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Eeppisen mittaisessa juhlajaksossamme esitellään uusi tunnari, palkitaan kommentoijia ja ennen kaikkea käydään läpi panelistien Top 10 suosikkielokuvat kautta aikojen. Mittaa jaksolle tosiaan venähti melkein kolme ja puoli tuntia, mutta älkää säikähtäkö. Annamme tämän kuunteluun kuuntelijoille muutaman viikon kuunteluaikaa ennen uusia jaksoja ja podcastia voi kuunnella vapaavalintaisissa osioissa.

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Henrikin Top 10 elokuvat:
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Respirando e transpirando cinema noir.

Max Reinhardt was the most tremendous and important person to have ever influenced my career and my work. - Bob Ryan provando que Reinhardt não fora apenas um dos pais do teatro moderno e do cinema alemão, mas dele também.
Sem Reinhardt não existiria Lang, Murnau, Lubitsch e outros desocupados, por consequência não existiria todo expressionismo alemão e cinema noir norte-americano. Sem Reinhardt não haveria o curso de teatro que fundou nos EUA, Ryan não teria encontrado um rumo para sua vida neste mesmo curso e todos perderíamos um ator estupendo imortalizando uma quantidade incalculável de grandes cenas do cinema, boa parte delas fazendo parte daquele mesmo cinema noir supracitado.
Mas Ryan era diferente de outros ícones noir, gente como Bogart, Ladd, Lancaster e Mitchum possuíam um tipo de aura heróica e dignidade que prevalecia mesmo nos mais profundos esgotos, Ryan não, ele ia mesmo fundo na podridão humana, se mesclamava na escória, rastejava nos dejetos e é aí que entra a influência de Reinhardt, ao abster-se da vaidade do astro de cinema para dar vazão à necessidade do ator, numa quase-versão sexy de Peter Lorre. Robert Ryan é pulp cinema em suor, sangue, penumbra, músculos, pistolas, cigarros e câncer no pulmão.

RR tem tanto filme excelente no currículo que dá impinge pensar em fazer um top de sua filmografia.

1- Meu Ódio Será Tua Herança (The Wild Bunch, Sam Peckinpah, 1969)

2- Cinzas que Queimam (On Dangerous Ground, Nicholas Ray/Ida Lupino, 1952)

3- Punhos de Campeão (The Set-Up, Robert Wise, 1949)

4- A Quadrilha Maldita (Day of the Outlaw, André De Toth, 1959)

5- Casa de Bambu (House of Bamboo, Samuel Fuller, 1955)

6- Homens em Fúria (Odds Against Tomorrow, Robert Wise, 1959)

7 -O Preço de um Homem (The Naked Spur, Anthony Mann, 1953)

8- Rancor (Crossfire, Edward Dmytryk, 1947)

9- O Menino dos Cabelos Verdes (The Boy With Green Hair, Joseph Losey, 1948)

10- O Homem que Surgiu de Repente (La Course du Lièvre à Travers les Champs, René Clement, 1972)

11- Ato de Violência (Act of Violence, Fred Zinnemann, 1948)

12- Os Que Sabem Morrer (Men in War, Anthony Mann, 1957)

Nem só de sombras viveu um dos maiores motherfuckers do cinema, mais do que noir, Robert Ryan exalava testosterona. Desde os anos 40 Mr Ryan poderia entrar em qualquer antologia de cinema-de-macho, o homem trabalhou com Peckinpah, Fuller, Aldrich, Walsh, Boetticher, Winner, Frankenheimer, Anthony Mann, John Flynn e Sturges – ele também trabalhou com o resto da galera sem talento do outro lado como Lang, Tourneur, Losey, Ray, Ophuls, Lupino, Renoir, mas isso não tem a mínima importância. O que quero mesmo dizer é que o senhor Ryan tem todo direito de estar naquele seleto hall onde estão inclusos Clint Eastwood e Charles Bronson, com a diferença que Bob Ryan já era motherfucker antes que esse povo tivesse sonhado em ser tal coisa.
Apesar de RR ter sido separado de seu siamês Sterling Hayden logo após o nascimento, dessa galera macho-pra-dedéu o único ator páreo para ele no cinema americano era Lee Marvin – foram dois dos mais intensos, versáteis e talentosos atores evindeciados no pós-guerra – vai ver por isso fizeram quatro filmes juntos e Bloody Sam queria Marvin ao lado dele no Wild Bunch, em vez disso Marvin foi cantar com o Eastwood naquele outro filme… A verdade é que o duo Marvin-Ryan formam uma espécie de objeto transitório de anti-heróis com testosterona acima da média entre a geração Cagney-Bogart para o ciclo Eastwood-Bronson.

Eu sei que meus bíceps são irresistíveis, mas tenha respeito, Bronson!

Top “resto”:

13- Coração Prisioneiro (Caught, Max Ophüls/Robert Aldrich, 1949)
14- Só a Muher Peca (Clash by Night, Fritz Lang, 1952)
15- Os Doze Condenados (The Dirty Dozen, Robert Aldrich, 1967)
16- A Mulher Desejada (The Woman on the Beach, Jean Renoir, 1947)
17- O Mais Longo dos Dias (The Longest Day, Ken Annakin/Andrew Marton/Bernhard Wicki, 1962)
18- A Quadrilha (The Outfit, John Flynn, 1973)
19- Expresso Para Berlim (Berlin Express, Jacques Tourneur, 1948)
20- Billy Budd – O Vingador dos Mares (Peter Ustinov, 1962)
21- Rastros do Inferno (Inferno, Roy Ward Baker, 1953)
22- Conspiração do Silêncio (Bad Day at Black Rock, John Sturges, 1955)
23- The Iceman Cometh (John Frankenheimer, 1973)
24- Rei dos Reis (King of Kings, Nicholas Ray, 1961)
25- Uma Batalha no Inferno (Battle of the Bulge, Ken Annakin, 1965)
26- Os Profissionais (The Professionals, Richard Brooks, 1966)
27- Nas Garras da Ambição (The Tall Men, Raoul Walsh, 1955)
28- O Pequeno Rincão de Deus (God’s Little Acre, Anthony Mann, 1958)
29- A Batalha de Anzio (Lo Sbarco di Anzio, Duilio Coletti/Edward Dmytryk, 1968)
30- À Borda da Morte (The Proud Ones, Robert D. Webb, 1956)
31- Os Bravos Não se Rendem (Custer of the West, Robert Siodmak, 1967)
32- A Hora da Pistola (Hour of the Gun, John Sturges, 1967)
33- A Estrada Dos Homens Sem Lei (The Racket, John Cromwell/Nicholas Ray/Mel Ferrer, 1951)
34- Alma Sem Pudor (Born to Be Bad, Nicholas Ray, 1950)35- Mulheres de Ninguém (Tender Comrade, Edward Dmytryk, 1943)
36- Império do Pavor (Horizons West, Budd Boetticher, 1952)
37- O Assassinato de um Presidente (Executive Action, David Miller, 1973)
38- De Volta da Eternidade (Back from Eternity, John Farrow, 1956)
39- Escravo de Si Mesmo (Beware, My Lovely, Harry Horner, 1952)
40- Lonelyhearts (Vincent J. Donehue, 1958)
41- Tudo Por Ti (The Sky’s the Limit, Edward H. Griffith, 1943)
42- A Guerra Secreta (The Dirty Game, Christian-Jaque/Klingler/Lizzani/Terence Young, 1965)
43- O Homem da Lei (Lawman, Michael Winner, 1971)
44- Cidade Abaixo do Mar (City Beneath of Sea, Budd Boetticher, 1953)
45- Selvas Indomáveis (Escape to Burma, Allan Dwan, 1955)
46- O Melhor dos Homens Maus (The Best of the Badmen, William D. Russell, 1951)
47- Cada Vida… Seu Destino (The Secret Fury, Mel Ferrer, 1950)
48- Caçada ao Pistoleiro Escondido (Un Minuto per Pregare un Instante per Morire, Giraldi, 1968)
49- Horizonte de Glórias (Flying Leathernecks, Nicholas Ray, 1951)
50- A Volta dos Homens Maus (Return of the Bad Men, Ray Enright, 1948)
51- Capitão Nemo e a Cidade Submarina (Captain Nemo and the Underwater City, J. Hill, 1969)
52- Bombardeio (Bombardier, Richard Wallace/Lambert Hillyer, 1943)
53- Sem Deus e Sem Lei/O Passo do Ódio (Trail Street, Ray Enright, 1947)
54- Os Homens da sua Vida (Her Twelve Men, Robert Z. Leonard, 1954)
55- Marine Raiders (Harold D. Schuster, 1944)
56- Nuvens de Tempestade (The Woman on Pier 13/I Married a Communist, R. Stevenson, 1949)

Nota 1: Ninguém chuta a bunda de Deke Thornton, mas se não fosse pelo final, On Dangerous Ground seria talvez o primeiro dessa lista. O filme de  Ray sofreu exatamente a mesma coisa que The Magnificent Ambersons na década anterior, onde o final original foi refeito porque o estúdio assim quis e apesar do final imposto não ser uma tragédia, a situação original desejada por Ray era amplamente superior. Robert Ryan foi queridinho dos filmes B durante o reinado de terror de Howard Hughes na RKO, um bom motivo para que ele e Nicholas Ray se tornassem tão unidos no período, trabalhando juntos em quatro filmes seguidos (mais tarde tiveram um quinto filho temporão) – enquanto Hughes entrava de cabeça no macartismo, Ryan e Ray batiam o pé como notórios liberais, o que gerou todo aquele entrevero com John Wayne durante as filmagens de Flying Leathernecks, um filme cujo conteúdo belicista e de direita nada tinha a ver com suas visões.

Nota 2: Só as participações com no mínimo uma fala entraram no top, filme com participação ínfima deixei de fora, como é o caso de sua estréia em O Castelo Sinistro (The Ghost Breakers, George Marshall, 1940) onde fez figuração carregando uma maca (é, eu reconheço alguém com dois segundos em cena e praticamente de costas)Nota 2: O maior choque que tive seguindo a carreira de Ryan foi quando assisti O Pequeno Rincão de Deus (God’s Little Acre, Anthony Mann, 1958) foi alí que me dei conta que estava diante de um dos maiores atores do mundo. Quando vi a cena em que sua personagem resolve raptar um albino não sabia se gritava, gargalhava ou chorava de emoção por estar diante de um gênio em sua arte. Mann havia começado essa tranformação de Ryan em Zé Buscapé já em O Preço de um Homem (The Naked Spur, 1953), onde em meio a uma atmosfera leoniana Ryan praticamente cria o pai do Tuco de Três Homens em Conflito.

Nota 3: O top é por qualidade geral dos filmes, mas se fosse eleger as 12 melhores atuações de RR, seriam estas: Odds Against Tomorrow, Billy Budd, Caught, God’s Little Acre, Custer of the West, Clash by Night, The Iceman Cometh, The Set-Up, Born to Be Bad, The Naked Spur, Inferno e On Dangerous Ground.

Nota 4: Presumo que o “Patch Pack” tinha uma queda pelo senhor Ryan – Walsh, Ray, De Toth e Lang trabalharam com ele, o único maldito de tapa-olho com quem não trabalhou foi o John Ford.

Nota 5: É fato – Ryan tem os melhores bíceps e tenho dito. É por isso que recomendo com veemência filmes em que aparece sem camisa ou de camiseta, também por isso Ed Dmytryk disse certa vez: Bob hit like a mule.

Nota 6: A minha “fase Jeff Bridges” do último semestre me levou, por consequência, a ver alguns filmes onde Robert Ryan esteve presente. JB tem RR como ator favorito e impusionou-me a ver o porquê foi tão importante como muso inspirador, além do fato de dois dos últimos filmes com Ryan terem sido também dois dos primeiros filmes com a presença de Bridges. Só depois de ter trabalhado ao lado de Ryan, Lee Marvin e Fredric March em The Iceman Cometh (John Frankenheimer, 1973) é que JB resolveu ser ator de verdade, coisa que até então ele só levara na brincadeira, tamanho o peso que tais homens tinham em cena, algo fácil de se perceber já que Ryan e Marvin jogam ping-pong com JB naquele filme, onde o então guri fica na função de bolinha. Também pudera, The Iceman Cometh é o último momento de Ryan no cinema, o câncer em estado bastante avançado acabou tornando seu personagem ainda mais melancólico do que dramaticamente já era e presumo que nenhum outro ator de qualquer montagem da peça de Eugene O’Neill tenha sido mais efetivo durante o final do terceiro ato.

Nota 7: Robert Ryan foi o único ator que vi eclipsando James Mason. Vi Mason de igual para igual com Alec Guinness, Peter Sellers e John Gielgud, mas a única presença que esteve um degrau acima de Mason numa cena foi o Robert Ryan em Caught – *Medo. Em compensação o Nemo de Ryan não chega aos pés do de Mason.

Você é fodão, mas eu sou mais alto. mimimi

Hughes called Ryan in and said “It’s okay if you play me, I don’t want them to put some other actor in there” – Robert Parrish, então editor de Caught (Max Ophüls, 1949) sobre o fato de Howard Hughes achar que apenas Robert Ryan seria digno de interpretá-lo - como se já não fosse suficientemente estranho o patrão deixar que um personagem pouco lisongeiro fosse inspirado nele.

Nota final: Hoje comemora-se cem anos do nascimento de RR, oras.

*Da série: Este post foi programado, eu não estou aqui!

Somebody Up There Likes Me

Pais: EU
Año: 1956
Género: Drama. Biográfico. Deporte (boxeo)
Duración: 113 min.
Dirección: Robert Wise
Guion: Ernest Lehman
Música: Bronislau Kaper
Producción: MGM

Reparto:
Paul Newman, Pier Angeli, Everett Sloane, Steve McQueen, Sal Mineo, Eileen Heckart, Robert Loggia.

Descripción:
Biopic sobre el boxeador Rocky Graziano, que pasó de ser un joven delincuente de Nueva York a campeón del mundo de los pesos medios.

Críticas:
1957: 2 Oscar: Mejor dirección artística, fotografía B/N.
–
“Contundente acercamiento biográfico a la figura del púgil Rocky Graziano (…) la deliciosa Pier Angeli llena de magia la pantalla” (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
–
El origen del indomable
Un tipo aparentemente pasota, que se rebela ante quien le manda cualquier cosa, que se pelea hasta con su sombra, muy atormentado, en cuyo interior se generan a menudo fuertes conflictos, que se pasa la vida tratando de huir de algo y cuando lo consigue tiene que enfrentarse a su pasado, un guaperas nervioso hasta parecer sobreactuado… Es Rocky Graziano, es Eddie Felson, es Harper el investigador privado, es ese abogado borracho y casi acabado de Veredicto Final, es el patriarca mafioso irlandés de Camino a la Perdición, es un general de división experto en fugas, es Bucth Cassidy y es Luke, el tipo que se come 50 huevos en La leyenda del indomable.

Es Paul Newman, posiblemente el más grande, y esta es su primera película seria tras el fracaso del Cáliz de Plata. Se forja aquí ese indomable, ese perdedor empedernido que demostró que los guapos también son inteligentes. Es la vida de Rocky Graziano, un personaje de los bajos fondos que pasa su juventud de reformatorio en reformatorio, peleando con su padre y dándole disgustos a su madre, acumulando un odio que le sirve luego para vencer en el ring.

Y es una película sobre la traición, sobre el soborno, sobre cómo una noticia publicada en un periódico puede hundir una carrera, sobre el ascenso y la caída de cualquiera que alcance la fama y no se ande con ojo, sobre una Nueva York preciosa en blanco y negro en los años cincuenta, sobre un indomable al que sólo consigue aplacar una mujer.

Del boxeo como una de las bellas artes
El gran Robert Wise, hombre orquesta de la gran industria con toda clase de géneros y casi siempre acertando en dominio de la realización y brillante producción, esta vez se encara con su única película de boxeo. Hasta este 1956, una de las pocas, o acaso la única, que afrontaba el subgénero sin temor a realizar una gozosa apología del tan denostado deporte: algo que se sabía entonces y no puede ignorarse hoy, ya que se basaba en la autobiografía de un triunfador, un hombre que, “marcado por el odio” ascendería hasta él mismo asombrarse de encontrar “En la cima a un hombre como yo” (título original aproximado y homónimo de sus memorias): de la nada a la gloria entre puñetazos y en brazos de una delicada mujercita que, también por vez primera en estas películas, no sólo supera el temor al desastre de su pareja sino que es el alma mater de que un chico de la calle, violento y fatalista, asuma la responsabilidad del triunfo.
Sin duda, el reparto es óptimo; desde los secundarios hasta los protagonistas, pero es indispensable la inocencia del espectador de ayer y de hoy, pues las torpezas de su estructura dramática en torno a varios temas principales se supera por la apasionada necesidad de recurrir a apuntes dramáticos de radionovela, al aliento previsible que todos querían y quieren ver ante personajes tan desolados que necesitan una oportunidad. Y esta vez, las partes más tremendas del boxeo se mencionan al pasar; lo que queda es una lucha singular con rumores de victoria desde ese principio magistral en que un niño corre desesperadamente y se transforma en un muchacho igualmente desesperado.

Ritmo, emoción, nobles y tramposos recursos, un director brillante, un Paul Newman en estado de gracia dosificando con gran sabiduría al niño y al salvaje que siempre habitan en su personaje. La bella —y sólo en apariencia frágil— Pier Angeli en uno de sus pocos papeles realmente buenos: excelente niña delicada que toma las riendas de un hombre débil al borde de la catástrofe.

El auténtico Rocky murió con 71 años en 1990; tuvo tiempo de ver una nueva versión de esta película y de su personaje en manos de Sylvester Stallone, quien en 1975 hizo de Rocky Balboa un nuevo Rocky Graziano tomando muchos datos de la realidad boxística en general pero vivamente inspirado en este Rocky que hizo historia en el cuadrilátero (ahora se me escapa si lo menciona en su película, pero creo que no).

La parte amarga es el recuerdo de la bella Pier Angeli, quien tras una carrera muy pobre y tristísimos romances y matrimonios, murió a los 39 años tras un batido considerable de barbitúricos. En cuanto a Paul Newman, el pasado año falleció a causa de una enfermedad con 83 años tras una brillantísima carrera, y largo matrimonio con Joan Woodward.
–
Marcado por el Amor
La diferencia entre el título original: “Somebody up there likes me”: “Hay alguién allí arriba que me quiere”, y el versionado en castellano: “Marcado por el odio”, me parece un ejemplo claro, de entre dónde la película se remueve. El contraste entre ambos títulos, simboliza el mismo contraste tan marcado en el film, convirtiéndose en una mezcla hermosa y trepidante. Tierna y dulce por la relación de los dos actores maravillosos, pero sin embargo cargada de gran violencia. A veces esa violencia no es explícita, y no salta a la vista en pantalla, pero emana de la mirada de Newman, de la fotografía en blanco y negro de la película, que le dió el oscar en 1956, o del montaje feroz, de la misma.
Prefiero sin duda el título original, porque sales con esa sensación después de verla.
Bonita fábula. Bonita Pier Angeli, e inmenso Paul Newman.

Datos técnicos:

Tamaño:  1,56 Gb
Duracion: 01:48:49
Vídeo codec: Xvid (doble pasada)
Resolución: 704 x 400
Bitrate: 1660 Kbps.  Qf: 0.236
Audio codec: 0×2000(AC3, Dolby Laboratories, Inc) AC3
Bitrate Castellano/Inglés: 48000Hz  192 kb/s (1 chnl)
Subtítulos : [Castellano-Inglés]

Capturas:

Película

Subs.es-en

“Hay alguién allí arriba que me quiere”

¡¡ Maravillosos Pier Angeli  &  Paul Newman !!

As a new print of the film generally regarded as the greatest ever made is released, here’s my guide to the Orson Welles masterwork.

A-Z of Citizen Kane

A is for the American Film Institute which, in 2007, voted Citizen Kane the Greatest Movie of All Time – as it had also done in 1998.

B is for Boy Wonder, the nickname given to stage and radio star Orson Welles even before he made Citizen Kane (1941).

C is for ceilings. One of the innovations of Citizen Kane was the way in which the domineering title character was always shot from below, so that his power was always underlined (weaker characters were shot from above) – the result was that the ceilings of rooms were seen for the first time in the movies; in fact this was the first time the sets had had to have ceilings..

D is for debuts. Citizen Kane would have been a phenomenal achievement no matter who had made it but the fact that it was Welles’s debut as a movie director (and actor and producer) is astounding. He had to learn even the basics of filmmaking while he preparing Kane. Despite this – or perhaps because of his lack of technical experience and willingness to experiment – Welles subverted the rules of filmmaking and created a new vocabulary in the language of cinema.

E is for the end. Citizen Kane opens with the end of Kane’s story – his death – and then goes back to his humble beginnings.

F is for flashbacks. The story of Kane’s life is told through a series of flashbacks triggered by a newspaper reporter’s interviews with the tycoon’s former colleagues, ex-wife and friends.

G is for Gregg Toland, the cinematographer hired by Welles because of his flamboyance and unconventional style. One of Kane’s many innovations was “depth of field”, the method Toland devised of composing shots so that the screen was loaded with information and the figures and objects at the front of the screen were in focus at the same time as those at the back.

H is for Hearst, William Randolph – the American press baron who inspired the character and story of Citizen Kane. The film was essentially a thinly veiled biopic, which showed how power corrupted and how great egos are born – and grow out of control. Before the film was released, Hearst offered RKO Studios $800,000 (the cost of the film) to destroy the negative.

I is for innovation. Citizen Kane is packed full of new techniques, from the pioneering use of overlapping dialogue (which Welles brought from radio) to the ahead-of-its-time make-up which allowed the young star to convincingly age by 50 years during the course of the film.

J is for Judy Holliday. The scenes in which Susan Alexander is being bullied by Kane into being an opera singer are similar to those in the 1950 movie Born Yesterday, in which a gangster tries to turn his moll into a refined lady. By coincidence, Judy Holliday, that movie’s Oscar-winning star, was tested for the part of Susan in Citizen Kane.

K is for “King” Cole. The great pianist (and singer) Nat “King” Cole can be heard playing in the scene at the El Rancho nightclub where Susan is working.

L is for legacy. Citizen Kane stands as an astonishingly fresh piece of work nearly 70 years after it was made, and it has inspired countless filmmakers, among them Martin Scorsese, Woody Allen, Brian De Palma and Steven Spielberg who pays homage to it in Raiders of the Lost Ark (1981).

M is for Mercury Theatre, the stage company that Welles founded with John Houseman in New York in 1937. Known for its bold, original productions, Mercury Theatre branched out into radio drama – most famously its vivid 1938 dramatisation of HG Wells’s The War of the Worlds, which, although broadcast as a Hallowe’en prank, caused a nationwide panic as thousands of Americans believed they were listening to news coverage of a real-life alien invasion.

N is for Neverland. Michael Jackson’s vast estate – a sort of mini-kingdom – is the closest modern-day equivalent to Kane’s Xanadu, where he stored and showed off “the loot of the world” – the art work, architecture and animals he collected from across the globe. The gothic Xanadu was inspired by Hearst’s gargantuan castle San Simeon which was stuffed with antiques and art and had its own zoo.

O is for Only One Oscar. Yup, The Greatest Film of All Time won only one Academy Award – for the screenplay written by Welles and Herman J Mankiewicz. In 2003, Welles’s statuette was about to be sold in an auction at Christie’s in New York (by Welles’s youngest daughter) but was voluntarily withdrawn so that the Academy could buy it back for $1, a deal which all Oscar winners have to agree to. It had been expected to fetch over $300,000.

P is for Parsons. Louella O Parsons was the Hearst newspaper group’s Hollywood gossip columnist who could make or break careers. When she heard that Welles’s film was really about her boss, she demanded to be shown it – and blew a gasket. It was her report to Hearst which triggered his pre-emptive strike of banning advertisements for the film from his papers, a move which led some cinema chains to cancel their bookings.

Q is for the QT. Several key scenes in Citizen Kane were filmed on the quiet, behind closed doors, so that studio executives couldn’t interfere with the production. The projection room scene, plus the interviews, were passed off as tests but Welles fully intended to use them in the movie – and he did.

R is for “rosebud”, the last word uttered by Kane as he dies in the opening scenes of the film. It is the quest to discover what “rosebud” was that drives the whole film as a reporter is assigned the job of getting to the bottom of the mystery by interviewing as many of Kane’s friends and associates as necessary.

S is for score. Bernard Herrmann’s evocative score – his first feature film score – contributed much to the sinister atmosphere of the film. He went on to compose the music for such diverse classics as The Ghost and Mrs Muir (1947) and Taxi Driver (1976).

T is for twenty-four, the age Welles was when he was making “the greatest film ever made”.

U is for unorthodox. A particularly unusual technique was devised by editor Robert Wise (later the director of The Sound of Music) to make the newsreel footage at the start of the film look authentic and grainy: he ran the film through cheesecloth filled with sand.

V is for vendetta. Hearst’s papers conducted a smear campaign against Welles in revenge for Citizen Kane; one rumour which circulated was that Welles was a communist.

W is for “will-they-won’t-they?”. The release of the film very nearly didn’t happen as RKO’s board buckled under pressure not just from Hearst but also from other studio heads, who felt the controversy would damage the industry. Finally, three months after its original scheduled release date, it opened in New York – the result of Welles pointing out to the studio that his contract gave him the right to sue if the film wasn’t shown within a certain period of time.

X is for x-tras. These included Alan Ladd (who would become a leading man the following year) as the pipe-smoking reporter at the end of the film.

Y is for years. The story of Citizen Kane spans an epic 65 years, from his childhood when he was sent to live in the care of the family lawyer, to his death as an isolated old man. For 50 of those years, Kane was played by Orson Welles.

Z is for the Ziegfeld Follies, the show in which William Randolph Hearst’s much-younger mistress, Marion Davies, was appearing when they first met. Hearst’s relationship with Davies differed from that of Kane and Susan Alexander in the movie in a few ways: although Hearst undoubtedly got Davies into movies, she was actually an accomplished comedienne, whereas her fictional alter ego was a pretty lousy opera singer. And while Susan marries and divorces Kane, Davies, whose movie career made her independently wealthy, remained devoted to her man (though they never married) until his death.
* A new print of Citizen Kane is showing at the GFT, Glasgow from October 30 until Thursday 5, and at the Filmhouse, Edinburgh from October 30 until Sunday 8.

And with Halloween fast approaching, the original theatrical trailer for the classic Robert Wise 1963 ghost film, “The Haunting”.

No creo que despúes de ver esta imagen haya más que decir. Tanto talento (aunque para ese entonces ya hayan pasado lo mejor de sus épocas) reunido en torno a un genio no sólo de la cinematografía, sino del arte en general.

De izquierda a derecha, arriba tenemos: Robert Mulligan, William Wyler, George Cukor, Robert Wise, Jean-Claude Carrière y Serge Silberman; abajo: Billy Wilder, George Stevens Jr., Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Rouben Mamoulian.

Admiración, respeto, nostalgia, tantos sentimientos encontrados al ver solamente una imagen. Juzguen por ustedes mismos y aprécienla, critíquenla, obsérvenla, adórenla. No hay cabida para las palabras en este lugar.

Pero por si quieren saber que pasó en ese desayuno, puden leer un fragmento que el mismo Buñuel escribió acerca de ese momento, obtenido de su libro Mi último suspiro, esto por cortesía de 39 escalones.

“No regresé a Los Ángeles hasta 1972, con motivo de la presentación en el festival de El discreto encanto de la burguesía (…). Un día, recibí de George Cukor una invitación a comer, invitación extraordinaria, pues no le conocía. Invitaba también a Serge Silberman y Jean-Claude Carrière, que estaban conmigo, y a mi hijo Rafael, que vive en Los Ángeles. Irían también, nos decía, “varios amigos”.

Fue una comida extraordinaria. Llegados los primeros a la magnífica mansión de Cukor, que nos recibió calurosamente, vimos entrar, medio llevado por una especie de esclavo negro provisto de poderosos músculos, a un viejo espectro vacilante, con un parche en el ojo, a quien reconocí como John Ford. Nunca habíamos coincidido. Con gran sorpresa por mi parte, pues creía que ignoraba hasta mi existencia, se sentó a mi lado en un sofá y dijo alegrarse de mi regreso a Hollywood. Me anunció, incluso, que preparaba una película -a big western-, cuando habría de morir pocos meses después.

En este momento de la conversación, oímos el arrastrarse de unos pasos sobre el parquet. Me volví. Hitchcock entraba en la sala, todo rechoncho y sonrosado, y se dirigía a mí con los brazos extendidos. Tampoco le conocía personalmente, pero sabía que en varias ocasiones había cantado públicamente mis alabanzas. Se sentó junto a mí y, luego, exigió estar a mi izquierda durante la comida. Con un brazo pasado sobre mis hombros, casi echado sobre mí, no cesaba de hablar de su bodega, de su régimen (comía muy poco) y, sobre todo, de la pierna cortada de Tristana: “¡Ah, esa pierna…!”

Llegaron luego William Wyler, Billy Wilder, George Stevens, Rouben Mamoulian, Robert Wise y un director mucho más joven, Robert Mulligan (…). Se celebraba en mi honor una extraña reunión de fantasmas que nunca se habían encontrado así reunidos y que hablan todos de los good old days, de los buenos tiempos. De Ben-Hur a West Side Story, de Some like it hot a Notorious, de Stagecoach a Giant, cuántas películas alrededor de aquella mesa…

Después de la comida, alguien tuvo la idea de llamar a un fotógrafo de prensa para que tomase el retrato de familia (…). Desgraciadamente, John Ford no figura en ella. Su esclavo negro había ido a buscarlo en medio de la comida. Nos dijo débilmente adiós y se marchó para no volver a vernos más, tropezando con las mesas.

En el transcurso de la comida se hicieron varios brindis. George Stevens, en particular, levantó su copa “por lo que, pese a nuestras diferencias de origen y creencias, nos reúne alrededor de esta mesa”.

Yo me levanté y acepté brindar con él, pero, siempre receloso de la solidaridad cultural, con la que siempre se cuenta demasiado, “bebo -dije- pero me quedan mis dudas”.

Al día siguiente, Fritz Lang me invitó a visitarlo a su casa. Demasiado fatigado, no había podido asistir a la comida celebrada en casa de Cukor. Yo tenía entonces setenta y dos años. Fritz Lang rebasaba los ochenta.

Nos veíamos por primera vez. Charlamos durante una hora, y tuve tiempo de decirle el decisivo papel que sus películas habían ejercido en la elección de mi vida. Luego, antes de separarnos -y ello no entra dentro de mis costumbres-, le pedí que me dedicase una fotografía.

Bastante sorprendido, buscó una y me la firmó. Pero era una fotografía de su vejez. Le pregunté si no tendría, además, una fotografía de los años veinte, de la época de Der müde Tod y de Metropolis.

Encontró una y escribió una magnífica dedicatoria. Luego, me despedí de él y regresé al hotel.

No sé muy bien qué hice de esas fotografías. Una se la di al cineasta mexicano Arturo Ripstein. La otra debe de estar en alguna parte”.

The day the earth stood still.

Director: Robert Wise.

Guión: Harry Bates y Edmund H. North.

Intérpretes: Michael Rennie, Patricia Neal, Hugh Marlowe, Sam Jaffe, Billy Gray.

Música: Bernard Herrman.

Fotografía: Leo Tover.

EEUU. 1951. 80 minutos.

El miedo connatural

Poco queda por decir de esta película, rodada por Robert Wise en plena ebullición de la Guerra Fría y que se erige como auténtica obra maestra y referente inexcusable del cine de serie B y –más justo me parece resaltar- del género fantástico en general. The day the earth stood still plantea con la mayor sobriedad y concisión expositiva una historia que diríase diametralmente opuesta a la que planteaba H.G. Wells en su brillante War of the Worlds, esto es que nos habla de los efectos que sobre la humanidad (y me atrevo a concretar, sobre los cimientos de una sociedad del bienestar como es la americana) ejerce la llegada de unos extraterrestres poseedores de una inteligencia superior, pero cuyas intenciones no son hostiles. El filme se recrea con gran destreza narrativa en patentar una idea cabal: los humanos somos desconfiados y escépticos, y el móvil de nuestro sentimiento ante lo desconocido siempre es el miedo, miedo que nos convierte en vulnerables, en manipulables por parte de los poderes públicos y fácticos que nos rigen.

Riqueza narrativa y discursiva

Jugando con efectos especiales de vieja artesanía, Wise logra arrebatadoras imágenes que se conservan bien frescas en la retina del espectador medio, poderosas por su propia naturaleza y por su engarce en una historia magistralmente narrada por aquel brillante artesano que nos legó obras tan diversas como La maldición de la mujer pantera, West Side Story o La amenaza de Andrómeda. Realizada hace más de medio siglo, sus postulados son de una universalidad y modernidad incuestionable: al retrato flagrante del temor que atenaza a la plebe ante acontecimientos insólitos se anuda un acusado y genial relato de los torticeros mecanismos que los mass-media utilizan para manipular ese miedo en beneficio propio (en una de las muchas secuencias inolvidables del filme, un periodista va recogiendo impresiones de los espectadores de la feria montada en el parque donde se halla la nave espacial, y cuando alcanza la mejor respuesta posible –la única verdad, pues proviene de Klaatu/Carpenter- la elude rápidamente, demostrando su total desinterés –o incluso alergia- por los discursos serios que puedan poner en su lugar las cada vez más delirantes y pavorosas percepciones de la muchedumbre). A esas grandes consideraciones, se unen otras: los extraterrestres han venido a advertirnos del peligro que la humanidad corre de ser autodestruída, pero Klaatu no logra convocar –ni mucho menos poner de acuerdo- a los mandamases de ideología opuesta de todo el mundo (planteando así una recia crítica al sentido y funcionalidad de instituciones en permanente crisis, como la por entonces recién creada Organización de las Naciones Unidas, o, más transversalmente, a lo pernicioso de un mundo bipolarizado, donde los antagonismos priman al rigor en el análisis político y militar). En secuencias aisladas, el filme se atreve con aparente tímidez a efectuar alguna diatriba sobre la volatibilidad e insustancialidad del dinero (la magnífica secuencia en la que Klaatu/Carpenter cambia al niño, Bobby, diversas piedras preciosas por un par de dólares que precisa … para ir al cine). Una obra, en fin, que moviéndose en unos parámetros de exultante economía descriptiva y narrativa (esto es en los parámetros de la serie B), alcanza lo atmosférico y lo trepidante sin renunciar a la cierta densidad (y agudeza) en lo referido a la parábola que la obra perfila sobre los asuntos que atañen a la sociedad y tiempo que describe. Todo ello servido de la forma más modesta, por ello más brillante.

http://www.imdb.com/title/tt0043456/

http://www.rottentomatoes.com/m/1005371-day_the_earth_stood_still/

http://www.hulu.com/the-day-the-earth-stood-still

http://www.scifiscripts.com/scripts/TheDayTheEarthStoodSTill.html

http://www.tcm.com/thismonth/article.jsp?cid=145423&mainArticleId=145416

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Day_the_Earth_Stood_Still_(1951_film)

Todas las imágenes pertenecen a sus autores

Les Voyeurs #81 – La maison, un endroit où il fait bon vivre ?

Émission diffusée le jeudi 1er octobre 2009 à 18h
rediffusée le samedi 3 octobre 2009 à 10h
(en téléchargement pendant une semaine ici et en écoute permanente là.)

Actualité

Metro Goldwyn Mayer : il manque 20 millions de $ US au studio de production hollywoodien pour terminer l’année sous risque de faire faillite. La sortie des films comme Bilbo le Hobbit et James Bond 23 est donc menacée. Merci d’envoyer vos dons pour soutenir ce prestigieux studio au lion qui baille.
Les rumeurs d’Hollywood : Pirates des Caraïbes 4 & 5 ne verront peut-être pas le jour avec Johnny Depp car il en marre ; Neve Campbell par contre à besoin d’argent et de refaire parler d’elle car elle a dit oui pour Scream 4.
The Informant : réalisé par Steven Soderbergh, avec Matt Damon et Scott Bakula. En VO aux Arcades.
A l’affiche aux Arcades : Le Petit Nicolas de Laurent Tirard ; Fish Tank d’Andrea Arnold ; Je suis heureux que ma mère soit vivante de Claude et Nathan Miller.
Thirst, ceci est mon sang : film coréen réalisé parChan-wook Park , avec Kang-ho Song.  A l’affiche en VO au Sémaphore de Nîmes.
Coffrets Collector : Les éditeurs ne savent plus quoi trouver pour avoir nos sous. Comme chaque années pour le dernier trimestre ils nous proposent des coffrets collectors très chers avec des statues ou figurines à l’intérieur => Anges et Démons avec les 2 statues… d’un ange et d’un démon ; Battlestar Galactica intégrale de la nouvelle série (4 saisons) avec une figurine de Cylon ; Terminator 4 avec une statue de moto Terminator à l’intérieur ; et enfin le coffret Harry Potter 1 à 6 dans un coffret en bois laqué surplombé par la reproduction du château Poudlard, tous cela sous vitrine. Notez que sur tout ces coffrets, chose incroyable vu le prix, les films sont compris à l’intérieur !!

Dossier de la semaine : La Maison , un endroit où il fait bon vivre ?

A l’occasion d’aucune sortie en particulier Les Voyeurs ont décidés de parler d’un de ces icônes du cinéma, représenté de tant de manières différentes que nous abordons ici.

La Maison Surnaturelle :

Amityville, la maison du diable (The Amityville Horror) de Stuart Rosenberg (1979).
La Maison du Diable (The Haunting) de Robert Wise (1964).
La Maison des Damnées (The Legend of Hell House) de John Hough (1973).
Les Autres (The Others) d’Alejandro Amenabar (2001).

La Maison Prison :

Beetlejuice de Tim Burton (1988).
Panic Room de David Fincher (2002).
Fenêtre sur Pacifique (Pacific Heighs) de John Schlesinger (1991).
Les Vestiges du jour de James Ivory (1994).

La Maison Cercueil :

Funny Games US de Michael Haneke (1998 / 2008).
Massacre à la Tronçonneuse (The Texas Chainsaw Massacre) de Tobe Hooper (1974).
Psychose (Psycho) d’Alfred Hitchcock (1960).
Halloween, la nuit des Masques de John Carpenter (1978).

La bande originale de la semaine :

Requiem pour un con par Serge Gainsbourg
Extrait de la bande originale du film Le Pacha (1968) de Georges Lautner, avec Jean Gabin, Dany Carrel et André Pousse.

Chronique :

Une Tranche de Geek VIII – Panique sur Florida Geek

Musique :
Our House par Madness

Extraits :
Amityville, la Maison du Diable
Beetlejuice
Funny Games

Présentation : Erik Antolin, Jérôme Bauzon, Cédric Cance
Réalisation : Jérémie Adrian

“No regresé a Los Ángeles hasta 1972, con motivo de la presentación en el festival de El discreto encanto de la burguesía (…). Un día, recibí de George Cukor una invitación a comer, invitación extraordinaria, pues no le conocía. Invitaba también a Serge Silberman y Jean-Claude Carrière, que estaban conmigo, y a mi hijo Rafael, que vive en Los Ángeles. Irían también, nos decía, “varios amigos”.

Fue una comida extraordinaria. Llegados los primeros a la magnífica mansión de Cukor, que nos recibió calurosamente, vimos entrar, medio llevado por una especie de esclavo negro provisto de poderosos músculos, a un viejo espectro vacilante, con un parche en el ojo, a quien reconocí como John Ford. Nunca habíamos coincidido. Con gran sorpresa por mi parte, pues creía que ignoraba hasta mi existencia, se sentó a mi lado en un sofá y dijo alegrarse de mi regreso a Hollywood. Me anunció, incluso, que preparaba una película -a big western-, cuando habría de morir pocos meses después.

En este momento de la conversación, oímos el arrastrarse de unos pasos sobre el parquet. Me volví. Hitchcock entraba en la sala, todo rechoncho y sonrosado, y se dirigía a mí con los brazos extendidos. Tampoco le conocía personalmente, pero sabía que en varias ocasiones había cantado públicamente mis alabanzas. Se sentó junto a mí y, luego, exigió estar a mi izquierda durante la comida. Con un brazo pasado sobre mis hombros, casi echado sobre mí, no cesaba de hablar de su bodega, de su régimen (comía muy poco) y, sobre todo, de la pierna cortada de Tristana: “¡Ah, esa pierna…!”

Llegaron luego William Wyler, Billy Wilder, George Stevens, Rouben Mamoulian, Robert Wise y un director mucho más joven, Robert Mulligan (…). Se celebraba en mi honor una extraña reunión de fantasmas que nunca se habían encontrado así reunidos y que hablan todos de los good old days, de los buenos tiempos. De Ben-Hur a West Side Story, de Some like it hot a Notorious, de Stagecoach a Giant, cuántas películas alrededor de aquella mesa…

Después de la comida, alguien tuvo la idea de llamar a un fotógrafo de prensa para que tomase el retrato de familia (…). Desgraciadamente, John Ford no figura en ella. Su esclavo negro había ido a buscarlo en medio de la comida. Nos dijo débilmente adiós y se marchó para no volver a vernos más, tropezando con las mesas.

En el transcurso de la comida se hicieron varios brindis. George Stevens, en particular, levantó su copa “por lo que, pese a nuestras diferencias de origen y creencias, nos reúne alrededor de esta mesa”.

Yo me levanté y acepté brindar con él, pero, siempre receloso de la solidaridad cultural, con la que siempre se cuenta demasiado, “bebo -dije- pero me quedan mis dudas”.

Al día siguiente, Fritz Lang me invitó a visitarlo a su casa. Demasiado fatigado, no había podido asistir a la comida celebrada en casa de Cukor. Yo tenía entonces setenta y dos años. Fritz Lang rebasaba los ochenta.

Nos veíamos por primera vez. Charlamos durante una hora, y tuve tiempo de decirle el decisivo papel que sus películas habían ejercido en la elección de mi vida. Luego, antes de separarnos -y ello no entra dentro de mis costumbres-, le pedí que me dedicase una fotografía.

Bastante sorprendido, buscó una y me la firmó. Pero era una fotografía de su vejez. Le pregunté si no tendría, además, una fotografía de los años veinte, de la época de Der müde Tod y de Metropolis.

Encontró una y escribió una magnífica dedicatoria. Luego, me despedí de él y regresé al hotel.

No sé muy bien qué hice de esas fotografías. Una se la di al cineasta mexicano Arturo Ripstein. La otra debe de estar en alguna parte”.

Luis Buñuel. Mi último suspiro.

Fotografía. De izquierda a derecha, arriba: Robert Mulligan, William Wyler, Georges Cukor, Robert Wise, Jean Claude Carriere y Serge Silberman; abajo: Billy Wilder, Georges Stevens, Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Rouben Mamoulian.

Recuerdo que Paul Newman sustituyó a James Dean en el papel protagonista de ‘Marcado por el odio’ cuando éste murió repentinamente en un accidente automovilístico.

The Body Snatcher is based on Scottish author Robert Louis Stevenson’s short story of the same name, which was first published in December 1884. Stevenson’s story was inspired by a crime well-known to Scots to this day; the Burke and Hare murders. Burke and Hare were two Irish immigrants who sold corpses to Dr. Robert Knox for use in his dissection experiments in 1827 and 1828, and were symptomatic of a time when scientific curiosity was outpacing social and religious squeamishness. Prior to the Anatomy Act 1832, the only bodies that doctors could legally dissect were those of executed criminals. There were simply not enough executed criminals to fill the needs of medical schools, however, especially with the decline in executions in the early 19th century, so doctors and anatomy students frequently turned to sellers of corpses on the black market. Most of these sellers simply dug up freshly buried bodies, but Burke and Hare went an extra step, saving time by smothering people to death and selling their bodies. In the film, set in Edinburgh in 1831, the “Dr. K.” of the story becomes Dr. Wolfe MacFarlane (played by Henry Daniell), a respected surgeon who relies on the ghoulish cabman John Gray (played by Boris Karloff) to provide him with the corpses he needs to experiment on before he can cure crippling ailments. In a typical move for a film of this time, there is also a blandly handsome young doctor (played by Russell Wade), who adds little to the proceedings, merely existing to show the idealistic, humane, and optimistic face of medicine. The meat of the film is the twisted and symbiotic relationship between Gray and Dr. MacFarlane, whom Gray constantly calls “Toddy,” an old nickname that the doctor hates.

The Body Snatcher was produced by Val Lewton, who is one of the few producers to have survived the advent of the Auteur theory and emerge better remembered than many of the men who directed his films. A novelist, screenwriter, and producer, Lewton was a talented purveyor of horror and dread. He methods were suggestion and atmosphere, and he avoided cheap shocks and grotesque makeup. His monsters didn’t look like monsters, and the terror his films conveyed was largely psychological. And when horrific events did occur in his films, they did so mostly off screen. They delivered chills through the power of suggestion, and occasionally a stream of blood flowing under a door.

Prior to making The Body Snatcher, which was directed by Robert Wise, Lewton had a string of low-budget horror hits for RKO, all of which are currently available on DVD and are considered minor classics; Cat People (1942, directed by Jacques Tourneur), I Walked With a Zombie (1943, dir. Jacques Tourneur), The Leopard Man (1943, dir. Jacques Tourneur), The Seventh Victim (1943, dir. Mark Robson), The Ghost Ship (1943, dir. Mark Robson), and The Curse of the Cat People (1944, dir. Gunther von Fritsch and Robert Wise), which was originally supposed to be called Amy and Her Friend, and has only a tangential connection to the original Cat People. He had also produced two non-horror films, Mademoiselle Fifi (1944, dir. Robert Wise) and Youth Runs Wild (1944, dir. Mark Robson).

Lewton was under a few strict edicts from RKO when making his famous horror films; each had to come in at under 80 minutes long, each had to cost no more than $150,000, and the title of each would be provided by Lewton’s supervisors, which could explain why an intelligent, understated, and artful film like I Walked With a Zombie has the lurid title that it does. After the success of Cat People, however, which was made for $134,000 and grossed nearly $4 million, the studio interfered little with Lewton’s scripts and productions, generally allowing him to make exactly the kind of picture he wanted, as long as he brought it in under budget. I’ve felt for a long time that Lewton, who was a mostly unsuccessful novelist and journalist before he got into the movie business, felt as if he was better than the cheapjack films he produced. He may have been a master of the power of suggestion, but sometimes his films just feel too removed from the world of horror that they depict. I’m not saying that Lewton’s pictures would be better if they were awash in blood and guts, but sometimes they feel clinical and distant.

Along with I Walked With a Zombie, The Body Snatcher is one of my favorite Lewton pictures, due in no small part to Karloff’s brilliant performance. While the film itself can be stagy, Karloff’s performance is not. Each line he speaks drips with malevolence, while still showing the twisted humanity hidden somewhere deep inside. Gray is a man past redemption. One of the first things he does in the film is use a shovel to kill a little dog who is guarding its young master’s grave. That Karloff can create a somewhat sympathetic character from what he’s given is nothing short of phenomenal. I can think of few actors who are able to do what Karloff does with monstrous characters. (Anthony Hopkins in The Silence of the Lambs is the only person who immediately springs to mind.) Part of the success of Karloff’s performance lies in its nuances. He interacts with nearly every character in the film–Dr. MacFarlane, his young assistant, a little crippled girl (played by Sharyn Moffett), a pathetic servant named Joseph (played by Bela Lugosi)–and is a subtly different person in each scene.