Popular movies kind of suck. Here’s an excerpt from something I wrote about why.

There are cardboard cutouts of the stars of The Twilight Saga: New Moon for purchase at Nordstrom next to a makeup line inspired by the teen flick. Burger King is selling “exclusive eco-friendly” Twilight water bottles—somehow linking vampires, hamburgers, and hydration.The book series turned movie series is an explosive franchise, and marketing opportunities relentlessly nag at every possible outlet.

There is no doubt modern cinema has proliferated every aspect of our lives, yet film quality has no continuity with this hype. The industry maintains a steady output of films executed devoid of craft; tiring clichés that may as well be remakes, and movies that make no attempt to challenge their audience.

Films have always been a source of profit, and their production has never been without an intricate web of promotion and publicity. That said, there has always been something that countered the profit aspect, like the use of striking aesthetics in 40s and 50s film noir, or the 60s French new wave cinema’s experimental editing. This balance is not even an option today for most filmmakers funded by major studios. The stark contrast between the radical developments in film as a visual and communicative art, and its stagnation beginning in the 80s is apparent on any main street marquis.

Contemporary culture has become increasingly bombarded with images, and the industry’s response has been the hyper-exposure and cross marketing of films, as is the case with the unavoidable Twilight Saga. The film industry pushes supplemental soundtracks, video games, toys, books, clothing, fast food, limited edition box sets, and hopes for the option of innumerable sequels.  Twilight’s flood of the media proves it is an extremely profitable success, but its caliber in the grand scheme of cinema is staggeringly low. It’s not beautiful, smart, clever, or thought-provoking.

Worse yet, as movie marketing has becoming an increasingly complex monster, popular film rarely says anything new, or strays from a predictable hegemonic formula. In the much-quoted words of French New Wave director Jean-Luc Godard, “all you need to make a movie is a girl and a gun.”

It’s a sad and true statement describing Hollywood. Taboo topics are kept under the labels “independent” or “art house,” marketed for a smaller audience, and primarily paid for by funding outside the studio. Most everything on a main street marquis avoids what Hoberman describes as the damning “stigma of the “difficult”—which ranges from the absence of stars to the presence of subtitles.”

The industry assumes an audience has low artistic expectations, and strives to make films chalk full of familiarity. “Scripts [are] a kind of organized cliché. Genre rules” says Hoberman. The Twilight Saga melds high school lust and heartbreak with vampires and werewolves. It’s soft-core Anne Rice meets a new, less iconic Brat Pack.

It’s not hopeless yet. There are quality movies being made in today’s media-warped, unoriginal film industry. Finding them just might require some serious digging through heaps cinema garbage and of limited edition Twilight memorabilia.

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powie

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Kiedy po powrocie z podróży przeglądam swoje zdjęcia, zawsze odczuwam pewien niedosyt – te sfotografowane miejsca wydawały mi się o wiele piękniejsze w rzeczywistości, niż to, co widzę teraz na papierze, czy też na ekranie monitora.
Fotografia nigdy nie odda naturalnego splendoru ziemi: przestrzeń się kurczy, aura ulatuje, kolory przekłamują… Genius loci (również ten przyrodniczy) jest jednak najczęściej dla fotografa nieuchwytnym widmem.
Mimo to fotografia ma swoją autonomię – bywa wyodrebnionym, samoistnym dziełem sztuki i jako taka może być podziwiana w oderwaniu od miejsca, które przedstawia. Jednakże dzieje się tak stosunkowo rzadko. Dlatego Ansel Adams do dzisiaj pozostaje niedoścignionym wzorem.

Moje zdjęcia posiadają bardziej walor dokumentalny niż kreatywny. Zachwycony jakimś zakątkiem staram się ująć go w ramki i utrwalić, by móc później wracać do niego, przywołując wrażenie chwili. Ostatecznie sprowadza się to do czegoś w rodzaju kolekcjonowania obrazków z podróży.

A jednak odczuwam wielką radość kiedy później przenoszę je na papier i na moich oczach się one materializują. Mimo wszystko mam wrażenie, iż coś zdołałem zatrzymać w czasie i … w przestrzeni.
Jakiś element piękna stał się moją własnością.

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To, że wybieramy, ustawiamy i komponujemy kadr jest już pewną ingerencją w świat, który chcemy ukazać.
Ale czy jest inna droga?
Tak czy owak przedstawiany świat – czy to za pomocą słowa, czy obrazu – musi zostać przefiltrowany przez naszą osobowość, naszą wrażliwość, zdolność do obserwacji; liczy się nasze poczucie estetyki, preferencje, intencje, szczerość, uczciwość, refleks, intuicja, entuzjazm, ciekawość, dociekliwość…
Nie jest to więc zwykły wojeryzm, który zakłada jedynie jakąś podejrzaną chęć podpatrzenia rzeczywistości i wykorzystania tego dla naszych – bardziej lub mniej uświadomionych – wewnętrznych potrzeb, bez projekcji tego na zewnątrz.
Fotografia prawdziwa chce się narzucić światu, będąc jednocześnie czymś kreatywnym, choćby w samym fakcie wybiórczości i selekcji utrwalanych obrazów.

Mimo tego należy pamiętać, że kiedy oglądamy fotograficzne albumy, to widzimy przefiltrowane przez obiektyw obrazy, będące jedynie śladową rejestracją rzeczywistości, której całościowe ogarnięcie jest niemożliwe.
Przedstawiają one zaledwie maleńki jej wycinek (w pewnym sensie wykreowany jednak przez fotografa).

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Fotografowanie jest zwodnicze poprzez swoją pozorną łatwość, spotęgowaną ostatnio szeroką popularyzacją fotografii cyfrowej.
Wydaje się, że nie ma nic prostszego, jak skierowanie obiektywu aparatu na jakiś obiekt i naciśnięcie guzika zwalniającego przesłonę.
Jest to jednak zaproszenie do automatyzmu – rejestracja dość przypadkowych kadrów zwalniająca nas od wszelkiej refleksji.
A przecież pożądane byłoby to, aby każde ujęcie (i każdy obraz) było czymś w rodzaju małego święta, celebracją wybranego fragmentu świata – zarówno tego co nas otacza, jak i tego, który jest w nas samych

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Susan Sontag pisze: “Na świecie panuje osobliwy heroizm od chwili wynalezienia aparatu fotograficznego: heroizm widzenia. Fotografia otworzyła nową, swobodną dziedzinę – pozwalając wszystkim na wykazanie się niepowtarzalną, żarłoczną wrażliwością.”

Moim zdaniem, wynalezienie aparatu fotograficznego wcale nie przyczyniło się do wyzwolenia “heroizmu” widzenia . Wręcz przeciwnie: strywializowało go, zmasowało, zbanalizowało…

To nieprawda, że wszyscy wykazują się “niepowtarzalną, żarłoczną wrażliwością”. Wydaje mi się, że jednak większość ludzi – zwłaszcza po wynalezieniu aparatów cyfrowych – trzaska “foty” bez większej wrażliwości, bez śladu jakiegokolwiek artystycznego zamysłu czy koncepcji.
Zwykle wystarcza im poczucie pewnej dokumentalizacji widzianego świata, a zwłaszcza swojej w nim obecności. (Czyżby to jakaś namiastka spełniającego się w ten sposób pragnienia nieśmiertelności?)

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Zawsze odbiór dzieła sztuki (również fotografii) jest w pewnym sensie wyrazem postawy konsumpcyjnej, która jednakże kończy się w momencie, kiedy zaczyna się jego bezinteresowna kontemplacja.

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Zdjęcia prawdziwego artysty fotografika są niczym innym jak obrazami jego wnętrza, wrażliwości – odbiciem jego stosunku do świata, przedmiotów, siebie samego i innych ludzi.

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Moim zdaniem, zbyt wiele mówiło się zawsze (naturalnie od czasu wynalezienia fotografii) o związkach (zwykle podobieństwach) między malarstwem a fotografią. A przecież dość szybko się okazało, że są to tak odmienne dziedziny sztuki, że jakakolwiek komparatystyka siłą rzeczy zaczynała przypominać litanię różnic.
Malarstwo bardziej przypomina stwarzanie świata ex nihilo, fotografia zaś – jego konstruowanie za pomocą zastanych elementów.
Dlatego też, właściwie od samego początku współ-za-istnienia, malarstwo i fotografia podążyły w zupełnie innych kierunkach.

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Fotografia, podobnie jak cała sztuka, kłamie odsłaniając prawdę.
I ukazuje prawdę aby kłamać.
Dlatego zawsze wymaga naszej uwagi.
Najlepszym sposobem odbioru fotografii jest więc poddanie sie tej swoistej grze, jaka toczy się między widzem a obrazem, a kóra polega właśnie na tasowaniu znaczonych i nieznaczonych kart – na przenikaniu się iluzji i realności.
Nie powinno to jednak mieć cokolwiek wspólnego z udawaniem… może tylko z przyjęciem pewnej konwencji.

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Zdjęcia nie są głośne, zdjęcia są ciche… nie tylko dlatego, że nie posługują się słowami (lecz z drugiej strony – nie są jednak nieme).

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Dobrze jest mieć konkretny i umotywowany powód, kiedy decydujemy się wyrzucić z fotografii kolory.

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Fotografii czarno-białej lepiej wychodzi dystynkcja, barwnej – pewne plebejskie rozpasanie kolorowej rzeczywistości.
To jednak wcale nie oznacza, że każda fotografia czarno-biała jest już arytokratką, zaś barwna… jakimś wizualnym ludyzmem, w kórym trudno o szlachetność.

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Niekiedy zwykłe ujęcie w ramy czyni coś pięknym, gdyż w jakimś stopniu porządkuje otaczającą nas rzeczywistość, wyróżniając przy tym pewien jej fragment.
To taka nasza mała (a czasem nawet i wielka) tej rzeczywistości nobilitacja.

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Lista de las personas que debe ser un buen escritor, según Susan Sontag, y una corta reflexión sobre lo que pasa cuándo sólo se es una.

Manuel Domínguez, un nuevo amigo panameño me prestó una muy buena revista. Se llama Granta. Transcribo, por ahora, esta entrada del diario de Susan Sontag que apareció publicado ahí. Es un diario que le da esperanza a todos los que hemos fracasado en los diarios. Cada entrada está bastante separada una de la otra (la primera es del 58 y la última del 67), la mayoría son cortas, incoherentes, y descuidadas en su estilo y puntuación; el tipo de escritura que si uno no es famoso termina en la basura de algún nieto.

Va la recete de Sontag para el escritor:

3/12/61

Advertir las “zonas muertas” del sentimiento: hablar sin sentir nada. (Eso es muy distinto a mi antigua repugnancia de hablar sin saber nada.)
El escritor debe ser cuatro personas:
1) el loco, el obsédé.
2) el tarado
3) el estilista
4) el crítico
1) suministra el material
2) permite que se exponga
3) es gusto
4) es inteligiencia
Un gran escritor es las cuatro, pero puedes ser aún una buena escritoria con 1) y 2) solamente; son muy importantes.

(Granta en español no. 7)

Me la lista de Sontag gustó la mención de 2, “el tarado”, el que permite que el escritor se exponga. Intenté buscar como lo escribió originalmente Sontag en inglés pero en internet no está el original (si alguién lo tiene, se lo recomiendo). En fin, el asunto es que me hizo pensar que lo que le han dado los nuevos medios a todo el mundo el segundo ítem de la lista de Sontag. Somos todos tarados con vías rápidas para exponernos.

La revolución tecnológica se queda ahí, claro. No hay software ni hardware (aún) para transmitir el don del obsédé, ni la finura del estilista o la inteligencia del crítico. De hecho,  lo que logra la tecnología es mostrar lo mucho que le hace falta a un escritor tener al menos dos items de la lista. La exhibición constante de nimiedades, redundanicias, clichés y cursilerías que inundan facebook, twitter y los blogs son como el baile incesante de los tarados sin pudor. Van unos ejemplos (sin identificar a sus autores):

Tweet: Gústele a uno o no U2, esa cosa está impresionante. Reafirmo mi capacidad de asombro, como la de una tía frente a un Wii.

Facebook status: con ganas de cocinar algo rico para el almuerzo…

Facebook status: Que mal fin de semana para tener que salir de MX: @workshopcampmx y la foto colectiva #tqv hoy #farfromhomepanda

Tweet:Me duele el estomágo. AGH.

Yo no soy muy fanático de usar la escritura que expongo para este tipo de comunicación. Pero eso es cuestión de gustos. Mi punto va más bien a recalcar que por más flexibles que se conviertan los medios de difusión (los escenarios para hacer el oso, la tarima del tarado, o como se le quiera decir) el escritor sigue siendo una figura rígida. Una figura que aún hoy, y seguramente para siempre, va a seguir siendo esquiva a para la mayoría de personas, quienes seguiran siendo sus espectadores. No creo el stream ubicuo de los únicamente tarados vaya a remplazar a los buenos libros y o distraer irremediablemente de los buenos escritores.

Sarah, David, and I are translating Julio Cortazar’s short story “Los Posatigres” for The Travelers Notebook.

Funny… we’re all gringos; our spouses all speak Spanish as a first language.

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I was flipping through Sontag’s At the Same Time earlier tonight for another project when I happened upon her speech about literary translation, “The World as India.”

I’d like to like Sontag more than I do, but to be honest, I find much of her writing to be terribly disorganized and some of her statements (“It isn’t what a writer says that matters”) to be provocative for the sake of being provocative. (Does she honestly believe that?).

Anyhow, I’m reflecting on some passages I underlined in this essay a couple years ago:

“[T]ranslating [is] a valuable cognitive–and ethical–workout.”

“[The] activity of translating [is] the vehicle of such values as integrity, responsibility, fidelity, boldness, humility.”

“How far is the translator empowered to adapt–that is, re-create–the text in the language into which the work is being translated?…. How ‘free’ can a responsible translation be?”

the irony (or appropriateness?) of being so sick while trying to get through all these works on illness is not lost on me. also, how to write about illness without joining the “cult” that romanticizes it?

p.s. under the iron bridge we kissed, and although i ended up with sore lips, it just wasn’t like the old days anymore, no it wasn’t like those days am i still ill?

Interpretation is the revenge of the intellect upon art. Even more. It is the revenge of the intellect upon the world. To interpret is to impoverish, to deplete the world—in order to set up a shadow world of “meanings.”

Out 5-Nov

Some of my blogging on here – and on my sister site Running the Berlin Wall – about Berlin has been selected by the very nice people at Oxygen Books for their new City-lit series city-specific anthologies.

The format is to take a selection of writings about a city from some of the big literary guns, like Hemingway or Stein for Paris, mix it up with more contemporary writers and then give it some edge with some contributions from the blogosphere.

In the Berlin book, my entries will rub shoulders with excerpts from the likes of award-winning war reporter – and short-suffering wife to Hemingway – Martha Gellhorn and David Bowie. Another contributor is Anna Pfunder, writer of the excellent Stasiland.

In my own humble view, to be included alongside the works of such talented people is both an honour and an inspiration. And my own situation perfectly exemplifies the value of writing what you know (cliched but true); but also of writing about what excites and motivates you. Because that passion will come through in your prose.

To paraphrase Sontag, I wonder if this qualifies me for membership of (the very lowest echelons of) the Republic of Letters?

I envy paranoids; they actually feel people are paying attention to them.

Il Colonnello Gheddafi si è presentato, ormai tutti lo sanno, con una fotografia appuntata alla giacca. Nella foto il ritratto di un eroe libico, anti-italiano, una sorta di liberatore, Omar al-Mukhtar, chiamato “il Leone del Deserto”, come il film che è stato mandato in onda giorni fa per la prima volta in Italia, dopo una censura di Andreotti.

Viene da pensare che la realizzazione di un film proprio su questo personaggio al Colonnello non basti, come non bastino i libri e le testimonianze a proposito. No. Ha bisogno di appuntarsi un’immagine al bavero della giacca. La prepotenza dell’immagine, dell’icona che arriva a tutti, nonostante, inizialmente, parli di una storia che in Italia non si conosce. Appare un po’ ridicolo, è indubbio, ma quello che interessa è la nonchalance con la quale il Leader libico utilizza una fotografia.

Orma della realtà, simulacro del reale, la fotografia riesce dove le parole vengono a mancare.

E il Leader di uno stato, che dovrebbe far uso della parola e della politica, preferisce, senza mezzi termini, abdicare alla parola per lasciare spazio alle immagini. Forse è questo il punto da cui scaturisce il senso del ridicolo, in questa sinestesia intorno alla propria figura, che cela, in realtà, una aggressione silenziosa. L’immagine ha, nella sua stessa essenza, un qualcosa di aggressivo, e ben ne ha definiti i termini la Sontag nel suo trattato “Sulla fotografia”, che vi invito a leggere, se ancora non l’avete fatto. Il contenuto mitico dell’immagine (l’eroe partigiano) viene a rafforzare il contenitore già mito di per se stesso, il Colonnello Gheddafi. Vi è dunque un rafforzamento della propria immagine attraverso l’utilizzo di un’altra immagine.

Ma c’è anche un’altra storia dietro la visita del  Leader libico, ed è la ricerca del rafforzamento dell’immagine del Cavalier Berlusconi, guarda caso sotto attacco internazionale per le sue continue gaffe e attacchi alle istituzioni. Lega il fatto che un dittatore conclamato come Gheddafi sia ricevuto da Silvio Berlusconi che di fatto, vista la legge contro le intercettazioni e la stampa,  si sta avviando verso un uguale modo di fare dittatoriale? Ed è possibile che il presidente Berlusconi, che i suoi fedeli definiscono “gran comunicatore”, non si renda conto della pessima figura che ha fatto a livello internazionale ricevendo come suo pari un dittatore?

Comunque, di mia pertinenza le riflessioni sulla fotografia, esibita e simbolica. Simbolo infatti della resistenza al colonialismo, la fotografia di Omar al-Mukhtar appartiene al simbolo o all’icona? Secondo la tassonomia dei segni di Peirce i simboli (per esempio, le parole) funzionano a livello convenzionale di rapporto arbitrario tra significato e referente, mentre le icone (i quadri) hanno una similitudine sommaria. Ma in quanto Fotografia, dovrebbe essere considerata come Indice, secondo la classificazione della Krauss. Ma nell’attualità è forse meglio pescare nella teoria di Zizek, per il quale il simbolo coincide con l’immagine, come il simbolico diviene immaginario.  Quando l’efficacia simbolica viene sospesa, l’immaginario precipita nel reale: quando le parole vengono meno, si comunica attraverso le fotografie (per loro stessa essenza, immagini del reale). Ecco, in sostanza, il potere dell’immagine esibita dal Colonnello, che però non si rende conto del fatto che utilizza un simbolo del reale che è finzionale, in quanto ammantato dalla carica mitica del simbolo, che quindi ibrida il messaggio e nessuno più lo coglie, nonostante la sua iniziale forza.  Ed è per questo, alla fine, che la figura del mito del Colonnello Gheddafi finisce nel kitsch e nel ridicolo, senza lasciare che una debole traccia del significato originario del contenuto della fotografia esibita.

Cualquiera diría que hago este tipo de posts con tal de no dejar de escribir, y tendría razón.  Lo hago por eso pero a la vez porque soy un coleccionista de las frases celebres.  No puedo estar sin ellas.  Reflejan vidas y experiencias, sabiduría y conocimiento.  ¿Entonces,  porque no aprovecharlas?

En cuanto al Arte, el tema que hoy compartimos, bien decía Ruskin  ” Cada vez que las facultades humanas alcanzan su plenitud, necesariamente se expresan mediante el arte.“.

1. Todas las obras de arte deben empezar por el final. Edgar Allan Poe
2. El arte es el hombre añadido a la naturaleza. Vincent Van Gogh
3. El arte es hacer algo de la nada y venderlo. Frank Zappa
4. El arte nunca progresa, evoluciona. Raúl Soldi
5. El arte es sobre todo un estado del alma. Marc Chagall
6. El primer mérito de un cuadro es ser una fiesta para la vista. Eugene Delacroix
7. El arte es el placer de un espíritu que penetra en la naturaleza y descubre que también ésta tiene alma. Aguste Rodin
8. El arte debe ser gusto, diversión y alucinación. Naguib Mahfuz
9. El arte es seducción, no rapto. Susan Sontag

Ruskin, tenías razón.

I do not know what is in Plato that makes me want to train my body physically, listen to classical music, eat good food, read great works, engage in conversation, and perform all exercises imaginable about the care of the self. For American philosopher Allan Bloom, The Republic is the supreme book on education (see “The Student and the University” in The Closing of the American Mind). I consider it as a monumental guide to the ordering of one’s soul, or a benevolent spiritual companion—Virgil, Falstaff, or Sancho Panza. It tells you about the best things to learn and do in this life; you don’t have to agree, but it invigorates you just the same about the question of the good life.

The best way to encounter Plato is to take him personally, to read his work as someone with real and immediate concerns about life, not as a political scientist, literary critic, or philosopher. A piecemeal confrontation with The Republic will do nothing but magnify Socrates’ errors, aside from highlighting his greatest contribution in ethics, politics, metaphysics or methodology, and obscuring the more important virtues of the text. This is why the ordinary student generally dislikes Plato, and this dislike takes the form of academic contempt (for there are so few who read him voluntarily that most people are not qualified to like or dislike his works on personal terms). This contempt is made clear when a casual student in the humanities or social sciences cannot speak of Socrates without adding a modern critique. He or she then confuses this academic knowledge, culled from modern theories, as a personal response to the text. In reality, this kind of reader lacks a response. Susan Sontag said that our fixation on interpreting content has something to do with not knowing how to react toward a given piece.

Too much is being said about the book’s manifest virtues—its statement on the nature of justice and the ideal State, its position against mimesis and poetry, etc.—that the latent virtues, which are more important, since they implicitly speak about incorruptible friendships and immortal conversations, are left out. The Republic is a book about the self and the soul more than it is about the disciplines. We must prize it not for its conclusions, but for its eternal questions and brave attempts to define the good life. I have been reading The Republic since last year (given to me as a precious gift during my 20^th birthday), and today I have reached the last words of Book X. Jacques Derrida said that one never finishes reading Plato, admitting that, with so much respect and reverence, the scholar still feels like being on the threshold of understanding. Hence, it will be very hard to evade the influences of the book, and I promised myself to read it again and again.

Expect the Susan Sontag quote to be updated in this coming week.

This is an update of the Niels Bohr design which was one of the first posts which I’ve submitted on this blog.

I redesiged the layout and I think that the quote is much more better formatted. It actually seems to me like a shopping tag or something like that lol. I’ll try and develop that idea in the future if I get around to it.

So here is the main event~~~~>

+ remember that it’s supposed to play on the idea of Multiple Personalities. I hope that the idea of that has an inkling in this design. Let me know whatcha think~!

Two ways metaphor can be of use during times of ill-health.

Own the metaphor/metaphor as social force.

Sontag wrote about how the dominant cultural ideology imposes meaning onto disease, transforming it – and the patient – into a cultural object. But it’s also more than possible for the patient to be the creative subject, actively deploying metaphor as a weapon or tool in his/her own self-definition of health and its absence. One step beyond that: when politics intersects with individual trouble, c.f. here C Wright Mills and how individual  troubles turn into public issues, metaphor can be a social force, too.

Manage the ultimate life paradox through creative metaphor.

Sontag and Cousins were so right in approaching ill-health and disease with as wide ranging and clearheaded insight as possible, even if that means looking foolish or departing from convention (or conventional authority, bound up in the drama of the white coat). But even the most benign of health troubles carries with it another layer of meaning, a confrontation with which I think is ultimately unavoidable: that being the fact of our own mortality. And that seems to me to inhabit a land that can best be given shape and contour through metaphor, rather than its absence.

O artigo a seguir, é um trecho do meu Trabalho de Conclusão de Curso e achei pertinente postar pela sua relevância abrangente, mas ao mesmo tempo, explicativa.

Primeiro deixar claro que cada um tem seu jeito de fazer uma fotografia. Pode fazer o teste: Peça para diferentes pessoas fotografarem o mesmo assunto. Com certeza você verá resultados até parecidos, mas nunca iguais.

Segundo Souza (2004, p. 35) Fotografia significa “escrever (grafia) com a luz (foto)”, oras, até ao escrevermos, temos nossa própria “impressão digital”, a grafia de cada pessoa é diferente uma da outra.

A Fotografia, segundo Kossoy (1989), é composta de três elementos: o assunto, que é o objeto registrado; a tecnologia, que viabiliza a produção da foto; e o fotógrafo, que motivado por suas experiências, vontades, sejam elas de ordem pessoal ou profissional, elabora um complexo processo de configuração fotográfica por meio da união dos processos culturais, estéticos e técnicos que ocorre em determinado espaço de tempo. “Toda e qualquer fotografia tem sua gênese num específico espaço e tempo, suas coordenadas de situação.” (KOSSOY,1999, p. 26). Este processo de criação constitui uma representação na qual é necessário interpretar seus elementos constitutivos.

Para Kossoy (1999), são elementos indissociavelmente incorporados na imagem fotográfica. São eles de ordem material e de ordem imaterial. Os de ordem material são os elementos de recursos técnicos, ópticos, químicos e eletrônicos, necessários para a concepção da fotografia. E os de ordem imaterial, como o próprio nome diz, são elementos mentais e culturais. Existe um grande esquema de articulação destes elementos na mente do fotojornalista, que irá constituir o processo de criação. Segundo Kossoy; (1999, p. 27), “o assunto, tal como se acha representado na imagem fotográfica, resulta de uma sucessão de escolhas; é fruto de um somatório de seleções de diferentes naturezas”. Essas diferentes naturezas como Kossoy (1999) expõe, podem ser equiparadas à experiências profissionais, valores culturais, estéticos, sociais. Estas escolhas não trabalham de forma independente, elas interagem entre si e constituirão a representação. A representação fotográfica se ergue em cima de dois alicerces que são a fragmentação e o congelamento, pois, na fotografia, temos a fragmentação, que é o recorte de um espaço, de um assunto e, posteriormente, o seu congelamento, que é a paralisação temporal do assunto, e isso ocorre no ato do registro da foto. O ato de fotografar é essencialmente um ato de não intervenção, pois, quem intervém nos acontecimentos e fatos, é incapaz de registrar e quem está registrando é incapaz de intervir. Apesar da máquina fotográfica ser um instrumento de observação, o fotógrafo também é cúmplice daquilo que está a fotografar como tema. (KOSSOY, 1999; SONTAG, 1983).

Kossoy (1999) ressalta que o processo de criação fotográfico não se encerra apenas no ato do clique do fotógrafo, pois a interpretação da fotografia ainda passará por um processo de reenquadramento, edição química ou digital nas editorias dos jornais. Porém, segundo Kossoy (1999, p. 30), fica evidente que a representação fotográfica ocorre em maior peso pelas mãos do fotógrafo: as possibilidades de o fotógrafo interferir na imagem e, portanto na configuração própria do assunto no contexto da realidade [...] dramatizando ou valorizando esteticamente os cenários, deformando a aparência de seres retratados, alterando o realismo físico da natureza e das coisas, omitindo ou introduzindo detalhes, o fotógrafo sempre manipulou seus temas de alguma forma.

Por isso, afirmo que a fotografia não (até que se prove o contrário) o espelho fiel da realidade, e sim uma representação dela. um conjunto de indícios (índices) de algo que em algum momento do tempo e do espaço deixou de existir. O olho humano, é como a lente da máquina, apenas faz a leitura passiva do que está adiante, entretanto, o cérebro (tal como o fotógrafo atrás da lente) é quem processa e interpreta a cena, dá sentido, e gera conclusões.

Então, quando sair para fotografar, procure pensar a fotografia, exercite a mente. Não faça como os manuais das máquinas dizem “aponte e atire”. Pois até no fotojornalismo, a fotografia tem seu viés de manipulação e também seu toque de arte.

KOSSOY, Boris. Realidades e Ficções na Trama Fotográfica. São Paulo: Ateliê Editorial,
1999.

SONTAG, Susan. Ensaios Sobre a Fotografia. 2. ed. Rio de Janeiro: Editora Arbor, 1983.

SOUSA, Jorge Pedro. Fotojornalismo Introdução à História às Técnica e a
Linguagem da Fotografia na Imprensa. Florianópolis: Letras Contemporâneas, 2004.