Il buono, il brutto, il cattivo

Ogni storia che si rispetti presenta una polarizzazione dei ruoli piuttosto semplicistica: ci sono un buono e un cattivo. Se le danno di santa ragione. Alla fine vince il buono.

Un meccanismo consolatorio. Gli eroi di un tempo erano dei forzuti, e potevano effettivamente vincere senza problemi contro ogni cattivo, foss’anche uscito dall’Inferno (vedi alla voce Eracle). Le cose cambiano, assieme all’inurbazione e alla presa del potere della classe borghese. L’eroe buono è spesso una persona media, quando non mediocre. Non ha la forza fisica del cattivo. Non ha la cattiveria del cattivo. A volte non ha nemmeno l’intelligenza e la cultura del cattivo. Vince quasi sempre per una botta di culo incredibile. Il problema è che vince. Come dice Simenon da qualche parte, il suo Maigret, un commissario di (oltre) mezza età, un po’ appesantito, non certo uno che corre dietro ai malandrini, è proprio un simbolo della borghesia, che ha bisogno di rassicurarsi. Maigret è una figura rassicurante. Un buono fino al midollo, che vuole capire il cattivo di turno senza manganellarlo. Un buono che ha una vita privata grigina, ma piacevole: le passeggiate primaverili con la moglie, le cenette con i pochi amici (dottori, sempre stessa borghesia) e così via, niente di avventuroso, ma lo sfondo parigino contribuisce a rendere la vita di un Maigret piacevole.

Nel (gran) film di Leone, il cattivo (Lee Van Cliff) è cattivissimo, spietato. Uccide con freddezza. Per soldi. Pronto senza dubbio a far fuori chiunque pur di raggiungere il suo obiettivo. Il brutto (Eli Wallach), togliamocelo subito dai piedi, è uno stupido, che non capisce cosa succede, ha degli istinti bassi, è avido e “goloso”, serve solo a far risaltare le qualità del buono. E vediamolo, questo buono (Clint Eastwood): veloce e preciso con le armi da fuoco, astuto come una di quelle serpi che attraversano quei deserti, ci mette poco a decidere di abbandonare lo stupido brutto alla mercé del sole che spacca le pietre, salvo poi usarlo per arrivare all’oro nascosto nel megacimitero. E pianifica una trappola disonesta, e alla fine fa fuori il cattivo. Gioca sporco. Non è buono, non è onesto. Bene, salva la vita al brutto. Ma prima di salvargliela, gli mette il collo in un cappio, lo costringe a reggersi in piedi su una croce di legno marcito (se mette un piede in fallo, si impicca), e poi gli spara contro per spaventarlo. Solo con gli ultimi colpi taglia il cappio e salva il brutto, lasciandogli anche parte dell’oro.

I supereroi oscillano tra due estremi: o sono degli sfigati nerds che appena si mettono degli slip colorati assumono superpoteri (ditemi dove si comprano), o sono dei superfigaccioni con muscolature iperdefinite che manco un dopatissimo. Lasciamo perdere perché sono così belli, e come assumo i poteri, e vediamo cosa ne fanno. Li usano per aiutare la gente! Io mi sono sempre chiesto perché. Certo se ti muore uno zio che ti ha allevato come un figlio, ucciso da un rapinatore che tu ti sei lasciato sfuggire quando potevi fargli uno sgambetto, e la polizia l’avrebbe ingabbiato, e ti ricordi le parole dello zio che ti dice che “da grandi poteri derivano grandi responsabilità”, allora un minimo di condizionamento psicologico autoindotto (ma neanche tanto auto) ti spinge ad aiutare la gente. Semplice senso di colpa, niente di più. L’uomo ragno non è un buono, è uno che ha bisogno di qualche seduta di psicanalisi. (Ciò non toglie che in mezzo a tutti gli americani rimanga il mio preferito)(Non psicanalizzate me)(Ci hanno già provato, gente con la laurea specifica).

Ma tutti gli altri? Ok, anche a Batman uccidono i genitori. E allora è vendetta. Batman è cattivo. Mica è oscuro per niente. Non è buono, si vendica. A ripetizione, su tutti quelli che fanno del male, perché associa a ogni azione cattiva compiuta contro qualcuno l’azione cattiva compiuta contro i suoi genitori (e contro di lui). Anche lui avrebbe bisogno di un aiuto specialistico, perché deve liberarsi e – come dire, elaborare. Ma tutti gli altri? Superman non è nemmeno di questo pianeta! Che cosa gli frega di aiutare delle – mezzeseghe, permettetemi, quali siamo noi miseri umani debolucci? E gli X-men? E SuperMario? (SuperMario lo fa per la principessa, ha un buon motivo).

Per lungo tempo la cultura pop ha proposto eroi tutti d’un pezzo, integerrimi, onesti, disposti a farsi rompere la faccia per la giusta causa. Tanto alla fine vincono. E vincono tutto, onori e belle figliole. Una riproposizione della scommessa pascaliana: vale la pena farsi spaccare la faccia se puoi vincere il piatto pieno? Varrebbe la pena, se anche in caso di sconfitta ti rimanesse qualcosa di meglio di quello che ti rimarrebbe se invece non ti facessi rompere il naso. Ma il cattivo perde sempre, e quindi non è un’opzione. E quelli normali li vedi solo quando i cattivi li fanno saltare per aria (i cattivi sono sempre bravi a far esplodere cose e persone, che è una abilità piuttosto affascinante), e quindi è un’altra opzione non preferibile. Non ti rimane niente di meglio, quindi tanto vale prendere un sacco di botte e sperare che alla fine ci sia un’infermiera sul genere Playboy a toglierti il sangue dalle arcate sopraccigliari. Meglio pesto che morto, e meglio curato da una coniglietta che pesto che morto. Semplice ordinamento cardinale, in una situazione di decisione razionale, no? Si sceglie la subottimale, sperando nella ottimale.

Ma l’eroe vero non è integerrimo. L’integerrimo si spezza, se non è un film. La letteratura di tutte le culture ha presentato come eroi dei personaggi che hanno anche un minimo di flessibilità. Enea illude Didone, Ulisse è il prototipo dell’infame, Soslan (epopea dei Narti) è un piantagrane, Ercole è un ubriacone piantagrane (e considerando che è pure invincibile, meglio girare al largo), e così via. Gilgamesh fa tanto di quel casino che alla fine il suo migliore amico è una specie di yeti sumero, l’unico abbastanza tosto da stargli al fianco.

L’onesto a tutti i costi, a costo della vita (sua, e di chiunque si opponga alla vera verità dell’onesta e retta via, e di quelli che si fanno i fatti loro nel posto sbagliato al momento sbagliato – attorno al buono la gente muore come mosche), è pericoloso. Le popolazioni senza la borghesia insicura l’avevano capito, e preferivano tenersi un leone in casa (Ercole, come dice mi pare Sofocle ma non chiedetemi dove: «se allevi un leone in casa, poi devi trattarlo da leone»), contando anche sulla sua corruttibilità.

One of the more successful spaghetti westerns, due to backing from MGM and the hot box-office actor Peter “Mission Impossible” Graves, the The Five-Man Army (1969), directed by Don Taylor, provided an above average story of a $500,000 train robbery. The suspenseful 30-minute train robbery, one of the better filmed, makes this well worth watching. If you haven’t seen the film before, the ending is also a bit of surprise. Overall, a good watch.

Ennio Morricone, of the most prolific composers of all time, created a theme even more memorable than his previous spaghetti western films. Using an unusual quirky combination including flute, woodwinds, and violin fiddling the haunting melody will definitely get into your brain and if your anything like me it will be stuck there for quite sometime and yes it is repeated a lot but downloading just the main title track (the only one in stereo) would cause you to miss a lot of good additional material.

The death march theme “Muerte Donde Vas?” appears first as a lyric sung in Spanish to a condemned man, a quieter version played on the Cor Anglais as traveling music out of the city, and a slow funeral like pace again featuring the English Horn. The “Death of the West Theme” is a quiet somber one also that could remind you of similar themes in other western films Morricone did. Used in the background when the group was recalling old times and as a motif that refusing to cooperate meant death it is yet another effective theme. Both themes are one that could easily be mistaken for any of a 100 similar themes that Ennio composed over the years for his endless output of material for the Italian silver screen. In addition to these three main themes that dominate much of the score there are some nice additional underscore tracks, which are noteworthy. “I Bambini e I Fiori” is a romantic interlude for guitar, “Tension Theme,” a somewhat dissonant escape cue with uneasiness in the music. No score from Morricone would be complete without a harmonica solo and albeit a short cue “Harmonica Source “ offers a somewhat comical one. “Out of Time” features repetitive bars with the sound of a clock adding to the urgency of the scene.

With the exception of the “Main Title” this recording is in monaural with a very slight amount or reverb added. According to the liner notes previous recordings have had issues with speed among other problems. As a reviewer who has listened to this recording multiple times I found no issues with this FSM release. The liner notes from Bender and Kaplan were well written with all of the appropriate information included about the film and the tracks.

This is yet another score that will definitely grow on you with repeated plays and is one to consider for your collection to even the casual Morricone listener. If you already have one of the previous releases this one may very well be to your liking considering the audio improvements and the addition of extra material. This is not a limited release. Recommended.

CD# FSM Vol. 12 No. 16

Produced by Lukas Kendall

Digital Mastering by Douglas Schwarz

Track listing

1. Un Esercito di Cinque Uomini (Main Title, stereo) (02:53)

2. Un Esercito di Cinque Uomini (The Chicken Farm/The Mining Colony) (02:04)

3. Un Esercito di Cinque Uomini (The Circus/To Morales) (02:42)

4. Muerte Donde Vas? (The Execution) (02:32)

5. I Bambini e i Fiori (Flowers and Food) (01:17)

6. A Cinque Amici, Cinque Eroi (Introductions) (02:18)

7. Muerte Donde Vas? (The Journey) (02:49)

8. A Cinque Amici, Cinque Eroi (Interrogation)/Muerte Donde Vas? (Captured) (01:46)

9. Tension Theme (Escape) (03:31)

10. Un Esercito di Cinque Uomini (Maria’s Goodbye/Pursuit) (02:13)

11. Muerte Donde Vas? (Rebel Aid) (01:23)

12. Heroic Theme (The Train) (00:33)

13. Comic Theme (Ambushing the Truck) (00:12)

14. Harmonica Source (To the Station House) (00:42)

15. A Cinque Amici, Cinque Eroi (Already Dead) (02:17)

16. Un Esercito di Cinque Uomini (Departure/Army in Disguise/Underneath the Train) (01:57)

17. Comic Theme (Close Call)/Tension Theme (The First Move)/Tension Theme (The Next Move) (02:51)

18. Una Corsa Disperata (Samurai Runs) (04:14)

19. Contro il Tempo (Surprise Guests)/Contro il Tempo (Mesito Prepares) (00:58)

20. Contro il Tempo (Out of Time) (04:25)

21. Un Esercito di Cinque Uomini (Success) (01:02)

22. Muerte Donde Vas? (The Dutchman’s Cause) (02:44)

23. Tension Theme and Muerte Donde Vas? (New Recruits) (04:59)

Bonus Tracks

24. Un Esercito di Cinque Uomini (Main Title, mono) (02:54)

25. Muerte Donde Vas? (Album track) (04:11)

Total Duration: 00:59:27

Black Jack Derringer Book I: The Ace of Spades by K. H. Koehler

 All “Wild” Alice West wants is to be a respected bounty hunter, and make some legitimate cash along the way. But in the post-apocalyptic world of the Skillet, there is no room for a woman doing a “man’s job.”

 Enter Mr. Treen. Alice believes that by hiring the albino card sharp, she can give her business the legitimacy it needs. But Mr. Treen has his own secrets—some of them dark. And once these misfits get together, you can be sure the Skillet will never be the same again.

 104 page 6×9 paperback

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Black Jack Derringer is causing quite a stir:

“In Black Jack Derringer, ‘Wild’ Alice West blazes her own trail through a weird west full of gun smoke and testosterone, dragging the reader along like some poor sap with a boot caught in the stirrup. K.H. Koehler has invented a west that I wouldn’t want to live in but am ready to visit again any time the door is opened. Rip-roarin’ fun!”

~Jeffrey J. Mariotte, author of Cold Black Hearts and the Desperadoes weird western comic book series

“Wild Alice West, Mr. Treen and a tale that will capture you from the very beginning – Karen Koehler’s Black Jack Derringer Book I, so enjoyable, unpredictable and entertaining you won’t be able to wait for Book II. One of the best of 2009.”

~John Paul Allen, author of Gifted Trust, Monkey Love and Marquee.

“The Ace of Spades reads like Tombstone on acid.”

~Monster Librarian

“Like the best novellas, The Ace of Spades provides the reader with a fine and fascinating tale in its own right…the reader has the giddy delight upon completion of this yarn that there are more installments to come.”

~Hellnotes

“This story has everything you could possibly need from a good yarn; plot twists, gunfights, mutants, sandboat robberies, and yes, even some pirates. And, I found nothing to complain about. No, I mean nothing.”

~Zoe Whitten, author of the Campaign Trilogy

Demorei o máximo que pude para ver esse filme. Para falar a verdade, eu nem queria ver esse filme. A razão? Medo. Meu maior medo era o hype imenso que esse filme carregava em cima dele. A fita nem tinha começado sua vida nos cinemas e todos já diziam que seria “o melhor filme de todos”. Confesso que sou um pouco (pouco é muito e muito é pouco) chato. Principalmente quando gosto de algo. E sempre gostei dos filmes do Tarantino. Não, eu não acho o cara um gênio. Acho um ótimo e divertido diretor. O maior triunfo do Tarantino é saber lidar bem com o clichê. Algo que todos tentam e a maioria fede ao fazer tentar fazer isso. Tarantino trabalhava numa locadora. Ou seja, estava rodeado pelo clichê o dia inteiro. Afinal, os filmes que costumam passar nas televisões das locadoras são, em sua maioria, algo que se tornou clichê com o tempo. Junte se a isso o seu talento e ironia referente à violência e você têm um ótimo diretor. Seu primeiro roteiro foi “Assassinos por Natureza”/ “Natural Born Killers” (com Juliette Lewis, Robert Downey Jr. e Tommy Lee Jones no elenco) o qual Oliver Stone dirigiu. Talvez seu maior roteiro, mesmo sendo bastante revisado pelo próprio Stone.

O primeiro roteiro de Tarantino já mostra o quanto ele é light.

Também não vi Burn After Reading/Queime Depois de Ler pelo mesmo motivo. Muito é falado antes de o filme ser lançado. E também é de um dos meus cineastas favoritos. O fato dos irmãos Cohen terem entrado no mainstream me assusta até hoje.

Assustado com os Irmão Cohen no mainstream!

Quem já acompanha as peripécias deste blog sabe que costumo mais descer o pau do que elogiar: tirando Y: The Last Man, Ren & Stimpy e Billy & Mandy eu fui só reclamações e maldições. Mas de qualquer forma, não fiz tantas resenhas assim…

Então já deve ter alguém pensando: lá vai esse chato descer o pau no filme. Mas…

…o filme é muito bom! É melhor que Pulp Fiction? Não! É melhor que Kill Bill? É igual e diferente do mesmo modo. Ver um filme do Tarantino tem sempre uma sensação parecida, mais ou menos como ver Kubrick pós-Lolita. A sensação é parecida e os filmes não. Tarantino já conseguiu deixar sua marca no seu modo de fazer filmes. Não sei como explicar, mas quem conhece o trabalho dele já sacou o que eu quis dizer. Assim como Kubrick tinha aquele modo de sempre valorizar aqueles sorrisos aterrorizantes, cenas no banheiro e outras coisas. Não me entendam mal. Não estou comparando um com o outro. Kubrick era um gênio. Um dos maiores da história do cinema. Tarantino ainda não o é. É ótimo e divertido. Mas não sei. Ainda falta algo e tive a impressão de que com Bastardos Inglórios ele deu mostras de que está à procura desse algo mais.

Bastardos Inglórios é o chamado Historical Fiction (ficção histórica). A fita se passa na Segunda Guerra Mundial (entendam que esse era mais um dos meus medos: Nazistas de novo?!). Mas Tarantino não esgotou ainda mais o assunto. O nazismo e a guerra podem passar apenas como coisas secundárias.

Agora, para não falar só de Tarantino, o elenco foi muito bem escolhido. Começando com Christoph Waltz (“Ordinary Decent Criminal” / “Um Criminoso Decente” – vejam esse filme também!) no papel de Hans Landa. Waltz é o melhor no filme. Sua atuação é bárbara e mereceu o Cannes de melhor ator. Michael Fassbender (“Bando of Brothers” e “300”) como Lt. Archie Hicox (o inglês que troca tiros na virilha no pub) muito bem também. Eli Roth (demorei a lembrar quem era esse doidão. Ele faz parte do grupo Splat Pack, que é um grupo de cineastas de filmes de terror que decidiram voltar a fazer filmes de terror mesmo – pesados, “Saw”/ “Jogos Mortais” é de um diretor desse grupo. Eli Roth é o diretor de “O Albergue” que, confesso, não sou fã) é Donny Donowitz / O Urso Judeu, impecável sua ultima aparição na qual ele atira em Hitler até o rosto dele virar pedaços de carne moída no liquidificador. Diane Kruger (a Helena em “Troy” / “Tróia” e Abigail Chase em “A Lenda do Tesouro Perdido”) interpreta Bridget von Hammersmark. Diane Kruger já foi uma modelo de sucesso na década de 90, se não estou enganado. Que bom que deixou de ser modelo, parece que sob a correta direção e em um filme bom (diferente dos citados na qual ele atuou) ela tem talento. Daniel Brühl (“Adeus Lênin” e “The Edukators”) é Fredrick Zoller, ou o herói de guerra alemão. O cara é realmente bom. É só ver os filmes que o cara fez. Til Schweiger (“Tomb Raider” e “Rei Arthur”) é  o alemão que muda de lado. O cara no filme é hilário. Não sabia que o cara era bom (afinal olha os filmes que eu citei que ele fez), mas ele o é. Mélanie Laurent faz Shoshana. Essa eu não conhecia, mas também é muito boa. Omar Doom é Omar Ulmer. Gedeon Burkhard é o tradutor dos Bastardos. B.J. Novak (“The Office”) é o Little Man (não lembro bem como ficou em português, se foi Pequenino ou algo do tipo). Mike Myers (o Austin Powers) é o general inglês que comanda a idéia do assassinato de Hitler. Rod Taylor (“A Máquina do Tempo” de 1960, baseado no livro de H.G. Wells) faz o Wiston Churchil. Denis Menochet (“Hannibal Rising”) faz o fazendeiro francês do inicio do filme. Christian Berkel (“Operação Valquíria”) é o barman do pub onde rola aqueles tiros na virilha. Jacky Ido (esse eu não conheço) faz Marcel. August Diehl (“The Counterfeiters” e “The Ninth Day”, ambos alemães) é o oficial da Gestapo, especialista em sotaques, que troca tiros na virilha. Alexander Fehling (“And Along Come Tourists”, também alemão) é o cara que está comemorando o nascimento do filho onde dão tiros na virilha. Sylvester Groth é Josef Goebbels, ministro da propaganda de Hitler. Groth também interpretou Goebbels na comédia My Leader – The Truly Truest Truth about Adolf Hitler (também alemã). Quem também interpretou Goebbels foi Martin Wuttke – que é Hitler no filme de Tarantino – no filme Rosenstrasse (alemão também, mas se tiverem tempo – e paciência para achar – vejam). Julie Dreyfus (Sofie Fatale em “Kill Bill”) é a interprete francesa de Goebbels. O curioso é que parte do elenco desse filme são também diretores. Um exemplo disso é Enzo G. Castellari que no filme é um general nazista. Castellari é um diretor italiano, conhecido pelos seus Spaghetti Western como Any Gun Can Play, Kill Them All and Come Back Alone, Seven Wichesters For a Massacre e,…, The Inglorious Bastards – Quel maledetto treno blindato. Os bastardos de Castellari e de Tarantino são parecidos. Com certeza o filme de Castellari inspirou Tarantino. Os Bastardos no filme de Castellari são soldados americanos que estão sendo levados para uma prisão militar quando um ataque aéreo alemão acaba os “soltando” ao matar todos os guardas. Os soldados decidem fugir e acabam fazendo parte de um plano que consiste em roubar o giroscópio de um foguete V-2 nazista que se encontra em um trem extremamente protegido por nazistas.

The Ingloriou Bastards de Castellari.

Ué, e o Brad Pitt? Bom, Brad Pitt é um grande ator. Quando ele não faz papéis de heróis entediados ou de galã supersexy (como Aquiles em “Tróia” ou Sr. e Sra. Smith) ele manda muito. É só ver filmes como Thelma & Louise, Across the Tracks, Kalifornia (acho que foi aí onde ele aprendeu esse sotaque que ele tem em Bastardos Inglórios), Interview with the Vampire, Lendas da Paixão, Seven (Sete Pecados Capitais), Os Doze Macacos, Fight Club (Clube da Luta), Snatch (mais uma vez ele faz um sotaque genial), Babel, …, deu para entender, né? Ou seja, quando o papel e o filme é bom, ele arrebenta. Por isso não vou ficar falando o quanto ele foi bem nos Bastardos. Tentei falar mais dos outros que, para a grande maioria, são desconhecidos.

Como não poderia deixar de ser…

Pausa para um lanchinho...

…em filme de tarantino nunca falta sangue e nem Samuel L. Jackson. Ele não atua, mas é o narrador. Poucas vezes narra, é verdade, mas ele está lá.

Minha conclusão é: se não viu, veja por você mesmo. Se já viu, sabe do que estou falando.

Unforgiven (1992)
★★★★ / ★★★★

I’ve always wondered about this classic western about three men (Clint Eastwood, Morgan Freeman, Jaimz Woolvett) who decided to hunt down two other men who cut up a woman’s face (Anna Levine) for the price of $1000, but I was always reluctant to see it because the western genre is my least favorite. I’m glad to have finally given it the chance it more than deserved because it absolutely blew me away. Every scene felt like a crucial piece of the puzzle in order to understand why certain things were happening and why certain things must happen. I truly identified with Eastwood as a man who used to be a drunk and a killer because every fiber of his being was fighting his inner demons regarding the people he killed for no good reason. In every frame, I felt the fierce passion in his eyes, the wounded soul in his voice and the subtleties of his body movements; it made me believe that he really was a changed man. But eventually, it was nice to see why he did not want to be that kind of person anymore, not just because he now had a family, saw the error of his ways, and wanted to set a good example, but because that person really was engulfed in such darkness whose sole motivation was to kill. All of the supporting actors were exemplary such as the villanous authority of the town played by Gene Hackman, the leader of the prostitutes played by Frances Fisher, and the kid who was so enthusiastic about killling even though he had myopia (Woolvett). Although this was a western film, I was surprised because it was very anti-violence. Even though there were shooting involved, a requisite in most western pictures, the thesis of having no honor in killing was always at the forefront. I never thought I would ever be interested in watching more western films, but after seeing “Unforgiven,” perhaps I just might. This film will definitely set the standard of my eventual foray into westerns. I can honestly say that this deserved its Best Picture and Best Director win at the Oscars because despite the film looking a bit dated, the emotions are still raw and quite timeless. Complexity within its deceitful simplicity is this film’s forté and it succeeds in every single way. That’s a rarity.

Near.

Far.

Terzo appuntamento con Ladri di trailer la versione “moderna” di ladri di locandine, ed ecco una della coppie più famose della storia del cinema italiano:
Lo chiamavano Trinità di Enzo Barboni del 1970 e
…continuavano a chiamarlo Trinità sempre di Enzo Barboni del 1971.

• Il primo robot a parlare arabo si chiama Avicenna (Ibn Sina).
• Infortuni sportivi idioti.
• L’autocontrollo può essere esagerato?
• Il cartello dei farmaceutici.
• Colto citazionismo:

La copertina dell'LP della colonna sonora.

Tra pochi giorni partirò per San Francisco per presentare un paper sul cinema di Tonino Valerii, concentrandomi sul versante Western. Ne ho approfittato in questi giorni per rivedere i suoi film di quel genere, tra cui il celeberrimo Il mio nome è Nessuno, e per vedere C’era una volta il West, grande capolavoro di Sergio Leone.

Beh anellidi, han voglia gli americonzi a chiamarlo “Spaghetti Western” con tono di denigrazione. Delle sceneggiature così, una costruzione dei personaggi da mozzare il fiato, una scelta di facce di attori assolutamente superlativi… non mi stupisco che il cinema italiano di quell’epoca sia considerato da molti, tra cui Tarantino, come una pepita d’oro.

Inoltre, va detto, vedere Henry Fonda prima eroe degli eroi, e poi cattivo dei cattivi, è davvero una bella esperienza. Consiglio a tutti di vedere i due film uno dopo l’altro, a voi la scelta dell’ordine.

Ancora western. Iniziamo con il trailer di Per un pugno di dollari di Sergio Leone e poi ecco Giuliamo Gemma con Una pistola per Ringo. Chissà quale preferivano Cesco e Daniele?

La sombra aplastante de Leone ha ocultado demasiados directores talentosos que parecen no tener mayor mérito que la explotación vergonzante de los talentos del maestro pero una mirada más desprejuiciada o menos miope hace aparecer una enorme cantidad de tonos y colores diferentes, un puñado de directores que amén de otorgar su verdadera naturaleza al “eurowestern” construyendo verdaderamente el género con sus aportaciones revelan no pocos casos de auténticas personalidades y talentos genuinos. Entre ellos (gente como Corbucci, Sollima, Questi, Margheriti, Castelari, Lenzi…) siento especial debilidad por el heterodoxo talento de Tonino Valerii, curiosamente el que quizás más halla tenido que soportar el sobrepeso creador de Leone y eso pese a que su estilo es sin duda el menos influenciado, siendo un director mucho más interesado por el periodo clásico americano y que cuenta en su haber con una obra mayor, no ya del “spaghetti-western” sino del western en general como es “El día de la ira” una de las más agudas reflexiones sobre la violencia, el poder, el desencanto y la construcción de la personalidad que jamás halla alumbrado el género. Descontando otros acercamientos como la notable y muy original “La muerte de un presidente” con Gemma investigando nada menos que un magnicidio inspirado en el de Kennedy, una pieza revolucionaria (y de comandos) como “Una razón para vivir y una para morir” y por supuesto esta, “Mi nombre es ninguno” el film en el que Leone empuja a Valerii fuera de cuadro pese a que la dialéctica entre clasicismo y modernidad sea puramente “valeriiana” (tensión presente incluso en su único y estimulante “giallo” “Sumario sangriento de la pequeña Stefania”) y que la elegancia a de los mejores momentos de su realización refiera claramente al cine previo del director y no a la mucho más enfática y estilizada (y mucho más poderoso también) impronta de Sergio Leone. Aun así esto no implica no reconocer la labor del director romano como “gestador” del proyecto e incluso como casi co-director (la dilatación temporal de algunas escenas y cierta parsimonia interna llevan su marca) sino un intento de otorgar a Valerii (e incluso a ese extraordinario guionista y una de las personalidades en la sombra de la edad dorada del cine popular europeo que fue Ernesto Gastaldi) lo que en puridad le pertenece de este extraño “SW” profundamente cinéfilo, que reflexiona abiertamente sobre el fetichismo de la imagen a través la metatextualidad post-moderna.La anécdota argumental es mínima: un otoñal pistolero deseoso de retirarse es perseguido por un admirador que desea convertirlo definitivamente en leyenda (y para ello, para transcender el héroe debe obligatoriamente morir, aunque sea de mentirijillas y escenificado e inmortalizado ante la cámara) en este interesantísimo y muy elaborado en todos sus aspectos aunque parcialmente fallido “eurowestern” de carácter casi experimental en su decidido intento de reflexionar sobre el cine, el género y la ficción desde dentro de la misma y sobre el proceso de construcción los mitos populares sin olvidar ni la diversión, ni la aventura, ni la autoironía.

Confrontación/emparejamiento de dos estilos contrapuestos y finalmente complementarios, el western clásico y el nuevo “spaghetti bufo” popularizado por la saga “Tinidad”, que en sus mejores momentos resulta literalmente dos películas/estilos en una. Con las partes protagonizadas por Fonda filmadas e interpretadas con un modo estilizado y elegíaco de suma elegancia, mientras los momentos con Hill son rodados con las maneras impuestas por “spaghetti” del momento (uso de cámara rápida, “zooms” a mansalva, sonoras bofetadas, comicidad chusca,etc…) y en las que comparten ambos los estilos compiten por imponerse tratando el “presente” de infiltrarse en el “pasado” siendo así el desastrado Terence Hill el que trata de dirigir la trama desde dentro de la propia película. Su personaje (representa) viene desde el futuro del género para dinamitar y reducir el pasado del mismo a lo esencial, el mito. No en vano su personaje es “ninguno” (nombre de resonancias incluso mitológicas, recordar que así o en su variante “Nemo” se hacía llamar Ulises cuando vencía con engaños al cíclope Polifemo al que nadie/ninguno podía matar) ya que en realidad no pertenece a esta película sino a otro tiempo.

Muy bien interpretada por ambos actores que saben mantener sus registros (y “looks”) opuestos permanentemente comprendiendo la disonancia que el invento pretende transmitir. Rodada poniendo sobre la mesa una gama de recursos visuales riquísima (a juego con su patrimonio conceptual)  que abarca de lo sofisticado a lo burdo, pero en la que por desgracia la (sana) ambición y la dificultad de la operación hacen que el artefacto chirríe y no siempre funcione pesando unas partes sobre otras, ser a la vez una cosa y su parodia resulta demasiado dificultoso (lo mismo ocurre con los “Piratas” de Polanski por ejemplo). Con todo destaca por su originalidad e inteligencia, por su decidida densidad de ideas oculta bajo las disonancias y desde luego merece ser revisada y examinada, además Morricone firma una de sus mejores bandas sonoras, que ya es decir.

Mi nombre es ninguno (Il mio nomme è Nessuno)

Director: Tonino Valerii

Año: 1973

País: Italia/Francia/Alemania

130 min.

Fotografía: Giuseppe Ruzzolini

Música: Ennio Morricone

Guión: Ernesto Gastaldi

Reparto: Henry Fonda, Terence Hill, Jean Martin, Piero Lulli, Mario Brega

Dos películas hermanadas que no solo resultan frenéticos “shows” por completo disfrutables, sino que se revelan como piezas importantes para conocer la evolución necesaria del “eurowestern” más allá de Leone, la introducción dentro del cine degénro de una serie de parámetros sociopolíticos coherentes con las corrientes de pensamiento de la Europa de la época  la fascinación revolucionaria, el auge de la solidaridad hacia latinoamerica, etc…)  y para calibra la carrera del reivindicable Sergio Corbucci (hermano de ese Bruno que tantos títulos para Bud Spencer y Terence Hill facturó), como cineasta personal que dejó huella en el cine popular, con trabajos ya clásicos dentro del “spaghetti-western” como la básica “Django” (1966), esa rareza fascinante que es “Il grande silenzio”(1968), un extraño “SW” nevado en el que Trintignant es un pistolero mudo enfrentado al sádico Kinski en un poblacho desolador y que encima se remata con uno de los finales más despiadados del sub-género o incluso, en un tono menor, “Los hijos del día y de la noche” (1972) casi una relectura del Bonnie & Clyde en los terrenos del “eurowestern” sociopolítico con el incansable Milian y la turbadora Susan George. De este modo encontró en el género un terreno abonado a su pasión por la aventura y su dinámico sentido del cine del mismo modo en que antes lo había encontrado entre las divertidas filas “peplumitas” con cintas tan reivindicables como “Romulo y Remo”(1961), enfrentamiento en la cumbre entre los divos Steve Reeves y Gordon Scott, o la simpática “El hijo de Espartaco”(1962).

Salario para matar (Il mercenario)

Año: 1968

País: Italia/España

118 min.

Fotografía: Alejandro Ulloa

Música: Ennio Morricone, Bruno Nicolai

Guión: Sergio Corbucci, Sergio Spina, Luciano Vincenzoni

Reparto: Franco Nero, Tony Musante, Jack Palance, Giovanna Ralli, Eduardo Fajardo, Álvaro de Luna

Pionera junto a “Yo soy la revolución” (1968) de Damiano Damiani (aún más ideologizada en coherencia con el carácter abiertamente político con el que este director siempre encaró el cine popular y los géneros) uno de los “spaghetti western” que ayudaron a construir la vertiente “revolucionaria” (y que el mismo parodiaría en “¿Qué nos importa la revolución?”, 1972, con no muy destacables resultados) del género escorándolo hacia la aventura y tiñéndolo de izquierdismo libertario.

Un film que  bandea entre la ingenuidad idealista y el cinismo desencantado (que se revelará más como pose o coraza que protege el romanticismo imposible de sus protagonistas), se erige como un muy mediterráneo relato picaresco sobre las peripecias de un rufián interpretado por un expansivo Tony Musante, que acabará dando en revolucionario y su amistad/enfrentamiento con un mercenario polaco interpretado con su habitual gelidez por el estupendo Franco Nero que ya fuera protagonista en la fundamental “Django”, el título que introdujo la estilización fantasmagórica en el género, también para Corbucci.

Este personaje de “el mercenario” vendrá a ser el nuevo pistolero solitario, la figura carismática y llena de recursos, el anti-héroe o héroe a su pesar, que esconde ese mencionado romanticismo tras una pose mercantilista, todo dentro de un argumento que con pequeñas variantes retomará en la superior “Los Compañeros” ,especialmente por la presencia del extraordinario actor cubano Tomás Milian y en la que también repitirá Jack Palance como extravagante villano (aquí un jugador apodado “Ricitos”) directamente escapado de algún colorista tebeo o de un tronate “bolsoilibro” de la época, uno de esos detalles delirantes que tan adictivo hacen al cine de género italiano. Refleja bien el universo ético y el particular sentido de la aventura de su autor y establece los estilemas básicos de esta variante del “SW”, como serán la ambientación en el México insurgente, la toma de conciencia de los personajes, etc….

Ya comienza a apuntarse ese humor a veces más bien grueso que asaltaría el género en breve y por lo demás un combinado de acción a raudales y energía para dar y tomar sobre la que acaba pesando un metraje excesivo y ciertas arrítmias (sostener semejante ritmo no es cosa facil), un film que sabe contrabandear bien su “mensaje” entre épica, estilo y voluntad de divertir por encima de cualquier cosa lo que ni está reñido con la reflexión, la autenticidad o el discurso articulado.

Los Compañeros (Vamos a matar, compañeros)

Año: 1970

País: Italia/España/Alemania

116 min.

Fotografía: Alejandro Ulloa

Música: Ennio Morricone

Guión: Sergio Corbucci, Massimo De Rita, Fritz Ebert

Reparto: Franco Nero, Tomás Milian, Fernando Rey, Iris Berben, José Bódalo, Eduardo Fajardo, Karin Schubert

Revisitación/variación sobre su previa y exitosa “Salario para matar”, pero superior a ésta, principalmente porque maneja mejor los mismos elementos, ajustando más la sátira, elevando el tono vitalista y apurando el amor por la aventura.

Corbucci vuelve a proponer la misma (o muy similar, vamos) historia idealista oculta tras el cinismo y el pragmatismo que personifican sus protagonistas, el mercenario europeo que espera hacer fortuna con la Revolución vendiendo un cargamento de armas, Franco Nero todo prestancia (el actor reincidiría en esta caracterización en un título más “Viva la muerte…¡tuya!” ((1972) para el interesante Duccio Tessari y con Eli Wallach de “partenaire”), y el desarrapado cabeza hueca genialmente interpretado por un Tomas Milian que reincide en su caracterización de superviviente (enamorado además de la guapa alemana Iris Berben que es el elemento ideologizante en curioso requiebro feminista), un personaje nacido en el sensacional díptico sobre Cuchillo (“El halcón y la presa” 1967 y “¡Core Cuchillo, corre!” 1969) que firmó el gran Sergio Sollima, y que el actor prolongaria en sus incursiones setenteras en el “poliziottesco”

De tal modo este par de aprovechados individualistas se verán finalmente imbuidos del romanticismo imposible del profesor Xantos (Fernando Rey siempre con clase), teórico de la revolución pacífica y la utopía social que, paradójicamente, usará en su beneficio las habilidades para la violencia del dúo calavera.

Ritmo infernal, peripecias a paladas y peligros descabellados, planificación enfática y rebuscada, soluciones visuales llamativas muy al gusto barroco del director, préstamos tonales procedentes del entonces floreciente sub-género de “comandos” y mucho humor, a veces venenoso, a veces facilón y centrado principalmente en la descripción del general de pega y bandido sin escrúpulos que interpreta el gran José Bódalo, se acentúa además el componente tebeístico que ya estaba presente en “Salario para matar” y quer personifica nuevamente el genial Jack Palance como archi-villano sádico (además de fumeta) místicamente unido al halcón que un día le royó la mano y que en un detalle descacharrante acabará siendo zampado por el personaje de Milian.

El resultado es un conjunto entretenidísimo, agotador y muy mediterráneo en su concepción, repleto de engaños, trapacerías y desvergüenza, de valor a contrapelo y hazañas que no se dan importancia a si mismas, donde la picaresca acaba siendo el heroísmo por otros medios.

Le locandine, soprattutto le vecchio locandine, hanno davvero un fascino particolare e anche rivedendole a distanza di anni rievocano con forza lo spirito del film, riportando alla mente scene, musiche e inquadrature. Proprio per questo motivo essere ladri di locandine è così affascinante! Ma da oggi passiamo alla fase due e diventiamo anche ladri di trailer. Seguendo l’ordine delle copertine “rubate” nei post precedenti, ecco a voi Django, un film di Sergio Corbucci con un giovanissimo Franco Nero.

Spaghetti Westerns and Sergio Leone are the cinematic equivalent of bacon and eggs. Peanut butter and jelly. Or any other divinely matched pairing the world would not be quite the same without. (although I could get along quite well without bacon and eggs, but for sake of argument…) Although slim in number, the seven feature films that make up Leone’s body of work had the remarkable effect of reinventing a dead genre (the Western) with his own brand of grit, realism and sweeping beauty. In watching his films today, it is little wonder that the director’s first job was as an assistant on Vittorio de Cica’s The Bicycle Thief—the good guys and the bad guys are equals as flawed, corruptible, f’d up humans. Hence the eternal humanity of Leone’s work.

To mark Leone’s 80th birthday, and the 20th anniversary of his death, the Rome Film Festival has paid tribute to the Italian director with a special exhibition of photographs taken from the Leone family archives, the Cineteca di Bologna and the Experimental Centre of Cinematography.

A selection from the exhibit follows below:

Clint Eastwood on the set of The Good, the Bad and the Ugly (1966)

Claudia Cardinale on the set of Once Upon a Time in the West

Charles Bronson on the set of Once Upon a Time in the West

Elizabeth McGovern and Robert De Niro in Once Upon a Time in America

James Coburn on the set of A Fistful of Dynamite

El Jurado de la primera edición del Festival de Cortometrajes de Jaén, compuesto por Julio Ángel Olivares, Fernando Lorite, Rafael Rus, José Antonio Moreno y Enrique Iznaola, otorgó el pasado fin de semana el Premio RTVA a la Mejor Creación Audiovisual Andaluza al cortometraje de animación “Espagueti Western”, de la andaluza Áralan Films.

La cinta, que estuvo nominada a los premios Goya 2008, fue estrenada el 19 de diciembre de 2007, y cuenta una divertidísima canción como hilo narrativo interpretada por el genial Paco León. El filme trata sobre un espagueti trovador que relata, al son de su banjo, las aventuras y desventuras del intrépido Spaghetti Kid, el espagueti más rápido del Oeste, y sus feroces enemigos: los temibles indios macarrones y el malvado Fideo Jack. Con una banda sonora inspirada en los clásicos westerns italo-hispano-americanos, compuesta por el músico de cine Felipe Milano, “Espagueti Western” rinde homenaje a todo un género cinematográfico que marcó una época en nuestro país. Un espagueti y un fideo inspirados respectivamente en Clint Eastwood y Lee Van Cleef conforman el dúo protagonista de esta particular revisión del género.

En cuanto al resto del palmarés del evento organizado del 5 al 8 de octubre por el Patronato de Cultura del Ayuntamiento de Jaén, el trabajo “Una vida mejor”, de Luis Fernández Reneo, ha recibido el Primer Premio; y “The End”, de Eduardo Chapero-Jackson, el segundo trofeo. El premio especial al mejor cortometraje local fue para “Peatones”, de Juan Antonio Anguita. Por último, el jurado concedió una mención especial a corto “Niño balcón”, de Pilar Palomero.

fuente: fundacionava.org

Movie Review
Inglourious Basterds
Starring: Brad Pitt, Christoph Waltz
Directed by: Quentin Tarantino
Runtime: 2:32

Very rarely do you come across a film in which you can perfectly understand why someone may hate the film while you yourself can still see enough merit in the film to recommend it to others. Quentin Tarantino’s Inglourious Basterds is one of those films. The film has many issues (mainly concerning the length or more specifically, why it is so long) but it’s still an extremely enjoyable film that is seeping with Tarantino’s trademark styles.

Brad Pitt plays Lt. Aldo Raine, a Jewish-American soldier during World War II. He commands over only a few soldiers but they are one of the dangerous groups of soldiers the Allies have. Raine’s outfit, The Inglourious Basterds, are known for ambushing German soldiers and massacring them to the point where farfetched stories about who this gruesome group is widespread throughout the German ranks.

Another part of the story comes from Shosanna Dreyfus (Melanie Laurent). Dreyfus is a Jewish-French woman who flees from her countryside home after the place she was hiding was found by Standartenführer Hans Landa (Christop Waltz) and her family killed. She manages to escape and takes up a new identity as the young owner of a cinema in Paris. She runs into a problem when a young German soldier named Frederick Zoller (Daniel Brühl) becomes smitten with her. The problem snowballs when she finds out that Zoller is a big war hero for the German people as he was able to kill hundreds of allied soldiers while defending an outpost.

Zoller’s exploits are considered so important by the top brass of the German army that a film is commissioned about Zoller’s experience (starring Zoller himself). In attempt to impress Dreyfus (going by her alias of Emmanuelle Mimieux), Zoller convinces the director and chief propogandaist of the German army, Joseph Goebbels (Sylvester Groth) to have the premiere at Dreyfus’s little cinema. With all the top German army personnel planning to attend, Dreyfus hatches a plan to get revenge for the brutal death of the family. When word spreads about the premiere, the Basterds also have fatal plans for the German officers planning to attend the show too.

If there’s one thing that Tarantino must be praised for as a director, is that he gives his actors dialogue and screen time to work with. The acting performances are superb by all. Most notable of all is Waltz who could very well take home a lot of gold come awards season. Waltz nearly steals the show as the Nazi detective that can be as cruel and cold-blooded as he is charming and whimsical. Pitt and Laurent are fantastic even with the limited amount of emotions that their characters are permitted to show. Even the actors with smaller roles are given the chance to shine. Not all is perfect, though. Mike Myers was there doing his cornball British shtick again which grew old during his Saturday Night Live days although it could be argued that it does fit contextually with the movie. Other would find it lame.

The major issue with the film is that it clocks in at two and a half hours only because several of the scenes go on for what feels like forever. The opening “chapter” is very much longer than it should be. Landa is in a dairy farmer’s house questioning him about hiding Jews in a scene that takes around fifteen minutes. In the end, Landa gets the farmer to admit he’s hiding Jews and calls soldiers in to execute them. There’s a lot of dialogue going back and forth between the farmer and Landa but most of it goes nowhere. They beat around the bush for far too long. While the intention might be to create a heightened sense of drama, it can become tedious and boring. There are several instances like this where the scenes feel way too long and could have easily been truncated to a quarter of their length. Other scenes like those with Brühl and Laurent seem to trail on (although it can be argued that in that instance, it shows that Brühl’s character cannot comprehend that he’s unwanted). Unlike Taratino’s other movies like Pulp Fiction, the prolonged dialogue scenes in this movie are not all that memorable nor do they offer the film anything other than to soak up a large amount of time.

One annoyance for some is that this film gives the impression at first that it works within the confines of actual historical events. The events of World War II such as the Normandy invasion are referenced in the movie and it makes one think that the move has to work (or is confined) to the events that actually took place. Halfway through the movie, it becomes obvious that this isn’t the case and the movie begins to rewrite history to an impossible degree. While the movie never tries to give the impression you’re watching a true window into history, it does feel deflating when you realize that anything can happen because Tarantino has rewritten history. Without giving away the ending, it would have been a more satisfying film had the writer/director worked with the material that history gave him instead of keeping things strictly factual in some ways and completely made up in others.

Inglourious Basterds is a very good film although by Tarantino standards, it could be considered a bit of a disappointment. The performances are fantastic but while the story is good, it sort of lets the actors down. It’s hard to tell where it’s coming from as the story can be hard to swallow at times. The acting makes the movie though and if there is no way this movie could have been any good if Tarantino was dealing with random actors. The right people played the right roles exceptionally well. The performances make the movie. Overall, the movie is enjoyable although at times unsatisfying.

☆☆☆

Carlo Pedersoli e Mario Girotti…e chi sono? Ma come, non riconoscete una delle coppie più famose del cinema italiano? Un piccolo suggerimento? No, non chiedetecelo, Altrimenti ci arrabbiamo! Immagino che adesso abbiate capito di chi stiamo parlando.

Eh si, sono proprio loro: Bud Spencer e Terence Hill, protagonisti  di quasi venti pellicole. Eh bé  potevano mancare i loro film in Ladri di locandine? Proprio, no e infatti ne vengono citati ben quattro:

Lo chiamavano Trinità di Enzo Barboni

…Continuavano a chiamarlo Trinità di Enzo Barboni

Altrimenti ci arrabbiamo di Marcello Fondato

Porgi l’altra guancia di Franco Rossi

No, tranquilli, non abbiamo dimenticato di “rubare” le locandine:

Un film di Quentin Tarantino. Con Brad Pitt, Eli Roth, Michael Fassbender, Christoph Waltz, Diane Kruger, Mélanie Laurent.
Titolo originale: Inglourious Basterds. Azione, durata 160 min. USA, Germania 2009. Universal Pictures, uscita venerdì 2 ottobre 2009.

Tremate, tremate, Quentin Tarantino è tornato.
Ed è tornato alla grande, con un film ambientato ai tempi dell’occupazione nazista della Francia, che condensa e sublima tutti i cardini del suo cinema, quello dei tempi migliori, di Pulp Fiction e Le iene.
Bastardi senza gloria declina, in sole due ore e mezza, il meglio dell’universo targato Tarantino.
Innanzi tutto, l’amore sconfinato per il cinema, che trasuda da ogni foro della pellicola, e soprattutto per gli “spaghetti western” alla Sergio Leone, rievocati con insistenza dalla colonna sonora firmata Ennio Morricone e dallo stile delle sparatorie a tutto campo, e per i “B movies”, vale a dire i film a basso budget realizzati in Italia negli anni Settanta. Del resto, l’opera stessa si ispira a una di queste pellicole di serie B, Quel maledetto treno blindato, diretto da Enzo Castellari nel 1978.
Le citazioni  e i riferimenti cinematografici (persino visivi, giacché la maggior parte delle scene è ambientata in un cinema francese, colmo di nastri di pellicola e locandine) sono continui, in particolare ai capolavorari dei registi tedeschi Ernst Lubitsch e Georg Wilhelm Pabst, entrambi costretti ad allontanarsi dalla Germania nazista e a riparare negli Stati Uniti.

In secondo luogo, il tema della vendetta, predominante in ogni film del cineasta. Anche stavolta l’intreccio si basa sul bisogno viscerale della giovane protagonista ebrea di vendicare un torto subito: il massacro della sua famiglia per mano di un plotone di soldati delle SS. Guarda caso, è sempre una donna che deve rifarsi dei soprusi e delle prepotenze altrui e, come sempre, è biondissima e bellissima, anche se non ha il corpo e il volto di Uma Thurman (musa prediletta del regista), bensì quello della francese Melanie Laurent. E ancora una volta, in un mondo dominato dall’iniquità e dall’ingiustizia, neppure i buoni lo sono fino in fondo, dato che l’odio genera solo altro odio e ogni atto di violenza innesca una spirale di vendetta che contamina anche i puri e che è destinata a perpetuarsi all’infinito, di padre in figlio. Nessuno, quindi, ha la possibilità di espiare le proprie colpe o di salvarsi dalla dannazione eterna del male.
Anche il gruppetto di soldati americani, inviato in missione speciale in Francia per fare razzia di SS, è animato dal sacro fuoco della vendetta, ma il godimento con cui questi ragazzoni (capeggiati da un grintoso ed esaltato Brad Pitt, sempre perfetto, qualsiasi ruolo incarni) si accaniscono sui nazisti, con tanto di truce scalpello finale, disvela un impellente bisogno di sfogare il sadismo, piuttosto che il pio desiderio di vendicare le vite strappate dei poveri ebrei. Ecco, quindi, che torna l’estetizzazione della violenza, tanto cara al cinema di Tarantino, con le sue forme esplicite, per stomaci forti, e i suoi colori accesi, con prevalenza del rosso sangue, che denuda tutta l’insensatezza del mondo.

Immancabili sono, poi, i dialoghi continui e serrati, in stile tipicamente tarantiniano, che, pur essendo spesso interminabili e non avendo attinenza diretta con l’intreccio, conferiscono ritmo e velocità e costituiscono il gradevolissimo strumento con cui il regista-sceneggiatore saggia la sua intelligenza e il suo acume.
Fa nuovamente capolino l’ossessione feticista del cineasta per i piedi di donna (come dimenticare quelli di Uma Thurman in Pulp fiction e Kill Billl…), dalle unghie rigorosamente laccate di rosso, che qui svolgono anche un ruolo ben preciso all’interno della trama.
Non mancano neppure la suddivisione del film in capitoli e gli inserti grafici in stile fumetto, per non parlare della tensione che trasuda da ogni scena, esaltata dal continuo cambiamento di lingua, a rendere perfettamente il senso di straniamento del personaggio di turno.

Chi ama il cinema di Tarantino non può non subire il fascino di Bastardi senza gloria, delle sue inquadrature estetizzanti, del ritmo serrato e delle scene caratterizzate da un’ingenuità talmente “vintage” da renderle straordinariamente uniche e innovative nel panorama cinematografico attuale.
Merito al cineasta va anche in qualità di soggettista e sceneggiatore, soprattutto per aver concepito il personaggio del colonnello Hans Landa (impersonato da un supremo Christoph Waltz, che ha vinto il premio per la migliore interpretazione maschile al 62esimo Festival di Cannes), con tutte le sfaccettature comportamentali che fanno di lui il protoipo del nazista furbo e zelante.
Insomma, Tarantino è tornato in splendida forma ed è un piacere per chi è ancora convinto che il cinema sia un’arte a tutti gli effetti.

Voto: 9

Annalice Furfari

BLINDMAN is a 1971 spaghetti western with a most unusual hero. Tony Anthony stars as the Blindman, with Lloyd Battista as bandit leader Domingo and Ringo Starr as his brother, Candy.

Blindman functions very well in the western world. He uses a rifle with a short pointed strip of wood attached, in the manner of a bayonet, as his cane and has a well trained horse who I guess you could call a seeing-eye horse. He also has maps burnt into leather which enables him to “feel” out locations.

Blindman and his partner, Skunk, contract to deliver fifty mail order brides to miners in Lost Creek, Texas. Skunk double crosses him and sells the women to a Mexican bandit named Domingo. When he tracks down Skunk and finds out where the women were sent, he sets off to Mexico.

When he asks an old man to point out the direction of Mexico, the old man wonders how he can show a blind man the way. “Show the horse” is the answer.

For a blind man, he’s very bold. He rides straight into the bandit ranch and demands his fifty women back, showing the contract and how Skunk had double-crossed him. Domingo laughs as he burns the contract and throws him out with a few dollars despite Blindman’s warning, “You better burn me too!”

All through the movie, people continue to underestimate Blindman. What can he do? He’s blind. When asked by a young woman why he takes such risks being blind, he replies, “A blind man is half a man. A blind man with no money…” He shrugs.

He sits around and uses his ears, much better hearing than the average man, and plans. Candy(Starr) has a thing for Pilar, a blond half Mexican girl, who doesn’t reciprocate. Blindman takes him when he comes visiting and arranges a swap with Domingo for the fifty brides. It’s never that easy though.

So begins a game of cat and mouse with the bandit leader, tortured by Candy to find where Pilar is hiding, escapes, things blowing up(Blindman is very good with explosives), rescuing a Mexican general held for ransom, a fight in an old gold mine, a showdown in a cemetery with fifteen armed men, and the final, unusual showdown between Blindman and Domingo.

Once you accept that a blind man can do the things he does here, the movie is quite enjoyable. One unusual thing I’ve never seen in another spaghetti western; there’s quite a bit of nudity. I mean fifty brides, all very good looking Eastern women, as well as Sweet Mama, Domingo’s sister and the bookkeeper of the outfit, are naked a good bit of the middle section.

Directed by Ferdinando Baldi, Tony Anthony co-wrote the script and the music is by Stelvio Cipriani(as usual in the this genre one of the best parts). The cinematography is by Riccardo Pallottini and very lavish in the desert scenes. The film I saw seems to be a restored version. Back then, American releases were edited, sometimes heavily, and those parts were never dubbed. Some restorations I’ve seen have English subtitles in those parts, some don’t. This one didn’t, but the bits were short and not hard to follow.

Worth looking at if you ever come across it. The ending cried out for a sequel, but I don’t think one was ever made.

Here’s the trailer:

Cesco e Daniel sono due abilissimi ladri di locandine – e quindi anche di sogni -, per cui ci sembra  interessante elencare  alcuni dei film che vengono citati nel libro e, già che siamo in tema, mostrarne le locandine.

Iniziamo con un omaggio a tre protagonisti dello “Spaghetti western”: Giuliano Gemma, Franco Nero e il grande Clint Eastwood.

I film in questione sono: Una pistola per Ringo (1964), Django (1966) e Per un pugno di dollari (1964), diretti da tre maetri del genere: Duccio Tessari, Sergio Corbucci e Sergio Leone, quest’ultimo assolutamente geniale.

Ecco, di seguito, le locandine “rubate”: