.

- Lageplan ‘Universität St.Gallen’

- Wettbewerbsergebnis         - Bericht des Preisgerichts PDF      

- “WERK”, Heft Nr.8, 1963 PDF

.

.

.

.

.

.

.

Hochschule St.Gallen für Wirtschafts- und Sozialwissenschaften PDF  ”Werk”, Heft Nr.8, 1963

.

.

“Ein neuer Seminartrakt im Südosten des bestehenden Universitätscampus soll Raum bieten für zusätzliche Lehrräume und Verwaltungsbüros, sowie einen zweiten wichtigen Zugang zum Hauptgebäude der Universität aus südöstlicher Richtung schaffen. Ausserdem soll eine neue Einstellhalle die beiden bisherigen, offenen, Parkplätze ersetzen” - Auszug aus dem Programm

.

.

.

Modellansicht der Erweiterung 2003 – Im Vordergrund das neue Seminargebäude

.

.

“Es ist müssig festzustellen, ob St.Gallen zu den glücklichen oder den unglücklichen Städten gezählt werden muss. Nicht in diese zwei Arten, die Städte einzuteilen ist sinnvoll, sondern in zwei andere: Jene Städte, welche über Jahre und Veränderungen hinweg den Wünschen Gestalt geben, und jene, wo die Wünsche entweder die Stadt auszulöschen vermögen oder von ihr ausgelöscht werden”.  - Frei zitiert nach Italo Calvino in “Die unsichtbaren Städte”

.

.

.

Vogelperspektive – Nord-Ost

.

.

West

.

.

.

.

Süd

.

.

Städtebauliche Überlegungen – 1) die, gegenüber 1963, sich erheblich veränderte Umgebung des Uni-Geländes durch den Bau des “Helvetia-Patria” Gebäudes und dessen kürzlich realisierte Erweiterung; 2) das Prinzip der “inneren Verdichtung” bei gleichzeitiger Respektierung und Erweiterung der vorhandenen “Terrassenanlagen” und der Wahrung gebührender Abstände zu den bestehenden Baukörpern der Universität; 3) die Platzierung des zukünftigen “ersten Haupteingangs” an der Curtistrasse; – sind die drei wichtigsten Gründe für die “Standortwahl” für das neu geplante Seminargebäude. Also Gegengewicht zum “Hevetia-Patria” Komplex, grösstmögliche Rücksichtnahme auf die Konfiguration des vorhandenen Uni-Ensemble’s, Wegweiser zum neue geplanten Haupteingang und angemessene Geste, die Bedeutung der Universität städtebaulich hervorzuheben.

.

.

.

.

Nord-Ost Ansicht – links das neue Seminargebäude, in der Mitte der neue Hauptzugang

.

.

.

.

Längsschnitt

.

.

.

.

Haupzugang von der Curtistrasse – Eingangshalle – 731.70

.

.

.

.

Galerie Seminargebäude – Luftraum Eingangshalle – 736.80 / 735.80

.

.

“…Morgens bewegt sich jeweils ein grosser Personenstrom von der Haltestelle der Busse an der Tannenstrasse über die Dufour- und die Curtistrasse zum Universitätsgelände…”

Der neu geplante “zweite Haupteingang” an der Curtistrasse, dem vorhandenen “ersten Haupteingang” zum vorhandenen Hauptgebäude geografisch vorgelagert, wird in Zukunft die Funktion des eigentlichen Hauptzugangs für den gesamten, zukünftig erweiterten Campus übernehmen.

Die vorgeschlagene Erweiterung der Universititätsgebäude um weitere Räumlichkeiten für die Lehre und Verwaltung, Archive, Lager, einer neuen, gedeckten Parkierungsanlage und vor allem einer umfassenden Neuorientierung der gesamten Erschliessung, stützt sich auf das, von der Universitätsleitung in Zusammenarbeit mit Baufachleuten, prozessartig entwickelte Konzept.

Grossen Wert wird auf die Dimensionierung und Zuordnung der neu geplanten “kollektiven Räume” gelegt; das sind der Zugang über den Aufgang von der Curtistrasse über den neuen Vorplatz zur neuen, grosszügigen, Eingangshalle mit ihren internen Erschliessungsebenen und die Erweiterung der vorhandenen Terrassenanlage mit ihren neuen externen Verbindungen zum vorhandenen Hauptgebäude und den übrigen Bauten, aber auch die erweiterbaren Seminarräume mit Foyer und Vorplätzen.

.

.

.

.

.

Foyer – Seminarräume, oben – Nordic Pavillon, Venedig, von Sverre Fehn, unten

.

.

.

.

.

.

.

.

.

Seminarräume – 744.00.

.

.

.

Gruppenräume / Verwaltung – 740.50

.

.

.

.

.

Querschnitt

.

.

Nicht weniger wichtig war uns auch eine gute Ordnung “rund ums Haus”. Kurze und übersichtliche Zu- und Wegfahrten zur PKW-Einstellhalle von und zur Curtistrasse, gedeckte und natürlich belichtete (durch in der Decke eingelassene Glaslinsen) Veloabstellplätze unter dem Vorplatz zum neu geplanten Haupteingang, sowie die sorgfältige Anpassung der neu geplanten Gebäude an die vorgefundene “Kunstlandschaft” auf der SW-Seite.

.

.

.

.

Technikzentrale / Möbelmagazin / Archive / Veloeinstellhalle – 729.00

.

.

.

Technikzentrale / PKW Einstellhalle – 726.30

.

.

.

PKW Einstellhalle – 723.60

.

.

.

.

.

Lageplan

.

.

.

.

.

Situationsplan des HSG-Campus 2012 – Universität St.Gallen

.

.

.

Das Provisorium, 32.60m x 25.20m x 10,80m, über der Einstellhalle/Parkgarage – ‘Universität St.Gallen’

.

.

.

.

Ansicht des Provisoriums – ‘Universität St.Gallen’

.

.

.

.

.

.

.

.

.

Alexandre Guillaume is a young abstract artist who lives in Manhattan. But also much more than that I realised, as we met for coffee one rainy afternoon in London, where he was just staying for a few days.

After working in graphic design, computer graphics, web design, and even interior design, Alexandre decided to come back to a passion he started when he was in the air base where he did his military service: painting. At first it was just a hobby to exhibit and sell a few artworks in Kent, where he had just met his wife. But one day, the couple decided to make happen a dream they shared, and moved to New York.

As Alexandre explains: ‘Manhattan made me reassess my life and find my style as an artist. I thought everything would be easy but I soon realised Manhattan was expensive, I needed contacts and to be a big name to be exhibited in serious galleries. People are in bubbles in NY, and you can’t know everything or everyone.’

But if Alexandre says he has now found his style, it has evolved immensely in the recent years: he started painting lines to represent the crossroads of our lives, the encounters with people who might matter or not, and analysing these social connections on canvas.

Colours symbolised meanings, from hot to cold. He used to do only black and white; then coloured lines on black and white background, now coloured lines on coloured background, and admits he might come back to black and white. All with pieces of wood used as paintbrushes, because the raw material makes the most of the coarseness of hessian canvas, highlighting uneven paint. This non-pristine result conveys emotions, and the imperfection of life.

If one could easily compare him with Jackson Pollock – they share the ‘dripping‘ method of painting – or Pierre Soulages – another artist who worked on textures and volumes of black paint – Alexandre refuses to be put in a category.

‘As a self-taught artist, I realised that when people studied art in art schools, they always tend to  compare you or refer to someone else but I didn’t want that, I wanted to bring something different.’

As the scale of his work is getting bigger, both in terms of recognition in the art world and of the actual size of his artworks, so is his confidence as an artist to explore and use various media, with videos, and a photography project he did around the theme of people’s feet as they are walking their own paths, and that might be published this year.

As a genuine abstract artist, he refuses to give explanations on his current work, not even a tiny clue, because he believes his artworks are open to everybody’s personal interpretation. And they do not bear a name either: they are numbered but in random order.

Just like his lines always go out of the canvas, Alexandre Guillaume is an artist out-of-the-box.

You can find more of Alexandre Guillaume’s work on here. Picture: M 507 - 59 x 59 x 3 inches - Acrylic Composit: Dolphin Fin / Black - March. 2009 – Signature.

The Centre Pompidou presents a retrospective of the work of one of major players in the post-war abstract movement, Pierre Soulages. The exposition spans 60 years of activity, with more than 100 works on display, all set-up with the help of Soulages himself. The latter is important for an artist who dedicated his life to the analysis of light bouncing off black canvas. This black light, or outrenoir (“other-black”) as he calls it, varies greatly with your position in relation to the work. A quick search on Google will show you some his paintings, should you not already know them, but you might as well know that they are quite meaningless on a screen. To experience Soulages’ work, it is essential to face the work yourself. If you give them the chance to speak to you,  which they may or may not do, you will find out whether or not it means anything to you at all. Or have had the chance to experience first hand a major contemporary artist.

As you walk around the exposition, you will initially see works resembling graphical-design abstract characters painted in thick strokes of black paint. The canvas material is still visible through the paint, reminding the viewer of the reality of the work as an object. As Soulages’ interest seems to be more and more focussed on the colour and its intuitively-contradictory capacity to reflect light, the character-type forms are slowly replaced by more abstract structure of vertical and horizontal lines. There is a 1984 wallpaper-effect painting, created through an image of black homogeneous wood, cut up with a horizontally structured vertical lines. It is all black, but the reflection suggests an abstract version of trees in a forest which light up in an illusionary lighter grey. The effect comes out perhaps even better in a 1997 bamboo-ish painting in black with the thick vertical strokes conjuring up the image of a mangrove in glowing blue in the night.

In the heart of the exposition, it is these dark textured paintings which dominate. There are wide strokes of paint which at times (as in the 2007 work) are so thickly put on that the painter managed to carve into it, giving it a 3D effect. As you move around the paintings, the light bounces off different parts of the work, changing the image. In effect, the space around you is also being changed, as you move.

As the lighting is so important to the experience of the works, you might be surprised to hear that the exposition’s lighting is a common museum mixture of spotlight and white ambient lighting. You may also be surprised to hear that the walls and floors are plain white too. In a lot of his work, Soulages emphasized the black he used by contrasting it with a white -or sometimes a yellowish or other- hue. I can not help but wonder why he did not go that one step further to darken the walls and the floors and paint directly on to the wall to maximize the effect. Soulage does break the mould with a step over into a black on black room (1990 onwards), which shows three of his paintings in a black room with ambient style lighting from behind. The emphasis is on the lined texture. It is abstract without the letter-type motifs, giving that grey-tone effect despite being pure black.

For an artist who has been so fascinated with blackness and light, it is surprising that his work did not take a more object or experience orientated turn. The black-on-black room still had one white wall and featured real paintings. It seems but a step in the direction of “experience art”, where the artist gives the visitor an ephemeral aesthetic experience. Why not go all the way? After all, light is an ephemeral experience. The same feeling returned with the lighting, when we move around to see the light reflect off the paintings, why not allow for a room with changing light or even allow for an audience to manipulate the light or a movement of the work itself? Or is this all a little too playful for such a serious colour? Monochrome (or nearly monochrome) does, after all, command respect. Or perhaps even black could just, you know, lighten up a bit.

http://www.centrepompidou.fr / http://www.pierre-soulages.com

PARIS Soulages påstås vara Frankrikes mest framstående nu levande konstnär. Ägnas just nu en stor utställning på Centre Pompidou. Fullt med folk. Inte konstigt. Har varit massor av uppmärksamhet i alla medier. Har blivit ett kulturellt ”måste”.
Soulages målar bara svart. Nästan. Becksvarta tavlor med ränder. Tavlor bestående av några snabba drag med bred pensel.
Bluff eller mästare? Jag skulle vilja ha svaret på den frågan.
Människorna går omkring bland de svarta tavlorna lika förvirrade som jag. Vad söker vi? Livets dolda mening i det svarta? Lösenordet som får ordning på allting?
Jag undrar: Soulages, skulle han ha målat så här om han bodde i en hydda i Alperna, med direkt tillgång till naturens alla skiftningar och inte, som nu, framlevde sina dagar i en spatiös Parisateljé?
Detta skulle jag vilja veta. Jag skulle vilja gå till botten med det här.

Så här skrev jag spontant, efter att ha lämnat utställningen.
Sedan dess har jag försökt ta reda på lite mer. Naturligtvis finns det en retorik kopplad till denna konst.
Soulages har ganska vitt och brett utvecklat tankar om sitt verk. För honom har fascinationen för den svarta färgen att göra med dess dominans över alla andra färger, över det faktum att det kan utgå ett paradoxalt ljus från det svarta…
De svarta tavlorna har inget budskap, de får sin mening av betraktaren, som ställs inför dem.
Ja, så låter han. Själv vet jag fortfarande inte vad jag ska säga…

NOVEMBRE-DÉCEMBRE 2009

Dimanche 8 novembre 2009

À mon retour de Berlin, j’éprouve toujours ce même sentiment d’étroitesse, de surcharge, de trop plein, après avoir vécu dans un appartement au plafond haut, avec le nécessaire, mais sans plus. Un curieux sentiment d’étrangeté.

Déprogrammée, il me faut retrouver mes marques, mes habitudes, l’inconscient de l’habitude qui est aussi économie d’énergie. Un peu étrangère à moi-même dans mon vieil espace. J’aime ce sentiment de détachement.

Mercredi 11 novembre 2009

Coup de téléphone de Bernard. Il a décidé de ne plus peindre.  « J’estime avoir assez peint » dit-il. Se trouve ainsi confirmé le sentiment fugitif éprouvé lors de sa dernière exposition. Je l’avais reçue comme un testament. La répétition, le ressassement que lui reproche G., étaient devenus trop visibles. De l’ennui. Je ne l’ai pas dit, contrairement à mon habitude. Trop cruel à dire, à devoir entendre. Car lui savait. La preuve.

— Mais je travaille !
— Tu fais quoi ?
— Tu verras. Je ne dis  pas.

Ce n’est pas la première fois qu’il tait un nouveau projet. On se vole les idées en art.

Lundi 16 novembre 2009

Première visite à Soulages au Centre Pompidou. Je parcours rapidement les salles. Regarde le film. J’aime le bonhomme, sa sobriété assurée. Pas d’égo se pavanant quand il dit : « c’est nouveau » (ce rapport des toiles au temps et à l’espace).

J’y retournerai un matin. Pour plus d’intimité.

Dimanche soir, 22 novembre 2009

Je lis des textes de Soulages tandis que sur mon écran de télévision, Arte offre un concert. Au programme : Beethoven, Debussy et Ravel, sous la baguette de Georges Prêtre.  Je lis sans écouter. Quand je reconnais un mouvement de la Symphonie n° 7 de Beethoven, un mouvement si connu qu’on ne l’entend plus. Mais cette fois, il s’impose à moi, par un je-ne-sais-quoi. Je lève la tête, regarde et écoute. Je redécouvre ce mouvement, joué, contrairement à la tradition, avec une légèreté aérée. En douceur, sans perdre de sa densité. La gestuelle de Georges Prêtre accompagne avec sobriété ce mouvement, elle l’appelle, sans le soutenir.

Je suspens ma lecture et me laisse portée d’abord par le mouvement reconnu (le 2è, Allegretto) et puis…  par toute la Symphonie que je croyais connaître. Je la redécouvre. Un beau moment. Georges Prêtre me semble avoir dégermanisé le Beethoven de cette symphonie, pour lui donner de la grâce des Lumières du XVIIIe siècle français. Pas de «déchaînement».

Je redécouvre aussi les  Nocturnes de Debussy. La légèreté est ici assombrie. En touches fines.

Un grand chef d’orchestre. Une tête de Romain conquérant et des mains qui semblent fluidifier le mouvement des sons. Il lui arrive de garder les bras ballants quand un mouvement commence en douceur., et le ravit à lui-même.

J’enchaîne sur Gérard Philipe. Des souvenirs heureux surgissent. Dont un précis malgré son viel âge. Je le revois dans la cour de la Sorbonne, bavardant avec des étudiants, venus l’écouter lire Les Epiphanies d’Henri Pichette.

Un visage. Un regard. Le visage, le regard d’une belle personne.

*

P.-S. J’ai eu le désir de réécouter la 7e symphonie. Je n’avais que la version Karajan (II, Berliner Philharmonika). Je n’ai pas pu l’écouter. Mon passage par le national-socialisme m’a rendue allergique à certaines intensités.

Par curiosité, je suis allée sur Internet. Même résultat. L’interprétation d’une œuvre exige une rencontre très intime. J’ai longtemps contemplé la partition espérant percer le mystère d’interprétations aussi différentes.

******

A visiter jusqu’au 8 mars 2010, l’exposition Soulages propose une rétrospective de l’oeuvre du maître du noir et de l’outre-noir. Partant d’un accrochage chronologique, les toiles plus récentes trouvent une unité dans leur facture et leur traitement. Savant jeu de matière et de lumière, le noir s’illumine et trace ses sillons sous le regard médusé du visiteur. Se déclinant dans une véritable richesse, une générosité et une profondeur sans fin, les abysses des oeuvres de Soulages se font lumineuses et sereines.

Et même si la configuration du centre Pompidou rend l’exposition sinueuse, on ne peut pas reprocher à cette exposition son manque de fidélité par rapport au peintre. En effet, Soulages a décidé de l’accrochage lui-même. Autant dire que le peintre a établi lui-même la géographie à respecter pour que la relation oeuvre/public s’exprime selon ses désirs. Le maître est constamment présent : depuis l’affiche jusque dans la mise en place des oeuvres.

Ne vous laissez pas berner par les reproductions des oeuvres de Soulages, rendez vous directement au Centre Pompidou : seul votre oeil pourra rentre justice à un tel travail, et non pas un cliché sur papier glacé.

Il s’agit certainement d’une des meilleures expositions organisée au MNAM au cours de ces dernières années.

You see the two pictures above? On the left, a young painter named Pierre Soulages in his youth. Oh, he happens to be the most influential and celebrated living French painter and a genius of abstraction. You will soon understand why.

Now on the right, what do you see? A black surface with some white strokes, right? What if I told you this canvas is only black, painted all over in black and 100% black? You’ll think ‘She is obsessed and mono-maniac about black. Yes we know, it’s the new black but.. Wait. There is white too, isn’t there?’

Well no. It’s all black really. But when I was standing in front of that painting, one metre away from it, at the Paris retrospective celebrating the 60 years of work of the artist at the Centre Pompidou, I too thought it was white. And then, when my eyes were 10 cm away from the canvas itself – is that even allowed?! – I had to admit it: it was all black, and my perception has been altered by some mysterious dark and unknown evil forces. Which actually were simply… light.

Known as “the painter of black and light”, Soulages is for me more a sculptor of paint who creates 3-D paintings that interact with the viewer and the environment: depending on the settings of the painting, what surrounds it, the light – natural or not, the position and vision angle of the viewer: the picture you see differs and the experience therefore becomes unique.

The exhibition features over 100 pieces from the artist, who started his expressionism journey with experiments of brushstrokes of black ink on paper, thinking: ‘It’s what I do that teaches me what I’m looking for’ (1953).

When asked about his obsession for black, Soulages says: ‘Black has unexpected possibilities, and conscious of what I do not know, I go to meet them. Why black? The only answer, which covers the unknown reasons that lurk in the obscurest regions of ourselves and of the powers of painting, is: BECAUSE.’.

He even went as far as coining a neologism to define his work: outrenoir, for beyond-black, a concept that reminds of Klein’s experiments for the deepest blue. ‘Outrenoir to signify, beyond black, a light reflected and transmuted by black. Outrenoir: a black that ceases to be itself to become luminous, a source of secret light. Outrenoir: a mental space that isn’t that of ordinary black.’

I must also salute the skilled display of the exhibition, which was close to perfection. By far, one of the best art exhibitions I have seen this year. Actually, it is on until 8 MARCH 2010, so I think I will go back. Centre Pompidou, Paris. 12€, Concessions 9€.

elles@centrepompidou

sur un échiquier à peine voilé

le hall d’entrée du grand musée

les pièces immobiles sont des cavaliers en fauteuils

échec à l’ennui?

au sommet trouve-t’on un roi?

en tout cas pas de doute sur la couleur des pièces…

“La réalité d’une œuvre, c’est le triple rapport qui s’établit entre la chose qu’elle est, le peintre qui l’a produite et celui qui la regarde.”

quel plaisir en attendant le sommeil

de savoir que la lumière me réveillera demain

ces longues ballades d’automne m’ont conduite au delà des apparences

sur le seuil tranquille je m’endors enfin

]]> http://camiko.wordpress.com/2009/11/07/robe-soulages-07-11-09/ Sat, 07 Nov 2009 13:19:30 +0000 camiko http://camiko.wordpress.com/2009/11/07/robe-soulages-07-11-09/

Extrait de la présentation : Le Centre Pompidou célèbre, par une grande rétrospective, l’œuvre du plus grand peintre de la scène française actuelle, Pierre Soulages. À la veille de son 90^ème anniversaire, Soulages, « peintre du noir et de la lumière », est reconnu comme l’une des figures majeures de l’abstraction. (…) Retraçant plus de 60 ans de peinture, l’exposition de cet automne permet une lecture nouvelle du travail de l’artiste en insistant sur les développements récents de son œuvre.

L’exposition rassemble plus d’une centaine d’œuvres majeures créées de 1946 à aujourd’hui, des étonnants brous de noix des années 1947-1949 aux peintures des dernières années (la plupart inédites) qui manifestent le dynamisme et la diversité d’un travail toujours en devenir.

Il semble que Soulages ait participé activement à la conception de l’exposition et aux choix d’accrochage. En salle 5, point-clef qui éclaire le basculement de son univers pictural, il propose ainsi

un dispositif qui permet de basculer dans un autre univers pictural : une salle entièrement noire (murs, sol, faux plafond) à l’exception d’un mur peint en blanc et violemment éclairé. Face à celui-ci, trois peintures noires (appartenant à une suite de sept réalisées du 28 décembre 1990 au 19 février 1991) réfléchissent la lumière. Les œuvres se détachent du mur grâce à un système de potences qui vise à ‘donner aux tableaux leur existence de choses’. Il s’agit, par ce dispositif, de convier le visiteur à changer de regard pour aborder cette ‘peinture autre’ survenue en janvier 1979, en rupture, selon l’artiste, ‘avec la conception classique de ka peinture où le reflet est considéré comme parasitant la vision’. (…) Pour cette peinture sans précédent, Soulages a créé un néologisme : outrenoir. ‘Outrenoir pour dire : au-delà du noir une lumière reflétée, transmutée par le noir. Outrenoir : noir qui cessant de l’être devient émetteur de clarté, de lumière secrète. Outrenoir : un autre champ mental que celui du simple noir.’

Et c’est ainsi que l’on découvre, à mesure que l’on progresse à travers cette œuvre exigeante et austère, des richesses insoupçonnées. Le spectateur est convié à participer à ce ‘triple rapport’ qui s’établit avec l’œuvre-objet et avec le peintre. Ce n’est pas un effort particulier qui lui est demandé mais une sorte de mise en disponibilité lui permettant de percevoir cette ‘lumière secrète’ émise par le noir.

Pierre Soulages, photo de Richard Dumas

Roger Vailland (oui, je sais, encore lui) a été un grand ami de Soulages qu’il avait rencontré en 1949. Il lui a consacré un livre, Comment travaille Pierre Soulages (réédité par le Temps des Cerises en 1998), ainsi que plusieurs articles.

Il convient d’être reconnaissant à Soulages d’avoir été le premier parmi les peintres de grand talent, à ne jamais raconter ni décrire. Aucune ambiguïté à aucun moment de son œuvre. Il n’a jamais évoqué la nécessité d’exprimer ses “états d’âme” pour justifier son goût d’étaler des couleurs sur une toile. Il n’a jamais évoqué les expériences des mystiques et les métaphysiques qu’elles impliquent, pour expliquer la concentration nécessaire à son travail. Il ne s’est jamais dérobé derrière des philosophies idéalistes. Il accomplit ses parcours dans un style d’une qualité chaque année plus élevée, et qui atteint parfois au “sublime”. Roger Vailland, “Procès à Soulages”, Clarté n°43, mai 1962

J’ai choisi pour illustrer cette note un portrait photographique de l’artiste, trouvant que les reproductions des œuvres sont largement impuissantes à rendre compte de leur intensité et de leur spécificité. Celui-ci provient du site “pierre-soulages.com” qui est très riche de ressources. On peut consulter aussi le dossier du Centre Pompidou.

The past week was a sight for sore eyes (if such things exist in Paris), as this ancienne étudiante of art history hit up the Musée du Louvre and Paris’ center for l’art contemporain, the 104.

L’année passée, when I was in Paris, I was taking cours en l’histoire de l’art at the Sorbonne (Paris IV), so I’ve actually already been to the Louvre upwards of 25 times or so, but I love going with a visite guidée because I’m bound to see things I haven’t previously noticed or found particularly interesting.  Plus, thanks to the fact that Napoleon a volé an astounding number of incomparable oeuvres from different countries around the world, you’ll not likely to ever feel that you’ve exhausted the ressources ésthetiques that the Louvre has to offer (and Francois Ier’s commandes aren’t hurting the collection either).

On trip no. 1 to the Louvre, our professeur decided to take us through the Italian painting collections.  Here you’ll find Giotto, Da Vinci, Raphael, et Caravaggio, but an unexpected addition to the early Italian paintings collection (housed in the Salon de Peinture historically used for the annual  exhibits organized by the Académie royale de peinture et sculpture) was a contemporary work by Pierre Soulages.  This isn’t the first time that contemporary art has invaded the Louvre or the nearby gardens.  (Two examples I recall are those of spring ’08 : the famous exposition of Louise Bourgeois‘ giant spider in the Tuileries and Jan Fabre‘s invasion of the Northern Schools’ galleries.)  The unlikely juxtaposition of Soulage is (like it was for Bourgeois) a reference to his current retrospective at Centre Pompidou.

Another less-predictable aspect of our 1st evening at the Louvre was a visit to the african art galleries, said to be “inaugurées” by former president Jacques Chirac…which according to our prof. essentially means that he forced the conservateurs at the Louvre to add African art to the heavily occidental collections.  My favorite work in these galleries was a lanky wood-carved statue (which despite it’s nearly anorexic silhouette was sporting perky curves in all the right places).

Our next Louvre visit primarily focused on the two cours de sculpture (Marly & Puget), formerly outside areas of the palais which have since been turned into green-house-like pavilions.  We visited the sculpture of Voltaire by Pigalle,  scandalous for depicting an old man in the style of hunky war heroes, as well as the galleries of small sculpture, created to gain éntrée to the annual salons.  But probably my favorite sculpture moment was when my fairly proper professor turned to us and said “Ah!  Il devient un peu chaud, n’est-ce pas?” (Oh!  It’s getting a bit hot, isn’t it?).  This delightful joke was referencing a work where a satyr was aggressively taking advantage of his woman of choice (though from the look on her face, she didn’t seem to mind one bit).

The day after our 2nd Louvre visit, I went to the CENTQUATRE a contemporary art and cultural center located in the 19th arrondissement, for a conference discussing art and cuisine.  The space was actually gorgeous, home to the former city funeral services, and offered an array of funky, wacky, and kitschy items to peruse at your leisure.  However, the most interesting artistic element of the conference was an intervention by Philippe Mayaux, sculpteur who in 2006 had an exhibition called “Hors d’oeuvres” featuring a series Savoureux de toi (literally “tasting/appetizing of you”).  To create this series he sculpted different parts of of his wife’s body in chocolate and then reassembled them in a manner resembling the typical goodies you would find at a local pastry shop (only made of fingers, bones, and genitals, among other body parts).  And yes, every piece of work was 100% comestible.  As a lover of food and a peruser of wacky conceptual art, this was clearly the highlight (or at least the most intriguing encounter) of my semaine of art outings.

—vocabulaire—

ancienne étudiante > former student

l’art contemporain > contemporary art

Musée du Louvre > the Louvre Museum

L’année passée > Last year

cours en l’histoire de l’art > art history courses

visite guidée > guided visits

a volé > stole

oeuvres > works

ressources ésthetiques > aesthetic resources

commandes > commissions (i.e. when a patron asks an artist to create a certain work)

professeur > professor

Académie royale de peinture et sculpture > “The Royal Academy of Painting and Sculpture”, founded in 1648; a historically conservative and all-powerful group of leading artists, most famous for their annual salons (starting in 1663) to exhibit the works of members of the academy.  It no longer exists as it was replaced by the Académie des Beaux-Arts (Fine Arts Academy) and finally, the Institut de France (French Institut).

exposition > exhibition

inaugurées > inaugurated/unveiled

conservateurs > curators (who happened in the case of the Louvre to have been rather conservative concerning the issue of the african art galleries…oh the humor of french linguistics)

occidental > western, typical of western culture

cours de sculpture > sculpture courtyards

palais > palace (The Louvre was once the royal palace of the French monarchs)

éntrée > entry

intervention > presentation (in the context of a conference)

sculpteur > sculptor

comestible > edible

semaine > week

La colombe légère, lorsque, dans son libre vol, elle fend l’air dont elle sent la résistance, pourrait s’imaginer qu’elle réussirait bien mieux encore dans le vide.

I. Kant, Critique de la Raison Pure

Déambulant dans les couloirs du dernier étage de Beaubourg, entre les toiles noires de Soulages, je songe à ce que veut dire C. lorsqu’il m’écrit que seul l’usage de la contrainte, dans le poème, libère.

J’imagine, d’abord, que l’on peut se figurer la contrainte comme une résistance. Par sa rigidité, son inflexibilité, l’intérêt de la contrainte serait d’insérer dans le poème un équivalent, d’autant plus tragique qu’il est arbitraire, du principe de réalité : fixant des règles, elle nous apprendrait que c’est ainsi et ne peut être autrement (il faut la rime, le nombre de pieds, ou autre chose, mais il le faut) et que la fabrication d’un poème n’est donc pas, ne doit pas être une réalisation de nos désirs. Ainsi, contrecarrant l’immédiateté de la volonté, la résistance d’une contrainte même arbitraire nous aiderait à lutter contre la facilité, en nous obligeant à trouver des ressources originales et auxquelles nous n’aurions pu penser sans elle. Et c’est toujours pareil : ce n’est pas celui qui ne suit aucune règle qui produit des oeuvres originales, mais celui qui se donne des règles inédites.

Levant le nez, considérant que je me trouve face à une toile de la seconde période de Soulages, je me demande si l’abandon disons moderne de la figuration doit plutôt être considéré comme un refus de la contrainte (disons, des contraintes idéelles de la représentation) et un désir de voler dans le vide, ou au contraire comme l’exploration des façons dont la matière elle-même contraint : dimensions de la toile, couleur, etc. S’agit-il de se libérer, enfin, des conventions anciennes, pour rendre la peinture à sa spontanéité – ou tout au contraire de travailler d’autres contraintes, plus sournoises, presque invisibles parce que toujours présentes, naturalisées ? Car la matière, le matériau sur lequel on travaille est toujours, forcément, contraignant en un sens : on ne fait pas, on ne peut faire la même chose avec du bois et du papier, avec de l’encre ou du pastel, avec une page de livre ou une toile, etc.

Dès lors, si les propriétés de la matière que nous travaillons (par exemple de l’espace et du temps, de la langue, avec sa grammaire et sa syntaxe, ou de la page, avec son grain et ses dimensions) agissent de toutes façons comme des contraintes qui nous demandent de trouver des ressources, je me demande à quoi peuvent bien servir les contraintes additionnelles comme la rime, la métrique fixe ou bien la justification des vers : si le ciel n’est de toute façon jamais vide, pourquoi lui ajouter, en plus, des nuages ou des vols de charters – la résistance de l’air ne suffit-elles pas à y voler tranquille ? Et le travail de Soulages n’est-il pas d’autant plus intéressant que les contraintes avec lesquelles il travaille sont basiques (et essentielles), c’est-à-dire qu’il trouve dans les seules ressources de la dimension, de la couleur et de la figure une matière à rêver ? Pourquoi s’embarrasserait-il d’autres conventions ? Qu’y a-t-il d’autre à libérer ? Et celui qui appelle au respect de contraintes arbitraires, inutiles et superflues, comme si sans cela nous volions dans le vide – n’a-t-il pas oublié que la contrainte, de toutes façons, est un fait ?

…à suivre

Illustration : Pierre Soulages, 1959

Du 14 octobre 2009 au 8 mars 2010

La galerie est de taille raisonnable et le nombre de pièces présentées est significatif ; il faut dire aussi que les formats sont des plus classiques. Les travaux de Mario Giacomelli sont presque abstraits à l’exception de deux ou trois œuvres (dont une présentant des curés jouant au cerceau) dont on se demande au final ce qu’elles font là.

La distance au sujet, ou trop proche ou trop lointain, rend difficile son identification et parfois ne subsiste que des formes ou, mieux, des textures si bien que l’on croit voir du papier “gaufré”. C’est là un travail qui m’a semblé d’autant plus insolite qu’il se présente sous un jour classique : format, choix du noir et blanc, et même le cadre retenu contribuent à cette impression de classicisme.

Après avoir visité le site web de l’artiste (ici), il semble qu’il ait arrêté ce thème il y a plus de 25 ans ce qui confirme la tonalité une fois encore “classique” de ce travail alors que le sujet est contemporain. Il s’agit là aussi d’un choix délibéré du galériste de ce concentrer sur cet aspect de son travail, Mario Giacomelli ayant exploré bien d’autres voies au cours d’une longue carrière. Une illustration de l’esprit de l’exposition avec une photo tirée de son site web (années 1953-1963, à ses débuts).

Le marchand vendait aussi des sérigraphies de Soulagès, de 1974 (compter 2 500 euros). Marier Soulagès et Giacomelli, bonne idée.

Dans le cadre du Mois de la photographie qui, décidément, dure un très gros mois, la Galerie Jérôme de Noirmont (ici) montre jusqu’au 31 janvier 2009 les œuvres de Valérie Belin.

La galerie occupe un emplacement de prestige située avenue Matignon et compte de grands noms, outre Valérie Belin. Le  dernier accrochage consacré à un artiste photographe était celui de Bettina Rheims dont on fêtait l’anniversaire le 17 décembre (mon billet ici) et qui valait le déplacement. La galerie compte aussi Pierre et Gilles et Shirin Neshat pour ne citer que des photographes. Et si vous avez quelques millions de dollars, la galerie représente Jeff Koons, pas moins. Quel dommage de ne pas être fortuné, parfois, pour pouvoir admirer à sa guise de telles pièces dans un triplex rue Montaigne…

Fort heureusement, et là j’ouvre une parenthèse comme on dit, les galeries sont ouvertes au public et, bien que visant une clientèle disons, choisie, cette galerie là est tout en transparence si bien que les passants en profitent et la porte est toujours ouverte si bien que les curieux ne sont pas découragés. Remarquez, je pense que tout le monde peut laisser sa porte ouverte avenue Matignon, ce ne sont pas les forces de Police qui manquent. Ceci dit, l’esprit d’ouverture est quand même à souligner alors qu’un tel galériste pourrait confortablement se cacher dans un hôtel particulier et recevoir sur rendez-vous. Bien des galeries ô combien plus modestes seraient bien inspirées d’en prendre de la graine. Fin de la parenthèse.

Valérie Belin nous montre des bouquets, une danseuse et un magicien (ou un joueur de cartes). Les photos, en noir et blanc, sont peu abondantes car elles sont très grandes (162 x 130 cm) mais occupent parfaitement l’espace. L’éclairage est remarquable. Ici, on ne fait pas dans l’approximatif. Les photographies sont en noir et blanc, enfin, surtout en noirs en fin de compte car, si les éclairages du sujet sont particulièrement recherchés, il n’en reste pas moins qu’on est surtout dans la nuance des noirs qui apparaissent diversement selon la texture des différents vêtements, des cheveux et même de la peau.

Ce sont surtout les portraits qui m’ont impressionné tellement tout cela est travaillé.

Avec Valérie Belin, c’est le mariage réussi de Studio Harcourt et de Pierre Soulagès. Du noir et de la lumière.

C’est évidemment une exposition à ne rater sous aucun prétexte : vous avez jusqu’au 31 janvier 2009, c’est à Paris, métro Miromesnil (à 50 mètres de la station) et c’est gratuit.

Hasard ou non, le jour où “le Noir”, quoique plutôt métis vu de France, est nommé président, l’hebdomadaire culturel Télérama fait sa une sur une analyse : “Le noir. Qu’a donc cette couleur pour nous fasciner ?” Bien sûr, un être humain n’est pas réductible à sa seule couleur de peau, mais la fonction présidentielle renforce le pouvoir symbolique de la caractéristique. Et les considérations du journaliste de prendre une nouvelle résonnance dans notre tête fraichement imprégnée d’élection américaine : “Faut-il en conclure, se demande Daniel Conrod, que les transformations économiques, politiques ou culturelles des sociétés suscitent à certaines époques un irrépressible désir d’un noir qui leur soit un miroir ?” ou encore cette réflexion du peintre Pierre Soulages appliquant du noir sur une toile : “Je me suis dit qu”il devait y avoir là quelque chose de particulier qui se produisait, dont je n’étais pas conscient, étant trop habitué à ce qu’était jusque-là le noir dans mes peintures précédentes. Je suis allé dormir. Et quand, deux heures plus tard, je suis allé interroger ce que j’avais fait, j’ai vu un autre fonctionnement.” Qu’en pensent les Américains ce matin ?