Ebony Schumann Grand Piano

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A grand piano deluxe, Schumann Hi Gloss Grand Piano, mint condition inside and out. Served as funiture piece. Very little mileage. Schumanns are made by Samick Piano Company and were brought into this country by Joe Rosen a Piano store dealer and music store owner from Patchogue, NY. He became the national distributor for Samick and the Schumanns. The pianos were prepped and redesigned by local retired Steinway technicians. So Schumanns are great instruments and have a great tone and action response. Comes with warranty. Questions? Call Sonny Direct. Free LI/NYC delivery. All else continental USA only $475. for delivery and set up in your living room.

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By Robert Schumann. Phantasien für das Pianoforte (opus 16), dedicated to Chopin. Pianista: Vladimir Horowitz.

John Axelrod

La simpatia, contagiosa e irresistibile, è la prima qualità che caratterizza John Axelrod, il giovane direttore texano che avevamo già conosciuto la scorsa stagione sul podio dell’OSN Rai. Fondatore dell’Orchestra X a Houston, sua città natale, è stato nominato direttore dell’Orchestre National des Pays de la Loire dopo un incarico quinquennale alla Luzerner Sinfonieorchester. La sua carriera è in costante ascesa e il suo repertorio, molto vasto, comprende le sinfonie dei maggiori compositori. Le sue interpretazioni sono caratterizzate da una notevole estroversione, che rende chiaro il significato generale della composizione; forse manca un approfondimento e una ricerca di nuove prospettive di lettura, ma credo che ciò esuli dai suoi obiettivi. Insomma Axelrod mira a lasciar soddisfatto e rassicurato il suo pubblico con performance ben eseguite e cerca di valorizzare gli strumentisti gratificandoli anche con un atteggiamento visibilmente empatico: è un piacere verderlo rivolgersi alle varie sezioni con un sorriso sincero e trascinante. Il brano più riuscito è stato a mio parere la Seconda Sinfonia di Schumann, in cui forse sembrava di scorgere l’ombra del grande Lenny che di Axelrod fu maestro e che di questa sinfonia fu sempre interprete massimo. Nella prima parte, preceduto dalla Pavane op.50 di Fauré, il Concerto op. 11 di Chopin, brano conosciutissimo, amatissimo dal grande pubblico, di frequente esecuzione nelle sale da concerto. Solista Louis Lortie, che nello scorso aprile aveva eseguito Mendelssohn insieme a Augustin Dumay.

Louis Lortie

Il pianista canadese, patito per le integrali, è soprattutto conosciuto per una fortunata e riuscita incisione dell’integrale raveliana, ma il suo repertorio è molto vasto e Chopin ha in esso un posto d’onore. Lo ha evidenziato con una bella performance del Concerto, dove al solista spetta la parte del leone, avendo l’orchestra il ruolo un po’ subordinato di mero accompagnamento. Forse anche per questo non mi è parsa tanto curata ieri sera la partecipazione orchestrale e nel secondo movimento (ma anche nel terzo) l’intesa tra solista e orchestra era tutt’altro che perfetta. Poche prove? probabile: i solisti giungono spesso in extremis e rimane il tempo di una sola prova oltre alla generale. È possibile che stasera le cose procedano meglio e che domani a Vercelli vadano benissimo. Scarso afflusso di pubblico, contrariamente a quel che prevedevo visto l’appeal del brano principe e del nome del solista. Boh? la concorrenza del Film Festival in corso? la campagna martellante di Topo Gigio contro i contagi influenzali? oppure la programmazione di brani di largo consumo anziché incrementare l’afflusso di pubblico ha finito per ridurlo? Su quest’ultima ipotesi (la meno confortante per una prospettiva a medio-lungo termine per l’Orchestra) non dispongo dei numeri necessari per esprimermi, però non mi dispicerebbe se qualcuno più informato e documentato di me lo facesse nei commenti.

After thrilling to her brilliant perfor-mance of Grieg’s Piano Concerto, the audience in Seoul was in no mood to let Valentina Lisitsa leave the stage.  They called her back for no less than four encores, each of which reveals a different aspect of her artistry.  Her first encore was by Franz Liszt, who was himself an admirer of Grieg’s concerto.

“La Campanella”                        by Franz Liszt

“La Campanella” (“The Little Bell”) is the third of six “Grandes Etudes de Paganini” by Liszt, all of which are based on compo-sitions by the great 19th-century Italian violinist and composer Nicolo Paganini, and all of which are notoriously hard to play.  This kind of knuckle-busting difficulty is Valentina Lisitsa’s bread and butter, but as we will see in a moment, she can also play with exquisite sweetness.

“Traumerei” by Robert Schumann

“Traumerei” means “Dreaming”, and this piece is as different as possible from the virtuoso showpieces that Valentina Lisitsa is known for.  She plays it beautifully, and it was this performance more than any other that convinced me of her artistry.

Vladimir Horowitz, for whom “Traumerei” was a signature piece, once related the following incident as a gentle reminder to anyone who might think that slow, lyrical music is easy to play.  A young virtuoso once came to the famous piano class of Theodor Leschetizky in Vienna, and upon being asked to play, stunned everyone with a phenomenal display of virtuosity.  The most difficult music seemed to flow effortlessly from his fingers.  He kept this up for quite some time without as much as a drop of perspiration on his brow.  When he had finished this astonishing performance, someone wistfully asked that he play a simple piece by Schumann, such as “Traumerei”.  Obligingly, the young virtuoso complied, and after four bars he was perspiring profusely!

Prelude in G minor by Sergei Rachmaninoff

The attentive reader may recall that this prelude was featured on this blog in September in a memorable performance by Emil Gilels.  It is unmistakably Russian in character, and very majestic.

“Fur Elise” by Ludwig van Beethoven

Valentina’s fourth and final encore was Beethoven’s well-known “Fur Elise”.  You will hear some surprised laughter as she begins to play, as the audience was undoubtedly expecting one of her trademark virtuoso encores, not a student recital piece.  What they got instead was a thoughtful, poignant rendering of this hackneyed Bagatelle, one that demonstrates just how beautiful it can be when played by a true artist.

You can learn more about Valentina at her website: valentinalisitsa.com, and will find many more examples of her playing at her YouTube channel: youtube.com/valentinalisitsa.

You’re probably familiar with the story of David and Goliath; the epic story of size doesn’t matter. Goliath, a Philistine giant some nine feet tall, taunted Israelites day and night until eventually David, a young shepherd boy, had enough. However, did you know that the story has its own place in classical music? In the early Romantic period, the term “Philistine” was a term most commonly used in music, but was also used in the other arts as well. Just like in the Biblical story, the Romantic’s “Philistines” were the bad guys; they were the ones that degraded art to mere entertainment or flashy showmanship. To understand this, you have to know something about the Romantic’s philosophy of music. The Romantics believed music to be the highest of art forms and the one most capable of expressing the deepest and most inner thoughts of man. Jean Paul, an early Romantic writer, said this about music:

“One day the guardian genius of all who possess strong sensibility addressed Jupiter thus: ‘Father divine! bestow on thy poor human creatures a language more expressive than any they now possess; for they have only words signifying how they suffer, how they enjoy, and how they love.’ ‘Have I not given them tears?’ replied the deity; ‘tears of pleasure, of pain, and the softer ones that flow from the tender passion?’ The genius answered: ‘O god of men! tears do not sufficiently speak the overflowings of the heart; give, I thee supplicate, to man a language, that can more powerfully paint the languishing and impassioned wishes of a susceptible soul, the recollections so delightful of infancy, the soft dreams of youth, and the hopes of another life which mature age indulges, while contemplating the last rays of the sun as they sink in the ocean; give them, father of all! a new language of the heart.’ At this moment the harmonies of the spheres announced to Jupiter the approach of the Muse of Song. To her the god immediately made a sign and thus uttered his behests: ‘Descend to earth, O Muse, and teach mankind thy language.’ And the Muse of Song descended to earth, taught us her accents, and from that time, the heart of man has been able to speak.”

Music, even among the practitioners of the other arts, was held in the highest regard; a noble art form not to be taken lightly. The “Philistine,” then, was anyone who degraded music to something less than its noble purpose. In essence, they were the ones who sold their souls for their desire to be adored by the public. They sought recognition of men and by doing so, degraded their art. The “Philistine” could be either performer or composer.

Robert Schumann, in his own unique way of fighting the “Philistines,” created a fictitious society called the “Davidites.” His famous characters of Florestan and Eusebius, which he used often in his critical writings, were members of this society. Furthermore, the Davidsblündertanze was a set of piano pieces he composed to exhibit the high quality and introspective nature that classical music ought to possess.

Like every battle of good vs. evil, that between the “Philistines” and the “Davidites” continues on in the modern world of, not only classical music, but music in general. There are always those who betray their art for the glory of the limelight. You just have to ask yourself: which one are you?

Von den gigantischen Buddhaskulpturen von Bamiyan bis zu den Tempeln Japans, von der sandverwehten Oase Turfan bis zu den Stupas Ceylons und dem Borobodur auf Java erstreckt sich das historische Gebiet der buddhistischen Kultur, rund 6000 km in beiden Richtungen der Windrose. Feinsinnige Tropenvölker vermochte die Lehre des indischen Weisen ebenso für sich zu gewinnen wie rauhe Gebirgs- und Steppenbarbaren; ihr humanisierender Einfluß ist in ganz Asien spürbar und war überall die Grundlage hoher Geistigkeit und künstlerischer Blüte. Es war eine Sternstunde für die Welt, als Siddhattha Gotama, der ‘Buddha’, im Jahre 528 v. Chr. bei Benares seine Einsichten zu verkünden begann.

Nicht Gott oder die Götter stehen im Zentrum der Buddhabotschaft, sondern der in den kosmischen Kreislauf verwobene Mensch (Schumann, 1997, S. 9-10).

Radu Lupu

Radu Lupu, il grande Radu Lupu, dopo Brandauer, la Gutman, Znaider… e prima di Lortie,  Anderszewski…: si direbbe da questi primi concerti della stagione che la Rai per richiamare pubblico abbia puntato sull’appeal dei solisti, anziché sui direttori, che beninteso sono di alto livello, ma certamente non di quelli che richiamano moltitudini (ammesso che tra i direttori ospiti disponibili esistano ancora artisti dotati di questo carisma). Con Radu Lupu obiettivo raggiunto: il rosso delle potrone era meno appariscente delle altre volte, almeno in platea. Che il pubblico sia accorso per lui lo dimostra la defezione di almeno un terzo delle presenze dopo l’intervallo. Lupu ha riproposto il Concerto in la minore op.54 di Schumann, lo stesso già proposto nel dicembre 2003. E ha fatto bene: a mio giudizio nessuno oggi lo interpreta meglio di lui. Un’interpretazione tutta intimità raccolta, di un lirismo pieno di poesia, in cui il pianoforte dialoga in modo quasi sommesso con gli strumenti dell’orchestra, quasi fosse una composizione cameristica. Nessuna contrapposizione tra solista e orchestra, ma una sorta di affettuoso abbraccio in una integrazione perfetta. Sintonia totale col direttore, Mikhail Jurowski, che ha aderito pienamente a questa interpretazione con risulati eccellenti. Il feeling tra questi due 64enni era percettibile e visibile anche dai gesti cordiali e affettuosi che si sono scambiati alla fine del concerto: è stato tenero vedere Lupu accarezzar la barba di Jurowski in segno di amicizia e ringraziamento. Come bonus Träumerei da Kinderszenen. Il programma era iniziato con la trascrizione per orchestra a opera di Gustav Mahler del Quartetto D 810 “La morte e la fanciulla” di Franz Schubert. Omaggio di Mahler a Schubert, di cui era fervente ammiratore. Era in prima esecuzione Rai, ma era già stata ascoltata a Torino due anni fa dalla Camerata Salzburg con risultati più convincenti, forse in virtù di un organico più appropriato di quello schierato ieri sera. Io non amo queste trascrizioni di brani concepiti per formazioni da camera, fatta eccezione per quella schoenberghiana del Quartetto op.25 di Brahms, geniale e dotata di vita autonoma rispetto all’originale, negli altri casi mi rimane per tutta la durata il cruccio e il rimpianto di non ascoltare il brano così come concepito dall’autore.

Mikhail (anzi Michail, come forse preferisce per connotare la sua ormai attività in Germania) Jurowski, dopo una lunga attività in URSS dal 1990 è attivo soprattutto in istituzioni tedesche. E’ padre di due direttori d’orchestra: Vladimir e Dmitri. Il primo famoso e affermato.

Mikhail Jurowski

La sintonia con lo stile interpretativo di Lupu deve essere stata naturale per Jurowski: la sua direzione è improntata a un pudore espressivo che evita ogni platealità e effettaccio. Sembra quasi che sulle partiture legga: Caution! Careful. Anche la pagina conclusiva: la Sinfonia Mathis der Maler di Paul Hindemith ha trovato in lui un interprete lontano da esibizionismi, teso a rivelare il significato e il valore della composizione. Lo hanno verificato gli spettatori superstiti, che gli hanno tributato i meritati applausi.

Contrariamente a quel che mi sarei aspettato: niente ripresa tv. Ma, e questo davvero non lo avrei mai immaginato, niente diretta radio, e neanche differita del Concerto di Schumann, ma solo degli atri due brani. Lupu non vuole lasciare tracce delle sue interpretazioni? desidera che rimangano solo nella memoria di chi le ha vissute con lui? In ogni caso: stasera si replica e val la pena che a ricordare siano il maggior numero possibile di musicofili.

Domenica 8 Novembre 2009 alle ore 18, presso la Sala dei Ritratti del Palazzo Siotto in via dei Genovesi 114 a Cagliari,ci sarà una Conferenza-concerto dedicata alla Sinfonia n. 4 in re minore di R. Schumann.

La serata sarà a cura di Andrea Ivaldi, docente di pianoforte principale presso il Conservatorio di Musica di Sassari e coordinatore della Scuola Civica di Musica di Nuoro, e Giampaolo Zucca, direttore di coro e d’orchestra, docente di Armonia complementare presso la Scuola Civica di Musica di Nuoro e presidente dell’Associazione ‘Il Convivio’.

Il concerto sarà il terzo appuntamento della terza edizione de ‘Una passeggiata sinfonica’, manifestazione ideata come un percorso guidato intorno alla Sinfonia classico-romantica. Si tratta di incontri musicali con finalità didattico-divulgative, rivolti anche a un pubblico non specializzato, e che prevedono l’esecuzione di alcune fra le più insigni opere sinfoniche del repertorio adattate per l’esecuzione al pianoforte a quattro mani.

Prossimi appuntamenti:

Domenica 6 Dicembre ore 18: A. Dvořák – Sinfonia n. 9 in mi minore "Dal Nuovo Mondo"

Domenica 7 Febbraio 2010 ore 18: A. Bruckner – Sinfonia n. 8 in do minore

Biglietto d’ingresso: 5 €.

Informazioni: Associazione Culturale "Il Convivio" – Cagliari

www.ilconvivio.altervista.org

e-mail  il_convivio@tiscali.it

M.P.

FOLIGNO mercoledì 4

Stagione Concertistica Amici della Musica:

concerto dei BERLINER SYMPHONIKER ORCHESTER,

Lior Shambadal direttore.

I 60 elementi eseguiranno un imponente lavoro di Beethoven di rarissima esecuzione: la versione integrale delle musiche per il balletto di Salvatore Viganò di “Le creature di Prometeo”. Nella seconda parte del concerto sarà eseguita uno dei vertici del sinfonismo romantico, la quarta sinfonia di Robert Schumann. Auditorium San Domenico, ore 21. Info: Amici della Musica, tel 0742 342183 (martedì e giovedì, ore 10-12); cell. 338 9223675

Il programma del terzo concerto della stagione OSN Rai ha forse come filo conduttore le ricorrenze anniversarie dei tre compositori: i bicentenari di Schumann e Mendelssohn e il 60enario di Richard Strauss. A celebrare il rito due coetanei, giovani ma già affermati: il direttore Tomáš Netopil e il violinista Nikolaj Znaider.

Tomáš Netopil

Moravo, 34 anni, Netopil ha compiuto i suoi studi di violino e direzione d’orchestra in patria perfezionandosi poi alla scuola del grande Jorma Panula. Dotato di grande musicalità e slancio, riesce facilmente a conquistare orchestre e pubblico con interpretazioni trascinanti.

Nikolaj Znaider, nato a Copenhagen da famiglia polacco-israeliana, ha studiato con Boris Kushnir. A 16 anni vinse il primo premio alla quarta edizione della Carl Nielsen Competition, da allora ha intrapreso una carriera strepitosa che lo ha visto esibirsi con le maggiori istituzioni musicali del mondo e con i più grandi direttori di oggi. Suona un Guarneri del 1741 che fu del leggendario Fritz Kreisler.

Nikolaj Znaider

Il programma di ieri sera, in replica stasera, iniziava con l’Ouverture Julius Caesar che Schumann compose per un’opera che rimase solo un abbozzo. Pagina non frequente nei programmi dei concerti e nelle incisioni discografiche, che meriterebbe di essere più eseguita e conosciuta. Il secondo brano invece è conosciutissimo e quest’anno è già stato proposto a Torino almeno due volte: il Concerto in mi minore op.64 di Mendelssohn, ma è uno di quei capolavori che non ci si stancherebbe mai di ascoltare, sicuri che ogni volta darà nuove emozioni. A maggior ragione se a interpretarlo c’è un virtuoso come Znaider. Probabilmente non c’era invece necessità di riascoltare per una ennesima volta l’Also sprach Zarathustra di Richard Strauss, che deve la sua popolarità soprattutto al cinema di Stanley Kubrick. La popolarità di massa veramente si limita ai primi 90 secondi, forse i più ispirati e suggestivi di tutta la composizione. Comunque poiché la pagina rimane sempre un ottimo test per saggiare oltre che i propri impianti hifi casalinghi anche il livello delle orchestre ben venga tutto sommato la verifica. Superamento a pieni voti (nonostante un piccolissimo incidente perdonabilissimo e più che comprensibile) per orchestra e direttore.

Confermo il miglioramento dell’acustica in platea (ma forse anche in altri settori) dovuto alla copertura parziale del coro con una struttura in plexiglas. La stessa sensazione mi è stata confermata da altri spettatori. Insomma una dimostrazione che perseguendo alcuni obiettivi se ne raggiungono poi altri imprevisti. Che risultato invece abbiano le luci nelle riprese tv sarà da verificare quando saranno teletrasmesse. Spero che sia diverso da quello del concerto trasmesso su Raitre stanotte (all’1:40!!!) ripreso alla Scala da altro staff e altra regia: Daniele Gatti e gran parte degli orchestrali avevano la pelle così arrossata per l’effetto delle luci rosse soffuse da farli sembrare pronti per un immediato ricovero in un ospedale dermatologico.

Ieri. Domenica pomeriggio. Freshycherry porta il nipotino di 4 anni al cinema a vedere “L’Era glaciale 3″

Dialogo, in macchina, dopo il film:

- Zia, ma i dinosauri quando vivevano. Tanti anni fa?

- Si amore, tanti tanti secoli e millenni fa.

- Quanti anni? Qqquarantatre – quarantaquattro anni fa?

- No, amore mio di più (Oggesù, la mia età! Non sono giovane, ma addirittura un dinosauro!!)

- Ma allora prima degli antichi Romani?

- Si, tesoro, tanto prima

- Prima anche degli antichi Etruschi?

- Si amore, un secolo è composto da cento anni e loro sono vissuti, tantissimi e tanti secoli fa?

- Anche prima di Schumann?

-  ….. ???

O.o

(© by tri2b.com)

Am gestrigen Sonntag wurde auf Maui die Xterra Weltmeisterschaft ausgetragen. Zwei Wochen nach der Weltmeisterschaft auf Hawaii starteten um 20:00 Uhr (deutscher Zeit) die Athleten auf die 1,5 km Schwimmen, 32 km Mountainbike und 11 km Crosslauf.

Als Sieger lief schließlich ein alt bekanntes Gesicht über die Ziellinie. Mit viel Wut im Magen lief der Spanier Eneko Llanos als erster über die Ziellinie, nachdem er vor zwei Wochen als einer der Mitfavoriten auf den Weltmeistertitel nur den 14 . Platz belegte. Das Podium komplettierte Nicolas Lebrun aus Frankreich und Michael Weiss (ich spare mir meinen Kommentar!!!) aus Österreich. Bester Deutscher wurde Felix Schumann auf dem 7. Platz.

Bei den Damen gewann Julie Dibens (GBR) ganz souverän mit fast 8 Minuten Vorsprung auf Lesley Paterson (SCT) und Melanie McQuaid (USA). Damit gingen bei den Frauen beide Weltmeistertitel (IRONMAN & Xterra) an Großbritannien.

Llanos zum viertenmal Gewinner des Doubles
Schon nach drei Laufkilometern konnte sich Llanos an die Spitze setzen, diese bis ins Ziel verteidigen und sich dort neben dem Tagessieg auch über den vierten Erfolg in der Doublewertung aus Ironman Hawaii und Xterra Maui freuen. Mit einem gewohnt starken Lauf rannte Lebrun noch auf Rang zwei nach vorne, im Schlepptau folgte Weiss auf Rang drei. Ob der Österreicher, im Vorjahr sogar Zweiter, seinen Erfolg nach der Heimkehr allerdings richtig feiern kann, ist fraglich. Weiss wurde zuletzt von ehemaligen Radprofi Bernhard Kohl schwer mit Dopingvorwürfen belastet. Der Ex-Mountainbikeprofi soll nach einem Bericht des Kurier schon im Jahr 2005 Kunde der Wiener Blutbank Humanplasma gewesen sein. In der Vergangenheit fiel der Österreicher schon einmal wegen einer Schutzsperre aufgrund zu hoher Hämatokritwerte (2007) und der Zusammenarbeit mit dem Doping verabreichenden Kinderkrebsarzt Andreas Zoubek (2008) auf.
(© by tri2b.com)

Dibens souverän, Wasle stark, Bucher unglücklich
Im Frauenrennen war die Entscheidung um den Sieg schon nach dem Biken gefallen. Dibens führte deutlich vor Melanie McQuaid, die sogar ihren vierten Xterra Titel hätte feiern können, und Shonny Vanlandingham (beide USA). Auf dem schweren abschließenden 11 Laufkilometern konnte sich aber Lesley Paterson aus Schottland noch auf Rang zwei nach vorne schieben. McQuaid wurde Dritte vor der überraschend starken Österreicherin Carinna Wasle. Ganz und gar nichts lief hingegen bei der als Titelanwärterin gehandelten Schweizerin Renata Bucher zusammen. Nach gutem Schwimmen erwischte es Bucher auf dem Bikekurs mit zwei platten Reifen. Nur ein Schlau eines männlichen Teilnehmers ermöglichte die Weiterfahrt und ein Finish auf einem enttäuschenden 13. Rang.
(© by tri2b.com)

Xterra WM – Maui, USA
1,5 km Schwimmen, 32 km Mountainbike, 11 km Crosslauf

Männer:
1. Eneko Llanos (ESP) (19:39/1:33:23/44:20) 2:37:22
2. Nicolas Lebrun (FRA) (21:44/1:32:24/44:09) 2:38:17
3. Michael Weiss (AUT) (23:44/1:30:25/46:15) 2:40:24
4. Olivier Marceau (SUI) (20:07/1:34:51/46:08) 2:41:06
5. Conrad Stoltz (RSA) (20:23/1:32:36/48:41) 2:41:40
6. Franky Batelier (FRA) (20:09/1:33:38/48:28) 2:42:15
7. Felix Schumann (GER) (20:26/1:36:10 /46:21) 2:42:57
8. Seth Wealing (USA) (19:35/1:37:49/46:34) 2:43:58
9. Josiah Middaugh (USA) (22:15/1:30:45/51:14) 2:44:14
10. Nico Pfitzenmaier (GER) (23:53/1:33:40/46:58) 2:44:31

Frauen
1. Julie Dibens (GBR) (20:25/1:44:57/51:20) 2:56:42
2. Lesley Paterson (SCT) (22:42/1:51:49/49:45) 3:04:16
3. Melanie McQuaid (USA) (22:41/1:47:38/55:27) 3:05:46
4. Carina Wasle (AUT) (26:08/1:49:48/51:27) 3:07:23
5. Shonny Vanlandingham (USA) (25:52/1:46:27/55:41) 3:08:00
6. Marion Lorblanchet (FRA) (21:32/1:59:54/51:49) 3:13:15
7. Danelle Kabush (CAN) (26:52/1:53:42/53:16) 3:13:50
8. Christine Jeffrey (CAN) (19:42/1:59:46/55:33) 3:15:01
9. Sara Tarkington (USA) (23:58/ 1:57:02/54:56) 3:15:56
10. Rebecca Dussault (USA) (25:46/1:56:03/55:33) 3:17:22

E’ Natalia Gutman nel Concerto in la minore per violoncello e orchestra di Robert Schumann: lo stesso concerto che ieri sera (con replica stasera) ha proposto nel secondo appuntamento della Stagione della OSN Rai, che dedicherà a Schumann gran parte della programmazione, un po’ per festeggiare il 200° della nascita e un po’ per farsi forse perdonare la quasi totale dimenticanza nel 150enario. La Gutman è interprete di riferimento di questo gioiello schumanniano e tale si è rivelata anche in questa occasione. A dirigere Christian Arming, il giovane direttore viennese che è ormai una presenza abituale sul podio dell’OSN.

Christian Arming

Il primo brano in programma è la prima esecuzione in Italia di Verwandlung 2 di Wolfgang Rihm, eseguito per la prima volta nel 2005 a Leipzig sotta la bacchetta di Riccardo Chailly. Un brano dominato dall’idea del movimento in divenire. E l’idea del divenire è rintracciabile anche nel brano conclusivo, la Sinfonia n.1 di Robert Schumann, la Frühlingssinfonie, che diede anche il titolo a un riuscito film biografico degli anni 80 (visibile talvolta sulle reti tv tedesche) sulla vita del Musicista di Zwickau.

La sala presentava la sorpresa di una struttura in plexiglas a copertura parziale del coro (con miglioramento involontario dell’acustica in platea) per un’illuminazione del palco, a mio avviso un po’ kitsch, ai fini della ripresa tv, con conseguente sistemazione alternativa (immagino) degli abbonati del coro. In più un cameramen (anzi una camerawoman) si aggirava tra gli orchestrali onde riprenderne ogni palpito. Che ci sia da sperare in una programmazione più frequente  di concerti tv, magari in orari più abbordabili? Mah, ne dubito. Il passaggio al digitale terrestre in Piemonte, tanto strombazzato, ha allargato l’offerta di calcio, pornografia e campagna elettorale permanente: la musica classica è assente, così il teatro, così ogni cosa che possa preservare gli italiani dal degrado culturale e spirituale in cui stanno gradualmente, ma inesorabilmente, scendendo

Mix Match Schumann is a new Mix and Match Quiz coming soon to Tanbur Music Education Links. Questions will be based on the ‘Ravinia One Score’ multimedia presentation featuring Robert Schumann. You can prepare for the quiz by exploring the Ravinia website, listening to ‘Scenes of Childhood’ and by following links to Robert Schumann Life and Times, Timeline, the Piano and ‘Carnaval’. 

You can help prepare some of the quiz questions! Here are some examples of possible Mix and Match pairs:

Can you think of more ‘Mix Match Schumann’ quiz questions? Please use the comment box to send your responses.

Journal of Vision -lehdessä olleessa artikkelissa kuvailtua järjestelmää EyeSeeCam on kehitetty enemmän tuotteen suuntaan. Järjestelmä toimii erinomaisena esimerkkinä vielä laajemman järjestelmän rakentamiselle.

A comezos de 1845, Robert Schumann estaba empeñado en mellorar a súa escritura contrapuntística. O resultado deste esforzo son varias obras: os estudos op 56 en forma de canon para piano con pedal, Esquisses op 58, seis fugas sobre o nome de Bach op 60 para órgano e as catro fugas op 72  para piano a catro mans.

O piano con pedal foi un instrumento ideado por Johannn Gottlieb Wagner que consistía en equipar un piano cunha pedaleira que en 1840 xa estaba bastante perfeccionado. Estaba pensado para estudar órgano en casa…

Os Estudos op 56 son obras en forma de canon.  Están cheos de inspiración e de música maravillosa. Como exemplo, esta xoia: o estudo nº 4, magníficamente interpretado por Thomas Murray.

Am Dienstag (13.10.09) war die konstituierende Sitzung des Seminars “Außer Salons nichts gewesen?- Judentum in der Romantik” in dem neuen Bau der Hochschule für Jüdische Studien. Schwerpunkt des Seminars ist die Auseinandersetzung mit dem Kommunikationsmodell des Salons im 19. Jahrhundert, wobei die Salons in Berlin um 1800 eine Besonderheit darstellen. Die Frage, die aber im Seminartitel mitklingt, ist, inwieweit diese eher intellektuellen elitären Zirkel tatsächlich einen relevanten Teil des jüdischen Lebens um 1800 darstellten. Tatsächlich hatte diese Salonkultur eine beeindruckende Wirkungsgeschichte, die allerdings mit dem Großbürgertum Mitte des 20. Jahrhunderts ihr Ende fand. Die Studierenden des Seminars äußerten ihr Interesse an der Vertiefung ihres Wissens von der Romantik und der besonderen Rolle der Salonièren in dieser Zeit. Interessant dürfte es auch sein, wenn erörtert wird, wie der preußische Staat unter Friedrich Wilhelm II. wichtige Entwicklungen versäumte und wie das daraus resultierende Unbehagen in intellektuellen Kreisen in der kulturellen Auseinandersetzung ein Ventil fand, deren Visionen noch heute eine Faszination haben. Die Idee, dass der Salon ein Freiraum der zweckfreien Kommunikation sein konnte und gleichzeitig Impulse in das öffentliche Leben vermittelte, war eine Vision, die gerade von denen ausging, denen am stärksten Freiräume verweigert wurden: Juden und Frauen. Bemerkenswert, dass es in Heidelberg, der so oft als romantisch verklärten Stadt, keine Salons gab. Doch wer weiß, vielleicht versteht es das Seminar, in diesem Zusammenhang einiges wiederzuentdecken.

“Everything (Horowitz) did had his own individual and unmistakable stamp, which is not only desirable, but is an absolute must for an artist.”

This interview had its beginnings in an email that I received last month from Lola Astanova, as one of many who registered at her website, lolaastanova.com.  The email introduced a video of Lola playing Chopin’s magnificent étude Op. 25 No. 12, together with a short message from Lola about supporting the arts during difficult economic times.  I was crazy about her Chopin, and shared her conviction about the arts, and wrote back to tell her so.

A few days later I received another email, thanking me for introducing Lola to readers of this blog through her videos of Rachmaninoff’s second sonata, and pointing out that the year of her birth as given in my comments (1981) made her a little older than she really is.  I did a little more research and found a different source that listed her year of birth as 1982, and updated my blog accordingly.  I also wrote back to suggest an interview with Lola that would address this and other questions that I thought would be of interest to her growing number of fans and admirers.  I was happily surprised to receive – just two days later – an invitation to submit my questions via email for Lola to answer in writing.

What follows are my questions and Lola’s responses.  My thanks to Natalie, Lola’s personal assistant, for facilitating this interview, and especially to Lola herself, not only for her candid, illuminating answers, but for sharing so generously of her work and talent through her many YouTube videos.  Lola, you have opened wide the treasure chest of great music for many who might otherwise never have known the riches that lie within.

All right, let’s begin!

DERRICK:  I apologize for having misstated the year of your birth on my blog.  In my desire to make you better known to my readers, I had to choose among unreliable sources for some information.  Would you like to tell us your correct birthday?

LOLA:  I never intended to hide my correct date of birth…I think it was, probably, accidentally left out from my original online bio.  But by now it’s become such a huge deal that I feel like having some fun with it and keeping everyone guessing. (Smiles)

DERRICK:  Would you mind filling in a few more biographical details?  I know that you were born in Tashkent.  Would you like to share any information about your family and early life?  Did your musical education begin at home?

LOLA:  Sure.  My mother is a music teacher.  We had an old upright at home so she used to play it from time to time, and I used to stare at her and think: “It would be so nice to play that thing!”  But it was actually my dad who convinced her to get me started with piano lessons.  He really wanted me to learn “Fur Elise” and a few other tunes to play for him after work.  I’m sure he never imagined that music would become my career.

DERRICK:  Do you remember how you were introduced to classical music, and the first piece of classical music that you were excited about?

LOLA:   I guess the first piece that I was consciously truly excited about learning was Chopin’s “Fantasie Impromptu”.  I was about ten years old, but I had heard and loved that piece from the early childhood.  The score looked very busy with lots of notes so in my mind playing it well somehow symbolized being a good pianist.

DERRICK:  We know that you began to study piano at the age of six with Professor Tamara Popovich.  When and where was your first solo recital?  Do you remember the details of your program?

LOLA:  My first recital was in my school.  I think I was about seven and played most of the pieces from Schumann’s album for the young Op. 68.

DERRICK:  When and where was your first performance with orchestra?  What piece did you play?

LOLA:  It was Bach’s Concerto No. 5 in F Minor.  I was 8 years old and played in the big and beautiful concert hall called “Bakhor” in Tashkent.   I had seen Ashkenazy play on that stage only a few months earlier so being on that same stage for the first time as a soloist made me very nervous.

DERRICK:  What is your personal situation?  Are you married or single?  If single, do you hope to marry someday, or are you in an exclusive, long-term relationship with your Steinway?

LOLA:   I am not married and don’t see it in my immediate future.  My relationship with my Steinway, albeit a passionate one, is strictly professional. (Smiles)  It would have been more than a little sad otherwise.  I think it’s important to have other interests besides piano, and I, certainly, do.

DERRICK:  Would you care to comment on the passing last month of Alicia de Larrocha?  Did you ever meet her, or hear her play in person?  Have you been influenced at all by Miss de Larrocha?

LOLA:  I never had a chance to hear her in concert, alas.  She was one of the very few women who had a stellar career as a concert pianist and left a wonderful legacy.  That is always inspiring and empowering to me personally.  But, I can’t say that my own pianistic style or musical preferences were influenced by her in any way.

DERRICK:  You have described what an emotional experience it was for you to play on Vladimir Horowitz’ piano.  How would you describe Horowitz’ influence on you?

LOLA:   His influence was colossal.  I think he redefined what it means to be a pianist.  Everything he did had his own individual and unmistakable stamp, which is not only desirable, but is an absolute must for an artist.  I can’t say that I like everything that he did musically, in fact, I find some of his interpretations perfectly awful, but that doesn’t matter.  He always played his Chopin, his Mozart, and his Rachmaninoff.  He had a distinct musical personality and a style like no other, and that is what I find most valuable.

Now, obviously, Horowitz’s presence is still very much felt in the piano world and, as a result, many pianists try to imitate him and critics always itch to dub someone “the new Horowitz”.  I must say that I find both rather amusing.  There may be truly astonishing pianists that share certain qualities or attributes with Horowitz, but there will never be another Horowitz, just like there will never be another Pavarotti.  So there is no point in trying.  Actually, a little anecdote comes to mind: Gershwin once asked Ravel to teach him composition, to which Ravel supposedly responded: “Why would you want to be second rate Ravel when you can be first rate Gershwin?”  I second Ravel’s opinion, and though comparisons to the immortals are flattering, I’d never want to be “the new” anybody but myself.

DERRICK:  Have you ever played any of his transcriptions?

LOLA:  No, not in public.

DERRICK:  Who among the pianists of today do you especially admire?

LOLA:  YouTube’s Nora the Cat!  She has a special touch. (Laughs)  But if you want a serious answer…well, “admire” is a very special word for me.  Talent and skills alone do not impress me at this point as I’ve been fortunate to be among talented and capable musicians all my life.  What does impress me, however, are the people behind the talents – their human qualities, their aspirations and their integrity.  I know those don’t sound like musical terms, but they are no less important in music than in life.  And from that standpoint, so far I’ve seen more disappointments than inspirations in the classical field.  You know, Rachmaninoff almost never gave interviews on this subject because as he put it: “I was brought up never to lie…and I cannot tell the truth.”  I think I understand what he meant and I’m going to leave it at that.

DERRICK:  How would you describe the current state of music composition?  Do you see anyone writing music today whom you would place on the same level as the great composers of the past?  If yes, who?  If not, why not?

LOLA:  I presume you are asking about classical composition and if that’s the case – I am not aware of any composer today that I would compare with the greats of the past.  You see, to me a great composer is synonymous with original harmonic language.  In other words, creating something that sounds good and does not sound like somebody else. And in that sense, every composer today faces two huge challenges:  Number one – a lot has already been done in terms of harmony so it is really not easy to create something that is both valuable and original.  Number two – developing and refining one’s own harmonic language and style is a very slow and painstaking process which seems in total opposition of the super fast pace of the modern life.  And don’t forget that in addition to the tremendous technical skills and knowledge, composition requires a certain creative environment or atmosphere that simply does not exist anymore in the same way as it did in the days of Mozart or Chopin.

Of course, there is an entire group of composers that do the so-called “modern classical music”.  Those are the people who chose to experiment with atonal concepts, but I refuse to call that music.  I imagine that the original creators of that style genuinely searched for something new or “modern” and that a lot of their harsh sounds stemmed from the painful history of the 20^th century.  But I also think that many of the subsequent works have simply been an attempt to shock the audience and generate publicity by inviting the press to endless “world premiers” of some god-awful pieces.  In my opinion the empty concert halls are in part the result of the industry’s long infatuation with those atonal concepts.

DERRICK:  How has the internet changed life for the concert artist today?  More specifically, how has YouTube, with its extraordinary library of music and musicians, changed the concert artist’s life today?

LOLA:  I think it’s fair to say that the Internet has changed not only the lives of individual artists, but the entire entertainment and media landscapes.  It’s even a bit overwhelming to think of all the opportunities that the Internet tools have opened for the arts, education, entertainment, and cultural exchange.  You are right, of course, about YouTube being a singular library of material, but there is much more to it than that.  It’s an amazing way to communicate with the audience directly, without intermediaries and outside the sometimes intimidating atmosphere of a concert hall.  It allows for an entirely different relationship between the artist and the listener and for a much closer, much more personal experience.

Another “YouTube revelation” actually relates to the “Holy Grail” of the classical music industry – the young audience.  For years classical presenters have been trying to lure the younger crowd into concert halls and evidently without much success.  Yet, over half of my online viewers are people in their teens, twenties and thirties.  I receive daily emails from teenagers who say that they are inspired, and who subscribe to my channel along with Taylor Swift’s or Kanye’s.  These are guys and girls of very diverse backgrounds, but they all seem to have a sort of innate appreciation for this music.  And many grasp the significance of the arts much more than the classical establishment knows.  For example, my video about the arts in this economy has been passionately supported by countless young YouTubers, including such Internet stars as Ryan Higa and Iman Crosson, while traditional classical organizations have remained completely indifferent if not hostile.

DERRICK:  Have the advantages of the internet and YouTube, such as increased exposure, made up for the fact that there is less need now for people to buy records?

LOLA:  From the artistic and audience interaction standpoint – absolutely.  From the strictly commercial standpoint – not yet, but classical music is, probably, less affected by that than pop because classical record sales have been essentially non-existent for years.

DERRICK:  What do you think of Rachmaninoff’s Second Symphony having been arranged as a concerto for piano and orchestra?  Have you seen the score?

LOLA:  I haven’t seen the score.  I’d have to see it before I can tell you what I think.

DERRICK:  You mentioned that you hoped to play in Seattle next year.  Are you anticipating a solo recital, or an appearance with orchestra?  Has anything been confirmed yet?

LOLA:  I have a confirmed private event performance in Washington next year, but I don’t believe I’ve been invited by any classical presenters in Seattle.  Once I’m invited, sure, I’d love to come and perform.

DERRICK:  If I were to select a few pieces that I would most like to hear you play, I would choose Scriabin’s Etude Op. 42, No. 5, Prokofiev’s 6^th and 8^th sonatas, and the sonata by Samuel Barber.  Is there any hope for me?

LOLA:  Yes, let’s start with Scriabin’s Etude.  I haven’t played it in a long time so thanks for reminding me.

DERRICK:  Lola, thank you for taking time from your busy schedule to participate in this interview.

L’autobus correva lungo una striscia di cemento molto stretta a pelo dell’acqua senza parapetto, niente; tutto lì. L’autista si appoggiava allo schienale e passava rombando su quella stretta striscia di cemento circondata dall’acqua e tutti i passeggeri dell’autobus, venticinque o quaranta o cinquantadue persone si fidavano di lui, ma io no. Ogni tanto c’era un nuovo autista e io pensavo, come li scelgono, questi figli di puttana? L’acqua è profonda su tutt’e due i lati e basta un piccolo errore per andare tutti al creatore. Era ridicolo. Mettiamo che quella mattina avesse litigato con la moglie. O che avesse il cancro. O che vedesse la Madonna. O che avesse i denti cariati. Qualunque cosa. Bastava un niente. Avrebbe potuto impazzire. Buttarci tutti di sotto. Sapevo che se ci fossi stato io, al suo posto, avrei preso in considerazione la possibilità di trascinare tutti in acqua. Mi sarebbe piaciuto. e qualche volta, dopo considerazioni del genere, la possibilità diventa realtà. Per ogni Giovanna d’Arco c’è un Hitler appollaiato dall’altra estremità dell’altalena. La vecchia storia del bene e del male. Ma nessuno di quegli autisti ci buttò mai di sotto. Pensavano soltanto alle rate della macchina, alla partita di baseball, al taglio dei capelli, alle ferie, ai clisteri, alle domeniche in famiglia. In quel branco di merdosi non c’era nemmeno un vero uomo. Arrivavo sempre al lavoro con la nausea ma sano e salvo. Il che dimostra che Schumann era più relativo di Shostakovich…

Charles Bukowski – Factotum

da qui

Il Carnaval al teatro greco di Taormina suonato da Ashkenazy, di sera, anzi di notte, con l’Etna sullo sfondo, con te al mio al fianco e tutta la vita che ci aspetta, la gioia che ti prende e non sai da dove viene, e vorresti gridarla, parlarne con quelli delle file avanti e dietro, gridare che quella musica è vicina, molto vicina al paradiso e che tutto è troppo bello per finire, che deve continuare, le dita sui tasti, l’Etna sullo sfondo, la gente che sogna, la vita che scopre per la prima volta di esserci davvero, l’applauso che scroscia appena lui si arresta e stacca le mani dallo Steinway.

Alicia de Larrocha / Fuente: www.abc.es

El viernes 25 de septiembre falleció, en el Hospital Quirón de Barcelona, la pianista española Alicia de Larrocha. Nacida en aquella misma ciudad, el 23 de mayo de 1923, inició su instrucción musical a la edad de cinco años en la academia de Frank Marshall, lo que automáticamente la emparentó a la tradición de Enrique Granados, pues Marshall fue discípulo del compositor español.

Poco tiempo después fue descubierta por Joaquín Turina que la hizo debutar en el marco de la Exposición Internacional de Barcelona en 1929. Se dice que era tan pequeña que fue necesario agregar calzas a los pedales para que pudiera utilizarlos. Su debut con una gran orquesta se llevó acabo en 1934 con la Sinfónica de Madrid.

Amiga de Victoria de los Ángeles, años más tarde ambas contribuirían a difundir en el mundo la canción española producto del genio de compositores como De Falla, Turina, Mompou y Montsalvatge. En 1940 De Larrocha comenzó a dar conciertos por España. Su debut internacional se produjo en 1947 con una gira europea, aunque su reconocimiento internacional llegó en 1954 cuando realizó una serie de presentaciones por los Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Los Angeles y Alfred Wallenstein.

Además de difundir el repertorio español, es recordada por sus interpretaciones de Mozart, Beethoven, Schumann, Rachmaninov, Ravel, Debussy y Fauré. Quizá la obra por la que será más recordada es por su ejecución de la Suite Iberia de Albéniz. Su estilo fue descrito como una mezcla de virtuosismo y gracia, a pesar de que sus manos parecían demasiado pequeñas para interpretar el gran repertorio. Al cumplir 80 años de edad, De Larrocha realizó una gira de despedida. Su salud comenzó a deteriorarse hace un par de años después de sufrir fractura de cadera.

Entre los reconocimientos obtenidos a lo largo de su trayectoria se encuentra 4 premios Grammy, el Príncipe de Asturias recibido en 1994 y la Orden de las Artes y las Letras de Francia.

Redacción Clásica México

Bajo la batuta de su director titular, Alun Francis, la Orquesta Filarmónica de la UNAM continúa con su Tercera temporada 2009 con un programa que estará integrado por Obertura Manfredo de Schumann, el Concierto para piano no. 2 de Prokofiev (interpretado por Alexander Gavrylyuk) y la Sinfonía no. 9, La grande de Schubert. Las presentaciones tendrán lugar el sábado 10 de octubre a las 20:00 horas y el domingo 11 a las 12:00 horas, en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).

Tenemos boletos. Visiten Clásica México.

Izabela Concert in BoSamba on Wednesday 2009 September 30

For the 3rd time we received Izabela Jaworower in BoSamba to offer a new live classical event in BoSamba. And as always it was a great time.

It’s a stress moment to prepare all when she performs, she wants it perfect and we can only follow her in that wish. Except a big lag which made Young to not let the pictures slideshows on stage, all began right and Izabela performance was great.

We have to thanks her to have perform specially for us, the Beethoven Sonata for Piano & violin Opus 24 in F Major well-known as Spring sonata. She had saw we had already present this sonata in our Tuesday’ Beethoven Discovering event. So she’s thanks again here.

She had performed this program that she called:  Farewell to Summer concert

• 1) R.Schumann…Traumerei ( Day dream)
• 2) J. Raff ……………… Cavatina
• 3) G. Bacewicz…………Polish Caprice & Oberek ( Mazurka)
• 4) L van Beethoven…..”Spring” Sonata in F Major ( 4 mvts)
• 5) A. Vivaldi……………..”Summer ” from THE FOUR SEASONS

Izabela is one of our favorite performers in SL. She arrive to touch the audiance in a sweet feeling and we could thanks her to give to us in SL this kind of great time.

Our land which was born as a beach Bossa and latino dance/concert  place doesn’t l

ook like a Classical Music concert place, but since we had try some, all went right and often we receive thanks about it so we keep it that way. And by the way, why a classical music can’t be performed near a beach?

So we are hurry to offer you another Izabela concert 2 weeks later.

Enjoy

P.S. in RL you can visit Izabela website here or there.