Tim Roth in 'Made in Britain' (Alan Clarke, 1982)

The name of my blog is taken from the raw and brilliant film Made in Britain, directed by Alan Clarke and starring a 21-year-old Tim Roth in his first major film role. Written by David Leland, the film indicts the social welfare system and the larger Thatcher regime in England, as well as exploring the young male psyche. As the skinhead Trevor, Roth assaults both his co-stars and the audience with his racism, apathy and excessive violence. Eric Richard, best known for his role as Bob Cryer on ‘The Bill’ and also his lead in Mike Leigh’s television film Home Sweet Home, provides strong support. Interestingly, this was the first time that Alan Clarke employed Steadicam to ’shoot the characters in long, continuous takes to give the impression of ceaseless motion and neurotic energy’, a technique he would use stylistically in his later work (Murphy, 2006).
Tim Roth gives an incredibly strong performance in a film that encapsulates so much of the rage and confusion of the time, AT the time of its production.

Filmography: Made in Britain dir. Alan Clarke (1982)

Bibliography: Murphy, Robert, Directors in British and Irish Cinema (London: British Film Institute, 2006)

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Eeppisen mittaisessa juhlajaksossamme esitellään uusi tunnari, palkitaan kommentoijia ja ennen kaikkea käydään läpi panelistien Top 10 suosikkielokuvat kautta aikojen. Mittaa jaksolle tosiaan venähti melkein kolme ja puoli tuntia, mutta älkää säikähtäkö. Annamme tämän kuunteluun kuuntelijoille muutaman viikon kuunteluaikaa ennen uusia jaksoja ja podcastia voi kuunnella vapaavalintaisissa osioissa.

Juhan Top 10 elokuvat:
- Modern Times
- Amélie
- Seven
- Pulp Fiction
- Á Bout de Souffle
- Apocalypse Now
- Dr. Strangelove
- Mies Vailla Menneisyyttä
- Annie Hall
- Requiem for a Dream

Henrikin Top 10 elokuvat:
- WALL-E
- The Great Dictator
- Metropolis
- The Incredibles
- Galaxy Quest
- Close Encounters of the Third Kind
- Manhattan Murder Mystery
- 2001: A Space Odyssey
- Star Trek: The Motion Picture
- Finding Nemo

Dirigida per Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodríguez i Quentin Tarantino, Four rooms ens explica les peripècies que viu el recepcionista d’un petit hotel en la seva primera nit de treball. Al llarg de quatre històries, cada una més esbojarrada i surrealista que l’anterior, el jove recepcionista (interpretat per un magnífic Tim Roth) anirà perdent els nervis i la paciència alhora que queda meravellat i sorprès per la fauna que es pot trobar rere la porta de cadascuna de les habitacions de l’hotel.

I és que el pobre noi, envoltat per bruixes desesperades, marits gelosos, nens malcriats i rics ludòpates, es veu immers en un seguit de situacions que toquen l’absurd. Sens dubte, per mi, les millors històries són les dirigides pel Robert Rodríguez i el Quentin Tarantino. Immillorables i amb el seu segell inconfusible. Les altres dues històries, tot i que bones i recomanables, queden a l’ombra de les parts dirigides per aquests dos grans directors.

Cadascun, com no podia ser de cap altra manera, recorreix als seus actors estrella. Per començar Tim Roth, que va treballar amb Tarantino a “Reservoir Dogs” i “Pulp Fiction”. De la mà de Robert Rodríguez apareix un Antonio Banderas, repentinat i amb cinc quilos de gomina al cabell, i una Salma Hayek lluents. Tarantino torna a comptar, com ja va fer amb “Pulp Fiction”, també, amb un Bruce Willis totalment istriònic; i, com tampoc podria ser de cap altra manera, amb ell mateix.

De les altres històries, destacar el petit paper de Madonna a la primera part titolada “L’ingredient perdut” i on unes bruixes busquen l’esperma d’un noi jove (endevineu de qui podria ser?)

Així que, ja la podeu anar a mirar qui no ho hagi fet; i qui ho hagi fet, que ho torni a fer. Una pel·lícula absurda i divertidíssima per passar una molt bona estona.

Twelve outrageous guests. Four scandalous requests. And one lone bellhop, in his first day on the job, who's in for the wildest New year's Eve of his life.

Não existem palavras para definir o que este filme provocou na minha vida. Four Rooms é sem sombra de dúvida um filme assombroso  também experimental. Dividido em quatro histórias, que se desenrolam numa noite de passagem de ano e tendo como figura principal Tim Roth num dos seus melhores desempenhos, a meu ver. Começamos com o velho Sam, o antigo paquete do hotel a ensinar os truques da sua arte ao seu novo aprendiz/substituto. Nada fazia crer a Ted que uma das mais loucas e estonteantes noites da sua vida se aproximava.

1 – Suite Lua-de-Mel: A primeira história centra-se numa convenção de bruxas que toma a suite Lua-de-Mel, tentando trazer de novo à vida a sua heroína, que se tinha transformado em pedra, naquela mesma suite e naquela mesma noite, fazia quarenta anos. O nosso inocente paquete é chamado ao quarto em virtude de ele ter uma coisa que é necessária para que o bruxedo tenha sucesso. Querem saber o quê, vejam o filme.

2 – Quarto 404 : O nosso paquete recebe uma chamada por parte de uns foliões, que precisam de gelo para a farra, mas que indicam o quarto 404, como sendo o local onde se encontram. O paquete, ao entrar no quarto depara-se comuma mulher amordaçada e com um homem em boxers e de fusca na mão. Pelos vistos é o marido da mulher amordaçada a tentar apanhar o amante da esposa, que por acaso se chama Ted. Como é lógico, desenrola-se logo um ambiente de cortar a faca, embora pouco a pouco descobrimos ser puramente um jogo de sado-masoquismo.

3 – Os Mal Comportados: Sem sombra de dúvida, o meu preferido. Um casal, que possui um casal de filhos, está hospedado no hotel e prepara-se para passar a noite a divertir-se. Mas como realmente pretendem divertir-se, decidem deixar os pestinhas no quarto. É então que o pai, que após ter pedido uma garrafa de champanhe, pede ao nosso paquete que tome conta das crianças por 500 dólares. Ted aceita e vai descobrir o que é o inferno dentro de um quarto. Desde passarem quase todo o tempo a cheirar os pés, a meter no bucho tudo o que é bebida, o puto mal nos descuidamos está de cigarro na boca, jogar aos dardos com uma seringa e um quadro de hotel até ao desenlace final é sem querer entrar em favoritismos, genial.

4 – Penthouse: Aqui se vai desenrolar a história final. Um produtor de hollywood está hospedado na Penthouse com os amigos e decide ter um Juiz final na aposta que pretende levar acabo. Cabe ao nosso querido Ted ser esse mesmo Juiz. É também muito bom este trecho

Em jeito de finalizar, poderão pensar que o inicio parece ser fraco indo finalizar muito bem. As 2 primeiras histórias são sem dúvidas muito menosprezadas, também em virtude de que as 2 finais tiveram a mão a nível de argumento e de realização de dois pesos pesados como Robert Rodrigues e Quentin Tarantino. Recomendado. De Allison Anders, Alexander Rockwell, Robert Rodrigues e Quentin Tarantino. Com Sammi Davis, Amanda De Cadenet, Valeria Golino, Madonna, Ione Skye, Lili Taylor, Alicia Witt, Jennifer Beals, David Proval, Antonio Banderas, Lana McKissack, Patricia Vonne, Tamlyn Tomita, Danny Verduzco, Salma Hayek, Paul Calderon, Quentin Tarantino, Lawrence Bender, Kathy Griffin, Quinn Thomas Hellerman, Marc Lawrence, Unruly Julie McClean, Laura Rush, Paul Skemp, Marisa Tomei, Tim Roth, Kimberly Blair, Russell Vossler e Bruce Willis.

P.S.: De referir que Madonna ganhou um Razzie com o seu papel no filme. É sempre um orgulho.

Sim, juro. Os directores da Asylum disseram o seu nome aquando da reunião que aqui tiveram

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Funny Games is an Austrian movie by writer/director Michael Haneke starring Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch and Frank Giering which he then remade shot for shot ten years later with Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt and Brady Corbet.

Plot:
A well-off family travels to their weekend getaway at the shore of a lake. While the father Georg(e) [Ulrich Mühe/Tim Roth] and the son get the boat ready, the mother Ann(a) [Susanne Lothar/Naomi Watts] stays in the house to prepare dinner. Suddenly a young man, Peter, [Frank Giering/Brady Corbet] comes from the neighbour’s house to ask for some eggs. He’s joined by another young man, Paul, [Arno Frisch/Michael Pitt] and while both of them are very polite, things become threatening really quickly. When the father and the son return to the house, Peter and Paul take the whole family hostage to play “games” with them.

Both movies are heavy cost – a thorough and deep analysis of violence in movies and what it does to the viewer. Haneke uses the horror genre conventions to hammer home a point – and hammer it he does. This is no subtle pointer that maybe violence in movies is not such a good thing but a huge, blinking neon sign that screams about the depravity of the average movie consumer.

[SPOILERS]

I watched both movies basically back to back (U.S. version first) because I was curious if I could find out how detailed a Haneke script is. Two things I have learned from this:

1: Don’t watch these two movies back to back if you are not completely stable and have either already lost all faith in humanity or have some magic formula to retain your faith. One of them is bad enough, but seeing the whole thing twice is soul shattering.

2: Haneke scripts are very detailed. But interestingly enough they detail other things than I would mention in a script of mine. For example, in the U.S. version pretty much everything’s white, not only the clothes of Peter and Paul, but also the complete interior design. So, as I’m personally a little obsessed with colour in movies, I figured this would have some significance. But in the Austrian version, only the two guys are dressed in white, the interior design isn’t. On the other hand, the entire layout of the house is completely identical – something I would have thought unnecessary.

After watching the first movie, I desperately needed a break. I felt like throwing up and crying. Just not knowing what to do first kept me from doing either. Seeing the second movie (sometimes I’m a mean bitch towards myself) was a little better. I don’t think it had anything to do with the quality of the films – honestly, all performances were great and other than that, nothing much had changed – but with knowing what to expect.

Because the thing about it is: Haneke doesn’t let the audience be an audience; he incorporates them into the film in the form of Paul. Paul, one of the perpetrators and the leader of the two, turns round in the middle of the film and winks at the viewer. I first I thought nothing much about it – it was a shock, being pulled out of the comfortable role for a second, but you quickly settle back into it.

And then Paul does it again. But this time, he talks to you, asks you about your expectations etc. And this time, you can’t just wave it away, can’t just pretend like nothing happened: you are forced to consider your own role in this. And you can feel the judgment, the nagging question: “Why would you watch such a movie in the first place?”

But the coup de grace is when Ann(a) manages to grab the gun and shoot Peter. Paul is thrown off for a second, searches for the remote control – and just hits the rewind button. The movie, obediently, rewinds.

Up until this point you might have still been able to kid yourself, but even the most unreflected movie goer surely most have felt the pressure Haneke built on the viewer at this point.

Because – or maybe despite – of this pressure, what I felt while watching the movie was not horror or even disgust, but desperation: Desperation that the family’s siuation was so completely chanceless, but even more desperation about us humans as a species who watch stuff like that as an entertainment [I'm not judging here, I watch these movies myself and I do enjoy them. (Even after Funny Games.)]. The conclusion of this film seems to be that we’re all completely fucked. [Which might be true, but do I really want to think about that?]

And Haneke manages to invoke all of this without showing us any act of violence directly. Contrary to what is usually the case, he only shows us the effects the violence has: The physical and emotional wounds.

So, if you want to be challenged – intellectually and as a movie goer - one of these two films will be perfect. Just make sure that you’re sufficiently anchored. But it’s definitely worth to give the movie a try and examine yourself in the course of it.

Quentin Tarantino may be many things — perverted, profane, whipsmart, cocky, a little too enamored with his own cleverness — but subtle he is not. He’s not even in the ballpark. Matter of fact, if that ballpark blew up, he wouldn’t hear the sound for another three days. Nah, Tarantino’s a guts-glory-chicks-and-explosions kind of director, and that imagination of his? In the name of Le Royale with Cheese does it dream up some wild-n-twisted trips.

Mark ”Pulp Fiction” down as one of the wildest. Every nanosecond of this humdinger’s 154 minutes contains something warped/crazy/effortlessly cool to behold: philosophical discussions about foot massages, the nature of miracles and a gold watche that has been places no watch should go; murders both coolly calculated and comically accidental; a frightful drug overdose; kinky sex (think S&M with an Alabama drawl and a gimp); and, last but not least, a sinfully delicious $5 milkshake. Random as this catalogue seems, Tarantino’s film is far more scattershot. The action doesn’t adhere to a simple timeline; instead, there are three stories that run parallel, then smash together, then diverge only to reconnect in ways that boggle the mind upon repeat viewings. “Pulp Fiction” is a genius noir/gangster combo that keeps us guessing. Guess long enough, though, and patterns start to emerge from the madness.

Sort of. Since Tarantino makes it nearly impossible to understand how these stories pool into a cohesive ending, let’s tackle one beast at a time. First, there’s “Vincent Vega and Marcellus Wallace’s Wife,” the tale of L.A. hitmen Vince (John Travolta) and Jules (a perfeclty cast Samuel L. Jackson) heading to do a job ordered by their loose-cannon boss Marsellus (Ving Rhames). Since Marsellus recently threw a guy out a high-rise window for giving his wife Mia (Uma Thurman) a foot massage, Vince has the jitters about taking her out on the town. His plan is simple: “Chew my food with my mouth closed, laugh at her fucking jokes, and that’s it.” Of course, trouble has a tendency to follow Vince, so things don’t go that smoothly.

Smoothness doesn’t much like Butch (Bruce Willis) either, which we discover in ”The Gold Watch.” A talented boxer with a sweetly innocent girlfriend (Maria de Medeiros), Butch shovels some dirt on his own grave by winning the fight Marsellus paid him to throw. But his neat double-cross turns messy through a series of freak coincidences, the most interesting involving two pawn shop owners who plumb forgot to pack their manners (not to mention their morality) when they left the Deep South. ”The Gold Watch” leads into “The Bonnie Situation,” a conclusion of sorts where Tarantino himself shows up as Jimmie Dimmick, a pal of Jules who begrudgingly agrees to help him clean up an accidental hit (“my gun went off! I don’t know why!” insists the a brain matter-spattered Vance) with help from Winston Wolf (Harvey Keitel). What’s on Wolfe’s business card we can’t be sure, since the terse mystery man only offers “I solve problems” as his job description.

It’s offhand comments like these that demonstrate one of Tarantino’s greatest strengths: revealing character traits with one or two stray lines of dialogue. He’s a student of human nature, and he knows the ways people fill time by arguing over whether foot massages are sensual or wondering what cheeseburgers are called in France (see above). And yet everything these characters say tells us something about themselves or the story. Christopher Walken, in his lone scene, delivers a howling-good speech that seems like comic relief, but the subject — the gold watch — comes back into play. Jules spouts a nonsensical version of Ezekiel 25:17, but it reveals his own moral code. Thurman, who finds jumpy loneliness in Mia, parlays a terrible joke about tomatoes into a real connection with Vince. Haphazard though they seem, these lines are the threads that knit everything together.

What else dazzles about “Pulp Fiction”? There’s the abundance of lurid violence — much of it comical (including an uncomfortably funny rape scene), some of it truly shocking, none of it gratuitious. Jackson and Travolta are one hell of two-man team, while Willis registers a pulse and Eric Stoltz has wit to burn. Ultimately, though, it’s the manic, fearless force of Tarantino that makes “Pulp Fiction” a sweet, sweet joyride, indeed.

Grade: A

Una pareja(Tim Roth y naomi Watts)  junto a su hijo van a una casa en la playa para pasar unos dias de descanso, cuando dos jovenes de clase acomodada y aparentes buenos llegan para torturarlos física y sicológicamente en su propia casa, por el sólo gusto de hacerlo.

Versión americana de la película de 1997 de Michael Haneke, el mismo que dirige este remake, que  puede parecer interesante sólo si no se ha visto la original. ***

Michael Haneke es un director alemán que hizo una peli de ultraviolencia en 1997 con clara influencia de Stanley Kubrick y Alfred Hitchcock con un reparto completamente alemán del cual sólo puedo reconocer a Ulrich Mühe quien actuó en la impecable Das Leben der Anderen en 2006.

Recientemente, están rotando la versión americana en Cinemax y al parecer lo más interesante es que el director no cambió nada, igual que la distribuidora que hasta los cortos de avances de la peli los dejó idénticos. El escenario es una casa burguesa en las afueras, rodeadas por un lago y un ambiente calmado. Es de corte psicológico y de una profundidad actoral muy fuerte. En el reparto de esta versión se encuentra Michael Pitt que ya resuena como un monstruo de la actuación, Naomi Watts en una increíble y desgarradora actuación y Tim Roth. La trama es que dos jóvenes llegan a la casa donde se hospedan Roth, Watts y su hijo y empieza una cadena de torturas psicológicas que no tiene fin durante más de doce horas.

Hablabamos con un amigo y desde que Pitt le pide unos huevos a Roth, al principio de la peli, uno se estremece con el tono en el que le responde y se crea de ahí en adelante una tensión electrizante.

Es supremamente gráfica y violenta.
Es sencilla y estremecedora.
Es entretenida pero a la vez muy tensionante.

Es una pieza de teatro impecable y definitivamente recomendada para seguir analizando, una y otra vez, ya que logra involucrar al espectador en estos juegos mentales y dejarle la conciencia dañada después de ser testigo de esta interminable tortura. No es violencia por violencia, es el espacio dejado por Kubrick en los 70’s después de su A Clockwork Orange donde se critica la sociedad, la asimilación del crimen y la violencia de forma natural en nuestras vidas y la psique de los llamados civilizados.

Sería chévere repasar la versión de 1997 y reparar en paralelo las modificaciones, los actores y el final.

Merita vazut. Alte detalii nu dau

Esta semana ví dos tremendas películas que quiero compartir con uds.

Por Christian Quezada

Funny Games U.S

Dirección y Guión: Michael Haneke.
Países: USA, Francia, Reino Unido, Alemania, Austria e Italia.
Año: 2007.
Duración: 111 min.
Género: Thriller, drama.

Interpretación: Naomi Watts (Ann), Tim Roth (George), Michael Pitt (Paul), Brady Corbet (Peter), Devon Gearhart (Georgie)

SINOPSIS: Las vacaciones comienzan con Ann, George y su hijo Georgie de camino a su casa de verano. Los vecinos, Fred y Eva, ya están allí. Quedan de acuerdo en jugar al golf la mañana siguiente. Es un día perfecto. Ann empieza a preparar la cena, mientras su marido y su hijo están ocupados con el barco de vela recién arreglado. De repente, Ann se encuentra cara a cara con Peter, un joven educado e invitado de sus vecinos, que ha venido a pedir unos huevos porque a Eva se le han acabado. Ann está a punto de darle a Peter los huevos, pero tiene dudas. ¿Cómo ha entrado en su propiedad? Peter explica que hay un agujero en la cerca, se lo enseñó Fred. Desde el principio las cosas parecen extrañas y bastará un pequeño incidente para que estalle la violencia. “Funny games” es un remake de la película de mismo título dirigida por el propio Michael Haneke en 1997.

COMENTARIO: Interesante y perturbador film, realmente a ratos se hace enfermizo ver algunas escenas. Si bien el punto de inflexión en la historia al inicio, en lo personal, me parece débil y absurdo, la película te logra meter en su trama y ver como estos dos tipos (Meter y Paul) desarrollan esta masacre sicológica con esta familia adinerada. Pensando en el año de la primera versión de este film (1997) se logra plasmar perfectamente un grado de inhumanidad y violencia explícita digno de estos días o de un noticiario como de Chilevisión o Mega. Lo curioso del remake, es que además de ser su mismo director, la construcción en cuanto a planos, es idéntica a la original. Un tremendo trabajo sicológico de Michael Haneke (su director) que plasma sobre los personajes. En resumen una película más que recomendable. A ratos desesperante, y ojo, que en un par de secuencias, dirás que fome y lenta se está poniendo, pero justo hay un momento que deja marcando ocupado y pidiendo más de esta repugnante y controversial cinta. Al final pensé. “Que película de mierda más buena”, te hará pasar un momento tenso y de no entretenimiento, si bien a ratos es muy absurda, el trabajo sicológico realmente es muy descatable.

DESCARGA Vía Torrent, versión año 2007 / Subtítulos AQUÍ

DESCARGA Vía Torrent, versión 1997 / (Incluye Subtitulos)

Trailer comparativo, al costado izquierdo la versión de 2007 (la que vi) y el costado derecho la versión del año 1997 (la que estoy descargando)

Trailer Funny Games año 2007

Slumdug Millionaire  ¿Quien quiere ser Millonario?

Dirección: Danny Boyle.
País: Reino Unido.
Año: 2008.
Duración: 120 min.
Género: Drama, comedia, romance.
Interpretación: Dev Patel (Jamal Malik), Freida Pinto (Latika), Madhur Mittal (Salim), Anil Kapoor (Prem Kumar)

SINOPSIS: Jamal Malik (Dev Patel), un joven huérfano que vive en un barrio extremadamente pobre de Bombay, decide presentarse a la versión india del concurso  ”¿Quién quiere ser millonario?”. Ante la sorpresa de todos, Jamal responde correctamente a todas y cada una de las preguntas. ¿Cómo es posible que un chico como él sea capaz de conocer todas las respuestas? Cuando Jamal está a punto de responder a la última pregunta, la que le hará ganar 20 millones de rupias, la policía lo detiene y se lo lleva para interrogarle. Jamal deberá explicar por qué conocía las respuestas, teniendo que recurrir para ello a relatar diferentes momentos de su vida, que además nos ayudarán a descubrir la verdadera razón de su participación en el concurso.

COMENTARIO: INCREIBLE!!!. Es genial de inicio a fin. Yo hace tiempo que la tenía en DVD y por flojera no la había visto. Sabía que era una colaboración Hindú-británica y que había ganado 8 premios Oscar en el 2008. Esta historia muestra la realidad de un país totalmente estancado como India. Donde hay un hacinamiento y pobreza de su gente que asusta y conmueve. Lo particular de la cinta es la forma en que logran conectar el pasado y el presente de Jamal, su personaje central. Como tiene que explicar porqué sabe todas las respuestas del programa “Quien quiere ser millonario”.

Estas historias son tremendas y no es nada más que su vida misma. Al inicio del film entran en acción los co-protagonistas, que son Latika y Salim. Amigos de niños que verán como la vida los separa y junta por distintas situaciones. En sí, esta película es de montaje muy veloz y no te da respiro en ningún momento, mezcla perfecta de imágenes, colores y música que son realmente increíbles, pero lo excelente de esta película es que es un complemento y no logra distraerte del eje central de la historia.

Es uno de esos films que sí los analizas, piensas que trata sobre la típica historia de amor, pero nada que ver. Nos refleja una vez más como en el Occidente nos estamos equivocando con los valores imperantes. Acá afloran y prevalecen los valores y sentimientos más sencillos. Es una búsqueda constante de los sueños y del amor más verdadero y profundo, con un camino tan crudo, que a diferencia de las películas de EE.UU, son reales, violentos e impactantes, lo cual logra que al final, uno sienta tanta alegría, emoción y satisfacción como los propios personajes de la película.

DESCARGA Via Torrent / Subtitulo AQUÍ

Trailer Slumdog Millionaire

Ah, I really want to avoid comparing it to Braveheart, but okay: You know how there’s a drinking game in Braveheart where every time someone says “Freedom!” you take a shot? The drinking game in Rob Roy is “Honor.”
…

image from http://www.allposters.com/-sp/-Posters_i414131_.htm

Robert Roy MacGregor (Liam Neeson) wants to improve his village’s life in the craggy area of Scotland that they live in, so he decides to take out a loan from a local noble Montrose (John Hurt). This would have gone swimmingly except for Montrose’s new house guest Archibald Cunninghamn (Tim Roth) is short on cash and an evil bastard.

My various points on this movie:

1) Costumes are awesome. The year is, I think, 1714, so you’re hitting the movie right between the Restoration-era fashion and the beginning of the Rococo fashions. While not so important for the ever-kilted Rob Roy, it’s really cool to see the costumes that Montrose and Cunningham have to pull off. Two of my favorites are actually this one of Cunningham’s:

image from http://www.justpressplay.net/

And I really wish I could show you the Duke of Argyll (Andrew Keir), but I can’t find any good images of it online.

2) Casting.

So yeah, okay, I saw this movie because of Tim Roth (shut up!) but the casting as a whole is really great. Liam Neeson plays Rob as very much the honorable hero, especially as a great leader whose main concern is the safety of his village.  This makes him a great foil to Cunningham, who spends his time wrapped up in his own problems.  Jessica Lange (who I love) is really top-notch as Mary, Rob’s wife.  This is increasingly apparent from oh, let’s say the halfway mark onwards.

…

Reading into the subplot, this is a grand movie to watch for experiencing English abuse of Scotland, but in a more subtle, personal way than, say, Braveheart.  It’s really clear that Rob Roy represents Scotland, who is just working hard to get by while Cunningham is England, a literal bastard who can only think of thieving as a means of getting by.  What’s interesting to note in this interpretation is that they are both controlled by two men who hold greater power.  Montrose holds sway over Rob Roy because without able to pay him back, he’s in debt.  More so, Montrose houses Cunningham and makes his life difficult little by little.  The Duke of Argyll comes in as a player for Rob Roy by the third act, but you see him periodically throughout the film as an antagonist to Montrose.  The Grumpy Old Men of this movie, if you will.

It’s an epic costume piece, probably one of the best made in the ’90s.  For those of us who like to watch movies in order to travel, this is a great example as such.  The Scottish highlands look absolutely stunning and the three hundred years trip backwards in time is done very well.

Also, well… swordfights!  I like me some swordfights, don’t you?

One last note: I always forget that this was the role which earned Tim Roth his Oscar nomination until I watch the movie again.  It’s not so much Cunningham’s character– he’s really just the Spoiled Rich Kid Villain– but how Tim Roth plays him.  And he plays him well.

Jakiś czas temu ktoś podsunął mi dwa tytuły: „Nil by Mouth” i „War Zone”, ale nie miałem okazji, czasu albo najprawdopodobniej chęci by się z nimi zapoznać. Niedawno natrafiłem na rekomendację dokładnie tych samych dwóch filmów i okazało się, że często przy jednym z nich pojawia się odwołanie do drugiego i vice versa. Skąd ta zależność ? A stąd, że w obu obrazach poruszana jest pokrewna tematyka – mroczne zakamarki ludzkiego umysłu. W obu produkcjach główną rolę odgrywa brytyjski aktor – Ray Winstone. W obu filmach po drugiej stronie kamery stanęli znani aktorzy – Tim Roth i Gary Oldman. Czytaj dalej, jeśli chcesz wiedzieć czy są to udane debiuty reżyserskie.

„Nil by Mouth” jest pewną formą rozliczenia się Gary’ego Oldmana z własnymi korzeniami, wywodzącymi się z robotniczej, południowej części Londynu. W filmie ukazana jest społeczność nękana problemami biedy, narkotyków i alkoholu. Na główny plan wybija się wątek Raya (Ray Winstone), drobnego rzezimieszka, pijaka, który cały swój niepohamowany gniew kieruje w stronę swojej rodziny – szwagra i żony (za tą rolę Kathy Burke otrzymała nagrodę w Cannes). Przez cały film jesteśmy świadkami ćpania, drobnych rozbojów, mordobić, przemocy w rodzinie itd., a wszystko to ukazane w dość surowym, mrocznym stylu. Film jest dość nierówny głównie przez zupełnie niepotrzebnie wydłużony wątek szwagra – amatora wszelkich form narkotyków. Gary Oldman pokazuje nam mocny obraz klasy robotniczej w Anglii, nękanej narastającą frustracją, poczuciem beznadziejności i brakiem porozumienia, mimo chwilowych przejawów ludzkich uczuć, ale na tym się kończy. Ot, zwykły wręcz dokumentalny portret dobrze znanej reżyserowi społeczności.

Tim Roth przedstawia nam z kolei obraz, złudnie szczęśliwej rodziny, która po przeprowadzce na wieś, oczekuje dziecka. „War Zone” początkowo ukazuję trudy codziennego życia w nowym miejscu (trudy asymilacji w nowym otoczeniu, przejawiający się w rozmowach ojca brak pracy itd.), aby nagle zaatakować widza problemem molestowania w rodzinie. Ray Winstone, początkowo zwodniczo ukazany jako przykładny mąż, okazuję się być dewiantem i seksualnym oprawcą, który wykorzystuje swoją córkę. Świadkiem tego wszystkiego jest syn, dla którego dom stanie się tytułową strefa wojny i to na jego reakcji skupia się reżyser (praktycznie nie ma sceny bez jego udziału). Zdjęcia w dość ascetyczny sposób ukazują odludnioną, wzmagającą poczucie niepokoju wioskę, aby w kulminacyjnej scenie gwałtu przytłoczyć widza pełnym naturalizmem. Film wymęczył mnie swoją wtórnością i analizą tematu. Mamy tu żonę (Tilda Swinton) kompletnie nie zdającą sobie sprawy z zaistniałego problemu, mamy zagubioną seksualnie córkę, no i mamy też walecznego syna, który nie potrafi zidentyfikować genezy tej chorej sytuacji, więc miota się pomiędzy nienawiścią do siostry i ojca. Zostaje nam chyba najciekawsza postać zdeprawowanego ojca (Ray Winston), który nie postrzega siebie jako złą osobę i do końca pozostaje nieodgadniony.

Żaden film mnie nie zachwycił, żaden nie był nawet wystarczająco dobry, aby zasłużyć na notę 2/3. Nie wystarczy podjąć się ciężkiej tematyki i naszpikować film nieprzyjemnymi scenami, aby zrobić film dobry. A niestety takie jest podejście obu panów w swoim debiucie – stworzyć przytłaczające obrazy z dominacją ciemnej zieleni, brązu i żółci, czyli kolorów potęgujących wrażenie brudu i moralnej degradacji. Zdecydowanie na pierwszy plan wybijają się kreacje Raya Winstone’a, który stworzył w miarę barwne, niejednoznaczne postacie. Przyszła pora ocen i nie będzie wysoko. Pojedynek wygrywa nieznacznie „Nil by Mouth” z oceną 1/3+, a „War Zone” dostaje 1/3-.

L’incredibile Hulk è un film del 2008 basato sul fumeto della Marvel Comics. E ‘diretto da Louis Leterrier e Edward Norton. Non è un sequel di Hulk (2003), ma piuttosto un riavvio che stabilisce un nuovo back-story in cui Banner è diventato Hulk come una pedina inconsapevole di un regime militare.

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Después de varias semanas de inestabilidad, este lunes regresa la programación regular de Fox, por lo que la cadena presentó varios adelantos del sexto episodio de la segunda temporada de Lie to Me, llamado Lack of Candor.

Cuando un testigo del gobierno es asesinado, el FBI contrata al Lightman Group para determinar quien filtró la información sobre su localización a los asesinos y para proteger al Agente Reynolds, el testigo estrella del caso.

Cuando Reynolds se niega a testificar en el caso, Lightman (Tim Roth) y Foster (Kelli Williams) descubren que esta escondiendo algo de su pasado.

La segunda temporada de Lie to Me vuelve este lunes por Fox.

Decameron Pie è un film del 2007 che mischia dramma a commedia giovanile ispirandosi molto al Decameron vero e proprio, ovviamente con diverse modifiche tipiche americane.

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Decameron Pie è un film del 2007 che mischia dramma a commedia giovanile ispirandosi molto al Decameron vero e proprio, ovviamente con diverse modifiche tipiche americane.

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Not my top five movies of all time - that’s the kind of list that could give a girl a nervous breakdown.  No, instead this is my top five list of movies to do with music.  Rather more specific and much less stressful to compile!  Here they are in no particular order:

1.  Spinal Tap

Arguably the funniest movie ever made in my opinion, but perhaps that’s because I come from a family of musicians!  Every detail is accurate, from the coldsores that appear on the musicians’ mouths mid-tour, to the friction between the lead guitarist and singer’s girlfriend.  In the 25 years since its initial release, Spinal Tap has become a cult favourite and the movie is made up of one classic scene after another, from Stonehenge to Hello Cleveland, by way of Graceland and an Air Force Base.  Any movie that contains the line “you can’t dust for vomit” is a classic in my book.

2.  The Legend of 1900

Tim Roth is one of my favourite actors and I absolutely adore this film.  1900 is the name of the main character, played by Roth, and he was found abandoned as a newborn on the ship the SS Virginian.  As 1900 grows up he shows a talent for music and becomes the ship’s orchestra’s resident pianist, and this is where the movie really takes off.  The piano battle between 1900 and and Jelly Roll Morton, the “inventor of jazz”, is an incredible show of virtuosity, and the scene where 1900 takes the newest orchestra member on a ride on the piano during a storm is pure magic.

3.  Anvil: The Story of Anvil

One of the most heart warming and inspirational movies I have ever seen, and no I’m not being facetious.  Lips’s unwavering belief in his band and infectious enthusiasm about all things music-related have to be seen to be appreciated.  After ten minutes of watching this film my sister turned to me and said “OK, I know nothing about this band, but I am now TOTALLY on their side”.   You will be too, all the way to the end of the movie.

4.  Almost Famous

Almost Famous tells the story of the fictional band “Stillwater” and their tour throughout America in 1973 and how an aspiring journalist, William Miller, asttempts to chronicle the tour for Rolling Stone.  The movie is pure perfection, capturing the spirit of life on the road in such a way that makes you want to go to a gig immediately.   The Band Aids (or groupies) are central to the film, in much the same way as they were central to touring life.   Although she has a supporting role, Kate Hudson is the star of this movie as far as I’m concerned.   Penny Lane is an unforgettable character; charismatic, adorable and utterly lovable.  I must have watched this film at least twenty times and every time I see it I just wanna go on tour maaaaaan!

5.  La Vie En Rose

I have adored Edith Piaf since my father gave me a biography of her when I was in my teens.  Her almost incredible story, and her belief in music and love as life’s greatest forces always stayed with me.  Marion Cotillard was perfect as Piaf and it is hard to imagine any other actress doing her justice in the same way.

*Honourable Mention goes to Control.

Anton Corbijn’s directorial debut is a masterpiece, showing Ian Curtis’s genius and fragility with true compassion.  This movie is worth seeing for the breathtaking cinematography alone; every single scene from this black and white movie could be frozen to make a beautiful photograph.