In order to get ready for Precious, I chose another Lee Daniels film, that I’m hoping will make Precious a better trip than what I expect.

A nasty crime lord (Stephen Dorff) hires Rose (Helen Mirren) and her stepson Mikey (Cuba Gooding Jr.) — assassin partners and longtime lovers — to off his spouse, Vickie (Vanessa Ferlito). But Rose, ill with cancer and on her last job, spares her mark when she learns Vickie’s with child. The unexpected twist forces Mikey, Rose and their charges to flee to life in suburbia, until the past catches up with them.

Now looking at this film from a person who has seen it all in films, I have got to say this movie is pretty messed up. When you have film with Helen Mirren and Cuba Gooding Jr. doing it, you know you have a pretty messed up film.

So anyway, all the critics I have read, all HATED this film. For me I’m going to say yeah its odd and kind of weird but really it does a good job with its material. It takes this unusual story and makes it a stylized, enjoyable thriller.I’m not going to lie there are scenes that get a little too out of hand, but after that I still was on the edge of my seat wondering what was to happen next.

I am not a prude and I can see how the sex scenes bring a grittiness that was needed to show the harshness of real life but nothing else about this movie reflects real life. The director almost comically twists the relationships to get a jolt out of the viewer.

Helen Mirren doesn’t quite act to the standard she could have. She looks like at times she just lost a bet, and was given a script to work with and just decided to mildly act it out. Cuba Gooding Jr. does the best job in this film as basically taking the last act of the film and making it his show with a powerful performance. Stephen Dorff, plays the type of 2nd grade villain that doesn’t get enough screen time to show how vicious he really can be, I think this was a problem but he could have done better as well.

The one thing I’ll also say about this film is that it shows these weird couples, but you know what that’s reality. I mean there is a couple of Joseph Gordon-Levitt and Mo’Nique, this was kind of odd, but it still showed how strange couples can actually be.

Consensus: The over-the-top sex scenes and at points very random, Shadowboxer is a stylized and entertaining little thriller, that doesn’t get the best boot from its cast, but in the end is actually OK.

5/10=Rentall!!!!!

John Dillinger si aggira indisturbato per l’ufficio della Polizia di Chicago. Siamo nel 1934 e lui è il rapinatore di banche più ricercato degli Stati Uniti. Non è travestito. Ha semplicemente sfidato la sorte. Come al solito. Gli agenti, che si occupano del suo caso sotto l’egida del neonato Federal Bureau of Investigation voluto da John Edgar Hoover, non notano Dillinger che passeggia. E osserva tutte le foto che l’Fbi ha appeso alle pareti per ricostruire la sua parabola di criminale. Pareti fitte di sue immagini, di quelle della sua donna, dei suoi complici. Dillinger e la sua vita sono dispiegati in quella stanza. Tutti i poliziotti d’America lo stanno cercando. Ma nessuno lo vede camminare in carne e ossa. L’impalpabilità del mito, la sua virtualità, è il tema portante del nuovo film di Michael Mann, Nemico pubblico che il New York Times ha definito una “densa e bellissima opera d’arte”.

Nella versione di Mann, la quindicesima della storia del cinema americano, Dillinger è incarnato da un ombrosissimo Johnny Depp. Perfettamente in linea con l’ineffabilità del personaggio. Mentre il nemico del rapinatore, l’agente speciale Melvin Purvis, che ha l’ordine di catturarlo, ha il volto di Christian Bale. Due divi antagonisti, mai in scena contemporaneamente (scelta che Mann aveva già fatto con De Niro e Pacino in The Heat), ma destinati a incrociarsi sul finale, quando il “Robin Hood” della Grande Depressione viene ucciso. Mann mette in scena i dieci mesi che precedono quel momento, a partire dalla spettacolare, coreografica, evasione dal Carcere di Lake County, Indiana. In cui Dillinger libera la sua gang e si lancia in un folle volo di fughe, rapine alle banche, passione e morte. Nel film viene dato ampio alla storia d’amore con Billie Frechette (Marion Cotillard), che rafforza la fisionomia del protagonista come eroe romantico. In realtà, uno spregiudicato che intuisce il potere dei media, la loro capacità di creare realtà. Uno che, a chi gli propone di sequestrare le persone anziché rapinare le banche, risponde: “Alla gente i rapimenti non piacciono”. Per questo, la scena dell’ufficio di Polizia è la scena chiave, che fornisce la lettura forte al lavoro di Mann. Un’opera lussuosa, molto raffinata, che si sofferma sul valore del mito per la (nascente) comunicazione di massa, in cui ha un ruolo importante proprio il cinema. Dillinger è un simbolo per il paese (quegli Stati Uniti attraversati negli stessi anni dalle scorribande di Bonnie e Clyde) e nutre l’immaginario di milioni di americani. Che vedono in lui la vendetta contro le casse forti degli istituti di credito, ritenuti responsabili della povertà del paese.

L’altra scena chiave, ambientata in una sala non a caso, è cinematografica. Ancora più forte, stilisticamente più ragionata. Perchè Mann passa dalla realtà alla fiction per approdare nuovamente alla realtà. Vediamo Hoover mentre sta addestrando le sue ‘truppe’ per trovare Dillinger. L’immagine diventa quella di un cinegiornale proiettato in un cinema, dove siede il ricercato. Lo stesso Hoover, dallo schermo, chiede a chiunque veda quell’uomo di fare qualcosa. Ed esorta gli spettatori a guardarsi attorno. Ma, ancora una volta, nessuno vede Dillinger, l’uomo “invisibile” che esiste solo nell’immaginario. E pensare che, nella realtà, l’uccisione del gangster fu uno dei punti più importanti messi a segno dal dipartimento guidato da Hoover, in quel momento ostacolato da molti. Dillinger è morto a 31 anni, il 22 luglio 1934, a Chicago. All’uscita di un cinema, dove aveva visto Manhattan Melodrama con Clarke Gable e Myrna Loy (caso che piace al regista, visto che i due divi degli anni ‘30 sono identici a Johnny Depp e Marion Cotillard), un poliziesco. E Nemico pubblico è anche una sontuosa passeggiata nel cinema di genere. Con una ricchezza di riferimenti enorme, in cui si possono isolare Brian De Palma e Arthur Penn. Del primo, Mann cattura il meglio: l’eleganza dei movimenti di macchina e la precisione nelle ambientazioni (a Chicago, poi, si svolge anche Gli intoccabili di cui De Palma realizza una delle scene madri nella stessa Union Station filmata da Mann). Mentre del Penn di Gangster’s Story ci sono reminiscenze nei momenti di fuga, nelle crivellate di mitra che uccidono molti personaggi e nella scena quasi-onirica, in mezzo al nulla, in cui i due amanti (là Bonnie e Clyde, qui Dillinger e Billie) si trovano soli, destinati alla separazione e alla morte. Il regista di Collateral realizza insomma con Nemico pubblico una sorta di musical colto, fatto di “numeri”, di scene studiate e perfetti cambi di stile. Girato in Hd, come una partitura il film ha virate inaspettate (l’utilizzo di una nervosissima steady cam dopo momenti riflessivi) e scansioni ritmiche sorprendenti. Forse il suo difetto, però, sta proprio nell’estrema cura, che paradossalmente crea un certo distacco emotivo con lo spettatore.

pubblicato su  il Fatto Quotidiano, 5 novembre 2009

Nemico Pubblico (Public Enemies), di Michael Mann, USA, 2009, 143 minuti

Cast: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff

Distribuzione: Universal Pictures

Uscita: venerdì 6 novembre 2009 (cinema)

Sinopse:

Um pai de família é condenado por homicídio culposo por matar acidentalmente um ladrão que entrou em sua casa, ameaçando a vida de sua esposa e de seu filho. Se esforça para sobreviver ao sistema penal violento que o condena a passar três anos em uma prisão estatal de segurança máxima.

- Legal!

- Assistido em 02/11/2009

When I was six years old my mother decided to throw a fancy dinner party. My father was given the duty of finding some place to put me that night, be it babysitter or otherwise. Not wanting to trouble himself with finding a babysitter he did what any reasonable male figure would; set up a television and vcr in my room, put on a movie and simply locked the door. Oh, where’s little Kevin? Meh. I rented something for him to watch, he should be fine.

The movie he chose was called “The Gate”. This, in my opinion, may be the most terrifying movie ever made if you’re six years old. It may also be one of his worst parental decisions, and like H.G.’s post earlier this week, resulted in a furious mother and a father who threw up his hands and said, “Hey, how was I supposed to know it’d give the boy nightmares?”

The premise of The Gate is simple: while left home alone for the weekend, a young boy and his friend inadvertently open the door to hell resulting in their once-cozy home becoming the gateway through which violent creatures murder his big sister, his best friend, his dog, and leave him alone to wear the mark in a world of darkness and eternal suffering. In fairness to my dad, what six-year-old would get scared by that?

For a child, this movie really does touch on every one of your basic fears. And what’s more, like all great cult movies it goes from A to B, B to C, and then C to &#?!!!  By the third act, if the creative minds behind this film could think of it they filmed it. While looking for a gun to defend himself, the young boy reaches into the closet and has his hand bitten by the severed head of his best friend. Screaming in pain, he breaks free only to find his hand has now grown a wandering eye which he must cut out using a shard of broken glass. While cowering in the corner with his big sister, a construction worker breaks from inside the wall of their home and lumbers over to the pair, grabbing the sister by the ankle and dragging her into hell while she screams in terror. Ding-dong! Is somebody at the door? Hey kid, your parents came home. And just in time. They’ll know what to AWWW FUCK MY DAD IS STRANGLING ME!! (This is followed by the mother laughing with delight at her son’s torment while the father’s face sloughs from his skull, hits the ground and becomes infested with crawling maggots.

Although marketed as strictly “kiddie horror”, it’s difficult to justify considering the content. The hell back story revolves around the underground thrash movement of the 80’s. Brought in are the old “play this record backwards” myths as well as some of the Norwegian black metal legends regarding human sacrifice and dismemberment. My guess is that this was intended for an older audience, cast a little too young, and when they realized that no teenager would want to see a movie about a couple of 12-year-olds they simply skewed the advertisements as some farcical ghost story and rented it to my dad.

I slept in their room for three months after. The film stars a young Stephen Dorff and was followed by a sequel which had little or nothing to do with the original. Supposedly Alex Winter has been chosen to direct a third film shot in 3-D. Now a whole new generation can have something to talk about years later when they’re in rehab.

You give Frost a message from me. You tell him it’s open season on all suckheads.

– Blade

Blade was probably the first movie that I ever seen with a Black man as the hero—more of an anti-hero. Having seen the entire trilogy, it follows the same progression. Everybody enjoys the first movie, loves the second movie and wishes that the third doesn’t exist. This movie is a decade old and it is showing its long in the tooth.

Based on Marvel comic book series, the tale of the half-human/half-vampire begins with a mysterious woman, Racquel (Traci Lords) leads a date into an underground club where he discovers that it is filled with vampires

Blade (Wesley Snipes) shows up the place to lay waste to the vamps that are in there. He runs into an old lackey, Quinn (Donal Logue) that he tortures by pinning him up and setting him on fire.

Quinn’s body is brought to the hospital where hematologist, Karen Henson (N’Bushe Wright) is performing an autopsy on the charred remains with Curtis (Tim Guinee). What they don’t know that vampires could regenerate themselves. Quinn comes back to un-life to bite Curtis dead and Karen.

Blade comes to the rescue again to save Karen as Quinn gets away. He brings her back to his abandoned warehouse to his handler, Whistler (Kris Kristofferson). Whistler examines her to determine that she doesn’t have very long before she turns. He tries to slow down the progressions, but they need a remedy.

The underground club owner, Deacon Frost (Stephen Dorff) is the thorn on the side of Dragonetti (Udo Kier) who is the leader of the vampire brood that thinks he shouldn’t be a part of the group because is not a pure vampire.

Whistler urges Karen to end herself before she turns. They let her go on her way. Back at her apartment, Officer Krieger (Kevin Patrick Walls), a familiar aka a human wannabe vampire that is an errand boy to Frost tries to kill her. Blade saves her again.

Their steps led to the underground vampire archives where Deacon wants to translate ancient text to fulfill a prophecy to sacrifice the spirit of twelve to awaken the Blood God, La Magra. The after effects would lead to a vampire apocalypse.

I still had a good time with this film. The side gags are still good. The action is solid, but over time, the film has not aged well. The CG is wonky. The acting from some of the supporting, especially from Arly Jover who plays Frost’s moll, Mercury is not good.

Judgment: A campy good time with a kick ass action anti-hero.

Rating: ***1/2

M. fantastique Fox, as they would say over in le France, comes to visit in the studio as Sam and Tom discuss Wes Anderson’s stop-motion Roald Dahl adaptation. Against that, we get  to hear Sam make a clanger, a car crash happen outside the base, Tom argue that Hollywood doesn’t promote domestic violence and the pointless nature of remakes. The boys then lament the lost potential of FlashForward, praise In Bruges to the hills and then set out the movies their children will have to see.

Download The Movie Overdose Episode 40

Stephen Dorff är en hårt arbetande familjefar som en natt överraskar en inbrottstjuv i sonens sovrum. När han jagar ut inkräktaren ur huset riktar han några slag mot dennes huvud och ett träffar så illa att mannen avlider. Dorff döms till tre år i fängelse och redan från ankomsten visar det sig att det kommer att bli ett veritabelt helvete. Han finner oväntat en vän i cellkamraten och massmördaren spelad av Val Kilmer, vars livstidsdom garanterar honom resterande del av sitt liv bakom galler. Som om mindre godhjärtade interner inte var tillräckligt utgör även den sadistiske vaktchefen (Harold Perrineau) ett enormt hot mot den allt mer nedbrutna familjefadern och han kan ensam se till att Dorff aldrig blir fri igen.

Det är en stark skildring om livet i ett amerikanskt fängelse där det knappast handlar om rehabilitering utan den råa miljön förstör och förtär människor. Det är naket rått skildrat och jag är rädd för att bilden som målas upp inte är alltför verklighetsfrämmande. Starka rollprestationer av Dorff, Perrineau och framför allt Kilmer, som gör sin bästa roll på länge. Filmen visar att världen inte består av enbart svart och vitt och ger en välriktad känga mot det amerikanska fängelseväsendet. Med tanke på att uppemot en och en halv miljon av amerikanerna sitter inne kan man förstå att det dyker upp en fängelsefilm då och då. The land of the free…

Betyg: 4

Titolo originale: Public Enemies

Regia: Michael Mann

Cast: Johnny Depp, Christian Bale,  Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff, Stephen Lang, Channing Tatum, Leelee Sobieski, Emilie de Ravin, Giovanni Ribisi, David Wenham, Rory Cochrane, Lili Taylor, Carey Mulligan, John Ortiz, James Russo, Christian Stolte, Jason Clarke, John Judd, Michael Vieau, Wesley Walker, Branka Katic, Stephen Graham.

Distribuzione: Universal Pictures, USA, 2009

Guarda il trailer

John Dillinger (Johnny Depp) è il nemico pubblico n.1 negli Stati Uniti della Grande Depressione. Egli è a capo di una banda specializzata nelle rapine in banca. Spietato ma galante, amante delle macchine, del baseball, dei bei vestiti e del cinema, riesce ben presto ad attirarsi i favori dell’opinione pubblica. Le sue fughe rocambolesche dai penitenziari più sicuri lo  rendono di fatto un eroe. Sulle sue tracce, deciso a tutto pur di assicurarlo alla giustizia, si mette l’agente Melvin Purvis ( Christian Bale) che scatenerà una caccia all’uomo senza precendenti, decimando la sua gang e facendogli terra bruciata intorno.  

Veder recitare Johnny Depp è sempre stupendo e vederlo recitare in un bel film come questo, firmato da Michael Mann, è ancora più piacevole. Tratta dal saggio  Public Enemies di Bryan Burrough, la pellicola racconta la vita breve ed intensa di John Dillinger, gangster entrato nella storia americana.  Rapinatore gentiluomo, artista della fuga, egli era stato in grado di creare assieme a Baby Face Nelson (Stephen Graham) e Pretty Boy Floyd (Channing Tatum) una gang senza eguali, in grado di rapinare qualsiasi banca. Il suo unico punto debole è rappresentato da Billie Frechette (Marion Cotillard), suo grande amore, per la quale metterà a rischio la sua stessa vita.

Cos’altro dire di questa pellicola?  Il cast stellare è già di per sè una garanzia, a partire dal talentuoso, camaleontico e sempre all’altezza Depp, proseguendo con il glaciale mastino Christian Bale e non dimenticando affatto Marion Cotillard, bravissima attrice, premio Oscar per La vie en rose. Se a questo si aggiunge l’ottima regia di Mann, fatta di primi piani intensi, di profonda analisi introspettiva dei personaggi,  e di parallelismo tra la vita del gangster e il cinema da lui tanto amato, (bellissima la scena metacinematografica in cui Dillinger/Depp si reca al cinema a vedere Manhattan Melodrama con Clark Gable e si identifica col protagonista, con il quale condividerà la stessa triste sorte). 

In definitiva una pellicola molto interessante, avvincente, nella quale convivono azione, inseguimenti e sentimento.

Conclusione: Imperdibile.

Voto: 9

After spending most of the morning checking out VF’s Best Dressed, I began to wander around the site only to find so many more amazing pictures of great fashion, great actors, and great inspirations.

I love this view of Hollywood, don’t you?

Nicole Kidman, Catherine Deneuve, Meryl Streep, Gwyneth Paltrow, Cate Blanchett, Kate Winslet, Vanessa Redgrave, Chloë Sevigny, Sophia Loren, and Penélope Cruz, photographed by Annie Leibovitz for the cover of the April 2001 Hollywood Issue.

Sischy writes, “Cruz isn’t cookie-cutter pretty—she even has a bit of a schnoz—but her unusual features come together in a memorable aria of real beauty.” Photographed in Segovia, Spain, by Annie Leibovitz for the September 2001 issue.

Photographed in Segovia, Spain, by Annie Leibovitz for the September 2001 issue.

Shakira

Selma Blair, photographed by Norman Jean Roy at the El Mirage Dry Lake Bed, near Los Angeles, for the October 2008 issue. Read “Letting Herself Go,” by Jim Windolf. Styled by Jessica Diehl.

Jessica Biel, photographed by Norman Jean Roy in Beverly Hills for the September 2006 issue. Styled by Deda Coben.

Scarlett Johansson, photographed by Annie Leibovitz at Pfeiffer Beach, in Big Sur, California, for the August 2005 issue. Styled by Lori Goldstein.

Isabel Lucas, VF June 2009

Star Trek star Chris Pine, photographed by Mark Seliger at Hinano Cafe, in Venice Beach, California, for the May 2009 issue. Read “To Boldly Star,” by Krista Smith. Styled by David Thomas.

James Franco, photographed by Doug Inglish for the December 2008 issue. Read “Franco cum Laude,” by David Kamp. Styled by Sam Broekema.

Tony Bennett and friends, photographed by Annie Leibovitz at the Loew’s Theatre in Jersey City, New Jersey, for the August 2006 issue. Styled by Wendy Schecter.

APRIL 1995: “HOLLYWOOD HIGHEST—THE CLASS OF 2000” Jennifer Jason Leigh, Uma Thurman, Nicole Kidman, Patricia Arquette, Linda Fiorentino, Gwyneth Paltrow, Sarah Jessica Parker, Julianne Moore, Angela Bassett, and Sandra Bullock.

APRIL 1996: “BOYS’ TOWN” Tim Roth, Leonardo DiCaprio, Matthew McConaughey, Benicio Del Toro, Michael Rapaport, Stephen Dorff, Johnathon Schaech, David Arquette, Will Smith, and Skeet Ulrich.

APRIL 1997: “THE NEXT WAVE” Cameron Diaz, Kate Winslet, Claire Danes, Renée Zellweger, Minnie Driver, Alison Elliott, Jada Pinkett, Jennifer Lopez, Charlize Theron, and Fairuza Balk.

APRIL 1998: “THE HOT NEXT WAVE” Joaquin Phoenix, Vince Vaughn, Natalie Portman, Djimon Hounsou, Cate Blanchett, Tobey Maguire, Claire Forlani, Gretchen Mol, Christina Ricci, Ed Furlong, and Rufus Sewell.

APRIL 1999: “NEW KIDS ON THE BLOCK” Adrien Brody, Thandie Newton, Monica Potter, Reese Witherspoon, Julia Stiles, Leelee Sobieski, Giovanni Ribisi, Sarah Polley, Norman Reedus, Anna Friel, Omar Epps, Kate Hudson, Vinessa Shaw, and Barry Pepper.

APRIL 2003: “ALPHA LIST” Tom Hanks, Tom Cruise, Harrison Ford, Jack Nicholson, Brad Pitt, Edward Norton, Jude Law, Samuel L. Jackson, Don Cheadle, Hugh Grant, Dennis Quaid, Ewan McGregor, and Matt Damon.

APRIL 2004: “SEND IN THE GOWNS” Julianne Moore, Jennifer Connelly, Gwyneth Paltrow, Naomi Watts, Salma Hayek, Jennifer Aniston, Kirsten Dunst, Diane Lane, Lucy Liu, Hilary Swank, Alison Lohman, Scarlett Johansson, and Maggie Gyllenhaal.

MARCH 2005: “NOT SO DESPERATE HOUSEWIVES” Uma Thurman, Cate Blanchett, Kate Winslet, Claire Danes, Scarlett Johansson, Rosario Dawson, Ziyi Zhang, Kerry Washington, Kate Bosworth, and Sienna Miller.

La Puerta (dir: Tibor Takács, 1987)

Título original: The Gate
Dirección: Tibor Takács
Guión: Michael Nankin
Reparto: Stephen Dorff, Christa Denton, Louis Tripp, Kelly Rowan

La Puerta es un título de lo más ochentero, que nada más comenzar nos hace viajar a nuestra tierna infancia, cuando Stallone era el héroe a seguir por todos nosotros, cada año llegaba una nueva saga de Viernes 13, Pesadilla en Elm Street y Halloween, por las tardes emitían dibujos en la tele y los bocadillos de chopped suponían el alimento más anhelado del día, además de ser sano. Y es que La Puerta es una película muy ceñida a la época en la cual se produjo, de modo que hoy sería imposible volver a hacer un filme similar (en todo caso, se llevaría a cabo un nefasto remake, que tomaría la idea base de la peli, y la desarrollaría de manera monótona, sin sangre, sin ritmo, con muchos sustos, un giro final cantado y sin el encanto del título original).

Estamos ante una producción protagonizada por niños, como Los Goonies o Una pandilla alucinante, cintas estrenadas también en los años ochenta. Pero nada de niños asquerosos e irritantes, que parecen estar de moda en el cine de terror actual, sino niños interesantes, que se ven envueltos en una situación que les supera, por lo que deben buscar una solución, empleando para ello su ingenio. Vamos, que no son los críos los que causan el miedo, sino aquello a lo que han de enfrentarse, para su desgracia. Para empezar, uno de los chavales, el protagonista de la función, está interpretado por el gran Stephen Dorff, un actor del Método, como demuestran sus actuaciones en Blade o en Alone in the Dark, que aquí hace su primer papel importante para el cine, tras trabajar en la televisión. La verdad es que el chico sabe actuar y mostrar sus sentimientos en las difíciles situaciones que se le presentan; además, era bien mono de pequeño. Le acompañan en sus aventuras, su mejor amigo, un nerd que sólo piensa en chicas, y su nefasta hermana, que no deja de incordiarle.

La situación es la siguiente: Glen y su hermana se quedan solos en casa durante un fin de semana, sin sus padres. Glen invita entonces a dormir a un amigo, al igual que su hermana, que montará en la casa una sesión de espiritismo con malos resultados. Y es que unos obreros han abierto sin querer, en el jardín del hogar, un agujero que ha abierto las Puertas del Infierno. Tras el derramamiento de sangre del perro de la familia, este agujero quedará abierto definitivamente, con lo que los chicos tendrán que luchar contra todo tipo de criaturas monstruosas, además de investigar cómo cerrar el agujero, para que el Infierno no se extienda por todo el mundo.

Como podéis comprobar, la premisa es bien interesante, no demasiado original, pero curiosa, sobre todo por tratarse de niños, los que han de sufrir a los monstruos. Además, la peli no escatima en sangre y muertes, pues el amigo de Glen recibe un cuchillazo en un ojo y las amigas de la hermana mueren, convirtiéndose en zombies. Esta es la principal razón por la cual, dicho título no es tan conocido como los mencionados en párrafos anteriores, y es que el filme es bastante bruto en ese sentido. No obstante, tenemos un final feliz, claro, pero antes nos han sido mostradas algunas imágenes perturbadoras.

Ahora hablemos de los monstruos que provocan el terror: al principio, del agujero infernal salen unas criaturas parecidas a los Ghoulies, que hacen todo tipo de putadas a los chavales, con el propósito de llevarles al interior del agujero. Estos bichos poseen diversos poderes y acabar con ellos resulta difícil, pues son capaces de multiplicarse. Después, las amigas de la hermana de Glen se convierten en zombies, y por último, del agujero emerge una criatura gigantesca, una especie de demonio, al que ha de plantar cara Glen, él solito. ¿Logrará no ser devorado por el mostrenco? Y lo mejor de estas criaturas es que son puramente artesanales y algunos momentos están rodados con la técnica del stop-motion, algo que le da más encanto a la cinta, alejada de los efectos digitales actuales.

La peli es muy divertida y cuenta con momentos logrados. Si no la conocéis, buscadla y disfrutadla.

Después de esto, su director, Tibor Takács, a pesar de seguir trabajando en Hollywood (por su nombre descubriréis que no es de Texas, precisamente), se dedicó a realizar pelis de arañas, ratas o abejas gigantes, que asedian a la población. Una de sus últimas creaciones es la película Mosquito Man, que relata las “aventuras” de un preso que, sometido a un escape de gas en un laboratorio, comienza a mutar hasta transformarse en un mosquito gigante y sediento de sangre. Una joyita.

La Puerta cuenta con una secuela, ya sin el equipo de la original, y por tanto, mucho menos afortunada que la original. Y por cierto, a finales de octubre, La Puerta será editada en DVD; ya era hora.

By Mario.

12ª Participación para el concurso y última de Mario!

XIII – Die Verschwörung (2008)

Die Geschichte kennen wir in ähnlicher Form schon: Ein Mann ohne Gedächtnis wird gefunden. Obwohl er sich an nichts erinnern kann, scheint er extrem gute Kampfkunst-Kenntnisse zu besitzen und nach kurzer Zeit stellt sich heraus, dass er von der Regierung gejagd wird. Kein Wunder, dass man hier an die Bourne-Trilogie erinnert wird: Die Bourne-Romane, die als Grundlage für die Filme dienten, ähneln schon in Elementen dem Comic XIII von William Vance, welches auch schon als Basis für ein Videospiel verwendet wurde. Bei XIII erwartet den Zuschauer nun eine amerikanische TV-Verfilmung des Stoffes, die aber dafür sehr gut gemacht ist. Ein hektischer Schnitt versucht zwar, das geringere Budget etwas zu vertuschen, so ganz gelingen vermag es ihm allerdings nicht. Trotz dessen ist XIII spannend, mit Val Kilmer und Stephen Dorff zudem gut besetzt und hat mit seiner Aufteilung in zwei Teile auch die richtige Länge für den Stoff. Durchaus guckbar:

27 Dresses (2008)

Eine junge Frau war zwar schon auf 27 Hochzeiten, den richtigen für ihre eigene Hochzeit hat sie allerdings noch nicht gefunden. Romantisch wie sie ist, liest sie aber immer gerne die Hochzeitskolumne in der Zeitung. Eines Tages trifft sie nun den Verfasser dieser Kolumne, der sich aber nicht als solcher zu erkennen gibt. Dieser vermutet hinter der “ewigen Brautjungfer” eine neue Story. Dumm nur, das sich beide ineinander verlieben, sie aber hinter seine Story kommt. Es kommt, wie es kommen muss: Verwicklungen, Streit, Trennung, Versöhnung, Hochzeit, das übliche Schema einer solchen RomCom. Und genau so lässt sich die Handlung auch vorhersagen. Zu Beginn des Films sehen wir Jane als Brautjungfer auf einer Hochzeit, wie sie von dem Mann beobachtet wird und zack – wir wissen, die beiden heiraten. Und spätestens, wenn wir dann 1-2 Szenen weiter erfahren, das er die Hochzeitskolumne schreibt, ist der weitere Verlauf des Films klar. Es gibt keine Überraschungen, keinen Witz, nur Zucker. Für kleine romantische Mädchen vielleicht ok, aber ansonsten ganz übel.

Far Cry (2008)

Til Schweiger in seiner Paraderolle: Mehr als einen Gesichtsausdruck brauchte er für diesen Film nicht, und so musste er sein ganzes Können abrufen, um bei den Anforderungen des Films nicht unterzugehen. Was soll ich sagen, er erfüllt seine Rolle mit Bravour. Das der Film ansonsten scheiße ist, das liegt ganz sicher nicht an ihm. Naja gut, nicht nur. Denn Uwe Boll hat es auch mit Far Cry nicht geschafft, etwas brauchbares abzuliefern. Die Story (ähem…), die Dialoge, die Schauspieler – hier passt irgendwie kaum etwas zusammen. Nicht fehlen darf in so einem Film dann auch die obligatorische Sex-Szene des Helden mit der Heldin inklusive ebenso obgligatorischer Einleitung à la “Jetzt aber raus aus den nassen Klamotten”. Der Witz des Films lässt sich dann auch prima in dieser Szene ablesen: Beide liegen im Bett nebeneinander und sie fragt “Hast du eine Kanone in deiner Hose oder…?” Huch, mag da der unbedarfte Zuschauer denken, ein schmutziger Witz. Aber da zieht der Schweiger doch tatsächlich eine Pistole aus seinen Boxer-Shorts, denn er geht “nie ohne” schlafen. Das da aber noch keine Kanone war, als er ins Bett gestiegen ist, darüber denken wir am besten gar nicht erst nach.

The Day After Tomorrow (2004)

Die Welt geht unter, und ein Vater sucht seinen Sohn, findet nebenbei auch noch zurück zu seiner Exfrau. Bombastische Zerstörungsorgien sucht man in diesem Film zwar nicht vergeblich, diese spielen aber nur eine Nebenrolle. Das Hauptaugenmerk liegt leider auf der kitschigen Vater rettet Sohn-Geschichte, die in weiten Teilen durchaus dazu fähig ist, einen gepflegt zu langweilen. Der Film ist, über die gesamte Laufzeit gesehen, leider nicht ganz so spektakulär wie er es gerne wäre, denn irgendwann ist das Eis nun mal da, und dann passiert auch mal lange Zeit gar nichts – bis dann die nächste Stufe eintrifft (noch schlimmeres Eis), dauert es auch ein wenig. Vielleicht gut geeignet, einen verregneten Sonntag Nachmittag rumzukriegen, mehr aber auch nicht.

Turn on your magnetic boots, because Space Truckers is the Greatest Movie EVER!

Review in a Nutshell:  Due to contributions from people as varied as Stuart Gordon and Hajime Sorayama, Space Truckers is light-years better than any low-budget, science-fiction adventure film has any right to be.  Its attention to detail and sardonic sense of humor make it a treat to watch.

This movie contains:

Square Pigs.

Pink Overalls.

Vernon Wells, Space Privateer.

The latest advancements in cybernetic male-enhancement technology.

Post Script:

This is what the good poster for Space Truckers looks like.

PUBLIC ENEMIES (2009)

Crucials

Director: Michael Mann

Written by: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman; book “Public Enemies: America’s Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-34″ by Bryan Burrough

Starring: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff, Jason Clarke, Stephen Graham, Emilie de Ravin, Giovanni Ribisi

Recommended? Yes, but with a disclaimer.

Disclaimer being: IT IS LONG. It is a long movie that sort of hops back and forth between short bursts of action and “near misses” with the FBI.

This film is based on the true story of John Dillinger, the famous and beloved bank robber. The people simply adored him, and because of this, he was able to hide in their midst. J. Edgar Hoover HATED Dillinger and became so obsessed with catching him that, legend has it, he had a whole “shrine” of Dillinger items that he kept after Dillinger’s death, basically as trophies. There’s your background info.

As for how the film progressed, I will admit one thing: it’s not fast-paced. At all. The action is really wonderfully realistic (I say this as if I’ve seen real gunfights before) and it’s fun, but the entire film less action and more build-up to the inevitable fate of Dillinger, or even just build-up to each individual robbery/predicament in which Dillinger finds himself. It’s enjoyable to watch, certainly, but it’s not the greatest film of the year.

What carries the film is the performances, but only one of the two leads is compelling. Johnny Depp can do no wrong, it seems, and his portrayal of Dillinger is no exception. He’s every bit the cocky (and cocksure) public enemy, and you cannot help but love the man. Depp is the perfect actor to cast in a bad guy role where the audience has to want the bad guy to win. As for Christian Bale, well, I could have done without him. Maybe I’m missing something about Bale, but I haven’t really enjoyed a performance from him since American Psycho. There was nothing particularly interesting about his character, which may be because the real-life FBI Agent Purvis was lacking, the script was lacking, or Bale was simply lacking. I didn’t quite buy his Americaness in this film, either, which bugged me since he is playing a decent role in a chunk of American history. I found his entire performance to be fairly bland, and I didn’t even care when he stood up to Hoover. Speaking of Hoover, Billy Crudup was nearly unrecognizable with his clothes on and without the blue skintone. I don’t believe that he looked a lot like Hoover, but he definitely had the creepy, dodgy, man with too much power act down to a tee, and I bought the role. For the duration of the film, Crudup absolutely WAS J. Edgar Hoover, and I didn’t like him one bit (which, of course, is the point).

As for the female roles, Marion Cotillard was terribly likeable and adorable as Dillinger’s girlfriend Billie. She had a very classic look to her, as well, which made me quite happy. She reminded me very much of the actresses of the golden era of Hollywood, and that fit very nicely into the timeframe of the film. She was equally sweet and sexy, innocent and resourceful, susceptible and strong. I thought she was rather delightful. Emilie de Ravin played Anna, better known as “The Lady in Red”, and I didn’t really find her performance to be particularly noteworthy. That might be due the fact that her role wasn’t really major. She wasn’t bad, but I just don’t think there’s much to say about her. I mention her because she’s the second female lead, which doesn’t say much in a movie that revolves around men and their guns.

Overall, it’s a movie you can enjoy if you don’t mind the pace, but don’t expect it to be the most amazing gangster movie you’ve ever seen. It’s also a fun film for Johnny Depp fans of all sorts, and his performance is awesome, as per usual. I recommend this film to serious film-goers who can handle a bit of a slow-paced film mixed with some enjoyable shoot-outs.

Michael Mann, basant-se en el llibre de Bryan Burrough Public Enemies: America’s Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-34, aconsegueix amb Enemigos Públicos no només la seva millor pel·lícula, sinó una lliçó de virtuts cinematogràfiques. La personalitat i l’estilisme alhora de narrar, prioritzant en el com es narra l’acció, és motiu més que suficient per situar-lo com un dels grans cinestastes nordamericans dels últims 15 anys.

Johnny Depp, Christian Bale i Billy Crudup, interpreten a John Dillinger, Melvin Purvis i J. E Hoover; són els tres grans protagonistes de la pel·lícula, amb menció especial per l’excel·lent treball de Marion Cotillard i per la resta dels secundaris, en especial Jason Clarke, Stephen Graham (This is England) i Giovanni Ribisi (Lost in Translation, i pròximament a Los diarios del ron). Depp interpreta a un Dillinger segur de sí mateix, honest i amb ganes de ser lliure, d’escapar de les cadenes de l’engranatge social. Viu al marge de la llei i de la justícia; una llei ferma que vol defensar l’estat de dret, com Melvin Purvis (Christian Batman Bale), i una justícia violenta i capaç de tot per el·liminar com sigui a qui no s’adapti a la societat, representat per J. E Hoover (Billy Crudup). Dillinger no enganya, però no roba a qualsevol; fins i tot es posa en contra al sindicat del crim, perquè segons aquests, un lladre ha de robar sense consciència; Dillinger roba a qui roba. Melvin Purvis és un policia que creu en els valors dels guardians del poble; a la vida real es va sucidar. J. E Hoover era dels qui confón tenir poder amb tenir la capacitat d’esclafar tot el que emprenya.

Michael Mann treu tot el suc a les imatges, a l’ enquadrar de forma visceral però metòdica, en consonància amb les necessitats dramàtiques. Amb l’elecció de la càmera digital d’alta definició s’allunya de l’aspecte oníric i preciosista, li permet penetrar en el món dels anys 30; els primers plans amb càmera en mà suggerint nerviosisme i tensió quan cal remarcar l’angoixa del personatge,  per exemple quan Billie Frechette (Marion Cotillard) espera notícies de Dillinger o durant el seu interrogatori; els silencis, la música i el so en general accentuen en tot moment l’acció, sempre amb un sentit. Tot té el perquè. Insistim en l’ús del la càmera digital, que tal com pretenia Mann, observa des de dintre el drama, i treballa amb l’enquadrament i el moviment dels personatges, provocant interessants contrastos de llum i de color i aconseguint una visió hiperrealista que ens submergeix en el drama, reinventant així la història de Dillinger sense caure en l’homenatge.

Enemic públic número ú o heroi existencial. Atracador de bancs implacable o Robin Hood de la crisi econòmica dels trenta. Criminal o rebel. Que cadascú jutgi segons el grau d’estima que li tingui a la societat, als bancs, a la policia i a la realitat en general. Del que no queda cap tipus de dubte és de que Enemigos Públicos és una de les pel·lícules de l’any.

servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovo Oggi di mercoledì 4 novembre 2009) – Ha rivoluzionato il mondo dei serial tv creando «Miami Vice», ha firmato il primo film con Hannibal Lecter («Manhunter»), ha impresso al thriller e al noir nuove forme di stile ed energia: Michael Mann, il regista di film come «Insider» e «Collateral»  era ieri nella capitale per presentare il suo ultimo lavoro, con protagonista Johnny Depp: Nemico Pubblico. In serata poi ha anche incontrato il pubblico dopo la proiezione in anteprima della pellicola.
Il film racconta la storia del mitico fuorilegge dell’epoca della Grande Depressione Economica Americana, John Dillinger (Johnny Depp)—il carismatico rapinatore di banche reso dai suoi raid lampo l’obiettivo principale del migliore agente dell’FBI dei tempi di J. Edgar Hoover, Melvin Purvis (Christian Bale), e divenuto una sorta di eroe popolare agli occhi degli americani di quel periodo. Nessuno poteva fermare Dillinger e la sua banda. Non esisteva prigione dalla quale non riuscisse ad evadere. Il suo carisma e le rocambolesche fughe dalle prigioni lo rendevano interessante agli occhi di tutti — da quelli della sua fidanzata Billie Frechette (Marion Cotillard) a quelli del pubblico Americano che non aveva simpatia per le banche responsabili di aver fatto precipitare il paese nella depressione. Ma mentre le avventure di Dillinger e della sua banda — che nell’ultimo periodo comprendeva anche due individui sociopatici dal nome Baby Face Nelson (Stephen Graham) e Alvin Karpis (Giovanni Ribisi) — intrigavano i più, Hoover (Billy Crudup) si riproponeva di utilizzare la pubblicità che la cattura del criminale avrebbe potuto generare in suo favore per trasformare il suo “Bureau of Investigation” nel dipartimento di polizia nazionale che è adesso l’FBI. Fece pertanto di Dillinger il primo Nemico Pubblico Numero Uno degli Stati Uniti d’America, mettendogli alle calcagna Purvis, l’affascinante “Clark Gable dell’Fbi’’.
Una pellicola di cui la critica ha tessuto le lodi in questi ultimi mesi e che promette di restare a lungo nella memoria del  pubblico che si recherà al cinema per vederlo. Per ambientazione ricorda quel capolavoro che fu ‘Gli Intoccabili’ ma  l’utilizzo della camera digitale ha permesso a Mann di dargli quel senso di reale che in un film di genere è assolutamente innovativo.

Il suo è un cinema della sfida, che ancora una volta ci propone un confronto tra due uomini che seguono ideali diversi. Come è riuscito nel 2009 a fare un fim classico e così sperimentale al contempo?
“Non so bene come questo film si inserisca nella mia filmografia. Io sono stato molto affascinato dal concetto di questa vita che ha brillato per un tempo brevissimo. Mi sono molto interessato all’idea di immaginarla e, se possibile, di immergere il pubblico all’interno dell’esperienza di un personaggio come Dillinger cercando di riportarlo in vita. Se il film funziona ci si trasferisce nella sua esperienza e questa è la magia del cinema, che ci consente di vedere le cose dall’interno. Io volevo vedere Johnny Depp in un ruolo simile, un ruolo che portasse in superficie le emozioni di Dillinger. E’ stata una sfida”.

Durante le riprese avete avuto in mano gli oggetti di Dillinger. Come è nato il film, vi siete ispirati a cose vere, per le leggende siete andati a scavare o vi siete solo attenuti al libro?
“Amo molto fare film d’epoca, e quando li giro mi chiedo come possiamo sentirci trasportati in quegli specifici momenti, giorni e anni. Per me l’imperativo era riuscire ad essere dettagliato per riportare tutti nel 1934, in quel momento a quella specifica ora, far sentire che quel personaggio era vivo…volevo riportare in vita il presente che è un passato ma con una simulazione molto forte, in modo che noi del pubblico potessimo viverla come una realtà.Come pensavano questi personaggi? Io ho cercato di capire la psicologia di quel periodo, come Billie potesse affidarsi alla fede; ho sempre amato gli anni ’30 e la fede era importante perchè questa gang affermava di agire sempre come se si trattasse di piccole operazioni militari, senza avere progetti per il futuro, per cui sapevano che alla fine il destino avrebbe fatto il suo corso. Non c’era nessun piano di fuga all’estero e questo mi ha affascinato, mi ha affascinato usare delle frasi che usavano loro, come: “bisogna fare ciò che si fa divertendosi”. Io sono cresciuto proprio nella zona dove c’era il Biograph, ho visto cosa veniva proiettato in quel cinema e la storia di Dillinger mi era molto familiare: quando passavamo lì davanti mio padre mi raccontava spesso la sua storia. Con lui non c’era una donna in rosso, ma con gonna e camicetta, quel dettaglio faceva parte della leggenda.Quando con Johny Depp siamo entrati al Little Bohemia Lodge nella stanza che lo aveva ospitato, ci siamo sentiti molto emozionati, perchè contribuiva all’immedesimazione. Stessa cosa vale per Bale, che era appostato tra gli stessi alberi in cui si era appostato il vero Purvis. Nella parte finale, all’uscita del cinema, morendo Johnny guarda gli stessi mattoni, lo stesso muro che Dillinger aveva visto negli ultimi istanti”.

Questo film ricorda molto alcuni western crepuscolari, come “Pat Garrett e Billy the kid”, nel suo ritrarre la fine di un mondo con il passaggio dai gangster  isolati, eroici, ai cartelli della mafia, allo strutturarsi dell’FBI. C’era l’intento di raccontare un epoca di passggio?
“I punti che ha sottolineato sono parte di una stessa immagine. Credo sia interessante il contesto della sua vita, con i grandi cambiamenti della società dell’epoca, questo mi ha interessato. La liquidità del crimine organizzato ne permise la transizione, la struttura della polizia si stava centralizzando in qualcosa di nuovo, quindi avevamo da un lato la polizia federale, dall’altro il crimine organizzato, entrambi contro Dillinger e parte di uno stesso contesto. Ma questa non è la storia che racconto, è solo parte del contesto del tempo. Quello che muoveva Dillinger, e che mi ha interessato, era la sua sete di vita: un uomo giovane, chiuso in prigione per 10 anni, che esce e vuole tutto subito e il fatto che tutto sia avvenuto in nove settimane, questo ha creato la sua leggenda”.

Una cosa interessante è come ha saputo portarci, grazie all’uso del digitale, all’interno di una guerra in cui sembra di essere in prima linea. Come ha lavorato, la incuriosisce anche il 3D?
“Mi piacerebbe avere il dialogo in 3D. Immergendo il pubblico in uno stato di guerra si ha coinvolgimento. Abbiamo scelto di usare il digitale una notte di pioggia a L.A.: avevamo una buick e delle comparse vestite con i costumi di scena, le abbiamo messe contro il muro ed effettuato una ripresa sia in digitale che in pellicola. Il primo restituiva appieno la realtà di quello che avveniva in quel momento, mentre la pellicola dava il sapore del tempo passato. Essenziale è stato anche far diventare protagoniste le armi: il museo di arte moderna ha queste mitragliatrici che sono effettivamente oggetti di grande arte. Quando le si usa se ne sente il rumore, la forza, si riesce a capire cosa si provava in quel momento. Ci siamo concentrati su suono, immagine, tutto quello che c’era in quella situazione. Si coinvolgono gli attori, ad esempio quando si guida un’auto del ‘30 la sensazione è diversa dal guidarne una moderna, e per un breve momento si ha la sensazione di stare lì: abbiamo cercato di far sì che tutto fosse reale”.

Si tratta di una storia già raccontata, ma le altre volte viene descritta come l’uscita dalla grande depressione. C’è in questo caso un legame con la realtà odierna?
“Si tratta in realtà di una coincidenza sfortunata, non è stata la crisi economica globale il motivo che mi ha spinto a girarla. Spesso ci si riferisce ad una storia in particolare perchè c’è un aggancio con la realtà, io sono interessato agli anni ‘30 da molto tempo, ho anche progetti che riguardano Parigi e la Spagna in quegli anni, i miei genitori li hanno vissuti e mi hanno raccontato come fosse viverci, lo stessi XXI secolo è nato dalla depressione che ha generato le forze che ci hanno mandato avanti”.

Elemento ricorrente nella sua filmografia è il protagonista che prende tempo per la riflessione. Qui questo momento emotivamente catartico sembra venire negato, è come se il protagonista fosse svuotato dall’elemento emotivo.
“Per me era importante quello che era nella sua mente: mi immagino seduto al suo posto nel Biograph, lo guardo mentre guarda il grande schermo, lui era l’eroe negativo del tempo, sempre sui giornali e si rivede nei panni di Gable che era in effetti modellato su di lui. Cosa penserò in quel momento, quali saranno le mie emozioni? E’ questo il punto focale della scena e la chiusura del film: sarebbe stato riduttivo aggiungere un dialogo, o un voice over che ne esplicitasse i pensieri. Volevo che il pubblico immaginasse ciò che Dillinger provava e vedeva”.

Ai tempi di “Collateral” ha dichiarato che era molto faticoso girare con attrezzature così ingombranti. Oggi è diverso, è per questo che usa il digitale? O solo per restituire quel senso di immediatezza, come ci ha detto?
“In effetti è diventato più semplice, ma per me il vantaggio principale  è ciò che il digitale mi consente di fare, 8-9 volte di più che con la pellicola. Lì bisogna sottostare alla chimica, qui ho più capacità di intervento, una qualità che punta al dettaglio, ma il digitale è utilizzabile anche in modo che non si veda la differenza con l’analogico. Il che, però, non significa che non tornerò alla pellicola, che mi piace molto”.

Vorrei tornare alla domanda precedente per rispondere al meglio: quando Dillinger siede nel cinema, sente che il suo tempo è giunto altermine? Se sì, come reagisce?
“Quando cammina fuori dal Biograph, è una liberazione, perchè sa che il suo percorso si è concluso: questo volevamo esprimere io e Johnny”.

Questo film è libero dal peso psicologico del cinema passato: è un approccio interessante perchè il protagonista non viene eroicizzato attraverso il racconto dei suoi problemi. E’ una nuova chiave per raccontare un personaggio negativo?
“Io volevo immergermi nella vita di Dillinger con le sue contraddizioni, non raccontarne l’infanzia e il passato come in una biografia. Non si sa niente del suo passato, ma i dettagli ci fanno entrare nel personaggio: all’inizio c’è l’abbandono del suo mentore, e si percepisce l’intensità del collegamento con quell’uomo. Anche quando fa evadere i suoi amici, comprendiamo il suo mondo emotivo, si apprende qualcosa di lui, anche se il pubblico non se ne rende conto. Questa è stata la sfida intriore che mi ha motivato”.

Quanto ha pesato la manipolazione dell’opinione pubblica nel trattamento del soggetto?
“E’ così che inizia storicamente. La manipolazione dei media inizia con una grande propaganda in maniera del tutto innovativa: nel ’29 a collegare l’America è la Radio, mentre nel ’33 tutti andavano al cinema. Avviene qualcosa nei cinema di tutto il paese, e Hoover lo usa: invece di usare i media, manda tramite il grande schermo un’informazione in tutto il paese. Nessuno lo aveva mai fatto prima. E’ un personaggio estremamente innovativo, mentre Dillinger sta diventando obsoleto, perchè il mondo va avanti. Lui è il meglio del suo genere, ma è solo. Non si tratta di un tema nuovo, lo troviamo già ne ‘Il mucchio selvaggio’”.

Cosa ha chiesto a Depp e Bale per il faccia a faccia? E in generale, come lavora con gli attori?
“Lavoro in maniera tradizionale, faccio sì che si immergano nel personaggio, che ci siano esperienze che li trasportano in quel momento e li facciano pensare come loro. E loro sono straordinari e immediati. Noi abbiamo cercato di apprendere il più possibile da quello che avevamo: con Johnny siamo andati a Crown Point mentre con Bale, abbiamo cercato di trasformarlo realmente in un aristocratico del Sud degli anni ’30 come era Purvis”.