Reader, K. (2008), ‘Another Deleuzian Resnais: L’Année dernère à Marienbad (1961) as conflict between sadism and masochism’, Studies in French Cinema, 8: 2, pp. 149-158, doid: 10.1386/sfc.8.2.149/1

A partir de L’image-temps. Cinéma 2 y Présentation de Sacher-Masoch: La Vénus à la fourrure de Deleuze, Keith Reader desarrolla un análisis comparatista entre sus teorías y la película L’Année dernère à Marienbad, dirigida por Alain Resnais y guionizada por Alain Robbe-Grillet. El artículo pretende demostrar que la rivalidad deleuziana entre sadismo y masoquismo es vigente, mise en image, en el film. La ambigüedad en la que se manejan las imágenes de Resnais hace acudir muchas veces al guión de Robbe-Grillet. El texto resulta más apropiado para aquellos que estén interesados en ampliar conocimientos sobre esta película o en las reelaboraciones del universo Sade/Masoch. No profundiza más allá de las palabras de Deleuze aunque si las enriquece con estudios de Zizek y Reik.

Parte de la separación deleuziana entre el sadismo y masoquismo. Aunque a veces son complementarios surgen de mundos separados, en los cuales las técnicas y los efectos son totalmente distintos. Es la tensión entre la tiranía de impartir control y crueldad –fijada, por una reminiscencia a Lacan, en la figura del Padre-, opuesta a la pasividad de solicitar servilmente control y crueldad –fijada en la figura del mundo matriarcal-. Este binomio presentaría una complicación frente al triangulo amoroso que aparece en la películ. Por un lado porque Deleuze presentados dos figuras y L’Année dernère à Marienbad un conflicto de deseo entre tres: A (chica), X (amante) y M (marido) y, por otro, el hecho de que no hay violencia explicita en el film, acto necesario para el tema que viene al caso.

Reader acude a Reik quien ya había implicado el masoquismo a actos fuera de las fantasías prefiguradas, es decir, actos que reproducidos. Desde su origen en Masoch, y su Venus im Pelz, el masoquismo va asociado a todo un mundo material, estático, frío, pétreo y sobretodo que prolonga el tiempo en un suspense, al que el sadismo no acude. El sádico refleja su fantasía en el mundo como un espejo. Deleuze en el binomio tiempo-imagen lo venía teorizando de este modo. Reader, sin hacer critica al respecto, acepta la literalidad del espejo deleuziano porque encaja a la perfección con el juego de espejos al que se juega en Marienbad. El palacio-hotel bávaro donde se rodó ha sido objeto de numerosos ensayos. El espacio se ha considerado, generalizadamente como verdadero protagonista del film en el que los espejos siempre le hacen volver hacia si mismo y las figuras humanas sólo están circunstancialmente.

 Sin embargo Reader da otra lectura al espacio. Esos espejos colocan al palacio y a M (marido y vinculado durante toda la película al hotel como si de un especialista se tratara) como sádicos. A y X hacen una alianza matriarcal contra M, una alianza masoquista. Estos dos personajes están implicados mediante sus diálogos y movimientos al universo de Masoch. A es una estatua, es pétrea, controlada en sus movimientos; X prolonga siempre un deseo, tiene una fijación fetiche por las estatuas y hasta se equipara a ellas. Ejemplificado en diversas situaciones durante el artículo, sí se hace evidente que A y X pertenecen a un universo masoquista. El caso de M quedaría relevado a una oposición que por estar enmarcada en el contexto de Deleuz (de tensión entre sadismo y masoquismo) queda forzada, muy probablemente debido a la brevedad del artículo.

La parcialidad del tema, de la que es consciente Reader, en relación a la pluralidad que ofrece el film, hace que el texto sea de una utilidad muy especifica. Es interesante como revisión de Deleuz y como otra lectura de L’Année dernère à Marienbad, pero no profundiza ni en su guión (del que sí pueden sacarse elementos eróticos y masoquistas que tanto utilizaba Alain Robbe Grillet en su corpus literario y fílmico), ni en la lectura de la imagen de Resnais. Por ejemplo, la fijación que tiene Reder sobre la elipsis de la violación podría ser desenmascarada mediante un análisis que penetrara en el lenguaje de la imagen, de su disposición, de su montaje. Pero este ensayo gusta más de un análisis de asociación filosófico que lejos de ser inadecuado peca de ser poco riguroso.

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La Alianza del Atlántico Norte, que incluye a los países más ricos y mejor armados del mundo, ha decidido invitar a la marina israelí  a participar en unas maniobras conjuntas, es decir, al igual que Ucrania o Rusia, pasar al estatuto semi-oficial de potencia aliada que aun no es miembro de pleno derecho de la Alianza. Sólo Turquía ha puesto pegas a esta invitación, lo cual puede a la larga acarrear no solamente que se retrase para siempre su entrada en la Unión Europea, sino que en un momento dado también su expulsión de la OTAN. Esta invitación es una declaración no-oficial de guerra a Palestina, al no-Estado de Palestina en el territorio ocupado donde colonizan, explotan y asesinan a la población palestina no reconocida y desprotegida legalmente ante los ataques cotidianos de soldados y colonos israelíes.

La OTAN está por lo tanto en guerra simultáneamente contra Afganistán y Palestina, mientras mantiene contingentes de ocupación en numerosos países africanos y en Irak. Desde este punto de vista, es decir, desde el punto de vista de los agredidos por la OTAN, parece evidente que la OTAN ataca a los países más débiles de manera sistemática. Ahora bien, como la explicación oficial de las maniobras conjuntas con Israel es que forman parte de una estrategia global contra el terror, cabe hacer una síntesis y deducir de ambas perspectivas que la OTAN es una organización terrorista de una enorme magnitud que condena a los pobres a la miseria y a la violencia sin límite que merecen los terroristas. Es evidentemente una antisituación sádica en la que los ricos machacan a los pobres y los llaman, entre otras cosas, terroristas. El sadismo del capitalismo se encauza por lo tanto en la OTAN a la que pertenecemos. Nuestro Estado es por lo tanto cómplice de una agresión sádica y colectiva cuya ideología no asume en absoluto su sadismo. Si no lo asume es porque no puede hacerlo, por lo tanto hay una mala conciencia. Es la razón por la cual debemos seguir aireándola, porque así el Estado llegará a un punto crítico: cambiar o aplastar la libertad de expresión.

Una desmelenada dupla que además de la inherente diversión que encierra en su colorista y vertiginoso metraje, resulta una muy buena muestra del “pinku eiga“, en sus variantes  ”pinky violence” o “roman-porno” según la productora que esté detrás del invento la “Toei” o la “Nikkatsu” y averándose incluso a los terreno del “ero-guro” (literalmente erotismo grotesco) que tanto cultivara Teruo Ishii, no en vano director de la segunda entre. A saber, un combinado de violencia hiperbólica, estilización escenográfica, extravagancia sexy y fetichismo calenturiento, que encima supone el papel más mítico de la gran actriz y ocasional cantante de voz profunda y portadas desnudistas, Reiko Ike. Ruda, resabiada y curiosamente masculina que desafía constantemente tanto a los hombre chulescos incapaces de dominarla (y por ello tendrán que poseerla a la fuerza) como a las villanas que mangonean desde la sombra y no parecen soportar la insobornable independencia de nuestra heroína. Cine feminista con cojones, bajo su propia responsabilidad.

Primera entrega de las hazañas de Inoshika Ochô, tahúr, espadachina vengadora y “lone raider” vocacional, en un film que puede verse como una variación sobre el estupendo “Lady Snowblood” que en el mismo 1973 dirigiera Tishiya Fujita sobre el manga homónimo de Kazuo Koike y Kazuo Kamimura. Partiendo de la misma anécdota argumental, una afrenta sufrida en la niñez que marca el destino de las protagonistas como emisarias de la venganza, pero cambiando el tono lóbrego y casi elegiaco del film de Fujita por un estilo mucho más ligero y decididamente escandaloso, con toneladas de sentido del humor y erotismo retorcidillo que no hace ascos a clásicos nipones como las violaciones, las sesiones de “bondage” e el sadismo a gogó.

Contando como ariete con el turbador momento en el que la fantabulosa belleza Christina Lindberg (que vigila este blog tras un carismático parche en icónica imagen de ese ultraclásico de lo oscuro que es “Thriller- en grym film” o “They call her one eye”, a gusto del consumidor) en un papel de mala/buena, espía y asesina internacional que trabaja de tapadillo y se ve obligada entre otras lindezas (sesión sáfica incluida) ha azotar impávida a la inmovilizada protagonista que aguanta el castigo como una fiera.

Del mismo modo y en coherencia a esa reformulación (aún) más popular de “Lady Snowblood”, Reiko Ike propone una heroína bien distinta, frente al hieratismo torturado y la poética mortuoria de la gélida Meiko Kaji y su belleza que no es de este mundo (pronto por aquí en su más mítica creación, la mortal “Sasori”), Ike ofrece ironía, gramática parda y un constante tono mundano un punto picaresco. A todo esto se añade un componente de reafirmación nacional (bastante típica del cine de género en Japón, por cierto) y una trama político-melodramática en la que Ocho se verá metida en el cumplimiento del deber.

Dirigida por Norifumi Suzuki (el hombre tras la apoteósica saga de las chicas pandilleras “Girl Boss”) con inventiva y buen pulso, dejando momentos para el recuerdo, especialmente esa pelea sobre la nieva con Ochô completamente desnuda tras ser asaltada en la bañera, que se ha convertido por derecho propio en imagen de marca.

Sex & Fury (Furyô anego den: Inoshika Ochô)

Director: Norifumi Suzuki

Año: 1973

País: Japón

88 min.

Fotografía: Motoya Washyo

Música: Ichirô Araki

Guión: Tarô Bonten, Masahiro Kakefuda, Norifumi Suzuki

Reparto: Reiko Ike, Akemi Negishi, Ryôko Ema, Christina Lindberg, Yôko Hori

I wanna be with a rock ‘n roll girl

Secuela inmediata de la éxitosa operación que resultó ser “Sex & Fury” y un filma que se despega de los referentes de su precedente para conformar una alternativa con personalidad propia y no solo un derivado desmelenado.

Vuelve por tanto la tatuada Inoshika Ocho, jugadora profesional, justiciera vocacional e infalible espadachina que sigue ahondando en la creación y asentamiento de la imagen arquetípica de la carismática Reiko Ike como endurecida heroína, esa “cowgirl” solitaria a imagen de los pistoleros del western o los héroes masculinos del “chambara”.Se extreman los componentes delirantes y bufos que ya existían en el original en un conglomerado definitivamente pop y abiertamente tebeístico que además cita paródicamente otros títulos coetáneos como la mentada saga de “Sasori” (en ese misterioso personaje estilizadamente vestido de negro que ayuda a la protagonista)  y que brilla en un gran uso del color, una puesta en escena dinámica y un punto atropellada que deriva sin complejos hacia lo caricaturesco y el “sexploit” más desvergonzado con el desopilante detalle de las drogas de contrabando en eróticas cavidades. Un complot de la mafia local que obliga a las  pobres pilinguis a servir como correos, hasta que Inoshika se entera claro y decide enfrentarse a ellos rematándo el invento en una indescriptible batalla final entre proyecciones lisérgicas, absurdidad y chicas despelotadas en una de las más apoteósicas reivindicaciones del poder femenino que se hayan visto jamás.

Sirve además como comprobación y exhibición del talento de Teruo Ishii, artesano de primera (suya es la saga carcelaria “Abashiri Prison” a mayor gloria de Ken Takakura)  y uno de los más contumaces cultivadores del “pop art” cinematográfico (y de las derivaciones más pulposas del cine popular japonés con esos títulos fetichista de tatuadotes y sofisticadas torturas eróticas como “The Joy of Torture”,1968 “Hell’s Tattooers”,1969 u “Orgies of Edo”,1969), disfrazándose de Seijun Suzuki del pobre con muchas menos pretensiones, no tanta reflexión y cantidades ingentes de diversión, insensatez y sentido del humor, para convertirse en uno de los fundamentales del cine de género, alineándose junto a otro par de creadores tan reivindicables como el fino estilista Shunya Ito o el simpaticote Yasuharu Hasebe, hombre tras la saga “Stray Cat Rock” y figura clave en la creación del “sukeban”, ese sub-género de chicas pandilleras altamente adictivo .

Como en la primera, otra secuencia inolvidable en este caso sobre los créditos, con Reiko Ike luchando desnuda bajo la lluvia en fondo rojo, de una abstracción hipnótica y que vale (casi) por toda la película.

Female yakuza tale: Inquisition and torture (Yasagure anego den: sôkatsu rinch)

Director: Teruo Ishii

Año: 1973

País: Japón

86 min.

Fotografía:

Música:

Guión: Teruo Ishii, Masahiro Kakefuda

Reparto: Reiko Ike, Ryohei Uchida, Makoto Ashikawa, Arumi Kuri

O sádico é aquele que sente prazer em impor sofrimento à outra pessoa ou que se deleita com o sofrimento do outro. Muitas vezes são pessoas que foram lesadas, boicotadas nos seus desejos e “descontam” no próximo.

Na maioria das vezes, são aqueles que claramente demonstram uma satisfação ou prazer maior em ouvir “desgraças”, tragédias, e dificuldades.

Geralmente, receberam pouco dos pais na afetividade, na atenção, no cuidado, no respeito, e isso foi reforçado ao longo da vida, recebendo desta também revés e perdas.

Passado por esse reforço, repetem nos que estão ao redor.

Isso não significa que invariavelmente todos aqueles que passaram por isso desenvolvem esse tipo de comportamento, mas estamos tratando aqui apenas esse comportamento sádico de desejar que o outro sinta, o que ele já sentiu.

Naturalmente, o sadismo pode estender-se de uma maneira muito mais ampla como na área sexual, por exemplo (o que é mais comumente relacionado), mas muitas vezes, não é relacionado a comportamentos na área social.

Nessa área, há um boicote evidente em sentir certo prazer em ver aquele filho, por exemplo, ou aquele colega, sem a possibilidade de conquistar o que deseja, e atingir a felicidade que almeja. Muito sutilmente é uma busca em minimizar a própria infelicidade, pois quando o outro perde ele se sente melhor, mais apaziguado, mais ressarcido.

Na área familiar isso muitas vezes ocorre em relação aos filhos, como: “Eu não tinha carro, você também não precisa. “Eu não segui a carreira que eu queria, você também pode escolher qualquer coisa.” Muitas vezes, esse “repeteco” traz escondido um comportamento mordaz e frustrado, sob a carapuça de ser durão, realista, etc…

Deleitar-se na infelicidade do outro, é sem dúvida a maior prova de desamor … a menos que se encontre outra pessoa que goste de sofrer, e também possua esse comportamento nocivo, distorcido e necessitado de cura.

“Quando cair o teu inimigo, não te alegres, e quando tropeçar, não regozije o teu coração; para que o Senhor não o veja, e isso seja mau aos seus olhos e, desvie dele a sua ira”. Provérbios 24:17-18.

Setembro 16, 2007 - Publicado por Marilena Teixeira Netto | Frustração, Sexualidade | | 4 Comentários

Colado de <http://artigosdepsicologia.wordpress.com/2007/09/16/sadismo/>

«Sono pronta a cogliere ogni opportunità e ogni cambiamento che mi faccia sentire una donna, una pornostar e un’artista…Lotta Continua, Sasha Grey». Si firma proprio così, la giovane pornostar sul suo visitatissimo myspace. Quale lotta? Forse – come ha dichiarato in conferenza al Tribeca film festival dove in anteprima mondiale è stato presentato The girlfriend Experience – quella per uscire dal mondo dell’hard di cui al momento è una star indiscussa anche solo 21enne. Non è la prima volta che una pornostar finisce a Hollywood ma non sempre viene diretta da un regista premio Oscar.

L’attrice americana è stata voluta da Steven Soderbergh, che passa dall’icona rivoluzionaria del Che (bocciata dal pubblico) a quella dell’adult movie, trasportandola nel ruolo di una escort di nome Christine, una ragazza di 22 anni, bella, magra,esile, bruna (anzi brunette come recitano i tag dei portali porno). Mentre il suo boyfriend fa il personal trainer e guadagna 125 dollari l’ora, Christine ne guadagna 2000 e si adagia sul divano vestita con bustini fetish.

Funzionerà questa doppia vita disciplinata dall’ambiziosa Christine? Ma soprattutto, per Sasha Grey si tratta davvero di una liberazione? Lasciando perdere il luogo comune dell’America terra di mille opportunità, l’esordio hollywoodiano finora è stato l’occasione per dichiarare che è stufa del mondo porno come può esserlo una macchina umana di quella industria dove «il sesso davanti alle telecamere è pura performance, dove ci sono solo io e il mio pubblico» e che vuole vedere «qualcosa di eccitante rispetto a tutto quello che ho fatto finora». Niente di strano, considerate le velleità intellettuali di Sasha Grey che invita a guardare di più Pasolini, che si dispiace di non aver incontrato John Cassavetes, che ama la Nouvelle Vague, Antonioni ed Herzog,  Monte Hellman e Bernardo Bertolucci, Terrence Malick e Louis Malle, David Lynch, Gus van Sant, John Stagliano, e Catherine Breillat, che impazzisce per John Coltrane, Mingus, Joy Division, Bauhaus, Hendrix, «Old Elton John», Bowie, Dylan, Radiohead e l’elettronica di Aphex Twin.

Ma non è una fuga perché a soli 21 anni, Sasha Grey da Sacramento, sui set hardcore da appena tre anni, ancora non è entrata nel cliché dell’attrice porno vissuta e dai mille sacrifici. Ancora lontana da venire una sua biografia sul modello di Jenna Jameson, la regina del porno americano che tre anni fa pubblicò una una storia edificante  ma con bollino in copertina «senza censure», chiedendo alla forma libro di comporre e legittimare a ritroso una via crucis necessaria a ottenere il successo in un’industria di altissimo livello, nel nome però della esclusiva liberazione sessuale delle fantasie maschili. Più che una biografia, un libro di cartone che voleva risultare candido come una certificazione di trasparenza nei buoni propositi, a dispetto del ruolo e dell’immediatezza planetaria del web dove Jenna è accessibile solo a pagamento e punta dritto ai desideri del pubblico.

Eppure anche la Grey ha un’immaginario da allontanare, perchè non è una pornostar qualsiasi: «I giorni delle pornostar complessate e vittime sono finiti, io appartengo a una nuova razza» ha dichiarato al giornale indipendente degli studenti dell’università di Santa Barbara in California. Ma quale razza? La razza di un mercato hardcore sempre più violento, non dietro le quinte ipercompetitive di una carriera come quella di Jenna Jameson, ma direttamente sulle scene dove l’esile Sasha- che fisicamente è lontana dalla Jameson con le sue curve imgombranti e l’aspetto vistoso, prepotente, da calendario- è invece sottomessa e umiliata.

La Grey è l’icona di un immaginario porno che spinge sempre più sull’acceleratore di un sesso estremo, targato Bdsm (bondage, dominazione, sadismo e masochismo) e accelerato nelle dinamiche fisiche, che spezza qualsiasi semplice armonia di coppia restituendo l’immagine di un motore che si ingolfa ogni due metri.

Il passo che l’ha fatta arrivare a Soderbergh non è un pentimento, ma l’evoluzione naturale di una immagine che Sasha ha curato insieme ai set hard: il suo myspace che non può ovviamente riprodurre immagini porno per non violare la policy relativa a ogni account, ci restituisce l’immagine di Sasha come una starlette alternativa, ritratta da Terry Richardson e Rony Alwin, che finisce sul Rolling Stone perchè quel mondo le appartiene, e non semplicemente perchè la ospita. Il cammino della Grey, la ragazza che invece di apparire nuda come altre pornostar nel corso dell’Howard Stern Show, preferisce mostrarsi avvolta in una bandiera palestinese è diverso dalla Jameson, regina scalzata che attende due gemelli da un lottatore, ma non per questo un cammino meno violento.

Hoy pierdo la plaza de guardería de mi hijo por ineptitud de la Asistenta Social y la nula comprensión de la directora del centro escolar. Probablemente le avisen a mi ex pareja la próxima semana para que el resuelva algo que no le compete, que pague por conservar la plaza de una guardería a la cual no puede asistir porque no estamos siquiera en el barrio, que ingrese dinero para un centro escolar y no para pañales-comida-ropa de abrigo y un largo etcétera y que luego, encima, tenga el morro de decir que el procuraba mantener las necesidades del niño cubiertas a pesar de estar desaparecidos.

Es increíble lo arrepentida que te puedes llegar a sentir de haber denunciado solo por cosas así, por tener que pagar tú las consecuencias de sus actos una vez más y de quedar tan expuesta a sus deseos, caprichos y sadismo.

Hoy sigo triste, profundamente, lo echo de menos, no he podido contarle a nadie aún y lo que más me jode es que mi entorno no lo pudiera conocer…miedos míos tal vez, que vieran que no era tan increíblemente maravilloso o que lo vieran maravilloso y me “mataran” por querer dejarlo. Me siento una idiota.

Break (dir: Matthias Olof Eich, 2009)

Break fue la tercera peli de la maratón Midnight X-Treme del sábado 03/10, y una de las que también prometía, habíamos visto el tráiler antes, y nos quedamos con un par de escenas. No obstante, antes de entrar nos comentaron que era bastante flojilla, y efectivamente, así fue.

Tras ver Break queríamos haceros un versus de opiniones entre Fiverjoffre y un menda, pero cuando comparamos versiones, casi estábamos diciendo las mismas cosas, así que os colgamos una reseña que contiene ambas opiniones, como si fuera una sola.

La verdad es que Break (dir: Matthias Olof Eich, 2009) y producida por Bernd Reichert es una cinta típicamente alemana, aunque claramente orientada al mercado americano! Aunque el cierto toque a splatter alemán, se nota en todo momento del film!

La película empieza con una breve introducción, donde desde un inicio, intuiremos que la cosa acabará mal, porque se ven unas escenas un tanto inquietantes y que servirán para preparar al espectador sobre lo que vendrá más adelante: sangre, muerte, dolor y tortura.

Break nos cuenta la excursión de 4 chichas, algunas de ellas llevan una especie de rollo bollo que asusta:

1. Sara (Lili Schackert), la despechada. Acaba de cortar con su novio, y este es el motivo principal del viaje.
2. Rose (Esther Maaß), está enamorada de Sara… Podrá confesarle su amor, durante la excursión ¿?
3. Anna (Marina Anna Eich), la rubia lesbi.
4. Melissa (Meelah Adams), fotógrafa aficionada que lo inmortaliza todo, todo y todo… Hasta su propia muerte ¿?

Nuestras protas divirtiéndose!

Estas chicas hacen un finde de chicas solas por la montaña y la naturaleza, y más montaña, y más naturaleza, y muchos fundidos (suponemos que es el único efecto que Matthias Olof debe haber aprendido de la escuela de cine, porque lo usa hasta la saciedad), y muchos árboles, y muchas flores, y muchas plantas, y muchos pájaros, y muchos bichos, y muchos minutos perdidos y sin sentido…. Parece más bien, una película sobre la casa de la Pradera que una peli de terror!

Ah, y por si fuera poco vivimos momentos Cosmopolitan, al puro estilo Death Proof (cuando las chichas están en el restaurante hablando de sus cosas, y se están la friolera cantidad de 30 minutos!)… para cortarse las venas y sacarse los ojos!!! En fin, todo esto es lo que nos deparará la película hasta que llegue la acción… Pero hasta que esto llegue la peli se convierte en soporífera!

La chicha de la peli aparece cuando nos presentan los típicos rednecks: Phillip (Sebastian Badenberg), una copia de Jacob Goodnight (alias Kane) y Samuel (Ralph Willmann), que serán los artífices de la violencia y sadismo que veremos en la cinta. Evidentemente, estos dos individuos están tarados, y se dedicarán a cazar a nuestras protagonistas creyéndose que son Bamby & Tambor.

Momento Pies!

A partir de entonces, veremos cuchilladas, descuartizamientos, desmembramientos, vejaciones, violaciones, persecuciones y sangre a raudales! Destacamos la insólita y divertida muerte de Melissa, que ya nos tenías hasta los güevos con tanta fotito; la violación y vejación de Anna, la pobre sufre de lo lindo, y es un poco la ida de olla del realizador o guionista, u otros momentos tan violentos, como el patadón que recibe una de ellas, tal cual fuera el lanzamiento de un balón de rugby!

Eso sí, el film en vez de ganar en calidad continua el mismo tono monótono y aburrido del mismo, alargando innecesariamente, las persecuciones, viendo momentos tan incomprensibles, como intentar camuflar a una de las chicas con 4 hojas y ya está… y como este, muchos otros. Serán nuestras chicas capaces de salir con vida o perecerán todas, a manos de nuestros salvajes y despiadados cazadores ¿?

No entendemos porque la trama se alarga hasta el cansancio, puesto que la peli contiene los elementos necesarios para atraer la atención del fan del gore y la brutalidad, y en cambio se pierde el tiempo, enseñando paisajes y más paisajes, u otros momentos chorra. No comprendo muy bien si Olof Eich ha querido presentarnos una peli con una trama e historia bien construida, pero en cambio, obtiene un resultado completamente distinto, provocando que el espectador tenga ganas que llegue el final.

Sadismo!

Sara en acción!

En definitiva, con una duración un tanto más corta de la puesta en escena y de la historia, se hubiese conseguido un resultado mucho mejor, y más atractivo para todos nosotros, porque todos andábamos buscando una peli cruda, sádica y violenta, y en cambio, tuvimos una excursión al campo con florecillas y arbolillos, que despistan soberanamente, hasta cansarnos.

Opinión de Fiverjofre:
Por mi parte las dosis de mala leche, lo mal montada que estaba la película, el coñazo soporífero del principio a lo Death Proof…. si señores si, esta película de aqui a unos 20 años se podrá considerar de culto por mi parte. Y quién no esté de acuerdo que me chupe un pezón.

C’è un limite alla decenza, anche se in questo mondo alcune personalità possono fare di tutto, secondo una legge non scritta e terribilmente classista.
C’è un limite alla spettacolarizzazione di un cinema italiano ormai defunto che cerca di ri-accalappiare il pubblico che negli anni 60/70/80 andava a vedere i B-Movies violenti ed erotici.
Parliamo del signor Tornatore ed il suo Baaria; niente da dire su storia e tecnica, il cineasta siculo ci ha estasiati con le sue fatiche (il bellissimo “La sconosciuta”, a mio avviso il più bel giallo degli ultimi anni, ad esempio). Nell’ultima opera, Peppino vuole fare (come direbbe il comico Della Noce) lo “sboròne”. In una sequenza ambientata a Tunisi, il Nostro fa uccidere in modo dolorosissimo ed ultra-cruento un bue, per poi farlo sgozzare e far bere il di lui sangue all’attrice di turno. Non vi risparmiamo i dettagli, non è da noi celare le cose: prima viene conficcato un punteruolo nel cranio della bestia in modo lento e sadico, infine gli viene squarciata la gola. C’è un dettaglio: NON ci sono effetti speciali! Il bue è vero tanto quanto il suo sangue e tanto quanto lo sciacallaggio di Tornatore. La voce è stata messa in giro dalla L.A.V., autorevole associazione animalista che non sta certo lì ad inventarsi balle per auto-promuoversi. Per questo invitiamo i lettori a BIOCOTTARE BAARIA, come vi consiglia, in apertura di post, il nostro Bart Simpson. ED E’ PURE UN FILM PAPABILE A SVARIATI PREMI OSCAR!!!!!

Ultima nota: quando il film è stato presentato a Venezia, Silvio Berlusconi ha consigliato vivamente di andarlo a vedere….ecco perchèèèè……ahah!

Sinceramente, pensaba que iba a ser otro “truño” de esos, donde la portada es lo único que vale o si me estiro mucho, alguna que otra imagen en su metraje total. Pero tengo que decir y para bien de mis gustos y sentidos, que me he equivocado por completo. Grotesque, y su titulo ya lo explica todo (esta vez si), es un gran ejemplo de cómo se marcan las pautas dentro del cine gore, cine violento, grosería o el de moda ahora, torture-porn.

La película está dirigida por el japonés Kôji Shiraishi, realizador de Carved, también. La historia de Grotesque (2009) es bien simple, pero como ocurre en muchas ocasiones, es suficiente cuando el director y su equipo ponen toda la carne en el fuego y se dejan la piel por su trabajo. Aki (Tsugumi Nagasawa) y Kazuo (Hiroaki Kawatsure) son una pareja joven que acaban de tener su primera cita. A la salida del restaurante donde han estado comiendo, son golpeados y secuestrados. La siguiente escena que vemos, es a estos dos chicos atados de pies y manos y sobre una plataforma metálica, que hará de cama. Así de fácil y simple, ¿verdad?. Pero es aquí es cuando llegamos al plato fuerte, cuando de verdad podremos decir si es una película más o realmente, va a ser una pieza para diseminar lenta y cuidadosamente. El falso doctor, loco de turno o enfermo mental y depravado, comenzará por partes, primero amenazando y poniendo el amor de la pareja en el entredicho. Posteriormente y, según las respuestas de los chicos, empezará a rebanar carne humana según le pille. Hasta aquí el primer set (se podría llamar así).

Comienza el segundo set y descanso psíquico y mental del espectador, como de su pareja salvajemente maltratada, pero también de incertidumbre. La película te deja frío y te hace dudar por momentos, justo hasta el momento en el que comienza el delirio final y personal de este enfermo depravado Shigeo Ôsako. Ese momento de delirio, es cuando el se ve elevado a la máxima excitación por su pareja de invitados. Aquí se pone la cosa fina y somos testigos de algunas imágenes y secuencias que son, para guardar en tu mente durante mucho tiempo.

Lo mejor es disfrutar ante tal despliegue de pocos medios y tan sobresaliente resultado. Luces, escenario, personajes, mucho gore y del bueno y  su ambiente fílmico es de por si capaz de ponerte jodido y todo. Pero para despedirme, no podemos pasar por alto su música, que salvo una pieza (no porque no sea buena), la demás es indiscutiblemente genial al conjunto del film y hace más yaga aún en nuestro ser.

Película enfermiza, densa, pausada, angustiosa, macabra y apta solamente para aquellos, que de verdad sean fieros seguidores del gore, depravación y muchas vertientes más. No será del gusto de muchos, incluso, de esos seguidores de cine gore, por que la película se puede entender de muchas maneras.

Ψ Ð

Otra información y opiniones:

Imdb

Opinión grotesca 1

Opinión grotesca 2

Texto traducido perteneciente al Blog personal de Gary Francione.

Déjenme presentarles a Simón el Sádico, quien hizo su primera aparición en mi libro, Introduction to Animal Rights: Your Child or the Dog?

Imaginemos que encontramos a Simón, quien está torturando a un perro quemándolo con un soplete. La única razón de Simón para torturar al perro es que le produce placer hacer esta clase de actividad.

Simón es exactamente la clase de persona que despierta el interés en quienes están preocupados por el vínculo entre el “abuso” animal y la violencia humana.

¿Por qué? ¿Por qué lo que está haciendo Simón es tan perturbador?

Simón está violando una regla moral y legal con la que todos concuerdan –que es malo infligir sufrimiento innecesario o muerte a los animales. ¿Y qué queremos decir con “innecesario”? Queremos decir que está mal infligir sufrimiento o muerte a los animales simplemente porque nos da placer o porque lo encontramos divertido. Simón está infligiendo sufrimiento innecesario y muerte al perro; está torturando un animal por ninguna otra razón que no sea su placer y diversión.

El problema es, ¿en qué es Simón de alguna manera diferente de todos los que comen carne, productos lácteos o huevos?

Matamos más de 50 billones de animales cada año (en todo el mundo) para comida. No puede haber duda de que la comida proveniente de animales involucra una enorme cantidad de dolor, sufrimiento, y muerte. La comida proveniente de animales producida bajo las circunstancias más “humanitarias” incluye tratar a los animales de formas en las que, si se aplicaran a los humanos, constituirían tortura.

Nadie afirma que tenemos que comer comida proveniente de animales para tener una salud óptima. En realidad, los profesionales en el cuidado de la salud pertenecientes a la corriente principal, son cada vez más de la opinión de que los alimentos provenientes de animales son perjudiciales para la salud humana. Y la cría de animales para comida es un desastre para el medio ambiente.

¿Cuál es la mejor justificación que tenemos para infligir dolor, sufrimiento, y muerte a 50 billones de no humanos sintientes?

La respuesta: disfrutamos del sabor de los productos animales. Obtenemos placer de usar animales incluso sin haber ninguna necesidad por nuestra parte.

Entonces, ¿en qué somos diferentes de Simón el Sádico?

Respuesta: en nada.

Pagamos a otros para que maten y preparen la carne de los animales, los lácteos, y los huevos que nosotros disfrutamos. Pero ¿y qué? Somos no obstante exactamente igual de responsables moralmente que Simón el Sádico. Simplemente nosotros somos más numerosos y nuestras acciones son consideradas como aceptables.

Es extremadamente dificultoso –quizás imposible-, no ser al menos indirectamente cómplice de la explotación animal como consumidores, en una sociedad sostenida por la explotación animal, pero podemos sin embargo tener en claro que si no somos veganos, ciertamente somos explotadores de animales. No hay una distinción lógica o moral entre la persona que quema con un soplete a un perro por diversión y la que come una hamburguesa, una pizza con queso, un helado o huevos. La única diferencia es que quemar al perro es llamado “abuso” y comer productos animales es llamado “normal.”

Piénsenlo.

À l'Intérieur (dir: Julien Maury & Alexandre Bustillo, 2007)

À l’Intérieur (dir: Julien Maury & Alexandre Bustillo, 2007 Francia – título americano: Inside), fue una de las grandes sorpresas del Festival de Sitges 2007, quizás por la poca información que disponíamos sobre la película, pero que como en muchas otras, la campaña prévia al film (en este caso, no creo que fuese la típica campaña de marketing) nos aseguraba que en los pases se producían desmayos, la gente se salía de la sala, e incluso, llegaba a vomitar del espanto.

Y por primera vez, acertaron!

No sé que está pasando en nuestro país vecino, pero últimamente, todo lo que nos llega de ahí, en cuanto a pelis de terror se refiere, es sobresaliente. uno de los referentes más cercanos, es sin lugar a dudas Alta Tensión (dir: Alexandre Aja título francés Haute Tension – americano: High Tension, 2003), una gran película, y que desde el momento que empiezan los asesinatos, nos pone como una moto, es decir, cumple con su cometido, la tensión. Además, la trama se desarrolla correctamente y el giro argumental del desenlace es muy bueno, sorprendiéndonos a todos, o a los que no estuvimos lo suficientemente atentos desde un buen principio. Y el último ejemplo, mencionamos a Martyrs (dir: Pascal Laugier, 2008), pero sin duda alguna, À l’Intérieur est supérieur, Superb!

La película empieza con un aparatoso accidente de tráfico, donde dos vehículos chocan. En uno de ellos vemos a Sarah (Alysson Paradis), una joven embarazada y Matthieu, su pareja que fallece en el mismo accidente. Además vemos escenas intercaladas, del interior de la barriga de Sarah, para que podamos ver lo que le pasa al feto. Pasa un tiempo, y vemos a Sarah en la consulta del ginecólogo ultimando los preparativos para el alumbramiento, dándole las últimas instrucciones, pero Sarah tiene una actitud bastante pasota y despreocupada por lo que al bebé se refiere, pues no ha pensado ni el nombre.

Durante la presentación de la trama, quizás los momentos más lentos, vemos otros personajes que intervienen en la vida de Sarah, Louise (Nathalie Roussel), su madre, que evidentemente, tendrá un papel protector debido a la situación de Sarah. Y el segundo personaje, Jean-Pierre (François-Régis Marchasson), el jefe de Sarah, mostrando una relación de amistad más que laboral entre ambos. Pero estos dos personajes nos enseñan que están pendientes de ella, y se preocupan.

Sarah vive sola, con un gato negro, en una casa de dos plantas en un barrio bastante apartado a alejado (quizás la periferia de París). La casa está llena de recuerdos de Matthieu, que desestabilizan emocionalmente a Sarah, prueba de ello, un sueño inquietante donde aparecen su gato negro y su feto, de una forma perturbadora e inquietante. Pero en ese mismo instante de la pesadilla, aparece un elemento mucho peor… Alguien toca el timbre, y exige que abra la puerta. Sarah mientras mira por la mirilla, viendo solo una sombra en la penumbra, se excusa de que su marido está durmiendo, y la voz femenina, le afirma que le abra y que su marido está muerto. Patam! Sarah se queda de piedra! No pudiendo ver con claridad quién la está molestando opta por asegurar la casa, y en la parte trasera, descubre de nuevo a la extraña mujer. Esta actúa con absoluta y total frialdad, incluso se le enciende un cigarrillo, sin dejar entrever ningún rasgo de su cara, y le rompe un cristal. Acto seguido, Sarah coge el telf y llama a la policía, cogiendo además la cámara para con la esperanza de sacarle una foto de la cara con la ayuda del flash. Nuestra misteriosa mujer decide marcharse… pero no quizás del todo!

Sarah - À l'Intérieur

Al cabo de un rato, una patrulla de la policia acude a casa de Sarah para confirmar su llamada y tomarle declaración. Desgraciadamente, las fotos tomadas no revelan nada, y para tranquilizar a Sarah, los polis le dicen que la patrulla de noche se pasará un momento. Lo que no sabe Sarah es que tras la marcha de la patrulla, la mujer conseguirá entrar en la casa y es aquí cuando empieza el espectáculo de terror y violencia.

A partir de ahí, no contaré nada más de la trama, dejando que el espectador compruebe en propias carnes, una de las películas más bestias y violentas que he visto hace tiempo. Todos sabéis que me gusta el gore, pero a veces las películas gore se resumen en gore por el gore, es decir, las típicas escenas de desmembramientos, destripamientos, descuartizaciones, pero en cambio con A l’Intérieur, las imágenes se convierten en reales, crudas, despiadadas, y de una violencia inusitada… Y todo ello, con la absoluta frialdad de nuestra mujer de negro (Béatrice Dalle), que hace un papelón! Nunca una mujer se había presentado así de sádica y calculadora! Sólo se me ocurre un precedente, La Naranja Mecánica (dir: Stanley Kubrick – A Clockwork Orange, 1971), otra gran muestra de violencia. Pero con A l’Intérieur vamos más allá, y si ya de por sí, la peli es cruda, uno de los temas que toca todavía lo es más: una mujer embarazada! Otro referente que me vino a la mente fue La Semilla del Diablo (dir: Roman Polanski – Rosemary’s Baby, 1968), pero me quedo corto!

Evidentemente, esta película no es apta para personas sensibles, ni embarazadas, ni cardíacos; primero por tocar un tema tan poco común, y que puede suscitar el enfado de algún visionador despistado; y segundo, por el hecho de mostrar las imágenes violentas tal cual, sin ningún tipo de corte ni miramiento. Además las secuencias donde sale el feto, es como si fuera un personaje indirecto, pero que también está presente en el film, mostrando su propio sufrimiento y dolor. Otro de los puntos positivos que quiero destacar, es la sensación de agobio y claustrofobia que se genera al focalizar todas las escenas fuertes en la casa, y otro aspecto, es que hasta último momento no sepamos o adivinemos quién es la extraña mujer de negro, al menos en mí caso, y eso que barajé una posibilidad pero me salió mal.

En fin, no os puedo decir más, incluso escribiendo esta reseña me estoy quedando corto en elogios. Quizás pensaréis que estoy tarado o soy un sádico… sí, no vais muy desencaminados, pero sin lugar a dudas, À l’Intérieur se ha convertido en un icono para mí… Violencia en estado puro, sadismo por doquier y desvinculación emocional a la hora de cometer una atrocidad. Una Joya!

Intervista allo psichiatra Massimo Fagioli

di Simona Maggiorelli

massimo fagioli

Tempo di vita degli animali e degli esseri umani, una differenza profonda. Tra le due cesure forti della nascita e della morte c’è da notare la differenza fra il tempo misurabile della coscienza e il tempo dell’inconscio che fa la qualità della vita degli esseri umani. Ma occorre dare anche uno sguardo alla storia della cultura per rivedere criticamente l’idea di tempo che ha connotato il cristianesimo, la psicoanalisi, il marxismo e l’esistenzialismo. Sul tema del tempo- il primo della triade su cui si appunta la riflessione di questo numero speciale della rivista Il Grandevetro – abbiamo sentito lo psichiatra Massimo Fagioli, che con la scoperta della pulsione di annullamento e della fantasia di sparizione concettualizzata nel suo prio libro Istinto di morte e conoscenza (1971, Nuove edizioni romane, e poi edizioni l’Asino d’oro) e poi con i seminari di analisi collettiva ha rivoluzionato dal punto di vista della teoria e della prassi, il modo di pensare e di fare psichiatria, mettendo al centro della ricerca scientifica la ricerca sull’inconscio, il tema della cura e della possibilità di trasformazione psichica umana.

dottor Fagioli che differenza c’è fra il tempo di vita degli esseri umani, degli animali e dei vegetali?

Se ci limitiamo a intendere la domanda in senso positivistico si può dire che dal punto di vista del tempo di vita vi sono variabili nel senso della misurazione mediante anni. Per cui un cane vive vent’anni, un elefante novanta, una tartaruga, credo, anche trecento. Alcune piante possono vivere anche mille anni prima di seccare. Il tempo di vita viene misurato con strumenti, con un sistema artificiale che noi facciamo regolandoci su quello che sono i cicli e quindi con il calendario più o meno cristiano di Gregorio Magno. Se questa domanda, invece, nasconde qualcosa qualcosa di non esplicito, come se ci fosse un tempo diverso fra vegetali, animali e uomo, allora non è questo di cui stiamo parlando, perché in questi casi che abbamo citato il tempo viene misurato sempre nella stessa maniera. Se ci sia una diffrenza fra animali e vegetali, questo esattamente non lo so, perché fra la cellula vegetale e quella animale mettersi mettersi a pensare quali possano essere le differenze è difficile, però possiamo fare un discorso sulla biologia umana e su quella animale. Se facciamo un discorso del genere dobbiamo in effetti scoprire un altro tempo, oltre ed al di là di quello razionale, matematico che calcola, misura secondo parametri per cui un anno è fatto di dodici mesi, seguendo certi criteri di misurazione di matematica razionale. Il termine comune per indicare questo altro tipo di tempo è tempo interno. E qui ci può essere utile un discorso: che l’uomo si distingue dagli animali perché sa di dover morire è la balla più grande che possa esistere. Come realtà di tempo interno non è vero affatto. La coscienza, la ragione non ha nessuna sensazione del tempo, deve misurarlo per capire se una cosa dura un’ora o dieci ore. Il tempo interno è direttamente legato all’immagine interna. Finché l’uomo non scopre l’immagine interiore non può pensare il tempo inetrno. Quindi, se l’uomo sa di dover morire, lo sa per questioni statistiche. Siccome vede che tutt , all’incirca, dopo novant’anni muoiono dice: allora morirò anch’io. Ma non perché abbia più o meno capito una cosa di questo genere.

E volendo andare più a fondo che differenza c’è fra tempo inconscio e tempo della coscienza?

Appunto, questo di cui abbiamo detto è tempo razionale nel senso che io lo calcolo con l’orologio: il tempo che mi ci vuole per scendere le scale, andare in strada, fare un chilometro, ritornare eccetera. Mentre quest’altro tipo di tempo che è inconscio- chiamolo tempo interno o tempo inconscio- non dà la sensazione perché si lega al discorso del movimento. La ragione non ha movimento. La ragione sposta, registra con i sensi un oggetto che va da un punto all’altro ma è una registrazione, direi, quasi meccanica. più o meno fotografica. per realizzare il movimento bisogna realizzare l’immagine interna e non la figura esterna. Allora si legano movimento, tempo interno e immagine interiore. Ci vogliono tutte e tre queste cose per cui poi uscire da casa non è soltanto calcolare quanto tempo ci vuole per andare da qui a lì. E’ fare qualche cosa,è un movimento dell’organismo.

La sua teoria della nascita come supera il modo di pensare il tempo che hanno avuto alcuni filoni della cultura occidentale come la psicoanalisi, il marxismo el’esitenzialismo?

Direi che che liacchiappa ttti e tre, perché tutto sta nella grande sfida, nel grande coraggio direi, di concepire un inizio. il difetto di esistenzialismo, cristianesimo e anche marxismo è di non concepire un inizio. Se lo si concepisce allora si trova anche la fine. Tra l’inizio e la fine c’è il discorso del tempo. Il tempo che è un movimento e che non può essere sentito, realizzato e pensato finché non si ha il coraggio di realizzare un’immagine. Quindi la nascita è un inizio di realtà psichica. Sappiamo che la cultura, anche quella marxista, e in modo particolare il cristianesimo, esclude in maniera assoluta che ci sia un inizio. Tutto deve essere sempre, in eterno, sempre stato e sempre sarà. All’inizio appunto il cristianesimo concepisce uno spostamento, diciamo pure, dalle nuvolette all’organismo biologico ma non concepisce affatto una realtà psichica e quindi di immagine interiore. E quindi non concepisce un inizio del tempo.

Nella letteratura psicoanalitica e in particolare Freud si è parlato di una atemporalità dell’inconscio In che modo deve essere rivista questa concezione?

Deve essere rivista in tutto.  Perché la banalità, la stupidità di Freud è totale. Nel senso che Freud dice che la realtà psichica comincia con il pensiero verbale e dire questo significa dire che prima di un anno e mezzo due anni di vita non esiste realtà psichica. Non esiste mente, non esiste pensiero. Significa che il bambino per un anno e mezzo è peggiore di un animale. Non capisco.  Perché forse l’animale un abbozzo- non so se posso chimarlo pensiero- ma di sensazione o di elaborazione delle percezioni ce l’ha. Freud dice che il bambino non ce l’ha quindi è completamente fuori da ogni possibilità di discussione perché afferma delle cose che sono assurde anche a rapporto immediato, a buon senso comune.

Anche il marxismo in qualche modo ha parlato di una tensione verso qualcosa di nuovo, di futuro, ma ugualmente ha fallito il tema della trasformazione umana, perché?

Esatto. della storia del fallimento di Marx ne sto parlando da trent’anni. Marx tentò in ambito filosofico di occuparsi di realtà umana. E dichiara chiaramente nella famosa lettera al padre del 10 novembre 1937 che ha fallito, che non ce l’ha fatta. Che andava a finire nella logica hegeliana dello spirito assoluto e quindi abbandonò tutto per occuparsi di rapporti materiali e di realtà e comportamento materiale e con ciò si è fermato a un’idea di “male”. Ecco forse è riuscito- ma non so se realmente l’abbia fatto – a togliersi un po’ dal pensiero  religioso per cui il male è il sadismo e l’aggressivitò violenta di procurare sofferenza fisica agli altri. Non gli passa nemmeno per l’anticamera del cervello d pensare a un’altra violenza e aggressività che è la negazione e che non è mai stata pensata da Freud. invece il problema era proprio quello che per occuparsi di realtà psichica bisogna scoprire una violenza, una distruzione che andava ben oltre il discorso del sadismo fisico, della distruzione delle cose materiali, occorreva un rapporto psichico di conoscenza e di sapere.

Dalla rivista Il Grandevetro agosto-settembre 2009

Me sigue pareciendo aberrante, vergonzoso, cruel (me faltan adjetivos) que en pleno Siglo XXI se sigan celebrando en casi todos los pueblos de la geografía española, unas fiestas patronales en las que se incluyan a seres vivos (no hablo de los “humanos“) a los cuales se les trata como a un simple trozo de carne al que linchar porque es “una tradición”.

Hoy ha sido el gran día para el desafortunado gran Toro de La Vega, al cual le ha sido concedido el honor de ser lanceado hasta su agónica muerte, una herida en el cuello que acabó con la vida del animal entre vítores de ¡Viva el Toro de la Vega!…

¿¿¿Como que viva??? en que quedamos salvajes hipócritas, esto no es cultura por mucho que os empeñéis en que lo sea, es crueldad gratuita (aunque pagada con dinero público) con un ser vivo, como quien maltrata a gatos, perros, etc.

«No permiten que nadie grabe y amenazan a quienes van con cámaras, sean medios de comunicación o personas con un simple teléfono móvil. Si tan orgullosos están de su festejo milenario, no se entiende tanto recelo con las cámaras. En el fondo, “son conscientes de que torturar es algo malo“», explica el activista Javier Moreno.

¿Que cultura y herencia se desprende de estos actos de tortura animal? ¿Porque se permite el maltrato a los animales en las fiestas de  los municipios? ¿Porque no seguimos lanzando a la cabra del campanario, o empezamos a torear a perritos y gatitos?… Estas y muchas otras preguntas me surgen cada vez que veo las salvajadas que se PERMITEN en las fiestas de los pueblos a lo largo de toda España.

"Maravillosa" la estampa del toro siendo masacrado por los sádicos.

Lo dicho anteriormente, un HONOR, es lo que debería estar pensando el animal cuando intentaba huir de la chusma que le perseguía, la cual solo pretendía lancearlo hasta la muerte para que cumpliese con su objetivo en la vida…

«El tradicional, famoso y único ritual del Toro de la Vega, se remonta al siglo XII, y es el único que conserva la suerte de la lanzada, introducida por los jinetes árabes durante la dominación musulmana. Se trata de un torneo de raíz medieval», COÑO… como la Santa Inquisición, y no por ello sigue vigente como un festejo tradicional y único, como si parece que desean los cientos de energúmenos que se dedican a torturar con saña y sangre a borbotones, a un animal, al cual su instinto de supervivencia lo lleva a huir, y con ello al disfrute de dichos energúmenos, bien a caballo, bien a pie, pero con sus lanzas de 30cm de hoja para ensartar al animal, el cual, en caso de no morir rápidamente (cosa bastante probable) tiene a su disposición a un puntillero profesional para que se encargue de sacrificarlo si está agonizando (gracias a una ordenanza elaborada el año 1999).

Cosa que no ocurre ya que el animal «no sufrirá agresión de golpes o heridas» tal y como se reflejó en un documento oficial de 1966 por la Comisión de Festejos del Ayuntamiento de Tordesillas.

Cualquier se humano que disfruta haciendo sufrir a un animal sea este cual fuere, es un psicópata, no existe un termino medio para definirlo que no sea el de sádico.

Mucha Cultura es lo que nos sigue faltando en este País.

UN TORMENTO PEOR NO SE ME VIENE A LA MENTE…

Última película del siempre polémico danés Lars Von Trier. ¿Lo de polémico será por mostrar su cine de una forma o manera tan peculiar y directa?. Es una pregunta que últimamente y después de ver Antichrist, no para de rondar mi cabeza. Sobre todo, después de haber escuchado cargar sin contemplación alguna, sobre la persona de Lars Von Trier . No entiendo esa postura, criticar a una persona por hacer un cine propio, en fin, eso son otros asuntos.

Antichrist (2009)  cuenta la perdida de un niño en el seno de una familia. Concretamente, el niño de William Dafoe (Padre) y Charlote Gainsbourg (Madre). Durante unos momentos de total placer, donde Madre y Padre (no tienen nombre) disfrutan deliberadamente de sus cuerpos ajenos, es cuando sucede este accidente, cambiando el rumbo de sus vidas, para siempre. Dafoe, terapeuta, decide ser el propio medico que intente curar a su mujer. Tras un tiempo en su hogar e imposible de curar la tristeza y ansiedad de su mujer, deciden irse a una cabaña en las profundidades del bosque. Este lugar lo llamarán Edén y desde su llegada, comenzarán a cambiar las cosas drásticamente, empeorando hasta unos niveles inimaginables. En base, ésta es su historia, otra cosa es como el director danés nos la cuenta.

La película está divida en un prologo, tres capítulos y un epílogo, perfectamente narrados, dirigidos e interpretados.

Antichrist – Prologo. Se queda uno acojonado, maravillado y sorprendido por el comienzo tan bello, perfecto e imposible de olvidar. Una auténtica clase de cómo manejar los medios cinematográficos, una puesta en escena brutal, impactante y tan meticulosa, que no se escapa detalle alguno. De lo mejor que he visto en mucho tiempo, increíble. Esa cámara lentísima capaz de filmar hasta el detalle más ínfimo, su blanco y negro impoluto y la música de Handel, hace que te sumerjas en ese sueño siempre anhelado.

Antichrist – Capitulo I (Tristeza). La madre, tras la desaparición de su hijo, empezará a experimentar cambios en su estado anímico-mental, zambulléndose en una tristeza absoluta. Pasando después a un estado de ansiedad espeluznante. Lars Von Trier, creo que es el mejor terapeuta que te puedas cruzar y estando bajo depresión cuando escribió y filmó la película, como parece que pasó. Es muy difícil pasar por alto y obligado meter en tu cabeza, cuando Dafoe, explica los síntomas de la ansiedad. Increíble y fascinante sus imágenes y sonido.

Antichrist – Capitulo II (Dolor). El viaje a Edén para intentar con la terapia arrancar todo dolor y, dejar atrás, esos momentos de amargura, se convierten en un frígido viaje por la mente de Gainsbourg a través del bosque. Nuevamente, la cámara lenta hace acto de presencia, paisajes idílicos, una factura fílmica impecable, su narrativa pausada es extremadamente perfecta, cautelosa y asfixiante. Una vez en Edén, comenzarán los nuevos ejercicios para intentar paliar todo el dolor que la madre está sufriendo.

Antichrist – Capitulo III (Reina el caos). Todo está dicho, aquí es cuando realmente descubres el epicentro de la trama, cuando verdaderamente sus personajes y director, enloquecen y se pierden en una niebla de terror, gore (una escena muy curiosa), desesperación y caos total. El zorro parlanchín me dejó flipado, alucinado, lo siento, pero soy muy friki y todas estas cosas me gustan demasiado.

Antichrist – Epílogo (Genocidio). El final y después de tanta agonía, no podía ser de otra forma que, pura expiración.

Un film de innegable visionado. Una lectura nada convencional. Una película crudísima, diferente, para nada pretenciosa y gratuita. Todo lo que se muestra está bien justificado y de necesaria visión. Hay maneras y maneras, pero una película tan extremadamente desagradable (según mucha gente), creo que no hubiera tenido otro lenguaje, que éste concretamente, o como siempre, ¿quedarnos a medias tintas?. Habrá muchos detractores por esa excesiva sexualidad llevada a límites extremos o, ese golpe de terror-gore, que derraman sadismo hasta cotas muy altas, pero el cine es cine y está para tomarlo o dejarlo pasar.

Si bajo depresión Lars consigue estos experimentos fílmicos sádicos y de brujería, agarrémonos entonces, cuando vuelva a estar cuerdo y lleve su mente al límite. Y una cosa que quiero que dejar clara, el gore, sadismo, brujería, etc… que podemos ver en esta película, nos vayáis a pensaros que es algo excesivo, es solamente, una pequeño aporte a éste género, pero que vaya manera tan sobresaliente de adentrarse en ese mundo.

Otra información y opiniones:

Imdb

Punto de vista

Punto de vista

Trailer

Hoje é dia do BDSM. Um feliz 24/7 a todos os praticantes, curiosos e simpatizantes desta filosofia de vida!

Por que hoje?

A data do dia do BDSM vem dos numeros do dia de hoje, 24/7, que possui o mesmo formato que indica uma pessoa que pratica todos os dias todas as horas (24 horas por dia, 7 dias da semana) ao BDSM. Por isso, neste dia os praticantes BDSM se juntam para comemorar nos clubes BDSM para se encontrarem e fazerem palestras, conversarem e aprender mais sobre o assunto.

Para os interessados, sábado agora terá uma festa no Clube Dominna, onde eu darei duas palestras.

Feliz 24/7!

Dica: Veja nosso capítulos de Motéis BDSM para comemorarem o dia!

Nobuyoshi Araki

Nobuyoshi Araki é um fotógrafo japonês, contemporâneo de Tóquio. Suas fotografias são sádicas e se distingui entre nús femininos e a cidade de Tóquio.

Estudou fotografia durante anos e passou a trabalhar na Dentsu (agência de publicidade japonesa), onde ele sua esposa Yoko ( Mas se tornou internacionalmente conhecido por suas fotografias de mulheres amarradas (Kinbaku) e flores sensuais, que lembram os orgãos genitais femininos) Depois que Araki e Yoko foram casados, ele publicou um livro de fotografias de sua esposa durante a lua-de-mel intitulado Sentimental Journey. Ela morreu de câncer e fotos tiradas durante os últimos dias de vida, foram publicadas em um livro intitulado Winter Journey.

Araki é provavelmente mais conhecido por suas fotografias que documentam a prostituição japonesa, focando a Kabukicho distrito boemio de Shinjuku, em Tóquio. Estes foram posteriormente publicados em Tokyo Lucky Hole.

http://www.arakinobuyoshi.com/main.html

Links interessante:
http://www.studium.iar.unicamp.br/10/1.html?studium10=index.html

WWW.TENISVELHO.COM

Professorinha: Aula de Hoje “BDSM”

http://www.tenisvelho.com/professorinha-aula-de-hoje-bdsm/

BDSM é a sigla utilizada para fazer referência às práticas de BONDAGE, DISCIPLINA (DOMINAÇÃO), SADISMO E MASOQUISMO (ou SADOMASOQUISMO).

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