Was not expecting what I got.

After they bomb a napalm plant during the Vietnam War, Arthur and Annie Pope (Judd Hirsch and Christine Lahti) are fugitives, never able to settle down in one place for too long. Years later, their son (River Phoenix) falls in love with a young woman (Martha Plimpton) and must decide whether to keep running with his family or stay put and risk never seeing them again.

Now I know what your probably saying is that yeah yeah it looks like another one of those family on the run until boy falls in love story, well yeah your right but it so much better than what you first think about it.

The whole film is based on this family trying to run away from its past, but it all somehow ends up coming after them. Although you will probably think that many of the scenes would be as cheesy as a Lifetime movie of the week it actually succeeds a lot more with it’s scenes. There are probably about 4 or 5 just heart drenching scenes that made me feel emotions that I haven’t felt towards a film in years. However, don’t get yourself wrong this is not a total tear-jerker is anything there are a lot of scenes that have somewhat little bits of humor, that really does pay off for this film.

Most of the credit should definitely go to the screenplay writer Naomi Foner, who seems like she has a lot on her plate, but actually does do a very good job with it. Many of the overused cliche lines in any film that has strong emotion are simply thrown away and put in with new twists and sometimes even more inventive ways to deliver a line.

River Pheonix is the real reason why to see this film. I first saw him first in Stand By Me, and now as I grow older I realize just how truly great of an actor he was and always will be, and without this film he wouldn’t have been known by how he is now. He shows a great performance that isn’t so much of a supporting act as a story that the film is mostly based on. Also, Christine Lahti has a couple of really good scenes especially the one with her father where she shows she really can act. Judd Hirsh is a good actor I just didn’t feel like he belonged in this film and was miscast. He looked a little too old, and sort of over did the witty hippie look.

The one thing I liked about it the most that really kept me glued on was the way this family interacted with each other. The acting is good, but the way they interact with each other actually made me feel like I was watching a home documentary. They felt like a real family that just had problems and throughout the whole film they were instantly believable.

Consensus: Running On Empty, is a beautiful portrait of a family that tries to escape it’s past with very fresh dialogue, phenomenal acting from Pheonix, and some of the most tear-jerking scenes of all time.

9.5/10=Full Priceee!!!

Now tell me this is not still relevant today !

Ignoré par les Français, alors qu’il est un artiste légendaire pour les Américains, Jackson Browne donne un concert unique à l’Olympia le lundi 27 avril 2009.

Ne le ratez pas !

Jackson Browne est l’un des plus grands songwriters américains. Il est l’auteur de quelques albums-phares des années 70 comme The Pretender ou Running on empty. Toujours très engagé politiquement, il a organisé les concerts antinucléaires No Nukes auxquels Bruce Springsteen et bien d’autres avaient participé en 1980.

Coincidence : Running on empty (A bout de course en français), film de Sydney Lumet de 1988 inspiré par la chanson éponyme de Jackson Browne, vient de ressortir cette semaine dans une salle parisienne. C’était l’un des premiers rôles au cinéma de River Phoenix.

Voici une rapide bio de Jackson Browne concoctée par Gérard Drouot Productions, qui (en date du 24 avril 14 h) propose encore sur son site internet des places pour le concert de l’Olympia.

Né en Allemagne mais élevé à Los Angeles, Jackson Browne est indiscutablement l’un des plus grands songwriters américains. Son catalogue de chansons a été abondamment repris, ses collaborations avec ses pairs se comptent par centaines.

Repris par Nico (avec qui il vécut), Tom Rush ou les Byrds, admiré par des artistes comme Bruce Springsteen, Jackson Browne fut co-auteur avec Glenn Frey de « Take it easy » le fameux hit des Eagles. Il a notamment travaillé avec le grand Tim Buckley.

Sa discographie est conséquente. « Late for the Sky » (1974) est souvent considéré comme son meilleur album par la critique et ses fans. Il a cerné à merveille les introspections et les ambiguïtés de la rock way of life californienne, à travers des albums majeurs tels que « The Pretender » en 1976 (peu de te mps après le suicide de sa femme Phyllis) ou « Running On Empty » en 1977.

Jackson Browne revient avec un nouvel album « Time The Conqueror ». Le songwriter californien parle de ses engagements musicaux et politiques. Il dévoile également ce qu’il a appris de Bob Dylan.

Ne manquez pas cet auteur compositeur interprète rare en concert !

Pour en savoir plus et se familiariser avec les chansons de Jackson Browne, cliquez ici sur son site officiel.

Segundo o American Film Institute, os dez melhores são estes:

1. “O Sol é para Todos” (1962), de Robert Mulligan
2. “12 Homens e uma Sentença” (1957), de Sydney Lumet
3. “Kramer vs. Kramer” (1979), de Robert Benton
4. “O Veredito” (1982), de Sydney Lumet
5. “Questão de Honra” (1992), de Rob Reiner
6. “Testemunha de Acusação” (1957), de Billy Wilder
7. “Anatomia de um Crime” (1959), de Otto Preminger
8. “A sangue frio” (1967), de Richard Brooks
9. “Um Grito no Escuro” (1988), de Fred Schepisi
10. “Julgamento em Nuremberg” (1961), de Stanley Kramer

I’m not going to say that Rachel’s house doesn’t exist out there somewhere, because it probably does in some form.  I’m just saying it is cooler than my childhood home or any I’ve ever visited.  Maybe this shouldn’t be a surprise as screenwriter Jenny Lumet is the daughter of filmmaker Sydney Lumet.  In my next life, I want to be born to rich and cool artist parents.

Jonathan Demme’s latest film is set in the bohemian family household of Anne Hathaway’s Kym and Rosemarie DeWitt’s Rachel.  Kym has been released from an extended, court-appointed stint in a rehab facility just in time to attend her sister’s wedding being held at her father’s house.  Hathaway is remarkable as Kym searching for her sea legs while wearing cynicism, cleverness and that brand of destructive honesty and self-deprecation as a shield from the world around her.  That world is one in which she has clearly fucked up too many times on too large an order to be owed forgiveness, but that insists on giving it to her anyway.  Kym is a real human and a mixture of seemingly contrary qualities.  She is unwilling to accept her forgiveness or forgive herself but is still a monstrous pain in the ass insistent on being the center of attention.  She does this the best way she knows how; continual miniature personal catastrophes.

Demme seems to have built in the freedom to move anywhere in this film, to follow improvisations wherever they may take the characters.  The strong ensemble cast, including a truly interesting performance from TV On The Radio’s Tunde Adebimpe, enables this approach and breathes much life into the world of the film.  The thread of the story is nicely woven into the seemingly improvisational environment and builds tension, earns empathy and propels the pacing forward.

At the end of most of the bigger films I see theatrically, the audience tends to shuffle out separate from one another and the conversations around me seem to be unrelated or peripherally related to the film that was just seen.  Rachel Getting Married is in that rarer class of film-going experiences that stirs the excitement that the form holds for me most deeply.  This film is a starting point for the thoughts and observations we have in our own lives; spawning discussions and revelations amongst our own friends, loved ones or perhaps a stranger who just underwent the same experience you did in the hallowed darkness that is the movie theatre.

19 January 2008

Before the devil knows you’re dead

For those who are not acquainted with Sydney Lumet’s career, I suggest you to look him up at www.imdb.com, he is worth a trip to the video store, always. At the young age of 83, his latest movie, Before the devil knows you are dead is second to none.

It is a gripping tale of two desperate and very different brothers (Hank and Andy, respectively played by Ethan Hawke and Philip Seymour Hoffman) who plan a perfect robbery in a jewelery store… and naturally every thing goes wrong. The plot is straightforward, but there is nothing simple and straightforward in the acting, in the script and in the master direction of Mr. Lumet. Mainly, the movie is a study of 3 characters, their different sense of morality, and the way in which they deal with sorrow, grief, and remorse, after everything goes wrong. To reveal the whole plot, if you don’t know it, will be (almost) sacrilegious, however, as Roger Ebert (Chicago Sun Times) puts it “this is a movie, I promise you, that grabs you and won’t let you think of anything else.” Hoffman and Albert Finney (the father in the story) are simply perfect. Hawke is less good, sometimes he is over the line. Yet, he is perfectly believable as looser. Go and see it, if you get a chance.

How is that Irish toast? “May you be in heaven half an hour before the devil knows you’re dead“...

Peut-on vouloir sauver quelqu’un en le condamnant à mort ? Existe-t-il quelque chose au dessus de la justice ? Telles sont les questions principales que se pose Nikita Mikhalkov dans son dernier film, 12, une reprise agencée au goût du jour de Douze hommes en colère, le premier opus de Sydney Lumet. L’œuvre, adaptation d’une pièce de théâtre écrite par Reginald Rose, montre les délibérations d’un juré composé de 12 hommes qui doivent décider à l’unanimité sur la culpabilité d’un jeune homme accusé du meurtre de son père. L’affaire semble jouée d’avance mais lors du premier vote, qui avait beaucoup de chances d’être le seul, un des jurés vote non coupable et propose une réflexion plus poussée sur l’affaire.

Si l’œuvre de Lumet représentait une ode intelligente et raisonnée contre la peine de mort, le récit de Mikhalkov pousse un peu plus avant la réflexion morale et se demande ce qu’il reste quand la justice n’est plus le dernier refuge d’une société. Dans l’ancienne version, c’est la désintégration des valeurs familiales et de l’ordre d’antan que ces hommes examinent ; dans celle-ci, le conflit tchétchène, et tous les paradoxes qu’il engendre, apparaît comme toile de fond symbolique d’une communauté qui cherche ses repères dans le monde contemporain. En effet, le jeune homme tchétchène qui est jugé est accusé d’avoir tué son père, un militaire russe qui l’avait adopté quand il était devenu orphelin de guerre dans la région.

Mikhalkov garde de son prédécesseur l’image de la fragilité intellectuelle intrinsèque à toute justice (plus encore en démocratie), la force et la profondeur des personnages et le portrait critique d’une société mouvante dont les préjugés déteignent sur l’opinion de ces hommes enfermés pour décider de la culpabilité d’un tiers.

Mais le huit clos quelque peu cérébral et extrêmement bien ficelé (avec la figure majeure et imposante de Henry Fonda) de la première version devient, sous la caméra du cinéaste russe, une fresque plus politique où l’humour et l’ironie joue un rôle démystificateur. La guerre en Tchétchénie est l’occasion pour lui de montrer des scènes pleines de réalisme qui contrebalancent intelligemment les délibérations purement conceptuelles de ces hommes. Une trouvaille intéressante (absente de la version de Lumet) qui, unie aux images du jeune homme enfermés, permet de mieux saisir ce que représente le débat d’idées quand c’est de l’existence même dont il s’agit.

Ce nouveau film est l’excuse parfaite pour se replonger dans l’œuvre passée de Sydney Lumet, avec une attention spéciale pour Douze hommes en colère et Network, dont les sujets restent d’une grande actualité et pour faire l’impasse sur son dernier film, Antes que el Diablo sepa que has muerto, dont la beauté du titre ne cache pas la simplicité de l’histoire. Même si les acteurs sont justes, Lumet semble dépassé par un montage, fait de flashback et de répétitions superflues, qui apparaît plus comme un reddition à la mode actuelle que comme un vrai choix esthétique. L’occasion aussi pour découvrir (ou revoir), Soleil Trompeur, l’extraordinaire conte que Mikhalkov avait dédié aux ravages d’un idéal révolutionnaire captieux.  

No seré yo quien critique negativamente Network (Un mundo implacable) de Sydney Lumet. Ni mucho menos. Lumet me parece un genio y la idea que propone en esta película es maravillosa: El problema de los límites a la hora de buscar audiencia.

Además, el modo de empezar la historia es magnífico, con el presentador estrella, al que van a despedir, diciendo en directo que la semana que viene se va a suicidar.

De hecho, toda la trama que trata sobre el personaje interpretado por Peter Finch, está tratada con total seriedad y es lo mejor de la película, en mi opinión.

Pero, acompañando a esta trama principal, van apareciendo una serie de subtramas más y más absurdas cada vez, y que te van apartando de la historia principal, en cierto modo. Llega un momento en el que te das cuenta de que casi todo lo que te están contando es completamente absurdo y, entonces, comprendes que la película que estás viendo es una sátira. Pero los momentos que te hacen llegar a esa opinión, creo yo que son muy sutiles y llegan demasiado tarde. Para cuando te das cuenta de que lo que estás viendo es una sátira, estás demasiado alejado emocionalmente de casi todos los personajes.

En el lado opuesto aparece Dr. Strangelove (Teléfono Rojo) de Kubrick. Aquí sabes, desde el minuto uno, que lo que estás viendo es una exageración satírica de los problemas de la guerra fría y la carrera armamentística nuclear. Presenta un paisaje aterrador, pero se aproxima a él desde el humor. También empieza todo a partir de un personaje que se vuelve loco y actúa de una manera que nadie hubiera podido sospechar.

Curiosamente, Lumet hizo, de manera paralela al Dr. Strangelove de Kubrick, una gran película llamada Fail-Safe (Punto límite), que cuenta una historia muy parecida de crisis nuclear, pero observada desde un punto de vista completamente serio. De hecho, según cuentan, el que Lumet hiciera esa película fue uno de los factores que contribuyeron a que Kubrick hiciera su versión de una manera satírica y humorística como lo hizo.

Por otro lado, una vez más, una de las mejores subtramas en la película de Kubrick es la que está desarrollada con mayor seriedad y más alejada de la sátira del resto de la película, y no es otra que la acción que transcurre en el bombardero. Aunque sea imposible hacer mención a Dr. Strangelove sin alabar al grandioso Peter Sellers…

Y luego, justo en medio del espectro, aparece Adaptation. (El ladrón de orquídeas), escrita por Charlie Kaufman. Si hemos hablado antes de que Network va, poco a poco, pero de manera inexorable, cayendo al mundo de la sátira, también se puede ver una evolución a la hora de la imagen y el propio guión de la película. Lo que al principio parece una película seria que trata los límites a la hora de buscar audiencia, poco a poco va degenerando en un telefilm barato de sobremesa. Las relaciones sentimentales del personaje de William Holden con el de Faye Dunaway e incluso con su propia mujer son exageradas hasta el extremo y acabas viendo un melodrama de los que tanto gustan en televisión.

El personaje de Faye Dunaway quiere que toda su televisión sea un melodrama barato, con el objetivo de conseguir audiencia, y acaba consiguiendo que la película que vemos nosotros sea un producto perfectamente válido para esa televisión que ella quiere.

Del mismo modo que El ladrón de orquídeas es, durante los dos primeros tercios de la misma, una cosa, y en el último tercio y gracias a la influencia de Donald Kaufman, otra cosa completamente diferente.

En el caso de Adaptation. (El ladrón de orquídeas), el momento en el que descubres que todo es una sátira es el adecuado, y el cambio de registro en el guión se entiende perfectamente en el contexto de la película, sin resultar demasiado obvio. Llega en el momento justo. El guión de Adaptation. (El ladrón de orquídeas) es magnífico, en ese aspecto.

Pese a que todos podamos estar de acuerdo en que tanto Network, como Dr. Strangelove son obras muy superiores a Adaptation.

J.R.

Vaya por delante que en esta época de remakes a gogó con nulo criterio, es de agradecer que alguien intente realizar uno con cierta profesionalidad e interés por dar un vuelco a la cinta original, en este caso, la magnífica “Doce hombres sin piedad” (1957) de Sydney Lumet.

Supongo que much@s recordarán la historia de esos doce miembros de un jurado que deben decidir sobre el futuro de un joven que presuntamente ha asesinado a su padrastro. Todas las pruebas y testimonios no dejan lugar a dudas sobre la culpabilidad del muchacho, sin embargo uno de esos doce hombres sin piedad sí cree en su inocencia y defenderá su idea hasta convecer al resto de sus compañeros.

El director ruso Nikita Mikhalkov toma esta idea central desarrollada por Lumet y la sitúa en la Rusia actual dotando a su película de un punto de vista muy distinto al de la original.

En “12” (2007) el procesado es un joven checheno de 18 años acusado del homicidio de su padrasto, un oficial ruso que se ha hecho cargo de él tras la muerte de sus padres en la cruenta guerra de Chechenia. Tras el juicio, los miembros del jurado se retiran a deliberar pero las obras que se están realizando en el juzgado les obligan a hacerlo en el gimnasio de un colegio colindante. Aparece entonces otra novedad, puesto que la claustrofóbica y calurosa sala donde Lumet centraba su película queda sustituída por un espacio mucho mayor y donde el frío campa a sus anchas.

Además, Mikhalkov introduce pequeños flashbacks en blanco y negro (algunos de ellos de una espeluznante belleza) que nos permiten ponerle rostro al acusado, conocer en qué ambiente bélico ha crecido y cómo fue rescatado por el oficial asesinado.

Tal y como sucedía en la película de Lumet, cada uno de los doce hombres encerrados en el gimnasio posee una historia vital que convierte la reunión en una hetereogénea muestra de la Rusia de hoy en día.

Y así nos encontramos con el cirujano de origen caucásico que todavía tiene dificultades para hablar correctamente el ruso, pero que necesita continuamente autoafirmarse como perteneciente a la comunidad de la antigua URSS (aunque finalmente no pueda evitar que prevalezca su sangre caucásica); el judío que causa recelos entre algunos de los asistentes; el jubilado y transtornado oficial del ejército ruso; el propietario de una cadena de televisión que ha estudiado en Harvard y que no puede reprimir expresiones en inglés y un amanerado “pijismo”; el taxista amargado que desprecia al acusado por el solo hecho de ser “chechenito”, como él le llama; el actor que parece tomárselo todo a broma; el director de un cementerio que confiesa sus macabros trapicheos para sacarse un suculento sobresueldo; el pintor (el propio Nikita Mikhalkov) que actúa como presidente del jurado y que esconde un sorprendente (y poco creíble) as en la manga; el ejecutivo de una compañía de pasado turbio que se erige en férreo defensor de la inocencia del joven checheno (a años luz de Henry Fonda); el tartamudo hijo de un antiguo y destacado dirigente comunista y así hasta completar estos doce hombres sin piedad “a la rusa”.

Creo que en la confrontación de caracteres e historias tan dispares radica el único punto positivo de la cinta de Mikhalkov, ya que compone un estupendo muestrario de los cambios que está sufriendo (y aún le quedan por sufrir) a la antigua potencia de la guerra fría (en este sentido es revelador que los hombres del gimnasio alternen el tratamiento “camaradas”/“señores” o que el taxista enarbole su patriotismo enfundado en unos Levi’s). Y todo ello tratado desde el humor (negro, en muchos momentos) que lleva implícito una crítica de la Rusia del siglo XXI.

¿Es el humor el tono más indicado si se trata de dilucidar un fallo judicial que puede destrozarle la vida a una persona? Más aún, si lo que interesa es pintar el panorama social de la era postsoviética, ¿era necesario versionar el clásico de Lumet para llevarlo a cabo? En este sentido, algunos de los argumentos esgrimidos para salvar al muchacho quedan diluidos y, en ocasiones, carecen de cierto sentido y credibilidad porque lo que prevalece es esa pintura costumbrista antes señalada.

Si hasta aquí se le podía perdonar a Mikhalkov su osado pero “trabajado” remake, el final escogico por el director deja muy mucho que desear y parece indicarnos que sufre un preocupante ataque de egocentrismo “actoral”.

Cuando parece que los miembros del jurado se han puesto de acuerdo (logran dilucidar que el muchacho y su padrastro han sido víctimas de un contubernio mafioso relacionado con la construcción de unas casas de lujo en la zona donde vivían el asesinado y el acusado) y deciden declarar inocente al checheno, el personaje del pintor se erige en auténtico protagonista del desenlace dando a conocer que también es un antiguo oficial del ejército y que aunque él ya sabía desde el principio que el muchacho era inocente, su voto sigue siendo el de culpable.

El citado pintor no desea que el muchacho quede en libertad sin familia y sin hogar, puesto que sería una fácil presa para esos mafiosos, así que propone a los restantes once hombres cambiar su voto para salvaguardar la vida del joven: en prisión nadie podrá atentar contra su vida. A cambio, sugiere que cada uno de ellos se comprometa e involucre para perseguir a los verdaderos homicidas y meterlos en la cárcel. Sólo así, el joven podrá ser libre de verdad. La reflexión daría para un intenso debate…

Como era de esperar, cada uno de esos once hombres que votaron “inocente” excusa su participación en el plan sugerido por el pintor aludiendo, en la mayoría de los casos, a supuestos compromisos profesionales.

Tras una última votación, el pintor acata el veredicto de inocente y se lleva al muchacho a su casa prometiéndole que encontrarán a los asesinos de su padrastro.

Tras todo lo expuesto, creo que “12” (León de Oro especial en el Festival de Venecia 2007) no es un remake en el sentido estricto de la palabra, sino que el director de “Ojos negros” toma prestada la columna vertebral de la película de Lumet para luego manejarla a su antojo algo que, por otra parte, me parece muy loable, a pesar de ese rocambolesco final que no acaba de convencerme.

Para ver la ficha de la película, pincha aquí

Briony   

Looks like it, anyway. It’s in the mail, in a manner of speaking. Can’t wait!

It’s tempting to think that the topics on this blog are getting samey, what with the title of my last post shouting about yet another ex-Bond who’s going to be appearing in public and who I have tickets for. This time it’s Mr Sean Connery.

Sean will be at Edinburgh’s Filmhouse on Sunday 24 August to present a screening of Sydney Lumet’s fantastic 1965 film, The Hill. I wrote about The Hill in February 2007 on this very blog (head over to have a look if you have a spare few minutes) and I’m delighted the Filmhouse have managed to secure the presence of Big Tam himself.

I hear he’ll be doing a 15 – 20 minute interview before the screening and I doubt there’ll be questions from the audience, but I’ll try and have one handy anyway. Visit the Filmhouse website to see if there are tickets left…

So with Sean in August and Roger in October, I wonder if George, Tim or Pierce can be persuaded to do any appearances in September, November or December, to round the year off in style?

Photo pinched from the Filmhouse website…

]]> http://itsonitsgone.wordpress.com/2008/07/29/film-preview-sean-connery-season/ Tue, 29 Jul 2008 20:07:43 +0000 Jonathan Melville http://itsonitsgone.wordpress.com/2008/07/29/film-preview-sean-connery-season/

Now this is impressive: Edinburgh’s Filmhouse bring a short season of Sean Connery films to the masses this August topped off by an appearance by The Man Himself on Sunday August 24. And there’s not a Bond film in sight.

Hopefully everyone reading this blog has seen a Sir Sean film at some time in their life. Whether it’s the suave, effortlessly cool performance of Goldfinger or his turn as Indy’s dad, Professor Henry Jones Snr in Indiana Jones in the Last Crusade, Connery is undeniably a bone fide movie star.

The Filmhouse has invited Connery to introduce his own favourite film, Sydney Lumet’s The Hill (1965) on Sunday 24 August. The film takes place in a World War II British disciplinary camp in the Libyan desert. Trooper Joe Roberts (Connery) is sent to the camp for disobeying orders and attacking his superior officer. He arrives to find a camp terrorised by Staff Sergeant Williams (Ian Hendry), with soldiers being made to run up and down the titular hill in the blazing sun.

Watching Connery here, making sly comments to Williams while on parade, rounding on his cellmates or going head-to-head with the officers, is electrifying. Another superb performance comes from Ian Bannen as Staff Sgt. Charlie Harris, the only compassionate officer in the camp. Here’s the trailer:

Also being shown is another Sydney Lumet classic, The Offence (1972) in which Connery plays the jaded Detective Sergeant Johnson who has seen it all in a 20-year career. Faced with investigating a case of child molestation in a small town, Johnson is pushed over the edge by suspect Kenneth Baxter (Ian Bannen) with terrifying results. The Offence screens on Monday 25 August.

The Man Who Would Be King (1975), Robin and Marian (1976) and Hitchcock’s Marnie (1964) round-off a brilliant week for fans of both Sir Sean and great films.

Preview by Jonathan Melville

See the Filmhouse website for full details of the Sean Connery Season.

En el día del amigo, una película de amigos improvisados que deciden robar un banco: “Tarde de Perros”, de Sydney Lumet.

Un guión sin fisuras basado en una historia real ocurrida en Brooklyn y un Pacino jovencito y en pleno mambo del Actor`s Studio, bajo las órdenes de uno de los mejores directores de actores de la historia. La postura corporal, los gestos, las miradas, lejos el mejor Al Pacino que ví en un personaje único.

El trailer:

“Le braquage ne devait durer que dix minutes. Huit heures plus tard, tout le pays est rivé devant sa télé. Et tous les faits sont véridiques.” C’est ainsi que W*** B***, éditeur du DVD résume “Dog Day Afternoon”, en français “Un Après-midi de Chien”, un film de Sydney Lumet.

Un peu en marge de notre thématique “cinéma du complot”, quoique … Le film est une des petites merveilles produites par le cinéma (presque-)indépendant américain des années septante. Attention aux spoilers… droit devant…

Tourné en 1975, ce film n’est pas un film de braquage classique. Contrairement à la plupart des Heist films, on n’assiste pas à la traditionnelle préparation du coup, de la formation de la bande, la recherche des complices idéaux, à la surveillance des lieux, au minutage des rondes, etc… Dès le début du film, on sait que tout va foirer. Le film s’ouvre, après un préambule sur la vague de chaleur sur New York cet été-là, qui donne son titre au film, sur l’arrivée de la bande sur les lieux du crime, une petite succursale de banque, en train de terminer sa journée. Le dernier client (une cliente) sorti, la banque peut fermer, mais les braqueurs qui faisaient la file après elle, ont un pied dans la place et vont pouvoir forcer le personnel à vider les coffres. Excellent script, porté par de non moins excellents acteurs, le film joue moins sur un suspense un peu léger (vont-ils s’en sortir?, oui ou non?) que sur des situations et retournements de situations inattendus, où le casting produit des merveilles, provoquant des étincelles dans les dialogues et des feux d’artifices dans les scènes de bravoure dont est truffé le film. Al Pacino y est sonny, un improbable gangster sentimental, braqueur par amour, écrasé par ses responsabilités; John Cazale, Sal, son complice, timide et taciturne, suicidaire qui n’a jamais pris l’avion.

Cinq minutes après le début du film, le gang se retrouve seul, largué par leur troisième homme, le chauffeur, qui ne résiste pas au trac. Quelques secondes plus tard, le téléphone sonne. C’est la Police, elle est devant la banque, dans l’échope du barbier, le magasin d’en face. Vous êtes cernés, ne faites pas les cons. Le film passe alors très vite dans le registre de la farce tragique. Comme dans une tragédie classique, le sort est déjà jeté et l’intrigue ne sera plus de savoir comment cela finira. En quelques minutes, un choeur (au sens grec du terme, de chorale narrative) s’est rassemblé autour de la banque, badauds, curieux, passants, qui vont prendre parti alternativement pour les uns ou les autres, les bons ou les méchants, les voleurs ou les forces de l’ordre. Sonny va se découvrir une vocation d’entertainer, de communicateur, entraînant la foule à sa suite, à travers ses démêlés avec sa famille ( sa mère, amenée là par la Police pour le raisonner), son amant et ses prises de positions bidon (Dans une scène mémorable, il se ralliera la foule en mentionnant la prison d’Attica, symbole de la brutalité policière américaine, depuis la révolte qui y avait eu lieu en 1971).

Son interlocuteur, le sgt Eugene Moretti, interpreté par l’impeccable Charles Durning, lui donnera la réplique, du ton blasé du vieux flic qui se voit obligé d’expliquer les règles du jeu au truand débutant, amateur et maladroit. Il sait, lui, que des vies sont en jeu, que la prise d’otage finira dans le sang, et que la seule question à régler est de savoir qui versera ce sang, otages, gangsters, policiers ou badauds.

En una de las estanterías de casa, tenía reservada Tarde de perros. La compré en un ataque de consumismo compulsivo. Al ver su ridículo precio y el peso de sus extras no me pude resistir a la tentación de pasar por caja con ella bajo el brazo. Así que llegué a casa, la desembalé y después de acariciarla un buen rato, la dejé abandonada en la estantería, acumulando polvo hasta ayer.

Siempre había tenido ganas de ver Tarde de Perros, pero, desconozco el motivo, me daba pereza. Creo que la consideraba un clásico menor y ante el aluvión de novedades que pasaban ante mis ojos, quedaba relegada a un segundo plano. Ayer me pasé la tarde deleitándome con cada uno de los planos de esta monumental obra de Lumet y hoy solo me arrepiento de no haberla visto antes, para así haber disfrutado durante más tiempo con cada una de sus imágenes.

Imagino que la creatividad del cine norteamericano durante los años 70, fue tan basta que ante semejante aluvión de clásicos, fueron muchos los trabajos que quedaron sepultados y si no olvidados, si relegados a un segundo plano, allí donde se encajan las obras que no conseguimos acumular en la estúpida lista de las diez mejores películas de la década o de lo que sea. Mientras que Tarde de perros, hoy, ante la bajeza argumental de las películas contemporáneas, sería un rabioso clásico para el nuevo siglo.

De su visionado, aparte de alabar al artesano Lumet y no cansarme de reivindicarlo a los cuatro vientos, por la cantidad de sub-argumentos que llegó a embutir de manera tan sutil en una comedia de lo más amarga, desde el poder de persuasión de los medios de comunicación a la homosexualidad y por encima de todo, me he reencontrado con Al Pacino en su mejor momento, cuando era grande y su sola presencia llenaba toda la pantalla, un solo gesto del actor en aquella época suponía un ejercicio de interpretación digno de estudio, aunque resulta una lástima que hoy sea la sombra de aquel actor, aunque sólo por haber interpretado a aquel atracador de bancos y a Michael Corleone, se merece todos mis respetos, haga lo que haga.

Ingmar Bergman rodó la maravillosa “Saraband” (2003) cuando contaba con 85 años de edad; Claude Chabrol, a sus 77, acaba de estrenar “Una chica cortada en dos” y Sydney Lumet, con 84, nos ha regalado “Antes que el diablo sepas que has muerto”. Estos tres ejemplos (existen muchos más) me hacen pensar en qué extraño tipo de genes les ha concedido/les concedió la madre naturaleza para seguir activos a pesar de su edad y lanzando interesantes propuestas cinematográficas. Es un verdadero privilegio observar cómo se mantienen al pie del cañón y, aunque Bergman nos abandonó el año pasado, he querido citarlo como ejemplo.

“Antes que el diablo sepas que has muerto” (2007) nos cuenta la historia de dos hermanos diametralmente opuestos. Andy (un apoteósico Philip Seymour Hoffman) es un hombre de negocios que ha triunfado y que está casado con una despampanante mujer (Marisa Tomei). Hank (Ethan Hawke) es el típico perdedor endeudado que se ve acuciado por su ex mujer a la que debe pagar la manutención de la hija que tienen en común. Sin embargo nada es lo que parece y ambos hermanos no son tan distintos uno del otro, porque bajo el tenue manto de las apariencias nos encontramos con un Andy adicto a la heroína, que acaba de cometer un desfalco en su empresa y cuya mujer está liada con su hermano Hank.

La enorme distancia que separaba a los dos hermanos se acorta entonces para unirse en un solo deseo: conseguir dinero fácil. El emprendedor y seguro de sí mismo Andy propone a su apocado hermano que cometa un robo en una joyería para luego repartirse el botín y superar sus desestabilizadoras situaciones económicas. Hasta aquí todo parece desarrolarse en los cauces de la normalidad, sino fuera porque el objetivo del atraco es la joyería de los padres de ambos protagonistas.

Lo que parecía un plan sencillo se convierte en un cúmulo de despropósitos que conducirán a una tragedia anunciada y, a partir de este momento, cada uno de los personajes irá desenmascarándose y dejando aflorar, paulatinamente, esos bajos instintos que los seres humanos despliegan cuando se sienten amenazados. Esta tensión acaba salpicando a todos los protagonistas desembocando en un terrible final que casi deja sin respiración.

La historia se inicia con el robo para luego desgranarse a través de una serie de flashbacks (introducidos por sucesivos rótulos) que nos cuentan, desde distintos puntos de vista, cuáles son las motivaciones de cada uno de los protagonistas: un bien estructurado rompecabezas que va dejando al descubierto la hipocresía que ha guiado las vidas de los personajes.

Destacar, finalmente, el reparto que cumple con creces las expectativas: Ethan Hawke parece hallarse en estado de gracia y compone de forma muy creíble ese personaje asustadizo y pusilánime que es Hank. Albert Finney encarna de manera desgarradora al padre de esos díscolos hermanos teniendo un papel fundamental en ese final que antes habíamos comentado. Marisa Tomei (para sorpresa mía) no decepciona en absoluto dando vida a esa sensual mujer (visitad el post de Snake) que se debate entre el ¿amor? de los dos hermanos y que huye de la quema en cuanto las cosas se complican. Sin embargo, la actuación de Philip Seymour Hoffman es prácticamente perfecta erigiéndose en el intérprete absoluto de la cinta.

Audaz y moderna, “Antes que el diablo sepa que has muerto” certifica que, para algunos directores, la edad no es impedimento para rodar excelentes películas.

Trailer de la película

Para ver ficha de la película, pinchad aquí

Briony    

No. This is not a pornographic film, not when the director is Sydney Lumet. The first and only time I saw Strip Search (HBO and IMDb) was on HBO in mid 2006. And since the Indian government believes that its citizens are not mature enough to appreciate controversial subjects (not just politically sensitive subjects, but also minor things such as nudity), HBO seems to have run a heavily edited version of the movie. So I am not too sure of how things were linked up, and the intervening two years have taken a toll on my memory, so my recollection of details may be a bit off the mark. But the film is important. So I must try.

Right at the beginning of the film, a teacher in a US school asks the class would they surrender their freedom for a day if the US promised that it would wipe out terrorism within that time? Yes the class says. What about a week? Some are hesitant, but most agree again. A month? Fewer ayes. A year? The class is quiet. The scene changes. An Arab man is lifted from the streets by the FBI (or the Department of Homeland Security) for interrogation. And an American woman tourist in China too faces the same situation. Both are interrogated about their connection to terrorist activities in which some one they know is involved. And they are humiliated. The scenes from both the ordeals – the one in the US and the one in China – are shown in parallel segments, one after the other, with the same dialogs being used in both places. I don’t quite remember the end of the film, but one IMDb commentator says, the girl (great work by Maggie Gyllenhal) confesses while the man doesn’t, so that must be it.

This is a film about the threat of terrorism, and how in tackling it, governments tend to go too far. So far in fact that personal liberties which are guaranteed by the constitutions of democratic countries are no longer respected. Lumet uses US and China, two countries with completely different views on the concept of liberty, to show that despite one being democratic and the other totalitarian, governments will not hesitate in stripping citizens of their basic rights, if such rights impede the greater good (which, of course, is defined by the government).

The threat of terrorism is real. That terrorists not only target civilians, but also institutions that preserve law and order is a reality. If you can intimidate judges and cops, half your job is done. But how do you see to it that no innocent people suffer? It is better to let ten guilty people free than hang an innocent person, one saying goes. But what if one of the people you let go kills ten others? These are pertinent questions that need good answers. But, consider this – if the state is directly responsible for the death or torture of an innocent man, what happens to its moral authority? How can it claim to be a defender of freedom if it follows the principle of selective sacrifice for the greater good? Basically, what is the difference between the US and China for a person in the US who, despite being innocent, finds himself at the receiving end of the state’s might. In a wider sense, this would apply to any democratic country, which while it goes about saying its democratic, does not actually respect the limits of the system.

The teacher’s question, and the students’ answers to it says a lot about the state we are in. People are ready to surrender their freedom in return for safety – which is more often than not – not guaranteed. But there is a point beyond which they are uncomfortable – the point where they say no. Most countries in the world already snoop into the private lives of their citizens – the US indulges in wiretaps, London has placed cameras all over the city, China filters the internet (and I fear other countries will soon begin to do that), India blatantly indulges in censorship of television content, books and movies with a new government regulator in the pipeline that would effectively gag the electronic media. If you look at it, 9/11 was the tipping point as far as invasion of privacy by government is concerned. And the future does not look good. When will the time come when people will say enough is enough? When will you say no?

Onora il padre e la madre *****

di Sindney Lumet, con Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney, Marisa Tomei, Aleksa Palladino, Michael Shannon, Amy Ryan, Sarah Livingston, Rosemary Harris.

Andy (Philip Hoffman) e Hank (Ethan Hawke) sono due fratelli che per motivi differenti si trovano ad avere un enorme bisogno di denaro. Il primo è uno dei soci di un grande studio associato e passa la sua giornata tra l’ufficio, il letto in compagnia della moglie (Marisa Tomei), spesso e volentieri con sedere e seno al vento, e la casa di un ricco asiatico a farsi siringhe di eroina a caro prezzo. Hawke invece è impiegato nello studio del fratello, è divorziato e, non avendo un soldo, non po’ pagare neppure gli alimenti all’ex moglie. Due persone completamente diverse collegate tra loro dal legame famigliare, dal bisogno di denaro e dalla bella Marisa Tomei che, pur essendo la moglie di Andy, non si fa problemi a fare visita al più giovane Hank ogni giovedì.

Un giorno i due decidono di fare un colpo ad una gioielleria per potersi arricchire. La gioielleria non è scelta a caso, è quella dei loro genitori (Albert Finney e Amy Ryan). Il piano è semplice: Hank sarebbe entrato incappucciato, con una pistola giocattolo in mano e avrebbe rubato in pochi minuti tutti i gioielli. I genitori, assicurati, non avrebbero perso nemmeno un quattrino e i due fratelli si sarebbero divisi il ricavato. Ma qualcosa non andrà nel verso giusto e da quel giorno la loro vita non sarà più la stessa…

Un film drammatico molto interessante. Anticipazioni e flashback ci mostrano i fatti prima e dopo la rapina, la presenza di effetti sonori solo nei frangenti di suspence rende il tutto più emozionante e coinvolgente. Magistrale è l’interpretazione del fratello maggiore Andy da parte di Philip Seymour Hoffman, già candidato all’oscar come Miglior Attore non protagonista per il film “La guerra di Charlie Wilson” (film recensito in questo blog, ndr). Buona recitazione anche da parte di Albert Finney, lucido ed elegante come sempre nonostante l’anzianità.

Questo film ricorda vagamente il recente “Cassandra’s dream” di Woody Allen, con l’enorme differenza che la coppia fraterna McGregor-Farell non resse la scena nemmeno dieci minuti a causa della mancanza di una figura forte, qui impersonata da Hoffman.

Everyone earth is a Sydney Lumet fan, even if you don’t know it. Whether it’s “12 Angry Men,” “Running on Empty,” “Serpico,” or even “The Wiz,” there’s probably a Lumet film that’s near and dear to your heart. For me, that film’s “Dog Day Afternoon.” Lumet at his best, at the height of his directing craft, showing why he will always be a master storyteller. 

In his latter years, he seems to have lost his way. A great director won’t lose his chops or his ability to tell a story, but sometimes a great director can decide to spend his significant talents on a story that not a lot of people want to see. 

Lumet’s last film was the Vin Diesel starring “Find Me Guilty” which many movie-goers just couldn’t get into. In no small part to the simple inclusion of a wig on top of the lead actors head. Hell, even I’ll admit that after seeing the guy bald for so many years, seeing him with a large, curly wig just comes across as comical. But even “Find Me Guilty” possessed that signature Lumet hallmark – characters that you get to know, that you care about, even if you don’t like them.

“Before the Devil Knows You’re Dead” is no exception to this rule. The acting is phenomenal and the characters are believable and sympathetic, even if you’re not particularly in love with any of them. Well, except Marisa Tomei :p

The title comes, from what I can find, an old Irish blessing that is, “May you be in Heaven a full half hour before the Devil knows you’re dead.” The first place I saw this quote is at my favorite Austin hangout, Epoch Coffee House, written on the wall of the men’s bathroom. But I’m digressing.

The first scene is a whiz-banger – Philip Seymour Hoffman on a bed, watching himself in a wall mirror as pounds Marisa Tomei from behind. It’s his wife, so it’s all good. And in this first scene, you get a taste for what the entire film is going to be about: the dissatisfaction with one’s life and what some people will do to escape that.

Hoffman plays Andy, a payroll manager for a New York City real estate company. He immediately comes across as sleazy, something that Hoffman is very good at. At times his performance was reminiscent of what he gave us in P.T. Anderson’s “Punch Drunk Love,” but far deeper and far sadder. 

Marisa Tomei is underused as Andy’s ditzy wife, Gina. She’s gorgeous and butt-ass naked a good number of times in the film. She works as a catalyst that causes some of the major turns in the plot, but I don’t want to spoil anything for anyone. Just know that naked Marisa Tomei = nice.

Ethan Hawke plays Andy’s screw-up younger brother, Hank. Hank works for the same company as Andy, though we’re never told what he does exactly. All we know is that Hank’s got an ex-wife/girlfriend that hates him, an ungrateful daughter he’s trying to give a good life to by spending all of his money to pay for an expensive school, and some serious cash-flow problems. That’s how the plot starts.

Some slight spoilers here, but nothing major. Trust me, there are big twists and turns in this one: Andy approaches Hank with a proposition to rob a jewelry store. The goal is to solve both of their money issues, and as they know the store well, they will have no issues getting away with the goods. And, after all, it’s a victimless crime – the owners are insured for all the jewelry. So what bad could happen? 

You can probably guess. Everything and anything that you could think of, and a lot more you couldn’t. Rosemary Harris, from Spider-Man Aunt May fame, does a great job as Andy and Hank’s mother. She’s sweet and true, though like Tomei, she isn’t given much screen time. But again, her character itself plays a vital role in the film’s ultimate outcome, so even if we don’t spend much time with her, her presence is very felt.

Albert Finney as the father of Hoffman is an absolute stroke of casting genius. When the two are near each other, you believe they’re father and son. Always a powerful figure, Finney’s anger is real and unstoppable. He can’t be reasoned with when the nasty hits the fan, and is the ultimate force for justice, no matter who gets in the way.

Of particular note should be Ethan Hawke’s performance. This is an actor we’ve all grown up with and have seen in such a myriad of roles. Yet, unlike a DiCaprio or even a Phoenix, he doesn’t really get the credit he deserves for being such an amazing chameleon. Even though he’s still got the great bone structure and handsome good looks he’s always had, Hawke is able to make us believe that Hank is a lovable screw-up who just can’t get things right. 

If there’s a character you do walk away feeling for, it’s Hank. He’s had a hard life, and unlike some of the other characters in the film, the situations he’s in aren’t necessarily his doing. 

The film is deliberate. Not long. But at times, Lumet lingers on shots to build the tension and for some people, who are used to the fast-cutting style of modern filmmakers, I know this can be off-putting. I heard the complaints outside the Paramount last night, though I have to disagree. But, I’m the guy who adores “The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford” so maybe I’m not a great judge on what is and isn’t too long.

The timeline in this film is all out of whack. Its nothing you haven’t seen before, and Lumet does give you clear labels on when something is placed, a la “Hank: Three Days Before the Robbery,” and so on. Sometimes it works, and sometimes it doesn’t. About halfway through the movie, you think they’ve abandoned it, as it’s done serving it’s purpose, but then you get one more, and its more of a chore to go through than anything else. By this point, you’re wanting the straight, linear progression of the story from a standard inter-cutting of character scenes. 

In many ways, this reminded me of Scorcese’s “The Departed,” a film that most of America absolutely loved. The tone is there, the ultimate impending sense of doom is there, and the relentless ending that you don’t expect, but can understand shows up too.

At the end, you’re not going to walk away feeling good. Or with all the answers. But nowadays – that’s sort of refreshing. 

DAILY MUSE | As you may know by now, I love hearing and watching interviews with artists and creators. Here Syndey Lumet, director of 12 Angry Men, Network, Dog Day Afternoon and Serpico speaks with Charlie Rose.

This weekend, as part of my Monday night film journalism course, I had to write a review of a Jean Moreau interview with Mark Cousins from a few years back.

I then decided to dig out my off-air VHS of Sean Connery’s Scene by Scene with Cousins from 1997. Taking place in the interviewer’s Edinburgh flat, Connery seemed at ease with the whole thing. Clips of his first Hollywood venture, Derby O’Gill and the Little People, brought a smile to his face and memories of having to memorise a song on the morning of filming.

Some scenes from Sidney Lumet’s The Hill were also shown, which Connery believes is his best film (sadly no clips were show from his other Lumet collaboration, the harrowing The Offence). Luckily BBC2 screened The Hill the same night as the interview, so I left it playing…

The film takes place in a World War II British disciplinary camp in the Libyan desert. Trooper Joe Roberts (Connery) is sent to the camp for disobeying orders and attacking his superior officer. He arrives to find a camp terrorised by Staff Sergeant Williams (Ian Hendry), with soldiers being made to run up and down the titular hill in the blazing sun.

I’ve watched The Hill a dozen or so times over the years, and every time it seems as fresh as the first. Made at the time of Bondmania, when Connery was more used to wearing a tuxedo than a beret, the film stands as evidence to naysayers who claim Edinburgh’s finest export cannae act. Watching him here, making sly comments to Williams while on parade, rounding on his cellmates or going head-to-head with the officers, is electrifying.

Another superb performance comes from Ian Bannen as Staff Sgt. Charlie Harris, the only compassionate officer in the camp. His anguished performance stands out from the others and I can’t quite decide whether he or Connery steal the most scenes.

With no music, it’s left to the actors and the director to set the tone for each scene. Watching each man try to cope with his surroundings is harrowing, not a word I’d use for many films (though the site of Connery in that nappie in Zardoz comes close). And that final scene…

Here’s hoping BBC4 repeat the Scene by Scene’s sometime soon.

Updated 21/01/08

I’ve just added a trailer for the film from YouTube.

A Film Review

Copyright Dragan Antulov 2005

Pointless remakes represent the disease that affects even the most talented filmmakers and those who should have known better. Sydney Lumet, one of the prolific, but also one of the most respected American filmmakers, succumbed it when agreed to direct GLORIA, 1999 film based on the screenplay for John Cassavettes’ 1980 drama of the same.

Titular heroine of the film (played by Sharon Stone), street-savvy New York woman who spent some years behind bars in order to protect her boyfriend, small-time Irish gang boss Kevin (played by Jeremy Northam). She expects some kind of award for trouble, but Kevin proves to be ungrateful and more concerned with some his close associates. One of them is Porto Rican accountant who collected all kinds of incriminating evidence against Kevin and his organisation; Kevin solves that problem by having him and his family brutally murdered. The only survivor is Nicky Nunez (played by Jean-Luke Figueroa), accountant’s 7-year old son. Due to a confusing set of circumstances Gloria takes away Nicky and tries to bring him to safety. However, Nicky’s lack of relatives and Gloria’s lack of parenting experiences leads to all kinds of problems, not including Gloria’s inability to turn little child to more appropriate sort of care. In the meantime, both of them are relentlessly pursued by underworld killers.

GLORIA is another sad example of what happens to old masters when they become too prolific. The film is overlong, poorly edited and every scene looks more like a work of third-grade television hack than someone responsible for the likes 12 ANGRY MEN and DOG DAY AFTERNOON. The only thing that might keep audience’s attention is in Sharon Stone’s attempts to prove that she can play tough street women just like she can play refined seductresses. Those attempts, even when they fail, are sometimes entertaining in a morbid sort of way. However, even sadder than this film is realisation that so many great talents got wasted in this pointless effort, including great George C. Scott, whose brief appearance in the role of courtly mob boss (and one of his last roles), represents one of this film’s few bright moments.

RATING: 3/10 (+)