aksenten. Filmen handler likevel ikke først og fremst om ham, men om Carla (Aline Kuppenheim), en urban biokjemiker på bilferie som blir forlatt av kjæresten etter en krangel. Han får vite at hun ikke lenger er gravid, hun har fjernet barnet uten å ta ham med på råd, fordi hun ikke «følte seg klar for det». Han forstår ikke hvorfor, Carla er tross alt 37 år, og hvordan hun da være noe annet enn klar? Selv er han ihvertfall mer enn klar, og når Carla går for å tisse bare kjører han, og kaster veskene hennes i veikanten. Carla står igjen alene, og hva skal hun gjøre? Hun gjør det beste ut av situasjonen, trasker til ei veikro hvor hun spiser lunsj, og får haik med en lastebil hvor sjåføren har bilder av ungene klistret på frontruta, og Carla juger og forteller at hun også har barn, men blir gjennomskuet av Ulrik Skakkevik, den andre passasjeren, «en gringo Norge». Ulrik skal på telttur til en naturpark og ber Carla følge med, og først vil hun ikke, men så vil hun likevel, og handlingen ruller i gang.

I parken treffer Carla andre karakterer av denne lett eksentriske typen som gjerne opptrer i reisefilmer, og forsåvidt også i virkelighetens ryggsekkreiser etter min erfaring. Det er parkvokteren Orlando, en ex-sanger med en one hit wonder på samvittigheten, slageren Vanitas, forfengelighet, som Carla bruker mesteparten av filmen på å prøve å huske ord og melodi til. Vi har de to vakre og utfordrende kusinene som driver kiosken, av utseende prikk like, du skulle tro de var tvillinger. Disse to interesserer seg for Ulrik, og muligens også for Carla, ihvertfall blir de bedt på en familiefest hvor filmlyden endelig greier å overdøver musikken fra nattklubben bak kinosalen, noe som gjør meg oppmerksom på at Touristas ellers er en ganske stille film, uten mye kunstig lyd, og med et nært dokumentarisk kamera.

Parkvokter Orlando har noe på gang med en kvinne i et annet telt, som er mor til to rampete unger og gift med en mann som bærer rundt på en oppblåsbar hai. Vi røper vel ikke for mye ved å avsløre at mye er annerledes enn det først virker: Alle har hver sine små planer og hemmelige agendaer de involverer hverandre i, slik vi kjenner det fra utallige road movies, enda denne vel strengt tatt er mer av en path movie, en stifilm, siden den foregår på et veldig begrenset sted, innenfor den middels store naturparken som holder på å desimeres av en motorvei, noe vi oppdager når Orlando lærer Carla fuglelyder og blir avbrutt av drønn fra anleggsmaskiner.

Orlando formulerer sitt forhold til parken slik: «Da jeg kom hit var den bare ei eneste grønske for meg, jeg fikk mareritt om natta hvor alt var grønt, men nå er det annerledes, nå kjenner jeg hver tre, og navnene på dem kan jeg også.» Han kan også navn på alle fuglene og billene som svirrer rundt i det lett fuktige sommerværet, og det er noe i dette som kanskje likner et budskap: det ukjente har aldri nyanser, noe som endrer seg om du våger å gi det mer tid, om du fordyper deg istedenfor å stadig svirre videre til neste blomst, slik moderne mennesker gjerne gjør. Jeg er usikker på om det virkelig ligger noen dypere filosofisk mening bak denne filmen, slik vaskeseddelen hevder. Men kanskje er det riktig, kanskje har regissøren hatt en slik intensjon: å behandle det moderne selvets oppløsning og storbymenneskets rotløshet, men jeg synes like gjerne filmen kan nytes uten å reflektere over slike dypsindigheter.

Etter to traurige politiske og stillestående filmer før på kvelden var Touristas uansett en velkommen avveksling for meg, vittig og lett surrealistisk på en behagelig slentrende måte. Den vises på Film Fra Sør også idag lørdag 10., samt tirsdag 13. og onsdag 14. oktober.

(Dette innlegget blir også publisert på Montages.)

Código: FLM 0219

Calidad: Back up

Audio: Inglés
Subtítulos: Español
Formato: Widescreen

Título original: Hitcher
País de origen: EE.UU.
Año: 1986
Duración: 97 min.

Dirección: Robert Harmon
Actores: Rutger Hauer, C. Thomas Howell, Jennifer Jason Leigh

Un joven recoge en una lluviosa noche a un hombre que está haciendo dedo en la ruta. Al poco de subir, éste le confesa que es un asesino y que planea matarlo. El joven logra deshacerse de él empujándolo al camino. Sin embargo, el asesino lo perseguirá matando a todo el que se cruce.

Road, Movie is a 2009 Indian flick which is directed by Dev Benegal and starring Abhay Deol, Tannishtha Chatterjee, Satish Kaushik. The film was premiered at the 2009 Toronto Film Festival.

road movie 2009

Produced by the US-based Ross Katz and Susan B. Landau, and presented by The Indian Film Company and Studio 18, the script of the Dev Benegal-directed movie was announced as an official selection at L’Atelier du Cannes in 2006. Road, Movie has been completed and will hit the theatres soon.

10 drogues à ne pas prendre avant de conduire.

Código: FLM 0150

Calidad: Back up

Audio: Español
Formato: Widescreen

Título original: Y tu mamá también
País de origen: Mexico
Año: 2001
Duración: 105 min.

Dirección: Alfonso Cuarón
Actores: Gael García Bernal, Diego Luna, Maribel Verdú

Tenoch y Julio, amigos de toda la vida, convencen a la esposa de un primo de Tenoch a embarcarse en un viaje a una playa alejada. En el viaje, descubrirán mucho sobre la vida, el sexo, ellos mismos y su respectiva amistad.

Extras:

- Reparto

- Realizadores

- Clip: “Here comes the mayo” de Molotov.

Código: FLM 0133

Calidad: Back up

Audio: Inglés
Subtítulos: Español, inglés
Formato: Widescreen

Título original: The devil’s rejects
País de origen: EE.UU.
Año: 2005
Duración: 107 min.

Dirección: Rob Zombie
Actores: Sheri Moon Zombie, Sid Haig, William Forsythe, Bill Moseley

Capturas

Extras:

- Bloopers

- The Morris Green Show – “Ruggsville’s #1 talk show”

- Mary the monkey girl commercial

- Spaulding Christmas commercial

- “Cheerleader Missing” – The Otis home movie

- “Satan’s got to get along with me” – Buck Owens video

- Escenas borradas

- Tests de maquillaje

- Tributo a Matthew McGrory

- Trailers

Zusammenfassung:
Eine Familie macht eine Tour durch die USA und stranden nach einem geplazten Reifen mitten im Nirgendwo in der Wüste von New Mexico. Doch so verlassen wie es zuerst den Anschein hat, ist die Gegend gar nicht.

Trailer:

Kritik:
The Hills have Eyes ist ein Remake des gleichnamigen Films von Wes Craven von 1977. Das Original werde ich hier später auch nochmal besprechen. Dieses Remake hat Wes Craven persönlich Unterstützt, also geht auch alles mit rechten Dingen zu.
Der Film braucht ziemlich lange, bis er ins Horror-Genre rutscht. legt dann aber auch ordentlich an geschwindigkeit und Härte zu. Blut ist reichlich zu sehen, aber vor allem ist auch einiges sehr Hart. So z.B. der Tod des Vaters. Auch das da die ganze Zeit ein Baby rumgeschleppt, entführt, beinahe getötet wird ist schon eine Nummer für sich. Allerdings haben wir deutlich zuviele überlebende, wenn ich das mal so sagen darf. Auf jedenfall sehenswehrt das ganze.

Wertung:

Hold on to something, because the next BIFF offering is a whipsaw 180-degree turn from Antichrist. We move from a movie that builds from a series of shocking acts to a horrific, over-the-top climax to a movie which trundles along with all the speed and power of a Prius. The South Korean film My Dear Enemy is pretty much everything Antichrist is not. It isn’t lurid, overheated, violent, or even possessed of much momentum. What it does have is an emotional center that drives the narrative and two sharply and realistically-drawn characters it follows for its runtime. It also has such a palpable feel of realism that there truly is not a false note in its entirety.

My Dear Enemy (it’s title Anglicized and slightly commodified from the Korean Meotjin Halu or, more or less, ”A Beautiful Day”) begins at a dingy racetrack or OTB office, which, in all honesty, looks more like a welfare center. Hee-su (Jeon Do-yeon), a young woman smartly dressed in a wool coat and a turtleneck wanders somewhat aimlessly until she runs across a hangdog young man named Byung-woon (Ha jung-woon), and the only real sparks in the film fly. The two of them were once involved and Byung-woon borrowed 3.5 million won (about 3,000 bucks but probably dropping fast), and never paid it back. Hee-su is in financial straits and could use the cash. Byung-woon isn’t it great financial shape, either—witness his ratty coat and cruddy clothes—but Hee-su refuses to back down. Confronted with the unstoppable force, Byung-woon proves a very movable object and offers to “get” the money.

Getting the money basically involves rolling around Seoul in Hee-su’s new car, guided by her trusty GPS, as Byung-woon approaches various and sundry people from his past, calling in favors, loans, begging and borrowing. In the process, the two bicker and (slightly) banter. We also get a travelogue of Seoul on a chilly, clear Saturday and a window into the multiple levels of Byung-woon’s life. Through it all, Hee-su is a mostly silent witness to a fundamental decency in Byung-woon that perhaps she never saw, or maybe just wasn’t enough.

Like I said, not much happens. The car gets towed, and the weather turns predictably cruddy, forcing them to scamper through the subways, and trudge through the rain. That’s the big tonal shift in the film. In the process of their trek, we meet a series of vividly-drawn characters who serve to put the urban, existential loneliness of these people in some relief. A rebellious niece grudgingly admits that Byung-woon is constant male presence in his life. A cousin casually hangs with a crew of tough, leather-clad Harley riders and takes the opportunity to cut Byung-woon down by regaling his guests with the story of how Byung-woon lost the family fortune in business and his resulting destitution drove his fiancé away (a surprise for Hee-su, who didn’t know Byung-woon had gotten engaged after they broke up). Finally, they meet a single mother who was helped in some way by Byung-woon, who offers up the money gladly and testifies to his spectacular decency.

The most riveting encounter is with a beautiful escort who lives in a penthouse stuffed with expensive clothes and gifts. She casually brutalised Hee-su by wondering at how plain she is. The way Byung-woon described her, mooned over her, she expected someone more beautiful and vivacious. Hee-su lashes back, “You’re just a bar girl!” but it’s impossible not to see that Hee-su is flailing about impotently. She simply cannot hurt the girl who knows precisely what she is and has made her peace with it. Hee-su also has a heart, and standing before the beautiful, cold woman, she can’t possibly feel anything but emotionally hobbled.

The movie lives or dies by its performances, and director Lee koon-yo has two tremendous actors at his disposal and knows how to use them. As Byung-woon, Jung-woo expertly fluctuates between boyish immaturity and flashes of solidity. Sometimes he plays the stoner/slacker to the hilt, but he also lets genuine emotional insight to flash through. You can see why he’d be a gamble—one many women would see worth taking, but gamble all the same. As Hee-su, Do-yuen has the damn near impossible task of making a seemingly impenetrable woman emotionally legible. Much of the film is filtered through her almost-taciturn witness. Still, she manages to make her inaction evidence enough of her loss and heartbreak. It’s a performance of sheer negative space, benefiting from her understated, elusive beauty.

Seoul is shot as an unlovely city. It’s a rambling, plain community, obstinately unphotogenic even as night falls. It seems a city incapable of fostering dreams or romance, as befitting their inner-lives. Only in one scene does it have any sense of whimsy: the last scene of the film, a flashback to their first meeting. The two are dressed smartly in business attire in a glass office looking out over the cityscape. For a moment the city looks beautiful, and the two leads are crisp and honest and young with one another. It’s the most heartbreaking scene of the film.

Seen in contrast with a film like Antichrist, a film like My Dear Enemy is even more of a feat. Quiet and unassuming, but unmistakably true and honest.