I popped over to the Old Town Hall in Fairfax to photograph Charles at a recital this morning. He was part of the Friday Morning Music Club concert series. All FMMC concerts are free and performed as a public service. The Old Town Hall is a lovely place to photograph with its hardwood floors and original old windows with beautiful natural light. I got a few more images to use in the feature layout of the upcoming January/February 2010 issue of Hearing Loss Magazine.

This morning’s FMMC hour-long program consisted of:

Berbiguier: Trio For Flutes, Op. 51, No. 1 (Mvmts. i-iii); Albéniz (arr. Bill Holcombe): Tango from España (performed by Yvonne Kocur, Lauren Sileo, and Holly Vesilind—flute trio). You can listen to Yvonne Kocur’s graduate flute recital at George Mason University here. Listen to Lauren Sileo in a recording with pianist Bryan Wagorn here.

Albéniz: Selected solos, Charles Mokotoff, guitar. You can hear snippets of Charles’ music on his website here.

Haydn: On Mighty Pens, from The Creation; Bach: Wir eilen mit schwachen, doch emsigen Schritten, from Cantata No. 78 (Nancy MacArthur Smith, soprano; Carolee Gans Pastorius, mezzo soprano (guest); Patricia Parker, piano)

Sondheim: One More Kiss; Porter: So in Love; Weill: What Good Would the Moon Be?; and Rossini: Una voce poco fa (Il Barbiere di Siviglia), Stacie Steinke, soprano. Steinke is the Artistic Director for Make-A-Scene Music and Entertainment.

© Cindy Dyer. All rights reserved.

Toyota Classic 2009 was performed by Prague Chamber Orchestra on 30th October 2009. The concert was organised by the Toyota Motor Asia Pacific and NBT Brunei. It was held at the International Convention Centre. The orchestra was joined by soprano Marie Fajtiva.

It was a pleasure to have assisted Jan Shim and Anthony at this event and I’m delighted to share these images.
Check out Jan’s work on his Facebook page.

Her Royal Highness Paduka Seri Pengiran Anak Isteri Pengiran Anak Sarah binti Pengiran Salleh Ab’ Rahaman as the guest of honour.

Prague Chamber Orchestra play to a full house at the International Convention Centre.

A performance of refined voice of Soprano Marie Fajtova.

Soprano Marie Fajtiva

Christmas Time video update is one of the most overrated updates you will ever see. Now that I have your attention, enjoy the update. Click the image for the video update. Click on listen to music on Daniel’s website.

Video Update

Requiem Knabenchor Hannover, Sonnabend, 31. Oktober 2009, Funkhaus Hannover des NDR – Ein Bericht von Sherab

Please, scroll down for an english version… !

Ich habe sehr gegrübelt, wie ich diesen Abend beschreiben soll. Beginnen wir doch einfach mit dem…

- Vorspiel.

Um 18 Uhr waren wir am Funkhaus Hannover des NDR am hannoverschen Maschsee. Im kleinen Sendesaal gab es eine Einführung in das Requiem durch den Komponisten Harald Weiss selber. Schnell war dieser Saal gefüllt. Auf der Bühne war ein Sofa, eine bekannte Moderatorin von NDR Kultur sprach mit dem Komponisten. Dieser erzählte sehr gut verständlich wie es zur Komposition dieses Requiems kam, dass er sich z.B. Schon seit Jahrzehnten mit dem Thema „Tod, und was kommt danach?“ beschäftigt. Einst in seiner Kindheit selbst ein Chorknabe, hat er sein Requiem dem Knabenchor Hannover gewidmet. Zum einen folgt er der Form des alten Requiems, also einer Totenmesse mit ihren lateinischen Texten, zum anderen suchte er weitere Texte aus der Literatur aus, z.B. „Mondnacht“ von Eichendorff, Texte von Hesse, Rilke, Tagore. Der Knabenchor hat ca. 1 Jahr lang dieses Werk eingeübt.

Teil 1 des Requiems: Schwarz vor Augen – dieser erste Teil des Requiems beinhaltet folgende Stücke:

Ein sehr schöner Beginn dieses Werks: ein Knabensopran zusammen mit Röhrenglocken (Tubular Bells). Ein Requiem ist ja eine Trauermusik. Von Trauer halten wir uns gerne fern, wollen so etwas nicht wahrhaben. Und dann Jungen eine Knabenchores mit so etwas „belasten“? Das sind Gedanken, die einem manchmal kommen. Aber es ist weder etwas Neues noch etwas Ungewöhnliches dass ein Knabenchor ein Requiem singt. Was an diesem Requiem anders ist: der Komponist beschränkt sich nicht auf mitteleuropäische Trauertradition, sondern hat in anderen Kulturbereichen geforscht, wie die Frage „Tod – und danach?“ dort gesehen wird.

So ist dieses Werk an keiner Stelle irgendwie bedrückend oder traurig. Gerade die literarischen „Einspielungen“ von Eichendorff, Hesse und Rilke wirken auflockernd, bringen etwas Schönes in die Thematik, rütteln auf, dass Tod kein Feind ist, sondern zum Leben dazu gehört. Wir sehen bei diesem Thema oft schwarz… „Schwarz vor Augen…“

Musikalisch ist dies ein modernes Requiem, aber jeder Komponist orientiert sich an anderen großen Komponisten vor ihm. Ich erlebte dieses Requiem und hörte Teile, die wie klassisches Musik klangen, dann erinnerten mich andere Teile an Carl Orff und weitere modernere Komponisten. Harald Weiss hat natürlich sein eigenes Werk geschaffen, verbeugt sich aber vor seinen Vorgängern in diesem Beruf des Musikers. Dieser erste Teil wird wieder mit dem Knabensopran abgeschlossen.

Teil 2 des Requiems: … und es ward Licht ! Dieser zweite Teil des Requiems beinhaltet folgende Stücke:

Auf den Tod soll man sich rechtzeitig vorbereiten. Das hat nichts mit Lebensmüdigkeit zu tun. Loslassen, sich nicht mit Unnötigem belasten, was man doch nicht mitnehmen kann auf dem Weg ins Licht. Das Düstere der europäischen Trauertraditionen verdunkelt trotz der orientalisch-christlichen Orientierung des Abendlandes immer noch unsere Auffassungen vom Tod und danach. Dem wird textlich ein Beitrag des weltberühmten bengalischen Dichters Rabindranath Tagore entgegengesetzt, der genug Weisheit besaß, über den Tellerrand einzelner Religionen hinauszublicken, die Wahrheit hinter kleinräumigen menschlichen Religionskonstrukten zu sehen.
Musikalisch ist dieser zweite Teil in der Mehrheit ruhiger als der erste, die Seelenaufruhr im Angesicht von Tod weicht einem Aufstieg ins Licht, dass der Mensch nur dann sieht, wenn er endlich seine Augen öffnet. Es waren in Weiss’ Werk wieder klassische Anklänge zu finden, einige „moderne“ atonale Anklänge, dann aber auch Passagen, die mich sehr an die Musik eines Leonard Bernstein erinnerten, in dessen wohl schönstem Werk, seiner Messe(„Mass“). Auch Bernstein als Weltbürger jüdischen Glaubens komponierte weit über die kleinlichen Grenzen unserer Welt hinaus.

Nach meinem Verständnis ist der Höhepunkt des zweiten Teils im o.a. Lux-aeterna-Block zu finden. Drei Texte werden hier zusammengeführt, Gedanken werden von verschiedenen Sängern gesungen und von Instrumenten unterstützt. Der Tod ist keine Horrorgestalt, kein Sensenmann, keine billige Halloween-Figur… NEIN! „Dein Bote ist es“ singt der Knabensopran. Eine Klangpassage aus wenigen Tönen, musikalisch noch einfacher als ein Kinderlied. Aber ungeheuer einprägsam. Diese kleine Tonfolge mit den Worten“Dein Bote ist es“ wurde bei mir zum Ohrwurm. Ein paar Male erwischte ich mich selber dabei, wie ich bei verschiedenen Tätigkeiten diesen Satz vor mich hin sang. Der letzteTeil des Requiems ist dann nur noch der Ausklang, nachdem die Zuhörer eine einfache Weisheit präsentiert bekamen.

So, es ist geschafft. Obwohl ich mir nicht sicher bin, ob alle Leser meinem Bericht über diese Uraufführung folgen können. Ich finde es sehr schwer, über ein solches Werk zu berichten, weil man „dabei“ gewesen sein muss um die Botschaft dieses Werkes zu erfahren. Ich zumindest kann nur Bruchstücke weitererzählen. Dieses Requiem ist nur ganzheitlich erfahrbar.

SCHWARZ VOR AUGEN UND ES WARD LICHT !

The english version:

It was not easy to write about this. Therefore my report appears here with a great delay.

Prelude. At 6 pm, we were in the broadcasting centre Hannover of the NDR near the Hanoverian lake Maschsee. In the small broadcasting hall there was an introduction to the requiem by the composer Harald Weiss. Quickly this hall filled. On the stage there was a sofa, a well-known presenter of the cultural station „NDR-Kultur“  spoke with the composer. He told in a very comprehensible way how he came about to start composing this requiem. Already for decades he was involved with the theme of „Death, and what comes afterwards?“. Once a choirboy himself, he dedicated his requiem to the Knabenchor Hannover. On the one hand, he follows the scheme of the old requiem with Latin texts, on the other hand he selected other texts from literature, e.g., “Mondnacht(=moonlit nigh)t” by Eichendorff, other texts by Hesse, Rilke, Tagore.

The boy’s choir had practised this requiem for approximately one year. Part 1 of the Requiem: Schwarz vor Augen( Black In Front Of Your Eyes) – this first part of the requiem contain the following pieces:

A very nice beginning of this work: a boy’s soprano together with tubular bells. A requiem is funeral music. We normally prefer to keep away from grief, do not want to admit the existence of such a thing. And then confront boys of a boy’s choir with something like that? These are thoughts which sometimes crossed my mind. But it is neither something new or otherwise unusual that a boy’s choir sings a requiem. What is different in this requiem: the composer does not limit himself to Central European funereal traditions, but has done research in other cultural areas, how the question of „death – and afterwards?“ is dealt with. Thus this work is not in any part depressing or sad. Especially the“ inserts“ of literature by Eichendorff, Hesse, Rilke and Tagore have the effect of bringing in some relaxation, introducing some beauty into the topic, rousing us that death is no enemy, but is part of life. We are often pessimistic about this subject… „Black before eyes…“…
Musically this is a modern requiem, but every composer orientates himself towards other great composers before him. With this requiem, I experienced  and heard parts which sounded like classical music, then other parts reminded me of Carl Orff and other more modern composers. Harald Weiss created, of course, his own work and bows to his predecessors in his occupation as a musician. This first part is concluded again with the boy’s soprano.

Part 2 of the Requiem: … and there was Light! This second part of the requiem contain the following pieces:

One should prepare for death in time. This has nothing to do with being tired of life. Letting go, not loading yourself with the unnecessary you cannot take along on the way into light. The gloom of  European funereal traditions, in spite of the Oriental-Christian orientation of the West, still darkens our views of death and afterwards. In opposition to that, a contribution of the world-famous bengal writer Rabindranath Tagore is put into this requiem, by a poet who certainly posessed enough wisdom to „look over the edge of the bowl“ of individual religions, seeing the truth behind small-scale human religious constructs. Musically this second half is quieter in  major parts than the first one, the turmoil of the soul in the face of death gives way to the ascension into light, which can only be seen when you finally open your eyes.
Reminiscence to classical music can be found again in Weiss’ Work, some “modern” atonal moments, also passages which reminded me very much of Leonard Bernstein’s music, in probably his most beautiful opus, his „Mass“. Being a member of the Jewish faith, at the same time a cosmopolite, Bernstein composed beyond the petty borders of our world.

According to my understanding the climax of this second part is to be found in the above mentioned „lux-aeterna-block“. Three texts are brought together here, some thoughts are sung by different singers and supported by instruments. Death is no horror figure, no Grim Reaper, no cheap Halloween figure… NO! „This is your messenger“ the boy soprano sings. A sound passage of a few tones/notes, musically even simpler than a child song. But tremendously impressive. It is this small tune with the words „This is your messenger“ which became a catchy tune for me. In the days afterwards, I caught myself several times singing just this simple tune with its message while being involved in different activities.

The last part of the requiem is only the conclusion, after the audience was presented with an easy wisdom. Well, done at last! Although I am not sure whether all readers can follow the thoughts of my review on this premiere. I find it very difficult to report about such an opus because one has to be present to experience the message of it. I can only pass on fragments. This requiem can be comprehended only in its entirety.

BLACK IN FRONT OF THE EYES…AND THERE WAS LIGHT!

I have to say „Thank you!“to Knabenchor Hannover and its director Professor Breiding, as well as the adult soloists and orchestra musicians for this miraculous performance! Last but not least, special thanks go to the composer Harald Weiss who created a great work. If I take this work as a benchmark, I line him up with great composers of modern and classical times. I am really looking forward to  experience the requiem once again by listening to the double CD which will appear next year.

(c) Sherab 2009

Tout d’abord, pour inaugurer ce blog et étayer un peu le débat, voici un clip de l’un des chantres contemporains de cette cosmopolitanie :

Jeune rappeur marseillais d’origines comoriennes, Soprano est un effet l’un des premiers à avoir utilisé ce nom en 2007 pour parler de marseille, ville cosmopolite par excellence.

La communauté comorienne représente environ 80.000 marseillais, soit la un peu moins d’un Marseillais sur 10, ou encore la plus forte concentration de Comoriens au monde (!).

Donc Marseille serait-elle cette cosmopolitanie ?

Las sopranos Yolanda Marín e Isabel Villanueva ofrecen sendos conciertos el martes día 10 y el miércoles día 11 en Valencia y Madrid dentro de los ciclos de jóvenes intérpretes que patrocina el Institut Valencià de la Música, según informó hoy la Generalitat.

Acompañada por el pianista Carlos Apellániz, Marín ofrecerá en el Colegio Mayor Rector Peset de Valencia una actuación compuesta por árias de óperas de Mozart, Donizetti y Puccini, así como por fragmentos de zarzuelas de Serrano, Turina y Torroba, entre otros.

Yolanda Marín finalizó sus estudios superiores de canto con la soprano Gloria Fabuel y posteriormente partició en cursos de perfeccionamiento impartidos por Ileana Cotrubas, Francisco Kraus, Dalton Baldwin, Ernesto Palacio, Raina Kabaivanska, Wolfram Rieger, Ana María Sánchez, Enedina Lloris y Monserrat Caballé.

Ha interpretado como solista en el repertorio sinfónico-camerístico El Mesías de Haendel, la Cantata 147 y la Cantata del café de Bach, entre otras; en zarzuela debutó con La tabernera del puerto de Sorozábal en el papel de Marola, y en ópera lo hizo en los de primera dama de ‘La flauta mágica’, Despina de ‘Così fan tutte’, Blonde de ‘El Rapto en el Serrallo’, y Susanna de ‘Las bodas de Fígaro’, todas ellas de Mozart, y Clorinda de ‘La cenerentola’ de Rossini.

Además, colabora como solista con Capella de Ministrers y el Ensemble Fontegara, ha sido ganadora de diversos  premios en varios concursos de canto tanto nacionales como internacionales y en noviembre de 2008 protagonizó el espectáculo Las mujeres de Puccini con Ana María Sánchez y Elisabete Matos en el Auditorio de Murcia y  el Teatro Castelar de Elda.

Recientemente ha debutado en el Teatro de la Zarzuela con la antología Una noche de zarzuela bajo la dirección escénica de Luis Olmos y musical de A. Diemecke y Cristóbal Soler, y en breve iniciará una gira con este espectáculo en el Teatro Campoamor de Oviedo.

ISABEL VILLANUEVA: MÚSICA FRANCESA Y ESPAÑOLA

Por su parte la soprano Isabel Villanueva interpretará, junto con el pianista Santiago Casero, en la Casa de Valencia en Madrid obras de Bizet y otros autores franceses, así como de los españoles Toldrá, Sorozábal y Barbieri.

La intérprete valenciana estudió canto y piano en el Conservatorio Profesional de Música de Valencia y realizó un curso de posgrado de canto en Conservatorio de Vila-Seca (Tarragona). Actualmente finaliza sus estudios de Pedagogía del Canto en el Conservatorio Superior de Música de Valencia.

Además de asistir a clases magistrales de Montserrat Caballé y Carlos Chausson, ha realizado cursos de perfeccionamiento con Wolfrang Rieger, Miguel Zanetti, Francesca Roig, Nancy Argenta, Mark Padmore, Ana Luisa Chova, Enriqueta Tarrés, Mary Beth Bunch y Robert Expert.

La cantante ha dado numerosos recitales en España, Francia y Alemania cantando un amplio repertorio que comprende ópera y zarzuela, oratorio y canción de concierto.

Si può uscire dalla crisi se si è perso tutto? Spogliarsi come nella pellicola sui disoccupati di Sheffield non basta più. Ci vuole il servizio completo. Un’altra storia intorno alla famiglia Usa, aggrappata a un filo, molto particolare.

C’era una volta Full Monty, il film rivelazione di Peter Cattaneso, anno 1997, nato come produzione a basso costo, premiato da 4 nomination e un Oscar, ma soprattutto diventato un fenomeno di costume. Raccontava la storia di sei disoccupati inglesi, che nella triste Sheffield, cercavano di uscire dalla crisi più nera. Per far fronte a problemi economici e alla sensazione d’inutilità e frustrazione, tentavano un po’ goffamente l’impresa di allestire uno spettacolo di spogliarello maschile. Chi non ricorda i sei proletari folgorati dallo streap tease, che improvvisano in fila per il sussidio un provino sulle note di Hot Stuff di Donna Summer?

Hung, la serie tv che va in onda stasera su SkyUno è il nuovo Full Monty, ma stavolta si è soli, e non basta spogliarsi. Per affrontare la crisi in età adulta ci vuole il “servizio completo”.

Protagonista di Hung è un uomo maturo, divorziato, in rotta con il lavoro e con sé stesso. Per la precisione, Ray Dracker (interpretato da Thomas Jane) è un’ex-promessa del basket abbandonato dalla moglie, senza una casa, che ha perso l’affidamento dei figli, ed è insoddisfatto del proprio lavoro che consiste nel fare sottopagato l’allenatore di una squadra di college a Detroit. Un disperato quindi, ma Ray è anche bello e superdotato, appunto hung, parola col doppio significato di appeso, come Ray rispetto alla sua vita.

Il sottotitolo recita «It’s hard to make an indecent living»: è difficile condurre una vita indecente. E infatti la vita di Ray è un bollettino di guerra. C’è poco da ridere se si pensa a un insegnante di ginnastica in bancarotta che si dà alla prostituzione, ma ci si prova. Ray finisce nel più classico dei corsi motivazionali che promettono il successo e l’affermazione professionale in tempi rapidi, «Tira fuori l’imprenditore che c’è in te» recita il panel. Una suggestione che si rivela efficace, anche grazie a una sua ex Tanya (Jane Adams), incontrata allo stesso seminario. E proprio Tanya che gli aveva rimproverato di avere più cm che neuroni, sarà la sua manager.
Anche nelle note stampa, la svolta viene descritta con un linguaggio che ricorda lo storytelling aggressivo e deciso dei manager che leggono Sun Tzu: «Ray resolves to take advantage of his greatest asset, in hopes of changing his fortunes in a big way».

Hung viene prodotto dalla Hbo, che già con Six feet under e i Soprano ha affrontato la crisi della famiglia americana e dei suoi pilastri. Hung sembra il rovescio della libertà di Sex and the city e chissà se ripeterà lo stesso epocale successo. Per ora la serie in Usa è andata molto bene. «Una serie tv con le palle» ha scritto Mattia Nicoletti sul sito Moob, uno degli osservatori più interessanti sulle serie tv: «la storia di un uomo al limite costretto a compiere gesti che non avrebbe mai compiuto per rimanere a galla e attaccato anche se per un filo alla famiglia». Una storia di sopravvivenza e di cambiamento «nell’Obama post Madoff», quando i talenti tradizionali non funzionano più.

- ¿Qué diferencia esta lectura de Las Bodas de Fígaro de otras versiones sobre la ópera de Mozart?

- Básicamente, es una producción hiperrealista en la que la gente ve exactamente lo que transcurre en el libreto. Normalmente Las Bodas de Fígaro se hacen muy alemanas o muy austriacas. Nosotros queríamos que la acción transcurriera en un palacio en Sevilla, que todo tuviera olor a jazmín, hasta el punto de que en el último acto lo hemos puesto en el aire acondicionado. Está inspirada en Goya y es una producción que, dentro del hiperrealismo, la luz y el calor de Sevilla cobran fuerza.

- ¿Hay alguna variación importante en las escenas?

- Hemos hecho el primer y segundo acto seguidos, y en ambos es muy importante la iluminación y el ambiente de Sevilla. Es como un hiperrealismo poético. Es una producción muy limpia y ágil cuya base es un sueño de jardín. Desde el inicio hay un tul muy barroco como telón y, a través de este tul, se ve toda la escena. Este tul se mantiene en todas las introducciones. Es un elemento muy barroco.

-¿Cree que Las Bodas de Fígaro peca de ser una producción sobrecargada en exceso?

- Las bodas de Fígaro es muy típico de la época porque España era exótica en el XVIII. Yo la he visto en varias producciones y es una producción que cuando se hace muy alemana creo que no funciona y no se entiende. Realmente creo que la ópera puede estar más cerca de una zarzuela que a esa cosa abstracta que hacen muchas veces y que le quieren dar la vuelta. Y yo creo que la lectura que tiene este Bodas de Emilio Sagi es que es fácil, que entiendes la historia de los personajes.

- ¿El libretista Lorenzo da Ponte pensaba en esto cuando hizo la versión de la obra de Beaumarchais ?

- Sí, porque si lees la traducción simultánea y las escenas te das cuenta de que todo coincide. Lo que pasa es que el realismo y el hiperrealismo es algo a lo que mucha gente le tiene miedo. Y uno piensa en el hiperrealismo y piensa en lo cursi. Pero el hiperrealismo es que tú, como espectador, reconozcas que hay un palacio, una habitación o un jardín. Cuando empecé con esta producción una de las cosas que quería hacer era resolver el jardín. Por eso, empecé el proyecto de atrás para adelante y el jardín que yo he hecho es un patio andaluz que está lleno de naranjos, jazmines, tiestos, fuentes con agua, etc.

-Cobran, entonces, mucha importancia los sentidos.

- Yo creo que la lectura es llegar precisamente a los sentidos: la vista, el olfato, la sensualidad, etc. Está llena de erotismo, pero dentro de una imagen realista, como si vieras un cuadro de Goya. Tú ves que hay de verdad ese contacto entre el conde, la condesa y querubino, y que es verdad. Intentamos llegar a la verdad, que sea lo más real. En la escena del tercer acto en la fiesta de la boda todos bailan el fandango de verdad. Tampoco es folclórica, pero transcurre en la España de Sevilla. La luz entra por la ventana y gira sobre el patio que, a su vez, tiene dos grandes puertas que dan al jardín.

- Uno de los principales problemas en esta ópera son los recitativos que, normalmente, no están bien resueltos.

- En una ópera no puede haber una diferencia entre lo cantado y lo hablado. Y en esta producción los recitativos están muy bien actuados y eso hace para que veas una línea de continuidad. Habitualmente, en estas producciones alemanas, el recitativo es como si no formara parte de la ópera, y aquí he cortado todo lo innecesario.

- ¿Se puede establecer alguna comparación con su anterior trabajo El barberillo de Lavapiés también para el teatro Pérez Galdós?

- Sólo que las dos son blancas. Este montaje es una coproducción entre el Teatro Real, el Teatro Pérez Galdós y la colaboración de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera. Es una de las producciones de las que yo he estado más orgulloso, de las que mejor ha sido el resultado.

- ¿Cómo ha sido su trabajo con Emilio Sagi?

- Emilio Sagi ha aglutinado todo y ha hecho una obra sin ningún tipo de prejuicios y por eso es divertida. Los escenógrafos tenemos un trabajo: escuchar al director, interpretarlo, luego dárselo al director y que el director lo vea, que cuando yo cerraba los ojos e imaginaba el escenario fuera lo mismo. Es una producción poética, que inspira una poesía. La cerámica del suelo es de verdad. Tengo que recordar que he sido el director técnico del Teatro Real y que cuando me marché Emilio Sagi me propuso volver como escenógrafo, que era una actividad que yo siempre hacía paralelamente. Ahora estoy en París preparando, además, The sounds of music que estrenaré el 6 de diciembre.

Se trata de una producción muy limpia y ágil cuya base es un sueño de jardín, como un hiperrealismo poético

La temporada de zarzuela organizada en Irun por la Asociación Lírica Luis Mariano llega a su conclusión con la puesta en escena el 14 de noviembre (20.00) en el Amaia Kultur Zentroa de La del soto del parral, obra compuesta por los maestros Soutullo y Vert, que se presenta en una producción de la compañía Antología de la Zarzuela.

Tras la representación el pasado mes de junio de ‘Gigantes y Cabezudos’, la zarzuela vuelve a nuestro escenario para clausurar esta exitosa temporada 2009 el próximo 14 de noviembre. El título escogido para tal ocasión es La del Soto del Parral, compuesta por los maestros Soutullo y Vert.

Siguiendo con la moda de la época de centrar argumentos en diversas regiones españolas y resaltar su folclore, esta zarzuela se ambienta en la campiña segoviana, donde como a veces suele ser habitual en los pueblos, los cotilleos y chismorreos típicos y sin fundamento ponen en peligro amistades y amores. Aunque ‘La Leyenda del beso’ y ‘El Último Romántico’ aún se mantienen en el repertorio, se trata prácticamente de la única zarzuela de estos maestros que ha perdurado en el tiempo y que aún se representa a menudo, debido quizás a la seriedad de su argumento, pero sobre todo a la magnífica orquestación, en algunos momentos semejante a una opera en cuanto a intensidad dramática y composición.

En la obra cabe destacar la romanza de Germán ‘Ya mis horas felices’, una de las más famosas y bellas compuestas para barítono. La función será llevada a cabo la compañía Antología de la Zarzuela, que tendrá como director musical al irundarra José Antonio Irastorza, mientras que la dirección escénica corre a cargo Antonio Ramallo.

Calixto Bieito firma la puesta en escena de la ópera ‘A la casa dels morts’ que se estrena el próximo domingo 8 de noviembre en el Teatro de Basilea. El libreto de la ópera, compuesta por el checo Leos Janácek y estrenada por primera vez en 1930, se basa en la novela La casa de los muertos (1862), de F. Dostoievski sobre la vida en un campo de prisioneros de Siberia.

Bieito firma también, junto con Philipp Berweger, la escenografía del espectáculo que incluye un avión real de grandes dimensiones sobre el escenario. La dirección musical de esta producción está a cargo de Gabriel Feltz.

Este es el cuarto espectáculo que Calixto Bieito estrena en el Teatro de Basilea, después de las óperas Don Carlo, de Verdi en 2006 y Lulu, de Alban Berg en 2009, además de una antología de zarzuelas, Pasión, dirigida en colaboración con Joan-Anton Rechi en 2008. El Teatro de Basilea ha sido escogido “Teatro operístico del año 2009” por la prestigiosa revista alemana Opernwelt

Por otra parte, esta es la segunda vez que Bieito trabaja en una ópera de Janácek, autor del cual ha estrenado anteriormente Jenúfa en la Ópera del Teatro de Stuttgart en 2007 y en el Teatro Nacional de Weimar en el 2008.

El director escénico y director artístico del Teatre Romea de Barcelona, Calixto Bieito fue galardonado este verano en Basilea con uno de los Premios de Cultura Europeos que otorga la fundación Pro-Europa, por su innovadora contribución al ámbito operístico.

«Para vivir del canto hay que tener suerte y dar muy buena respuesta a las exigencias artísticas de las

agencias»

Autodefinido: Mis amores, excediendo de mi familia, son la naturaleza y la música. Soy perfeccionista, lo que me hace ser muy exigente conmigo misma y con los que me rodean. Creo que tengo un buen sentido del humor; incluso sé reírme de mis defectos. Tanto en mi profesión como en el resto de actividades o aficiones, dispongo de gran fuerza de voluntad.

BELÉN GENICIO ÁLVAREZ POR CUCA ALONSO Soprano

Tanto la soprano Belén Genicio como su esposo, el tenor Ramón Alonso, están estrechamente vinculados a Gijón. Ambos han ofrecido numerosos recitales como solistas, bien acompañados del piano o de un conjunto coral como la Polifónica Gijonesa. A su vez, Ramón Alonso ha sido profesor del Conservatorio de Música de nuestra ciudad durante 16 años.

Belén, dotada de una voz preciosa, tiene tras de sí una extraordinaria carrera, que aún se mantiene a mitad de camino; son muchos los contratos que hoy ha de cumplir, aunque siempre adscritos en el nivel de exigencia que su propia sabiduría le reclama. De la charla con ella se deduce que es una mujer fuerte, apasionada, sincera… Lleva puesta su voz con tanta naturalidad que no mostró el menor reparo en cantar, al pedirle que identificara un título concreto. Fue como un prodigio, de pronto nuestro entorno se llenó de belleza.

Nacida en Oviedo, «una ciudad en la que nunca he vivido», hija única, hizo sus primeros estudios en el colegio de las Madres Teresianas, y la carrera de Ciencias Químicas en la Universidad de Oviedo. Paralelamente se licenció en piano y canto.

-¿Su pasión por la música le llegaba por vía genética?

- Sí, mi padre, Luis Genicio, fue un gran clarinetista, y mi abuelo, León Genicio, había sido director de banda y compositor. El abuelo nació en Zamora y mi padre en Gijón, de lo que siempre estuvo muy orgulloso. Contrajo matrimonio con una ovetense, Belén Álvarez, que no tenía nada que ver con la música; mi madre era una gran cocinera, trabajaba en el establecimiento de sus padres, «El Diluvio», ubicado en la calle de La Vega, donde yo nací.

- ¿Recuerda cómo vivía usted la música de pequeña?

- Sí, escuchando a mí padre tocar y ensayar el clarinete; hoy es uno de mis instrumentos favoritos. Yo cantaba de todo; los cuplés de Sara Montiel eran mis preferidos. Cuando tenía siete años mi padre me llevó por primera vez a la ópera, era «La Traviata». Creo que mi padre iba preocupado, «esta niña va a aburrirse», pensaba, pero lo cierto es que aquello me impresionó tanto que al terminar no quería irme, «¿pero ya se acabó?», decía. A partir de ahí fui siempre con él. Empecé a comprar discos de arias y a imitar a las grandes cantantes.

-¿Cuál es el aria que más repetía, de niña?

- «Caro nome» de Rigoletto. Más tarde, una vez en la Universidad, formé parte de su coro, bajo la dirección de Luis Gutiérrez Arias.

-¿Obtuvo sus tres licenciaturas de un modo simultáneo?

-A los 22 años había terminado Ciencias Químicas, pero como posteriormente hice el doctorado, en esos tres años, más otro, completé la carrera de canto. La de piano ya la había acabado a los 18 años.

-Toda una encrucijada de caminos con sólo 25 años. Doctora en Químicas, pianista y cantante, ¿no tuvo dudas a la hora de elegir?

- Las circunstancias me ayudaron mucho. Me había presentado a dos concursos de canto, uno en San Sebastián y otro en Valencia, y al obtener en ambos el primer premio decidí dedicar mi vida al canto.

- ¿Así que nunca ejerció su doctorado en Ciencias Químicas?

- Durante los tres años de preparación de la tesis fui profesora ayudante en la Universidad. Pero el día que la leí, «Cinética y mecanismo de la reacción dicromato-ioduro en un medio ácido sulfúrico», abandoné la Química para siempre.

-No deja de ser una trayectoria extravagante para una prima donna…

- He observado que mi personalidad está llena de contrastes. Pero no es tan raro, el compositor ruso Alexander Borodin también era químico. Parece que no hay relación entre ambas disciplinas, pero creo que la Química te obliga a seguir una línea de trabajo muy perfeccionista. Luego comprobé que mis actividades tenían impreso ese carácter de rigor y disciplina.

-Bien, con dos premios bajo el brazo, ¿qué hizo?

- Irme a Madrid, a la Escuela Superior de Canto para ampliar estudios. Poco después me concedieron una beca de la Fundación Humboldt para estudiar en la Escuela Superior de Música de Munich. Hice un master en «lied», y seguí los cursos en la Escuela de Ópera, instruyéndome en el repertorio.

- ¿Cuál es el suyo particular?

- El de «lied» es muy amplio, y el de ópera también, abarca desde Purcell hasta Ravel con «El niño y los sortilegios», una obra preciosa, para niños, con muchos personajes; yo solía representar a la ardilla.

- ¿La experiencia alemana le abrió las puertas a la popularidad?

- Se celebraban audiciones y de ahí salían los contratos. Canté en Alemania, en Francia, y Madrid, en el Teatro de a Zarzuela.

-¿Ya estaba Ramón Alonso en su vida?

- Sí, nos habíamos conocido en el Conservatorio de Oviedo y nos casamos antes de irme a Alemania. En realidad, nuestro viaje de novios fue a Munich. Nuestro hijo nació allí; en la actualidad está terminando la carrera de Filología Germánica.

-Siendo hijo de músicos, ¿no le llegó esa herencia?

- Claro que sí, tocaba oboe desde muy pequeño, pero al terminar el grado medio, eligió la Universidad. Tiene un gran talento musical, yo diría que nos supera a su padre y a mí, incluso dispone de oído absoluto. Conmigo es un crítico muy severo, tanto en lo musical como en mi presentación en escena.

-Por cierto, ¿cuántos trajes de noche tiene?

- Muchos, casi todos de mi propio diseño. Me gusta diseñar ropa femenina.

- Esos primeros contratos a los que se ha referido, ¿eran para los dos, es decir, el matrimonio?

- No, cada uno obtuvo los suyos; profesionalmente éramos independientes. Ramón es tenor lírico y ha desarrollado la mayor parte de su carrera en Francia; tiene un gran repertorio, desde Mozart hasta las óperas del siglo XX.

- Respecto a usted, ¿cómo es su momento actual?

- Resido en Madrid aunque tengo una casa en Bustio, donde me relaciono estrechamente con la naturaleza, mis plantas, mis perros… Estos son importantísimos. En Madrid me dedico a estudiar y ofrecer recitales de canto y piano. Y formo parte de un grupo de cámara, «Art Concertante»; compuesto por piano, cuarteto de cuarteto de cuerda, y soprano. Nuestro repertorio es muy original, compuesto por obras escritas para este tipo de formación, de Fauré, Chausson, Nin-Culmell…

- ¿Les suele cantar a sus plantas? Dicen que es muy bueno…

- Ellas me escuchan y quizá sea cierto porque siempre están mejor las del interior que las del jardín.

- ¿Cómo es su voz, al día de hoy? ¿Y cómo la definiría?

- Pasa por un periodo de madurez. Por suerte he podido cuidar mucho los aspectos técnicos buscando siempre la belleza del sonido. Creo que estoy pasando por una etapa óptima al haber adquirido sabiduría interpretativa. Soy soprano lírico-dramática.

- En esa línea, ¿quién es su estrella?

- En ópera María Callas, y en concierto Gundula Janowitz y Jessie Norman.

- Tendrá autores preferentes…

- Me gustan mucho las óperas de Mozart, Verdi, Wagner y Richard Strauss. Y para los recitales, Brahms, el español Spla, el francés Fauré… Últimamente he añadido a mi repertorio la canción del concierto brasileiro, con la que he obtenido grandes éxitos.

-¿Ensaya? ¿Y qué es un ensayo?

- Lo hago a diario. Consiste en hacer ejercicios respiratorios, vocalizaciones, y cantar ciertas arias de estudio que voy variando. Y preparo las obras de los recitales que tengo en perspectiva.

-¿Se puede vivir bien de una profesión como la suya?

- Hay que tener suerte y dar muy buena respuesta a las exigencias artísticas de las agencias. Pero, sí…

- Dicen que nadie es profeta en su tierra…

- En general no es verdad, aunque en mi caso, sí. He conocido cantantes que en sus ciudades las veneraban.

- ¿La ha tratado bien la crítica?

- Siempre muy bien, salvo una vez en Oviedo. Es inevitable que haya benefactores y detractores, y a estos hay que darles alguna satisfacción.

- Por último, ¿qué le pasa a usted con Gijón?

- Que siempre estuve enamorada de ella. Mi familia veraneaba en Gijón, en una casa del Muro, y era mi felicidad. Llegar en tren y oler el mar… Por las tardes iba a Muelle, me subía en el rompeolas y me pasaba horas y horas admirando el espectáculo. Y mi primer concierto en España, como profesional, lo celebré en Gijón, me había contratad AGAL (Asociación Gijonesa de Amigos de la Lírica), y obtuve unas críticas buenísimas que guardo con todo cariño.

«Mi hijo tiene un gran talento musical y conmigo es un crítico muy severo»

«Mi personalidad está llena de contrastes, aunque Borodin también era químico»

The following is reproduced from The Music Trade Review 85, 16 (October 1927) p. 27. It gives the standard dimensions for soprano, concert and tenor ukuleles – to help people tell the difference between ukuleles that are toys and those that are musical instruments. Enjoy…

1. Scale length (Distance from nut to bridge):

a. Standard Size Ukulele ………………. 13 to 13 3/4 inches

b. Concert Size Ukulele ……………….. 13 3/4 to 14 1/2 inches

c. Tenor Size Ukulele ………………….. 14 1/2 to 15 3/4 inches

2. Must not have less than twelve (12) frets.

3. Back must be curved or arched.

4. Body must not be less than 2 inches deep at the lower bout.

5. Top of sound board must be of one-twelfth (1/12) inches veneer, approximately.

6. Frame or sides must be lined.

7. Sound-hole must be trimmed with celluloid or inlaid purfling.

8. Ribs must be sanded or finished off smooth.

9. Frets, after correct regulation, must be slightly rounded, to enable the player to execute the glissando without cutting fingers or strings.

10. Height of strings:

a. Above top edge of first fret must be not less than one-thirty-second (1/32) inch nor more than three-sixty-fourths (3/64) inch.

b. Above top edge of twelfth fret must be not less than one-eighth (1/8) inch nor more than five-thirty-seconds (5/32) inch.

Passage reproduced courtesy of The International Arcade Museum and the Musical Box Society International.

La artista jerezana debuta en su tierra con uno de los papeles "más complicados" de esta ópera de Verdi; una cita, "un sueño hecho realidad", para los días 5 y 7 de noviembre en el Teatro Villamarta

Maribel Ortega (Jerez, 1970), vive en Barcelona pero no hay cosa que le haga mayor ilusión que triunfar en su tierra y pasear por ella. Desde una niña mostró interés por la música y fue componente de diversas agrupaciones polifónicas de la ciudad como la Coral Philarmonía, la Coral Polifónica de Capuchinos y el Octeto Clásico Vocal ‘Alberto de Galaroza’. Se inició como solista a los 16 años con el Miserere de Jerez de Hilarión Eslava. En 1998 se licenció en Ciencias Químicas e inició sus estudios de canto y repertorio con María José Sánchez y Johanna Grosskreutz, y obtuvo el Grado Medio de Canto por la Guildhall School of Music and Drama de Londres. En 2001 se traslada a Barcelona tras ganar una bolsa de estudios ‘A la mejor intérprete jerezana’ en la primera edición del Concurso Internacional de Canto Otoño Lírico Jerezano Teatro Villamarta. Ingresó en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, donde se le concedió la beca de canto Rosa María Tarruel. Estudia el Grado Superior de Canto con Enriqueta Tarrés, con quien sigue perfeccionándose actualmente, y Repertorio con Manel Ruiz. Del Villamarta salió y ahora regresa a él donde debutará los días 5 y 7 de noviembre con la ópera ‘Macbeth’, en el papel de Lady Macbeth. "Un sueño hecho realidad".

-Lady Macbeth, menudo papelón. ¿Ha sido usted alguna vez tan malvada sobre un escenario?

-Bueno (risas), es que creo que es el personaje más malvado de la historia de la ópera, junto a Yago en Otello. Sí. Voy a intentar ser lo más malvada posible, de eso se trata. Es una maldad obsesiva, Lady Macbeth quiere ser reina, tener poder, que nadie le haga sombra y cualquier medio vale. Es un poco masculina en sus ansias de poder, porque siempre supo que ser reina era su destino y que lo tenía difícil por ser mujer, si no tenía a alguien al lado con poder en sí mismo, y Macbeth cumplía los requisitos. El personaje va transformándose a lo largo de la obra.

-¿Cómo se ha planteado este papel?

-Estrené este papel en los Amigos de la Ópera de Sabadell en 2007, después lo hice en Brasil ese mismo año y también lo representé en 2008 en Croacia. El personaje va creciendo a lo largo del tiempo y de las representaciones. Y ahora, en Jerez, es una nueva oportunidad de ir aprendiendo cosas sobre Lady Macbeth e imaginarme qué le ha llevado a esa ambición. Desde un primer momento me documenté para conocer los precedentes de esta obra de Shakespeare, he leído, me he hecho un guión y he visto cómo aportar al personaje mi propia personalidad, aunque muy lejana a la Lady Macbeth. He buscado dentro de mí de qué manera darle ese carácter obsesivo, esa altivez, maldad, fortaleza. Aunque depende de lo que quiera destacar el director de escena de cada producción. Soy cantante, no actriz, pero me doy entera para que el papel sea creíble y transmitir las cualidades del personaje.

-¿Como se siente por su debut en el Villamarta, en su tierra?

-Lo cierto es que lo deseaba desde hace mucho tiempo. Me marché con aquella bolsa de estudios a Barcelona al Conservatorio del Liceo, me presenté a concursos, he tenido varios maestros, para tener el máximo de tablas posibles. Y bueno, siempre quise venir, aunque por mi lejanía pensaba que iba a ser muy difícil, y de repente, sucedió. Ya me habían llamado para algunos papeles pero tenía otros compromisos y el pasado año me dijeron que contaban conmigo para esta temporada. Es un sueño hecho realidad.

-¿Le infunde respeto Jerez?

-Hombre sí, siempre el escenario te da algo de nervios, de emoción… Pero estos días de ensayos mi sensación era de energía positiva, de calor, de estar en casa. Vuelvo a casa.

-De hobbie a profesión.

-Sí, estamos en ello (risas). Llevo tres años que he debutado en escena, lo hice con ‘Norma’ en Sabadell en 2006, año en el que consigo además el Primer Premio Femenino del Concurso Internacional de Canto Jaume Aragall, Premio del Público y Premio Amics de l’Ópera de Sabadell consistente en interpretar a Lady Macbeth en Macbeth en la temporada 2006-2007 dentro del Ciclo de Ópera de Cataluña.

-¿Qué tiene ahora a la vista?

-Pues a la vuelta a Barcelona tengo una serie de recitales, que también quiero que sean de música española y catalana, pero para el próximo año, además de ampliar el repertorio de ópera con nuevas audiciones. Además, tengo proyectos personales por desarrollar.

-¿Qué destacaría del Macbeth que viene a Jerez?

-Bueno, pues una cosa en común con todos los Macbeth es que es muy difícil de poner en escena, con partituras musical y vocal muy complicadas. Hay elementos simbólicos como el vestuario que hay que destacar de esta producción. No sé si debo decirlo, pero es que es muy sorprendente.

-¿Usted qué le aporta?

-Me doy entera. En cuerpo y alma y con mucha ilusión.

-¿Qué otros personajes le gustaría interpretar?

-Me gustaría ser capaz de cantar las heroínas de Puccini, como Madame Butterfly, Tosca… Son tan emotivas, sería una dura prueba para mí. O personajes alemanes. Pero soy muy afortunada de cantar Lady Macbeth porque lo tiene todo. Es un reto.

-¿Se ha encontrado alguna Lady Macbeth por ahí?

-Algunas hay, pero no son tan malas como aparentan ser. He tenido mucha suerte con todos los compañeros con los que he trabajado, y trabajo.

Enrique Thate, que por fin pudo disfrutar de un día libre, y su mujer, Mamen Arrazola, acudieron ayer por la mañana junto a sus hijos, Ibone, Jon y Ane, al teatro Arriaga, donde se ponía en escena la obra ?Allegro Vivace?, producción del Teatre del Liceu, con la que dió comienzo la temporada de Abao Txiki, que tanto éxito ha tenido en ediciones anteriores. Una manera de que los niños y niñas se inicien en el sorprendente mundo de la ópera.
Joan Font, el director de escena, crea un ambiente muy sugerente en el escenario, un sótano abandonado, ideal para el diálogo musical que se da entre una chica a la que le encanta la música y el baile techno y ska, interpretada por Marta Rosell. La protagonista busca un local para celebrar una fiesta con sus amigos y se encuentra con Vivace, un ser fantástico, encargado de guardar todos los secretos de la ópera, interpretado por Jordi Vidal, que le desvelará cómo nació el bel canto, cuáles son los instrumentos musicales que se tocan en la ópera, la importancia de la voz y algunas de las historias que se narran en las óperas.
Un juego didáctico y divertido, en el que se involucraron plenamente los espectadores, sobre todo los más jóvenes, que acudieron a disfrutar del divertido espectáculo. Un viaje mágico por el mundo de la ópera, en el que los pequeños irán descubriendo la música de Monteverdi, Purcell, Mozart, Verdi, Bizet, Puccini, Berlioz y Donizetti a través de fragmentos interpretados por Alicia Ferrer (soprano), Marta Valero (mezzosoprano), Francisco Javier Jiménez (tenor) y Xavier Fernández (barítono).
Entre quienes acudieron al Arriaga se encontraba Beatriz Estefanía, que fue con la joven Claudia Llera; Violeta López y su hijo, Jon San Sebastián; Javier Porto y Yolanda Torrico con el pequeño Pablo Porto; Raquel Mateos y la niña Candela Pérez, que lucía una divertida visera y llevaba un muñeco entre sus brazos; María Jesús González y Nahia Gómez; Natalia Goldaracena y sus hijos, Imanol y Hanna Stammer; Pedro Rebollar y las niñas Marian y Aitana Rebollar; Esther Barrena, que fue con Alejandra y Martina Ollé; y Mercedes Anacabe.
También asistieron Santiago Valcárcel y Mirian Fernández Valladares con Inés y Raúl Valcarcel; Carmen Belandia y las niñas Pilar y Mariano Martín; Miguel Peiró y Maryam Luzarraga con los pequeños Miguel, Clara y Gabriel Peiró; Yolanda Azkarate y la joven Jone Sagastabeitia; Reyes Moleres con los pequeños Luca Moleres y Mara Presa; Azucena Sanz e Irene Martínez; Roberto Llaneza y su hija Ane; Koldo Narbaiza con sus hijos Idoia y Markel y su sobrina Maddie Narbaiza; Patxi Salvador y Puri Sánchez con los niños Andrea e Imanol Salvador; Txaro Fernández, que acudió con sus nietos Iraide y Alaitz Maza; Izaskun y Marisa Bergón, que vinieron a Bilbao, desde la ciudad de Orduña, con los jóvenes Eneko Ría y Asier Castillo, expresamnete a disfrutar de la ópera.

La asociación cultural Amics de l’Òpera de Lleida organiza un ciclo de conciertos gratuitos que se irá desarrollando en la Biblioteca Pública, complementados con una charla-coloquio abierta al público en general. La primera cita será el próximo jueves día 5, a las 19.30 horas.

“Este concierto será el primero de una serie que rodará por las comarcas de Lleida, con intérpretes leridanos y música de base, también de músicos de la tierra”, señala el presidente de la asociación, Francesco Brugnoli.
El primero de los conciertos líricos correrá cargo de las sopranos Eva María Ruiz Correa y Maria Josep Rúbies Biscarri, que actuarán acompañadas al piano por el profesor del Conservatori de Música de Lleida, Eduard Espinet.
El repertorio previsto para la ocasión se abrirá con las Goyescas de Enric Granados –Las currutacas modestas, Elegía eterna y La maja y el ruiseñor– que darán paso a otras composiciones de Mozart, Donizetti, Cilea, Barbieri, Sorozábal y Penella.
La sevillana Eva María Ruiz formará dúo con Maria Josep Rúbies, que es de Balaguer y se inició en el canto con la soprano leridana Maria Rosa Tamarit. Más tarde, con la soprano barcelonesa Núria Aragonés se introdujo en el mundo del belcanto y asiduamente asiste a másters con el tenor Pedro Lavirgen.
Actualmente, está perfeccionando su técnica vocal con la soprano leridana Josefina Lupiáñez, que será precisamente la protagonista del coloquio que se hará a continuación, coordinado por el propio Brugnoli.
El pasado día 15 de octubre, la asociación Amics de l’Òpera rindió homenaje a Ainhoa Arteta, una de las voces más admiradas de la lírica pese a su juventud. El barítono Luis Santana y el pianista Juan Antonio Álvarez Parejo fueron los encargados de ofrecer un concierto que estuvo abierto a toda la ciudadanía.
Ainhoa Arteta se suma así a los nombres ilustres condecorados con la insignia de oro de Amics de l’Òpera, que la asociación anfitriona quisiera poder dar el próximo año a Plácido Domingo.

Crítica La traviata En una nueva producción de Juventus Lyrica, la soprano Soledad de la Rosa compuso una memorable Violetta, dentro de un alto nivel general.

Es conocido el gran fracaso que fue La traviata, hoy el título más popular de Verdi, en su primera representación. Y aunque seguramente la causa principal del fiasco estuviera en la novedosa ambientación contemporánea -con su capacidad de convertir la escena en un pulido espejo en el que el público pudiera verse a sí mismo- sin duda la actuación de Fanny Salvini-Donatelli, la soprano excedida de peso que inauguró el rol, obró de catalizador.

Afortunadamente, la ópera ganó en cuidados de los aspectos visuales de su representación, pero esa dedicación tal vez trajo como contrapartida la indeseable consecuencia de preferir un cantante cuyo timbre no se adecue al personaje, a otro cuyas medidas -especialmente si se trata de una mujer- no coincidan con el ideal. Y en este sentido resulta reparadora la elección de Soledad de la Rosa en el trágico papel de Violetta para la nueva producción de La traviata que Juventus Lyrica subió este viernes como cierre de temporada. Sus condiciones vocales excepcionales y la naturalidad de su actuación consiguieron que la platea cambiara el frívolo comentario sobre sus dimensiones por una cerrada ovación a su talento. Soledad de la Rosa tiene un dominio técnico notable, no sólo por la naturalidad con que resuelve los pasajes de coloratura sino por la perfecta sujeción del color y volumen de su voz al ánimo del personaje.

Por lo demás, la representación fue pareja en todos los terrenos.

La escenografía de época sugiere una lectura más o menos lineal del libreto. La simetría axial no sorprende: una estructura de líneas despojadas que se reviste para enmarcar los distintos actos y un mobiliario entre cuyo inventario produce algo de extrañeza el piano de cola, demasiado moderno pero también deteriorado, que adquiere cierta relevancia durante el primer acto, el de la fiesta en la sala principal de la casa de Violetta, cuando los invitados sobreactúan un improbable acompañamiento a cuatro manos en el célebre brindis.

El tenor Santiago Bürgi, el Alfredo Germont del segundo elenco, tuvo que asumir el rol para este estreno, en reemplazo de Norberto Fernández. Bürgi tiene un registro desparejo: terso en el registro medio, algo destimbrado en el agudo y un poco flojo en los graves, y aunque suelto corporalmente, su juvenil Alfredo necesita ganar aplomo.

El barítono Enrique Gilbert Mella compone un impecable aristócrata Giorgio Germont. Es cierto que su voz registra el paso de los años y que él, un poco a la antigua, articula prolijamente y se preocupa menos por su gestualidad. Pero es en esa actitud contenida donde se manifiesta su potencia expresiva.

El resto del elenco mantiene el nivel. Eugenia Fuente compone una Flora con brillo propio, y María Eugenia Caretti, una más que convincente Annina. Entre los comprimarios masculinos sorprende por la profundidad y calidez vocal Alejandro Di Nardo, el doctor.

El coro sonó bien aunque por momentos resultaba una masa demasiado grande para un escenario tan pequeño. La orquesta, dirigida por Russo, sonó ajustada y tuvo un comienzo mágico en el agudo de las cuerdas, un sonido que antes de subir del foso parecía descender de alguna otra parte. «

FICHA:

La traviata

Autor: Giuseppe Verdi

Director: Antonio Russo; régie: Ana D’Anna. Juventus Lyrica.

Muy bueno

Un elenco encabezado por Larry Harris, María Alejandre y Enrique Patrón de Rueda, estarán en el teatro Pablo de Villavicencio

Con un elenco internacional, encabezado por el barítono estadounidense Larry Harris, el tenor uruguayo Juan Carlos Valls y la soprano mexicana María Alejandre, dirigidos por Enrique Patrón de Rueda, con la Orquesta Sinaloa de las Artes y el Coro, hoy se llevará a la escena la ópera Rigoletto, de Giuseppe Verdi. a las 20:30 horas, en el teatro Pablo de Villavicencio.
Celebrando 30 años de carrera, Patrón de Rueda dijo estar contento de encabezar una de las obras maestras de Verdi, parte de la trilogía famosa y más gustadas por el público, La Traviata, Rigoletto y El Trovador.
"Es un elenco de primer nivel, estamos haciendo un trabajo muy interesante en escena, que es el futuro de la ópera, con muy pocos elementos, acentuando todo en el drama y el canto, apoyados en una iluminación, efectos, luces. La OSSLA está haciendo esta ópera complicada, el coro de Sinaloa hace un trabajo muy interesante, con la voz imita el sonido del aire".
La ópera forma parte de la temporada de la Sociedad Artística Sinaloense y el Instituto Sinaloense de Cultura y la segunda función será mañana, misma hora y lugar, y una tercera se ofrecerá en el teatro Ángela Peralta de Mazatlán, a las 20:00 horas.
Participan además Rosendo Flores, como Sparafucile; Óscar Velázquez, como el conde Monterone; Oralia Castro, como Maddalena; Ana Laura Rojas, como Giovanna; Wendy García, condesa Ceprano; Andrés Carrillo, Matteo Borsa; Fernando Martínez, Ceprano; Armando Piña, Marillo; Perla Orrantia, Paje, y Francisco Castro, Ugier.
Harris dijo estar contento de colaborar en Rigoletto, pues de todos los roles para barítono verdiano, él es el más interesante porque tiene muchas facetas.
"El personaje es una gran tragedia en sí, porque trata acerca de seducción y lujuria a cambio de poder. Al principio uno como espectador puede odiar a Rigoletto, porque es tan malo como toda la corte, se burla de los sentimientos, humilla, porque es el bufón de la corte, tiene un gran remordimiento constante de esa doble vida que lleva, cuando se desdobla y vemos el gran amor que tiene por su hija lo hace interesante", comentó.
María Alejandre (antes Katzarava) señaló que Gilda ha sido un personaje muy importante en lo personal, porque con él ha debutado en muchos teatros.
"He tenido oportunidad de trabajarla desde puntos de vista diferentes, dependiendo del director, hacer una Gilda diferente, no la clásica tontita que se deja enamorar. Es un personaje lindo, que pasa por muchos matices, de ser una niña, cuando se enamora, se vuelve una mujer rebelde, con fuerza, entregada por amor, un papel interesante, con muchos colores y una tendencia fuerte".
Valls manifestó su agradecimiento por haber sido invitado y dijo que su personaje, a diferencia de Rigoletto que al final lo quieren, a él lo odian hasta el final, porque es muy vil. Y Velázquez por la oportunidad y la confianza que le dieron para participar en la producción, pues en el país son pocos los que se arriesgan a dar oportunidades.
Leonor Quijada, directora de la SAS, destacó la presencia de cantantes sinaloenses, como Oralia Castro, quien habló de su personaje, la villana de la historia, junto con Sparafucile, dos seres que se dedican a ultrajar gente, asesinar y robar.
Gerardo Ascencio, director de compañías, reconoció que han tenido problemas económicos y ha sido una labor titánica en la que han tenido que colaborar todos.
"Ha habido obstáculos, pero finalmente estamos aquí con el trabajo seguro y funciones seguras, incluyendo una función en Mazatlán".

A SABER
* Rigoletto tendrá una duración de 2 horas con 20 minutos y dos pequeños intermedios.
* La dirección escénica es de Miguel Alonso Gutiérrez.
* La dirección del coro de Sergio Martínez.

BOLETOS
Los boletos están a la venta en los módulos de TicketSAS en Forum y en los teléfonos 717 95 13 y 14, a un costo de 300, 400, 500 y 600 pesos.

Luego de la exitosa apertura, el sábado 7 de noviembre a las 14 se concretará una nueva transmisión desde el Metropolitan Opera House de Nueva York, con “Turandot” de Puccini producida por Franco Zefirelli.

Denominada “MET Live HD” en Mar del Plata, la transmisión se realizará con imágenes de alta definición, captadas con 13 cámaras y con sonido cinematográfico. De esta manera, el Teatro Auditorium de Mar del Plata es el primer teatro del interior del país que se suma a la red de 850 salas en 35 países que reciben en directo la temporada Live in HD del Metropolitan de NY.

“Turandot” es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Adami y Renato Simoni. La ópera, inconclusa por la muerte de Puccini, fue completada por Franco Alfano y estrenada el 25 de abril de 1926 en La Scala de Milán.

En España se estrenó en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona el 30 de diciembre de 1928.

Cuenta con las actuaciones de Maria Guleghina (Turandot), Marina Poplavskaya (Liu), Marcello Giordani (Calaf) y Samuel Ramey (Timur). Cuenta con la batuta de Andris Nelsons y ñas coreografías de Chiang Ching.

Una de las partes más difíciles de la ópera se encuentra en el segundo acto y se inicia con la frase In questa reggia, cuando Turandot explica la razón de su comportamiento. Musicalmente, esta parte exige sobreagudos por parte de la soprano, que combinados con la capacidad wagneriana que requiere el personaje, la hacen particularmente difícil. En el tercer acto se encuentra una de las arias más conocidas para tenor, Nessun dorma, que representa la victoria del amor sobre el odio, donde Calaf canta que nadie duerma para descubrir el nombre del joven héroe. Otro aspecto musicalmente notable es el enfrentamiento entre tenor y soprano, en el segundo acto, que muchos comparan con lo que hizo antes Puccini en Tosca, también en el segundo acto, cuando enfrenta las voces del barítono y la soprano, Scarpia y Tosca.

Vale mencionar que la llegada de este acontecimiento es un esfuerzo conjunto de la Fundación Beethoven y el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

Miss Helena Landon 1927

Musician: Miss Helena Landon
Musical Position: harpist and soprano soloist.
Year: 1927
Home: Chatham Ontario Canada

Daughter of Mr. and Mrs. William R. Landon of Chatham Ontario

  Helena is documented as being one of the most outstanding musicians from Chatham and has travelled far and wide making a name for this city through her charm and abilities.

Recent work: Helena has performed in many places in the U.S.A. under the direction of the Orpheum circuit and the Publix Productions of New York City. She is currently in L.A. for the winter of 1927.

There is an article on Helena in the CDN Nov.9^th 1927.
The above photo was printed in the same article noted.

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Puesto que el Teatro Real es de todos hay cierta lógica en ver un día a Lulú y otro a la Italiana. Al fin y al cabo es lo mismo. Philip Gossettt, especialista en temas rossinianos, dejó escrito que «por muy diferentes que puedan parecer, la Isabella de Rossini y la Lulú de Alban Beg tienen en común la misma facultad de seducir a los hombres». Aquel que dude del entrecomillado puede comprobarlo en el programa del Teatro de la Zarzuela de 1994. También en el que ahora edita el Real, donde «L’italiana in Algeri» se ofrece hasta el 18 de este mes. Nada menos que una «ópera normal», como bien señaló un espectador en el estreno de ayer.
Sin duda se refería a que en ella pueden escucharse detalles de noble y vieja cantabilidad en la magnífica voz de Vesselina Kasarova cuyas maneras algo sofisticadas, su oscura personalidad vocal y el dominio de la agilidad y la expresión la convierten en una protagonista única. Imponente el «Per lui che adoro» o «Pensa alla patria». También a Carlos Chausson, impecable en las maneras, el tono y el acento. Una vez más, una agradable garantía. Incluso, se admirará a Michele Pertusi, algo delgado pues le falta anchura, o a Maxim Mironov un tenor de admirable corrección y pusilanimidad.
Hasta aquí, de acuerdo con el buen espectador, quien, sin embargo, omitía algo interesante como es que esta ópera además de normal es «giocosa» y a poco que se haga con gracia hasta hilarante. Porque en este detalle se tuerce lo esperado ya que el maestro Jesús López Cobos de puro estilizar deja a Rossini en los huesos y temblando, lo que obliga a fijarse mucho para no desperdiciar el talento de tan notables intérpretes. Acompañados minuciosamente, eso sí, pero sólo acompañados. De ahí la mortecina sinfonía de entrada, los apagados concertantes, lo sosito que queda el Coro de la Comunidad o la inmensa tristeza del «Pappataci» que tantas alegrías podría llegar a proporcionar.
Los Comediants (Joan Font) lo saben y es en ese punto y en el «Pensa la patria» donde echan el resto de su talento escénico, aunque también midiendo las fuerzas y centrados en su estética colorista, cándida, evocadora e infantiloide. ¿Posible? Por supuesto, aunque le falte soltura en el movimiento escénico que tan buen resultado podría dar en el final del primer acto. De manera que, ya como cierre, únicamente queda añadir que de una aburridísima «Lulú» magníficamente representada hemos pasado a una divertidísima «Italiana» aburridamente resuelta. El público decide.

La soprano Paula Almerares, el tenor Marcelo Puente y la Sinfónica de la UNSJ cerrarán la 27ma. temporada de abono. La cita será este viernes.

Famosas arias del repertorio operístico. Las increíbles voces de dos argentinos renombrados en el género: la soprano Paula Almerares y el tenor Marcelo Puente. Y el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de la UNSJ, dirigida por el maestro Gustavo Plis Sterenberg. Tres ingredientes que conformarán una apasionante gala lírica, con la que el próximo viernes Mozarteum Argentino Filial San Juan concluirá la 27ma. Temporada de Abono; un escenario por el que pasaron números musicales de jerarquía, como el Viena Piano Trío y los pianistas Bruno Gelber, Benjamin Moser y Jue Wang, entre otros.

Fragmentos de Carmen, Rigoletto y Traviata, serán algunas de las piezas que se interpretarán en el Auditorio Juan Victoria, donde -luego de la función- la comisión de Mozarteum ofrecerá un brindis.

Considerada una de las mejores voces femeninas del mundo, Almerares construyó una exitosa carrera en el exterior, sobre todo en Italia, donde ha vivido por más de ocho años y desde donde ha subido a los más prestigiosos escenarios líricos del mundo. Nacida en La Plata, estudió en Buenos Aires y debutó en el Teatro Argentino como Musetta en La Boheme, donde también interpretó Carmen, Manon, Romeo y Julieta, La Traviata y conciertos sinfónico-corales. En el Teatro Colón, debutó en 1993 con Los cuentos de Hoffmann junto a Alfredo Kraus, actuación que le valió el premio a la Mejor Cantante Nacional de la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina. Ganó los prestigiosos concursos Belvedere (Viena, 1993) y Traviata 2000 de Pittsburgh (EEUU), certamen éste que marcó el inicio de su carrera internacional. Cantó junto a Plácido Domingo en el Teatro Avenida de Buenos Aires y fue invitada por él para interpretar L’elisir d’amore en Washington.

Por su parte, el ascendente Puente -nacido en Córdoba- debutó en 2001 interpretando II Duca (de Rigoletto) en el Teatro San Martín de la provincia mediterránea; y ese mismo año lo hizo en Dusseldorf, Alemania, en el rol protagónico de la ópera francesa La Dame Blanche. Se radicó durante varios años en Europa (vivió en Alemania e Italia) donde continuó su perfeccionamiento y fue varias veces premiado por su virtuosismo. En 2005 regresó a Argentina y en 2007 fue seleccionado de entre 2.500 cantantes de todo el mundo, en la fase final del famoso concurso internacional de canto Operalia, de Plácido Domingo, que se desarrolló en París.

Juventus Lyrica cerró un gran año con una propuesta repleta de hallazgos

Opera La Traviata. De Verdi.Elenco: Soledad de la Rosa (Violeta) Santiago Bürgi (Alfredo), Enrique Gibert Mella (Germont), Eugenia Fuente (Flora). Puesta escénica: Ana D´Anna. Director de orquesta: Antonio María Russo. Juventus Lyrica. Teatro Avenida (Nuevas funciones, hoy, a las 17.30 y el jueves, viernes y sábado, a las 20.30).
Nuestra opinión: Excelente

La consagrada soprano Soledad de la Rosa fue, en la versión ofrecida por Juventus Lyrica, una intérprete exquisita desde el punto de vista vocal del complejo personaje de Violeta, que implica afrontar en cada acto caracteres dramáticos diferentes en una sucesión que va desde la frivolidad (soprano de agilidad) a la dramática (soprano spinto), pasando por la realidad de una mujer frágil y a la deriva (soprano lírica). Ella, por otra parte, con esa sinceridad y franqueza que la distingue, hizo gala de la belleza de su voz y la infalibilidad de su afinación, don que proviene de un oído absoluto.

Lógicamente que, para el logro de estas variables del personaje central y la concreción de una versión jerarquizada, tuvo relevancia la faz musical de Antonio María Russo por el logro de amalgama entre orquesta y cantantes, la aplicación sutil de una expresión cálida y refinada en el discurso musical, con la evidencia auditiva de haber llevado a cabo un trabajo de preparación meticuloso que apuntó a no permitir en ningún pasaje una interpretación vulgar o aparatosa.

El tenor Santiago Bürgi como Alfredo, acaso la figura central que hizo honor a los postulados de la institución ?esto es promover a los jóvenes valores para que adquieran experiencia?, cumplió su cometido con solvencia en la faz actoral y dando ejemplo de poseer musicalidad, segura entonación, voz de grato color y de volumen que destaca el decir con refinamiento y delicadeza.

Por su parte, el barítono Enrique Gibert Mella fue un Germont de lujo, no sólo por su experiencia, sino por la idoneidad de su canto, la nobleza de su entrega para afrontar sin reticencias las exigencias de un autor que a los barítonos les legó una interminable serie de momentos vocales que forman un corpus de exquisita inspiración dentro del repertorio italiano. Fue admirable su versión de la siempre comprometida “Di Provenza il mar…” e impecable en los dúos y concertantes. En una palabra, la ratificación de méritos de una figura que forma parte del ramillete más destacado del arte lírico nacional.

Un detalle significativo lo aportó María Eugenia Caretti, encarnando al personaje episódico de Annina, simplemente porque pocas veces como en este caso, se observó y escuchó un trabajo de actriz de tanta naturalidad y emotividad. Claro está que la Flora de Eugenia Fuente y los personajes de flanco destacaron por su sobriedad y buena presencia escénica. Del mismo modo el coro preparado por Miguel Pesce fue muy efectivo y los bailarines en las pinceladas de danzas, flexibles y desenvueltos.

Desde el punto de vista teatral, Anna D?Anna logró una sugerente ambientación en cada uno de las escenas, no sólo por el acertado diseño y la muy buena utilización de la iluminación, sino también por el magnífico vestuario diseñado por María Jaunarena y lo cuidado del maquillaje y los peinados. En definitiva, un espectáculo que ha de quedar para el recuerdo de la actual temporada, que además, por el lleno total de la sala y el entusiasmo del público, sirvió para reafirmar la vigencia y triunfo de la ópera y la justicia del Premio ACE recibido recientemente por la entidad.

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