The build-up to Sylvester Anfang II – from the band of the same name, formerly just Sylvester Anfang — has been ridiculous. I saw it in a record store about 6 months ago and became obsessed with obtaining it once it absconded from said record store upon my next trip.

Now that I have it in my hands I must admit, the art is better than I imagined, a cross between Earthless‘ album covers, Cypress Hill’s Temple of Boom and some cutting-room-floor scene from Wonderwall. In other words, it’s brilliant.

The music? Some thoughts:

• Without the additional effects that flap in the breeze like clothes hanging on a line during a storm, S. Anfang are relying on a lot of Guru Guru-/Amon Duul II-style repetitive bass lines; not a deal-breaker, but once you notice it you won’t be able to ignore it;
• Flanging, pitch-shifting, looping, lazer-pointing/shooting, phasing, wah-wah-ing, megaphone-ing, overdriving — it’s all going down here folks, often simultaneously;
• The vocals, fed through an echobox and a few miles of tubing, are a huge plus; they’re one of the “additional effects” mentioned above that separates this music from the herd;
• Of all their influences, Sylvester Anfang II fall back most on Ghost and Acid Mothers Temple;
• When the percussion doubles up it sounds like there’s a ghostly hand drummer in the room — this freaks me out;
• You couldn’t ask for better production, clear enough to relay all the wrinkles and fuzzy enough to retain that “indie” aesthetic;
• Eclipse Records is a great place to stock up on psych (no I’m not getting paid for this link)
• Sylvester Anfang are like No-Neck Blues Band if they played live from a slaughterhouse in Germany;
• There are a lot of cheap gimmicks to be had, psych signifiers are all over the place;
• If you want to sit down with a post-rock/psych 2XLP that fills each of its sides to the edges, you definitely, definitely want SA II …

Hell, guess I got carried away with the bullet points! That’s OK because it’s been a long day — let’s just say I’ve spent time in the ER today — and I’m ready to tuck myself in. Hopefully I won’t dream about those pig fuckers in Sylvester Anfang, whether it be I or II …

(Southern Lord, 2009)

MAXIMAL SUNN

On a parfaitement le droit de ne pas aimer Sunn O))), on a parfaitement le droit de trouver ça chiant, vous savez, les goûts et les couleurs… On a le droit sauf quand la seule justification du contradicteur relève de la posture facile, de la pure paresse intellectuelle (Combien de « c’est pas de la musique ! » ou de « moi et mon gosse de quatre ans aussi on peut le faire » a-t-on pu entendre dans les conversations d’initiés ?), ou encore du paradoxe le plus ridicule et le plus vaseux de ces dernière années : « le refus de la hype » brandit comme le valeureux slogan d’un nouvel esprit critique, comme si refuser la hype (?) valait acte de résistance. On en rirait presque. Oh et puis Sunn O))) n’est certainement pas non plus le meilleur groupe du monde mais il n’empêche que depuis dix ans, Greg Anderson et Stephen O’Malley ont le mérite d’être toujours restés fidèles dans leur quête du bourdonnant. Sunn O))) est donc avant tout un groupe qui cherche et qui, à force de chercher, de tâtonner, de se tromper et de persévérer, a parfois trouvé. Trouvé la passerelle qui reliait le sacré au profane, la tradition à l’expérimentation, l’abstraction au sensible, le populaire à l’underground et à l’avant-garde ou bien encore la beauté à la hideur. Et pour la première fois, Monoliths & Dimensions réconcilie aussi l’ombre et la lumière. Oui, ce septième album de Sunn est assurément le plus lumineux, le moins linéaire, le plus audacieux et comme si ça ne suffisait pas, le plus abouti de tous. Curieusement, à l’heure où les deux architectes de la machine Sunn se produisent sur scène en formation originelle (et donc minimaliste) pour jouer leur œuvre fondatrice, les GrimmRobe Demos, Monoliths & Dimensions est au contraire le plus maximaliste des disques du groupe (« Maximum volume yields maximum results »).

Pour cette nouvelle entreprise discographique singulière, O’Malley et Anderson ont donc convoqué l’artillerie lourde. On retrouve, dans les premiers rôles, les collaborateurs désormais consacrés du duo : la voix légendaire du black metal Attila Csihar et le guitariste australien Oren Ambarchi qui ont tous deux contribué activement à la construction de ce gigantesque édifice sonore et puis Dylan Carslon et Steve Moore de Earth ou bien encore le claviériste Rex Ritter. À leurs côtés, une trentaine d’invités plus inattendus (on ne les citera pas tous) participe également à cet effort de guerre et de paix. Outre l’intervention des trombonistes Stuart Dempster et Julian Priester (le premier vient de la musique contemporaine, le second a fait ses classes aux côtés de Bo Diddley, Sun Ra, Max Roach, McCoy Tyner, John Coltrane, Herbie Hancock ou Charlie Hadden), de la chanteuse Jessica Kinney (Asva, Gamelan Pacifica) ici promue en chef de chœur et de Randall Dunn aux manettes, il faut souligner le travail d’arrangement absolument remarquable d’Eyvind Kang, altiste et violoniste qu’on a notamment vu à l’œuvre avec Secret Chiefs 3, John Zorn, Mark Ribot ou Mike Patton, travail d’autant plus remarquable que ces arrangements traitent avec des timbres qui se distinguent largement du tout-venant de l’instrumentarium rock et metal. Dung Chen (longue trompe utilisée dans les rituels tibétains), conques, chœurs féminins et masculins, harpe, hydrophone, violon, alto, contrebasse, clarinettes, flûtes, cor anglais et cor d’harmonie, cymbale à moteur, piano, trompette, timbale d’orchestre, hautbois, orgues ou cloches tubulaires, autant de textures, de tessitures, de jeux de couleurs qui, associés au vrombissement des guitares désormais familier, viennent brouiller les pistes et étendre encore plus loin le champs d’expérimentation, ouvrant sur des territoires (souvent cosmiques, parfois cinématographiques) qui jusque-là, n’avaient pas encore été foulés au pied par les encapuchonnés.

Le principe du bourdon n’étant pas l’apanage de l’Occident, loin s’en faut, les références aux traditions bouddhiques de l’Asie Orientale sont finalement parmi les moins surprenantes de ce Monolith, des trompes et conques du morceau d’ouverture, « Aghartha » (un titre qui évoque le mythe du monde souterrain développé dans la littérature occidentale de la fin du XIXe siècle mais aussi et bien sûr le Agharta de Miles Davis), aux psalmodies gutturales incantatoires de « Big Church ». Et alors que ce « Aghartha », justement, s’achève sur les mots granuleux de Csihar pris entre l’eau et le vent, comme une macabre poésie sonore, « Big Church » s’ouvre sur la splendeur des chœurs féminins dirigés par Jessica Kinney, dans le sillage simplifié de certaines œuvres chorales stupéfiantes de Ligeti, et notamment de son Requiem ou de Lux Æterna que Kubrick utilisa dans 2001, L’Odyssée de l’Espace pour illustrer les diverses apparitions du monolithe noir. Tiens tiens… Et si l’on file la coïncidence 2001, la solennité des cuivres de « Hunting & Gathering » (sous-titré « Cydonia », soit le nom attribué à deux reliefs martiens) fait irrémédiablement écho au célèbre poème symphonique de Richard Strauss composé d’après Nietzsche Also Sprach Zarathustra, jusqu’à ce que des synthétiseurs que l’on croirait sortis d’une bande originale de Goblin ou de John Carpenter viennent renforcer encore la sensation d’impressionnisme et d’anachronisme musical, intentionnel et parfaitement cohérent. Enfin, l’album se clôture sur le colossal (et toujours très kubrickien) « Alice », peut-être celle de Lewis Carroll mais dont les dernières minutes (les harmonies se font de plus en plus lumineuses, les guitares se retirent peu à peu, laissant le mot de la fin aux cuivres et à la harpe) sont en tout cas un hommage explicite au jazz cosmique et rayonnant d’Alice Coltrane.

L’hommage justement… Sunn O))) a débuté en tant que groupe-hommage à Earth et dix ans plus tard, il n’est pas surprenant que l’hommage aux pairs soit plus que jamais au centre de sa musique. Les références ont changé, se sont multipliées, elles ont pris la tangente, elles puisent désormais dans la tradition aussi bien que dans la modernité et même dans des univers extra-musicaux, elles sont sous-entendues ou carrément explicites mais ce qui est certain, c’est que jamais le groupe ne les avait maniées avec autant d’habileté que sur ce très impressionnant Monoliths & Dimensions.

Francoise Massacre
Publié dans: NOISE MAG #11 (août/septembre 2009)

http://www.tapeworm.org.uk/

Grant Willing’s ongoing photographic series Svart Metall is a meditation on the ineffable qualities of an unsubtle musical subculture. “Svart Metall” is Swedish for black metal, and if you want to know more about that let me Google that for you. Though its sonic qualities are challenging even for some metalheads, its Nordic atmospherics and paganistic themes are arguably evocative for a diverse range of artists.

Grant created this body of work as his thesis at Parsons, and won “Best in Show” in the 2009 Photography Thesis Exhibition. He published it in an edition of 1000, also entitled Svart Metall, available through his site and Photo-Eye. The photographs are allusive of the themes black metal culture treats, and presented in a surprisingly informal way—printed on bleached newsprint stock (something of a trend? See Alec Soth’s The Last Days of W). On this ephemeral paper, the photographs retain a stately quality but gain a more disorienting sense.

Distinctive aesthetic expressions of metal are of interest on this blog, of course. But I also saw a (loose) parallel in how this American artist interprets visual genres forged in northern Europe and the original dissemination of the music itself, which spawned numerous stateside Black Metal bands. Overall I wanted to know more about  the motivations and process behind this fascinating body of work. I emailed Grant before he made a trip to Sweden and Norway to continue this series.

How did the project begin?

I was kind of stuck working on another project, Grand County [also viewable on Grant's site] and felt like I needed to take a break from that. I had an idea for a while to do a project on Black Metal or something related to Norse Mythology, Paganism, Satanism, the Occult, etc. etc. I’d been kind of secretly fascinated with this stuff since high school and felt like it was time to do an “artistic investigation” into this.

I started actually working on the series when I took a trip in 2008 to Pennsylvania. I think I just had all of these ideas for different images coming through my head at that time and began shooting in that type of style and mindset.

I am interested in how relatively nonrepresentational and atmospheric the work is—which is of course consistent with a lot of the work that has appeared on black metal packaging. But it’s 180 degrees from, say, Peter Beste’s work [as seen in his book True Norwegian Black Metal].

I really like Peter Beste’s work and think its great how he does these intense studies into subcultures that have such a sense of awe or mystery surrounding them.  But yes, like you said, my work is totally different. I feel like his work is kind of the front-end of black meta—the performances of the musicians, how they want to look in front of the camera, carefully crafted situations, etc. My work is kind of like the back-end—what is behind the music.

Are you interested in Black Metal in all aspects, or just this aesthetic vector? That is, are you a fan who wanted to artistically explore this world, or is this new to you?

Like I said before, the series is a result of a long time interest in this kind of music and its ideologies. I’ve been listening to Metal for as long as I can remember, but when I started listening to Black Metal it was the first time it really interested me so much more than just the sound itself—the culture and history behind the music are what interest me most I think.

This was your Parsons thesis—and congrats on the award and fellowship. It was well received at school then? Who was your advisor? Any resistance to the project academically?

My advisor/professor for the past year at Parsons was Carrie Levy. She was incredibly helpful and gave me the best insight to my work that I received at school. Initially there was a small amount of resistance to the work mainly because we weren’t sure I was going to arrive at a resolved point in the work by the time I graduated. But this series developed a lot more quickly than some of my past work, I think because it’s something I had been thinking about for a long time and a subject I was already obsessed with.

How do you see this work tying into the larger metal-oriented art scene, from the fine-art, Banks Violette end of the spectrum to designer/musicians like Stephen O’Malley and Aaron Turner? Or do you see your work as its own thing?

I definitely gained inspiration from those artists, especially Banks Violette, but I think my work differs in the actual subject matter I’m looking at. I think for the most part these other artists are making work that directly references metal genres, but my work is referencing more what is referencing the music itself. I’m using Black Metal as an umbrella term in a sense, as a way to group together these different ideas, such as Paganism, Satanism, Norse mythology, etc. into a concise body of work. When taken out of the context of Black Metal, Paganism and Satanism alone are fairly different from one another, but they are grouped together in the sense that they provoke a similar mental image and are “occult.”

Curious that you are continuing the project in Sweden and Norway—were any of the photos from the first part of Svart Metall shot there? I’d guess not all of them—if any of them—were taken in Scandinavian countries.

None of the photos in the series have been taken in Scandinavia so far (with the two exceptions of the found images “Fortun” and “Mannduad”). I started working on the project in western Pennsylvania—the first image of the series, “Untitled (Moon)” was one of the first images made for Svart Metall. Almost half of the images were taken in the mountains of Colorado. The rest were taken in New York and Québec.

For that matter, since the project eschews a considerable amount of literalism anyway, why is it important to actually go Nordic with the next part of the project—or any of it?

I think its important to visit these areas, Norway especially, in order to bring a sort of change to the work and have almost a fresh start again. It’s also undeniably something I want to do regardless of the work I make there—but my main objective is to see these places that have sparked what is essentially behind or responsible for provoking the rise of Black Metal, its culture, etc.

How do you plan a trip like this, how do you do location scouting ahead of time? Do you know what you are looking for, or do you go more instinctively?

I’ve only planned this trip so far in that I’ve booked train tickets to a few different places in Sweden and Norway. But mostly I’m going on instinct and off of some research I’ve done. It’s similar to the way I would shoot in the US: I choose an area based on the connotations it has or my impressions of it and use those ideas to find something in that place. So in a way I have ideas in my mind that I’m looking for, but they’re not necessarily location specific.

You are still working on Svart Metall; what are your ultimate plans for the project?

My ultimate plans right now are to keep transforming the series into an even more personalized look at black metal. It’s a really general desire, but I don’t want to pin down too much where I want it to go, I think it works best when it evolves naturally. I have a few ideas in mind of where it could go in terms of presentation, etc. but I’m hoping those ideas will also change over the course of the next year or so.

The photographs above are not titled in the Svart Metall book, but they are, in order here:

Untitled (Claw)
Untitled (Moon)
Untitled (Black Murder)
Untitled (Axe)
Untitled (Fortun)
Untitled (White Sun)
Untitled (Black Sun)
Untitled (Mannduad)
Untitled (Fire II)
Untitled (Ice)
Untitled (Fenrir II)
Untitled (Sword)

Earlier: Helvetica metal, The look of metal today

The first thing that comes to mind when I hear this black, burbling, gurgling, humming, thrumming, chaotic cloud of barren-wasteland drone is this: Why did so few talk up Pentemple, the live collaboration between Stephen O’Malley/Greg Anderson of Sunn O))), one-man death army Sin Nanna (Striborg), Oren Ambarchi and Attila Csihar of Mayhem?

(Hydra Head, 2009)

(Conspiracy, 2009)

DUBIN INSIDE

Depuis la sortie de Capture & Release en 2005, on retenait notre souffle. Parce qu’on savait que ce très grand disque n’était qu’un point d’orgue, une suspension passagère dans l’œuvre essentielle d’un groupe déclaré mort prématurément. Parce qu’on voulait voir Khanate cracher enfin son dernier glaviot et crever une bonne fois pour toute, histoire d’en faire son deuil et de passer à autre chose. Presque quatre ans plus tard, le voilà l’ultime sursaut, Clean Hands Go Foul, le point final tant attendu, l’épilogue de l’affaire Khanate, soit l’entité avant-doom la plus intense et la plus noire de ces dernières années. Et quelle fin. Pendant ces quatre années, le bassiste et metteur en son du groupe, James Plotkin, a eu tout le loisir de redessiner à posteriori la carcasse anguleuse de ces quatre pièces monstrueuses improvisées lors des sessions de Capture & Release. Embaumée avec soin et enveloppée dans une couche d’effets en tous genres légèrement plus marqués que de coutume (delays, echos, reverbs, guitare et basse doublées à l’octave inférieure…), la masse oppressante des cordes bourdonne et ronfle dans un dernier souffle de vie, pendant que la batterie de Tim Wyskida flue et reflue (Elvin Jones, sort de ce corps !) comme un miasme au fond de la gorge, invoquant sans cesse le et les silence(s), un ressort dramatique presque infaillible dont peu de groupes ont l’intelligence d’user ou usent avec intelligence. Et alors que le lent engrenage de la rigor mortis se met en branle, perçant le brouillard de sa voix la plus glaçante et méphistophélique, Alan dubin pousse une dernière fois son effroyable chant du cygne…
… puis il ressuscite le troisième jour, et il monte un groupe, et il siège à la droite de Jamie Sykes (batterie, ex-Burning Witch, Atavist) et de Carther Thornton (basse/field recordings, Enos Slaughter) et il siège à la gauche des deux sound-designers Jun Mizumachi (ex-Ike Yard, une petite légende de la musique industrielle des 80’s) et Brian Beatrice, et ensemble ils se manifestent sous le nom de Gnaw, et This Face est leur premier commandement. Un raz-de-marée d’abstraction, un magma de sons concassés toujours en mouvement, une mixture orageuse de fréquences psychotoniques persistantes, de textures saturées et de field recordings grippés. Et c’est Sykes qui impulse la cadence, choisissant, au gré des morceaux, d’être tantôt percutant et rythmique, tantôt flottant et a-rythmique, donnant à This Face l’allure d’une grosse mécanique industrielle avançant lourdement contre les vents électroniques contraires. Au centre de la mécanique, Dubin le coyote ronge son frein, Dubin déchire la surface de son organe strident, Dubin murmure, Dubin chuchote, Dubin râle et (on n’ose y penser) Dubin chante (« Watcher »).
On s’en doutait, on le pressentait mais maintenant on peut le dire : ce premier album souffre un peu de la comparaison avec Khanate et, double concordance (de temps et de voix) oblige, cette comparaison était quasiment inévitable. Jour après jour, les deux disques se passaient le relais sur la platine : Khanate puis Gnaw, Khanate versus Gnaw, Dubin contre Dubin, noir sur noir… Sauf que plus la rigueur jusqu’au-boutiste conjuguée à l’implacable cohérence du premier sautait à la face, plus le second donnait l’impression d’avancer en roue libre ; plus le premier sujet apparaissait nettement à la mise au point et plus, incontestablement, le second devenait artistiquement flou.
Francoise Massacre
Publié dans: NOISE MAG #9 (mar/avr 2009)

En 2005, un volcan s’éteignait. Le funeste Capture & Release venait à peine d’être mis sur les rails que le super-groupe Khanate (Stephen O’Malley, James Plotkin, Tom Wyskida et Alan Dubin) annonçait déjà sa dislocation en même temps que la préparation d’un ultime album posthume. Au même moment, Alan Dubin, la voix détraquée de Khanate (et avant ça de Old Lady Driver avec James Plotkin) fomentait un nouveau coup crapuleux sous le nom de code Gnaw (prononcer /‘no/) avec quatre de ses vieilles connaissances : Jamie Sykes (ex-Burning Witch, Thorr’s Hammer et Atavist), Carter Thorton (Enos Sluaghter, Pigeons), Jun Mizumachi (ex-Ike Yard) et le sound designer Emmy-Awardé Brian Beatrice. Et soudain, après quatre années passées à écouter voler les mouches, voilà que sortent simultanément Clean Hands Go Foul de Khanate et This Face de Gnaw. Le premier signe définitivement (et magistralement) l’arrêt de mort de l’abomination avant-doom, le second est l’acte de naissance discographique de la hideur post-industrielle. Un scénario digne d’un bon Slasher : (scène finale) tu croyais vraiment t’être débarrassé du MAL, Kevin ?
Dubin inside…

Quand, comment et pourquoi le projet Gnaw a-t-il commencé ?
L’idée m’est venue en 2006. C’était le moment où Khanate était en berne. On ne faisait plus rien si ce n’est attendre que Clean Hands Go Foul soit enfin mixé, ce qui a finalement pris plusieurs années. La plupart des membres de Gnaw sont des amis de longue date et ça faisait déjà un petit moment qu’on envisageait de faire de la musique ensemble. J’ai donc parlé à Jamie, Carter et Jun de l’idée de tenter une nouvelle expérience musicale basée sur des sons et des textures étranges. Ils étaient tous très motivés. Ces mecs ont des parcours musicaux très différents et comme ils ne se connaissaient pas, j’ai pensé que les réunir pourrait donner quelque-chose d’assez dingue et improbable. Au moment du mix, Brian est devenu le cinquième membre du groupe.

Tu disais que vous veniez tous d’horizons musicaux très différents. Quel a été l’apport particulier de chacun d’entre vous ?
Pour Gnaw, l’idée globale était de tenter tout ce qui était possible sans se soucier de savoir si ce qu’on faisait rentrait ou pas dans une catégorie musicale préexistante. On voulait créer, mais créer quoi ? On n’en savait rien et c’était justement ce qui nous amusait.
Jun est sound designer. Il a bossé pour la télé et le cinéma. Ses connaissances dans le domaine des musiques électroniques sont énormes. Il est responsable d’une grande partie des bruits industriels indéterminés et de toutes les strates de sons inquiétants qui émergent de la surface musicale.
Carter est un maître de la création sonore lo-fi. Il arrive à produire un son de guitare incroyablement cru. Il fabrique ses propres instruments électroniques. Il aime aussi enregistrer le mauvais temps. D’ailleurs, sur « Backyard Frontier », tu peux entendre la pluie qui tombe sur sa véranda, et d’autres sonorités humides qu’il a probablement enregistrées plongé jusqu’à la taille dans une substance visqueuse et couvert de sangsues. Carter a aussi arrangé certains morceaux.
Jamie, c’est le percussionniste freak à trois bras, un batteur ultra-malade obsédé par le black metal. Il s’est vraiment surpassé cette fois avec son jeu tribal et ses patterns biscornus.
Comme Jun, Brian est aussi sound designer pour la télé et le cinéma. Il s’est occupé du mix de l’album et a rajouté quelques sons trafiqués. Brian est un excellent guitariste/bassiste. Carter et lui devraient se relayer à ces deux instruments pour la version live de Gnaw, sur laquelle on est en train de bosser.
En ce qui me concerne, j’ai écrit les textes et j’ai enregistré toutes les parties de voix. J’ai fait une paire d’arrangements et j’ai aussi trouvé quelques sons pour l’album. Tout ce que je viens de te citer n’est bien sûr qu’une petite partie du boulot qu’on a dû fournir pour ce disque.

Il y a un concept ou un fil rouge qui sous-tend l’album ?
Non, on n’avait aucune idée ni aucun concept préétablis pour le disque. Au niveau des textes, les images et la thématique sont le plus souvent centrées sur les idées d’auto-apitoiement, du dégoût qu’on peut ressentir à l’égard des autres, de l’envie, de la paranoïa et d’autres trucs en marge comme des types sans maison qui errent dans les ruelles ignorés de tous et qui se repassent indéfiniment le film de leur vie d’avant. L’un de nos morceaux, « Watcher », parle d’un mec qui est gardien d’une tour et qui a été élevé uniquement dans ce but : surveiller un royaume, comme l’ont fait ses ancêtres avant lui, pour se prémunir contre un danger mortel imminent qui pourrait survenir à l’horizon un jour… C’est un thème assez « doom trad » dans l’esprit. On a un morceau qui s’appelle « Shard », qui est la version déconstruite électro dark-wave de « Talking Mirrors », sur une idée de Jun. « Shard » et « Talking Mirrors » évoquent l’idée d’un dialogue intérieur avec son « moi » profond, rassembler tout le courage nécessaire pour se suicider parce que tu estimes que vivre c’est de la connerie et que ton « moi » profond c’est aussi de la connerie. La plupart des morceaux traitent de sujets plutôt lugubres et pour moi, ils sont très visuels dans le sens où ils forcent naturellement l’imagination à vivre ces histoires – en même temps, je suis un mec cheulou, alors il se peut que je parle uniquement en mon nom.

D’ailleurs tu utilises beaucoup le « je » et le « moi » dans tes textes.
La plupart des textes que j’écris sont une exagération extrême de ce que je ressens sur le moment, mais j’aime par-dessus tout me mettre au centre de situations imaginaires et raconter des scénarios de ce point de vue là. Pour moi, les paroles doivent être « visuelles » et c’est ce que j’essaye de faire passer. Feel me eat… Pour en revenir à l’album, les morceaux sont musicalement reliés les uns aux autres par une sorte de rideau sonore industriel qui apparaît au-dessus ou sous la surface. Les morceaux ont tous quelque-chose de bien crade, comme on aime, mais pris dans son ensemble, This Face ne se rallie à aucun genre.

Comment avez-vous construit l’album ?
C’était un processus très différent de tout ce que j’avais pu faire avant. On a eu beaucoup de mal à réunir tout le monde, surtout au début, parce que Jamie vivait à plus de 1500 bornes du reste du groupe. C’est Jun qui a envoyé la balle le premier. Il a commencé à trouver des tonnes et des tonnes de sons étranges qu’il nous a envoyés à Carter et moi. Là-dessus, nous avons rajouté des éléments. Depuis Memphis, Jamie a enregistré des rythmes à la batterie et nous a envoyé les pistes séparées. J’ai mis un peu d’ordre dans tout ça avec l’aide de Carter. Et puis j’ai commencé à écrire des textes et quelques lignes de voix pendant que Carter rajoutait des guitares, des basses, des pianos, des effets, ses field recordings et des sons provenant des instruments bizarres qu’il construit. Jun a rajouté du bruit, des sons percussifs, des synthés. J’en ai rajouté à mon tour, puis Carter, puis Jun, etc. Pour finir, on est arrivé en studio avec ces démos et mon ami Brian a mixé le tout, morceau par morceau, en rajoutant quelques éléments : guitares, basses, piano… Brian s’est vraiment impliqué dans l’enregistrement, pas seulement en mixant l’album, mais parce que c’est lui qui a joué toutes ces parties additionnelles. Il était évident qu’il devait faire partie du groupe.

Est-ce que pour This Face, tu as abordé le chant différemment de ce que tu faisais avec Khanate ?
Au moment où je crie ou chante, j’aime bien pouvoir visualiser ce qui, selon moi, se passe dans le morceau et dans le texte. Ça, c’est valable pour les deux groupes. Par contre, j’ai un peu diversifié ma manière de chanter avec Gnaw, mon « style ». Comme j’ai fait moi-même la plupart des prises de voix, j’avais un contrôle plus grand sur la façon de les placer et je savais immédiatement si il manquait quelque-chose, s’il fallait doubler une partie, rajouter un cri… J’ai eu tout le loisir de bidouiller, de faire joujou avec des boucles et des effets. Dans Khanate, Plotkin enregistrait les voix brutes de décoffrage plus tous les extras dont il avait besoin. Ensuite, il assemblait le tout lui-même.

Ça a été facile de séparer et de cloisonner les choses entre les deux projets ?
J’ai fait la part des choses avec Gnaw, dès le début. C’était très excitant, d’une part de jouer avec un nouveau groupe et de nouveaux musiciens, et de l’autre de ne pas savoir du tout vers quoi on allait. Je savais que ça serait féroce et bruyant, mais en revanche, je n’avais aucune idée de la couleur que j’allais donner à mes textes ni de la manière dont Jamie aborderait la batterie sur ce projet, ni des sons étranges que Jun et Carter allaient pondre. J’ai eu le même sentiment d’excitation pour chaque nouvel album de Khanate, mais la différence à ce moment-là, c’est que Gnaw ne faisait que commencer alors que Khanate agonisait.

Aussi bien dans Khanate que dans Gnaw, l’aspect sound-design et post-production est crucial. C’est un des points communs entre les deux projets ?
Pour Clean Hands, Plotkin s’est occupé de tout le mix ainsi que des « enjolivures ». Il a aussi assemblé/arrangé les morceaux à partir de ce qu’on avait enregistré pendant les sessions de Capture & Release. La plupart des voix ont été enregistrées peu de temps après. James les a trafiquées puis les a assemblées à la musique. En ce qui concerne This Face, si Brian a effectivement mixé l’album, on a tous joués un rôle important dans la construction et la direction globale du son, et ce jusqu’aux toutes dernières minutes de l’enregistrement.

Les morceaux de Clean Hands ont été improvisés pendant les sessions C&R. Tu as enregistré tes parties de voix après ces sessions. C’était compliqué (ou bizarre) de bosser là-dessus en sachant que le groupe était mort ?
Effectivement, on m’a envoyé les prises brutes et j’ai écrit et enregistré les parties des voix à posteriori. Sauf qu’à ce moment-là, il n’était pas encore question d’arrêter Khanate. Ça ne m’a donc pas semblé spécialement bizarre. La difficulté résidait plutôt dans le fait qu’il n’y avait aucune pulsation ni aucune structure palpables dans les morceaux – il y a bien des structures, mais elles ne sont pas vraiment taillées pour la voix. J’ai rajouté des refrains répétitifs auxquels je pouvais me raccrocher. Quelques années plus tard, quand James a eu terminé les morceaux, il m’a dit que certaines parties manquaient de voix. J’ai donc dû réenregistrer des voix et des murmures et je les ai renvoyés à James qui a pu finir l’album. Plotkin a fait du bon boulot. Je suis encore bluffé par l’atmosphère morbide du disque.

Après O.L.D, Khanate était ton deuxième groupe avec Plotkin. Tu penses qu’il y en aura un troisième un jour ?
Non. La roue a tourné.

Tu as réussi à conserver une forme d’excitation par rapport à la sortie de Clean Hands ou cet épisode est définitivement derrière toi ? Ce disque, c’est un peu le dernier clou dans le cercueil, non ?
Fuck yeah ! J’aime ce disque et je suis vraiment impatient ! J’ai entendu les versions définitives presque deux ans après les avoir enregistrées, ce qui fait que je vois vraiment Clean Hands comme un album totalement nouveau. C’est une sacrée belle fin, glauque as fuck ! J’espère que les gens le détesteront, ça légitimera les paroles de « Every God Damn Thing ».

À propos de Khanate, O’Malley disait qu’il voyait le groupe un peu comme un « groupe de post-rock, dans la tradition de Shellac ». De mon côté, j’ai toujours considéré Khanate comme une version doom de Public Image Limited période Flowers Of Romance qui dépouillait les formes punk/dub de tout élément superflu, qui les plongeait dans un bouillon de noirceur et d’abstraction jusqu’à ce qu’il ne reste plus que l’essentiel. Voilà, à ton tour, Dubin (sauf si tu penses qu’on dérive dans un mauvais trip érudit-rock. Si c’est le cas, appuies sur le buzzer pour passer la question).
Ha ha ! Je trouve que ces deux comparaisons tiennent la route. Rock ? Oui, quelque-part. Metal ? Oui, c’est clair. Doom, expérimental, punk, mentalement et oralement éprouvant? Oui, oui, oui. Mais pour moi, Khanate est juste cette grande “chose” noire innommable. La plus noire de toutes.
Quelqu’un a un jour comparé ta voix à celle d’un Bon Scott ressuscité d’entre les Morts. Personnellement, je trouve ça très juste.
Je suis le cadavre vivant de Bon Scott !!!!!

Pour finir, tu peux me parler de ton boulot de monteur vidéo ?
Mon père était lui-même monteur donc je m’y suis intéressé très tôt. J’allais souvent le voir sur son lieu de travail. L’endroit était jonché de bandes et rempli de machines monstrueuses. Il me montrait les pubs sur lesquelles il bossait. Je trouvais ça fascinant. Quelques années après le lycée, j’ai décroché un boulot d’assistant. J’ai beaucoup travaillé, je suis devenu monteur et je me suis fait une réputation. Je travaille surtout sur des pubs télé à gros budget. J’ai bossé sur quelques documentaires et sur des émissions de télé. L’année dernière, j’ai aussi terminé une comédie noire, Buzzkill (Ndlr : voir la page myspace de Dubin), qui attend toujours d’être distribuée. J’ai hâte que ça sorte, ce truc est mortel ! J’ai de la chance d’avoir un boulot que j’aime – et un boulot tout court en ce moment…

KHANATE – Clean Hands Go Foul (Hydra Head) // GNAW – This Face (Conspiracy)
www.myspace.com/alandubin // www.myspace.com/gnaw666

Francoise Massacre
Publié dans: NOISE MAG #9 (mar/avr 2009)

Earth, Pentastar: In The Style of Demons, 1996

Devolution/Evolution

R

I love bands with weird names, so when I saw a record by Sunn O))) I knew I had to give it a go, and boy was I in for a treat. There’s one song especially that blew my mind in this one, called ‘Alice’, a 17-minute track they chose to close the album with. Loud, spacious, pure elegance. This is what it’s all about.

Greg Anderson and Stephen O’Malley are this band’s founders, and they are seriously onto something out of this world, with influences so clear as blues, but they infuse those bluesy influences with horns and violins and harps, this is beautiful stuff, how they manage to make that fit to such mesmerizing results.

Monoliths & Dimensions is a sublime album, as sublime as they come really, and they only bad thing I thought of while listening to it, is why the hell I hadn’t discovered these guys before, such tight guitar riffs flowing, seemingly without any effort, into such experimental stuff with violins and unbelievable bass guitars, this is the realest, meanest, coolest shit I’ve heard in a while.

The songs are long ones, something which I like, but something I especially like here, because they aren’t big just because they want them to be big, but because it’s impossible to make them any shorter, they all are crafted so perfectly with the strings and synthesizers it’s impossible not to love the end result.

There’s another song in here, called ‘Big Church’, in which there are four guitars and an impeccable female choir making the raddest of music, the guitars completely unlike the choir, but meeting in the end to create some unbelievable musical climax.

I would talk more, but with only four songs, four amazing long long songs, I would rob you of each delicately perfect sound in it if I went into detail about them all. Suffice to say that this is what it’s all about, when you find an album like this, by your own, by a band you had never heard about, nor know anyone that has, you cannot help but feel as ecstatic as I feel right now, nor can you help but wonder how the hell these guys made such serene, secure within its insecurities, music.

Grade: A+

in the beginning was the word, and the word was with doom, and the word was doom.  carlson was with doom in the beginning.  through doom all things were made; without doom nothing was made that has been made.  in doom was life, and that life was the light of men.  the light shines in the darkness, but the darkness has not understood it.

there came a man who was sent from doom; his name was o’malley.  he came as a witness to testify concerning that light, so that through him all men might believe.  he himself was not the light; he came only as a witness to the light.  the true light that gives light to every man was coming into the world.

anderson was in the world, and though the world was made through him, the world did not recognize him.  he came to that which was his own, but his own did not receive him.  yet to all who received him, to those who believed in his name, he gave the right to become children of doom – children born not of natural descent, nor of human decision or a husband’s will, but born of doom.

the word became flesh and made his dwelling among us.  we have seen his glory, the glory of the one and only, who came from carlson, full of grace and truth.

o’malley testifies concerning him.  he cries out, saying, “this was he of whom i said, ‘he who comes after me has surpassed me because he was before me.’”  from the fullness of his grace we have all received one blessing after another.  for the law was given through csihar; grace and truth came through greg anderson.  no one has ever seen doom, but doom the one and only, who is at carlson’s side, has made him known.

lordy lordy.  seventh album in for sunn o))) and it’s a huge old testamental beast.  monoliths and dimensions for chrissakes.  take the hint.  it’s massive.  biblical.  it’s lovecraft and yaweh all rolled into elephantine discordant om.  look at the cover (by the metal mangling richard serra), like some yawning gaping cthuluan mouth devouring all before it.

bit of a departure from the usual abstractions and one chord headfuck anyway given:

that the record gravitationally, no doubt, pulls in a choirload of other folks, including but not exclusive to: eyvind kang, stuart dempster, julian priester, oren ambarchi and steve moore.

that it subtly destroys the following instruments: double bass, conch shell, violin, viola, piano, horns, tubular bells and the wonderfully baffling wolf log.

decidedly epoch shattering in the way that earth were between hex… and the bees made honey… in that it’s taken the traditional formula and subtly changed it in such a skullbuggeringly simple way that you’ll never see/hear sunn o))) in the same way again.

by riffing on davis and coltrane (whether for amusement or not), by introducing unreconstructed acoustics into the tectonic shudder, by having atilla csihar’s rumbling timbre appear on every track (his shit with gravetemple at last years supersonic fizzed my noodlesac no end), by effortlessly muxing up horror movie atonal string screech and viennese choir discordia with the uberdowntuned chugging chord fug, o’malley the baptist and jesus anderson have turned out a sunn o))) record that for the first time makes as much sense etched on vinyl as it does on a murk fogged cowl covered stage.

it’s as much morricone as it is mayhem.  in places it is beautiful; a rumbling sensual ritual, a babbling chaos held in place with eyvind kang glue and technical jiggery pokery.

the final track, alice, seems to have turned the earth tribute shit on it’s head by turning sunn o))) into latter day earth, all desert dry twang and jazz lava and mogadon western movie horns.  is it the best thing they’ve recorded?  i think so.  vibrating organ and swells of trombone.  if hitchcock had made a brooding cowboy film this’d be the soundtrack.

to quote the folks involved:

“the most musical piece we’ve done, and also the heaviest, powerful and most abstract set of chords we’ve laid to tape”.

can’t agree more.

pretty damned close to perfection. 

o’malley / sunnspace / southern / southern lord

“I did see some Noh Theater when I was in Japan. It’s amazing, because it’s working with time-manipulation, super strong time-stretch, like I experience sunn 0)))’s music to be. But, its pretty funny; you go to a Noh performance, and in the first five minutes, everyone falls asleep, cause its just like [makes a gear screech sound], put the brakes on time, and then you wake up, and that’s normal — that’s the normal thing. It’s weird. It starts, you get drowsy, and then you come to and you’re back at the speed of the piece, which is very different from walking in off the street, of course. Pretty cool. Pretty strong.”

Read the whole interview with Tiny Mix Tapes:

http://www.tinymixtapes.com/sunnO

Read more about Noh theater here:

http://en.wikipedia.org/wiki/Noh

I need to figure out how to hyperlink on this page.

Over the years there have been a few projects that were proposed that for one reason or another never happened. Some of these were mentioned in interviews and others may never have been made public, I really don’t remember.

The Black Hands Project – I was approached by Vadim Gusis of Chaos As Shelter to do a collaboration, around that same time he’d apparently also asked Stephen O’Malley of SunnO))), Khanate etc. to do a collaboration. I had been corresponding with Stephen and we decided to make it a three project collaboration with all of us doing one release together. Work was actually started on this, and music exchanged and recorded and then it petered out. Not sure what happened honestly. I probably have some of that around in a box somewhere.

w/ Dream Into Dust – Derek Rush and I used to correspond a fair amount years ago and always sort of thought it would be an interesting project to collaborate on something. We talked about it and wondered, but never got to the point of action.  I did an email from Derek the other day asking if I’d be interested in doing a remix for him for an upcoming album he’s working on, and agreed to do it. So a taste of what might have been lurks somewhere on the horizon.

w/ Halo – Skye Klein (that discography is incomplete)  The varied projects of Skye and Robert are almost too numerous to list, but they are all good. Skye and I discussed doing something together at one point, but then they got scooped up by Relapse, and I assume got very busy and nothing came of it.

w/Sator Absentia - Cedric Codognet had contacted me about a possible video collaboration that he wanted to put together, with each of us contribution new audio, and footage we’d shot of various and sundry thing, not live footage. He was working  a DVD for Sator Absentia and thought we could perhaps get to it when he was done with that. I never heard much else about it. Given my ramshackle recording situation the last couple years I probably would have had to put it off  or back out anyway.

I think that covers the primary propositions that have come and gone along the way.

On their MySpace, ZXZW 2009 artists Troum said the following::

“Dear Troumsters, finally our new album has seen the daylight! EALD-GE-STREON is a collection of various tracks mainly coming from analogue 8-track-sources and used for several live-programmes through the last years, all re-worked and re-mastered. It features a powerful cover-version of SAVAGE REPUBLICs classic “Procession”, and has a stunning artwork with rarely used and difficult to print metallic colours designed by STEPHEN O’MALLEY. The first 500 copies have a bonus CD with the epic track ABHIJNA.”

Design, layout and artwork (seen above) by Stephen ‘Sunn O)))’ O’Malley.

Given New York magazine’s profile of SUNN O))) upon the occasion of their Monoliths & Dimensions release, it’s fair to say that Doom, a formerly peripheral metal subgenre, has mainstreamed. A slight discomfort arose in this, and not just in recognizing myself in the predictable demographic slot of SUNN fans (musically omnivorous, mid-thirties, not seemingly a very metal dude). It’s the overprotective feeling fans get when their objects of devotion get that dreaded syndrome known as “exposure.” They’re going to get it all wrong, the avaricious part of the brain says. They may listen, but they won’t really hear.

I had the pleasure of previewing this album in a recording studio in DUMBO a few weeks ago. My professional interest in SUNN currently revolves around a piece I’m writing for Print magazine about contemporary heavy metal design, which will feature the graphic work of SUNN cofounder Stephen O’Malley, Isis and Hydra Head records frontman Aaron Turner, and designer/illustrator (and much more) Seldon Hunt. And though I no longer review music or profile bands, it was a music journalist preview, and old habits die hard. In lieu of an actual review, here are some impressionistic notes I took there as the multivalent and very loud currents of sound emanated from the well-calibrated studio monitors. The album’s nearly hour-long duration collapsed, and I entered an ambiguously deranged headspace. References below include: SOMA = Stephen O’Malley, Attila = Attila Csihar, former Mayhem vocalist and SUNN collaborator, and references to old-school industrial bands Coil, Laibach, and Skinny Puppy (surprising associations which SUNN fans may not appreciate). The notes below are numbered one through four corresponding to the album’s four tracks: Aghartha, Big Church [megszentségteleníthetetlenségeskedéseitekért], Hunting & Gathering (Cydonia), Alice—yes I just cut and paste those titles:

8 dudes and one girl waiting for doom.

Richard Serra as front over art. SOMA really going for the art

1. —midchord eruption like a lawnmower engine

chord progression actually faster than usual

Attila vocals from outer space. I think he said “Satan.” What other background chaos can come up against the guttural wall than the squealy-mouse running pick on guitar string effect?

-Laibach-

It’s turning into Scatology-era Coil, even Skinny Puppy atmospheres (“Reclamation”). Industrial undertones-noise

The horns, what are the horns?

-panicky @ that point

2. choral! Then the chord eruption-

two punctuated silences with bell. Abrupt end, just falls off a cliff.

3. like lo-fi SUNN coming over bad reception until-

horns very Fairlight–Coil, textures like “Cathedral in Flames”

* coming together on this one *

4. Modern classical tradition–horns dissolve, harp, plucked strings

Maybe that comprises a review after all. For more go check out interview transcripts from the world’s best music magazine, The Wire.

Earlier: The look of metal today

“Ta muzyka może być piękna i uspokajająca. Zabiera cię w podróż, w trakcie której zapominasz o wszystkim i poczujesz wolność – tak chyba działa medytacja” – to słowa reżysera Jima Jarmuscha, twórcy m.in. “Truposza”, “Broken Flowers” i “Ghost Dog”. Wiecie o jakim zespole tak mówi? To może jeszcze jeden przykład: “Ich twórczość przywodzi na myśl kolonie mrówek, topniejące lodowce, ruiny Majów, mózg Donalda Rumsfelda, lub części intymne Jezusa i Marii”. To z kolei David Byrne, artysta którego chyba nikomu nie trzeba przedstawiać. Tak, ci panowie zaliczają się do fanów Sunn O))). Przed premierą “Monoliths & Dimensions”, piątej długogrającej płyty zespołu, rozpętała się prawdziwa medialna burza. Wydwca materiału, wytwórnia Southern Lord, robi jednak wszystko, żeby przypomnieć fanom, jak wyglądał kiedyś proces wypuszczania na rynek albumów. Nie ma egzemplarzy promocyjnych, a materiał trafił do internetu zaledwie tydzień przed oficjalną premierą, co jest nie lada osiągnięciem (choć jak widać po Amazonie, album będzie dostępny również w wersji mp3). Oni nie muszą się starać, zabiegać o przychylność krytyków. Uczciwie zapracowali sobie na uznanie, skutecznie wprowadzając metal na salony. Czasy mamy takie, że nawet tak opiniotwórcze publikacje jak “Wire” zupełnie poważnie piszą o norweskich zespołach blackmetalowych, nie skupiając się na wydarzeniach, które sprawiły, że w pierwszej połowie ubiegłej dekady prasa muzyczna na całym świecie chciała mieć na okładce Vikernesa. To dobrze, bo może ludzie w końcu uświadomią sobie, że z metalu nie można się tylko śmiać

Sunn O))) to metal, tego jestem pewien. Owszem, raz mniej, raz bardziej, ale jednak metal. No i są na Metal-Archives (czytaj: “They are metal enough”)

W odtwarzaczu: Gypsy Gypsy Gypsy – “Like a Diamond Snake in a Black Sky”, Bruce Lamont – “Feral Songs”, Autopsy – “Severed Survival”.

Los integrantes de Sunn O))) con el vocalista Attila Csihar, en el concierto que ofrecieron el sábado 14 de marzo en El Lunario de la ciudad de México, durante el Festival RADAR 2009.

Por: Alfonso Esparza (zewx)

Brutal despliegue de doom y drone metal con atmósferas de vibración telúrica inundaron el escenario entre tinieblas y evocaciones medievales.

]]> http://criticalterrain.wordpress.com/2009/03/30/the-look-of-metal-today/ Tue, 31 Mar 2009 03:55:27 +0000 criticalterrain http://criticalterrain.wordpress.com/2009/03/30/the-look-of-metal-today/

Seldon Hunt's treatment of Isis for Revolver magazine

This audio piece is part of an ongoing research project about contemporary heavy metal graphics. It was my final project for the D-Crit podcast workshop taught by Studio 360 host Kurt Andersen and producer Leital Molad. That I could learn the requisite recording and ProTools chops—and perhaps moreover to overcome the anxiety that went with it—to produce this piece was miraculous enough. It’s still rough; I’d redo a few things, but the basis is well enough there.

For this piece I had the privilege to interview two great contemporary designers, Stephen O’Malley (avant-metal master of SUNN O))) and other influential doom and experimental projects) and Seldon Hunt, whose photography, illustration, and design graces packaging and tee-shirts for Isis, Neurosis, Nadja, and many other bands. I also talked to Mike Essl, head of graphic design at Cooper Union (and who I got to work with on this survey of lowbrow art), and Ian Christe, author of the excellent Sound of the Beast: The Complete Headbanging History of Heavy Metal and publisher of Bazillion Points.

The argument here is not just that heavy metal isn’t all Blackletter and horrorshow graphics; it’s that some of the most compelling design today is coming out of this world. It’s weird to me that this much innovative visual output goes virtually unnoticed in the design world. More on this subject, anon.

The look of metal today (about eight minutes long).

Some thought the songs on Khanate’s Clean Hands Go Foul would never see the never see the light of day, but thankfully Aaron Turner and Hydrahead have given this epic band’s third album a proper posthumous unveiling on their label. The album, recorded in 2006, is a torturous collection of the most abstract, dissonant, and ugly avant-doom known to man; there isn’t another band in the world that could make music this somber and tragic. “Wings From Spine” is  the lead track from this depressing (in a good way!) finale  from Khanate, introducing the unpredictable dirge and bleak ambience of the album with little subtlety. Listen in…

MP3: Khanate, “Wings From Spine” (from Clean Hands Go Foul)

Stephen O’Malley en concert à la galerie Laurent Godin à Paris, le 10 janvier 2009.