Primera aparición por aquí pero no la última del admirable profesional Sergio Martino, director por el que siento cierta debilidad y que cuenta con una filmografía durante los años 70 nada despreciable especialmente en los terrenos del “psicogiallo” (o “guarrigiallo” según salerosa nomenclatura de Carlos Aguilar) con títulos tan deliciosos y sugestivos como “La perversa señora Ward”(1971), “Vicios prohibidos”(1971) o la más célebre pero no mejor “Todos los colores de la oscuridad”(1972), trilogía a mayor gloria de la sexy miope Edwige Fenech (para quién también facturó un puñado de comedias eróticas) que continuaba con la línea entre escabrosa y rocambolesca abierta por Umberto Lenzi a finales de la década anterior. Eso descontando otros dos títulos tan excelentes como “La cola del escorpión”(1971) o la ya mítica “Torso”(1973), trabajos ambos que certifican las inquietudes de un director decidido a profundizar en los márgenes del género y a dar una visión personal del mismo alejándose de lo imitativo pero nunca de lo comercial. Dejando estos “gialli” pero otra (cercana) ocasión prefiero ahora desenterrar un “poliziottesco” casi fundacional o más bien eje (junto a por ejemplo “La policía detiene, la ley juzga” de Enzo G. Castellari) entre los “spaghetti-denuncia” con los que Damiani prefiguró el sub-género (con “Confesiones de un comisario” de 1971 a la cabeza) y el advenimiento de las nuevas, más elementales y demagógicas (pero no menos disfrutables e incluso extrañamente lúcidas en su progresiva brutalización) maneras de los “poliziotteschi” de Lenzi, Castellari o Stelvio Massi.

En este “Milán tiembla: la policía pide justicia” el asesinato en plena calle del más honrado y cabal comisario milanés acabará por poner fuera de sí a un indoblegable policía que tiene problemas para no excederse en sus métodos, la larga escena de presentación consiste en una aparatosa fuga de un tren durante la que los criminales asesinan a una niña, de tal modo que cuando sean finalmente cercados el protagonista no tendrá empacho en tirotearlos por las bravas. De tal modo que por esta acción (y por su empeño en desentrañar el asesinato de su amigo, algo que parece no sentar bien a sus superiores, como siempre vamos) será apartado del cuerpo y decidirá infiltrarse en el sub-mundo lumpen (donde no faltan golfantas de buen corazón, revolucionarios de vía estrecha y por supuesto drogatas medio hippiosos) y en el crimen organizado de la ciudad alquilándose como conductor (lo que da pie a que Martino se luzca en unas célebres escenas de persecución que serían reutilizadas en no pocos títulos posteriores) para descubrir al asesino. Topándose con una intrincada red de corrupción y terrorismo con ramificaciones incluso dentro del propio cuerpo y es que no es sino su superior directo quién dirige (en escalafón intermedio) una conspiración de extrema-derecha con la colaboración necesaria del crimen organizado que busca propiciar un posible cambio de régimen a base de oleadas de delincuencia y acciones terroristas de falsos  grupos izquierdistas. Algo que no estaba alejado de lo que ocurría en la realidad, donde ambos grupos utilizaban similares métodos de confusión ideológica. Es decir unas sutilezas y complicaciones que superaban el confusionismo ideológico un punto viscoso que poco a poco iría medrando en el substrato del “thriller a la italiana”.

Así se cruza el ya mentado “spaghetti- denuncia” que aprovechaba este clima de galimatías sociopolítico y la violencia de los tristemente celebres “años de plomo” con las “Brigate Rosse” actuando a pleno rendimiento y la “strategia della tensione” entre grupos de extrema derecha e izquierda radical, mezclados con oscuras tramas gubernamentales, infiltraciones mafiosas y todo tipo de intereses cruzados hasta conformar una era especialmente opaca y siniestra de la historia reciente de Italia. Este clima de urgencia, de inmediatez de crónica de sucesos se agitaba alegremente con y sin empacho alguno con de los réditos del exitoso “Harry el sucio” al más puro estilo del siempre atento y oportunista cine italiano de género, dando forma al arquetipo del “comisario di ferro” que con tanta fortuna encarnaría en breve Maurizio Merli, aquí aun rebajado o más bien enfocado de una manera más compleja al arrastrar todavía la tipología anterior, la de Franco Nero como policía honesto y sufriente perpetuamente torpedeado desde “arriba”, es decir el delineado de un carácter individualista, tenaz e indoblegable que no atiende más que a la justicia, un personaje fuera de un sistema que le asquea y que termina por luchar por un concepto de justicia primitivo y propio.

Martino pone en juego una realización ágil y con oficio explicitada en esa contundente secuencia de apertura y en las ya mentadas persecuciones automovilísticas y el guión resulta estar muy bien hilvanado, cortesía del fundamental Ernesto Gastaldi, mostrando una panorámica vigorosa de la ciudad de Milán influenciada por las novelas del excelente escritor Giorgio Scerbanenco y salpimentado con sus buenas dosis de violencia (sádica y gratuita por supuesto) y el agradable concurso de una gloria otoñal en pleno retiro europeo como Richard Conte ejerciendo de jefe mafioso. Desafortunadamente el rol principal es perpetrado por el cetrino Luc Merenda, un ¿actor? con la expresividad de una pared de cemento recién cargada y que se mueve robóticamente dentro del encuadre y con quién Martino reincidió en otro par de thrillers bastante olvidados, “La polizia accusa: il servizio segreto uccide” y “Gambling City” ambas en 1975. Una lástima, por que el personaje de policía que se degrada y obsesiona con la justicia hasta darse cuenta de que el sistema lo aplastará sin remisión resulta excelente (o al menos tiene verdadero potencial) y merecía un interprete del talento del enorme Tomás Milian o al menos del carisma de los divos italianos frecuentadores también del sub-género como Fabio Testi o el mismo Franco Nero. Aun así el conjunto no está nada mal, se sigue con interés gracias a su buen ritmo y  su pesimista final (una imagen de cierre fantástica, encima) que eleva la película sobre la media de un cine a recuperar y analizar con detenimiento, que no solo servía un espectáculo feroz y colorista sino que ejercía como testigo y cronista ambiguo y gritón de un momento de la historia, por lo que ahora resulta un documento de no poco valor.

Milán tiembla: la policía pide justicia (Milano trema: la polizia vuole giustizia)

Director: Sergio Martino

Año: 1973

País: Italia

104 min.

Fotografía: Giancarlo Ferrando

Música: Guido De Angelis y Maurizio De Angelis

Guión: Ernesto Gastaldi

Reparto: Luc Merenda, Richard Conte, Martine Brochard, Silvano Tranquilli, Carlo Alighiero, Lia Tanzi

John Flynn es un director del que casi nadie se acuerda ya, lo que tampoco es de extrañar porque desde finales de los 80 su carrera transcurrió sin sobresaltos de subproducto en subproducto, de Stallone a Seagal y filmo por que me toca, artesano apañado que despachaba acción rudimentaria sin más ni más… y fue una pena. John Flynn daba para más, filmó a principios de los 70 “The Outfit” que fue un fracaso y ahora es título de culto y que suponía una revisión de la novela de Richard Stark ( o Donald E. Westlake, como prefieran) que dio pie a la sensacional “A quemarropa” pero sin todo el andamiaje estilístico que había construido Boorman, Flynn ya dejaba claro cuales eran sus maneras: la artesanía, la falta de florituras, el camino directo y la modestia del profesional dedicado al género.  Aun así Flynn no es uno de esos grandes olvidados cuyos méritos comienzan ahora a revalorizarse, tampoco. Está tristemente menospreciado pero no fue un grandísimo director, ni siquiera hizo nunca una gran película perdida, pero tuvo sus momentos, eso desde luego y sabía rodar, que no es poco. Con una diferencia de diez años entre décadas John Flynn dejó rodados con su profesionalidad acorazada dos de los más contundentes y vibrante thrillers de los 70 y 80, “Rolling Thunder” y “Best Seller”, entre ellos no tienen nada que ver, donde uno pone naturalismo crudo el otro presenta estilización genérica, mientras el primero es hijo de su tiempo, el segundo parece ir en contra del mismo, la única relación es la honestidad de su propuesta, una honestidad que parece desaparecida del cine comercial.

“No hay Dios en México”

El ex-preso de Corea (Rolling Thunder)

Año: 1977

País: Estados Unidos

95 min.

Fotografía: Jordan Cronenweth

Música: Barry De Vorzon

Guión: Paul Schrader y Heywood Gould

Reparto: William Devane, Linda Haynes, Tommy Lee Jones, Dabney Colleman, Lisa Blake Richards, James Best

Una notable película de venganzas casi convertida en clásico del sub-género sobre guión del tremendo Paul Schrader, que al parecer no quedó muy satisfecho del resultado tildándolo de racista y fascistoide, aunque en realidad no esté tan lejos (si que es más primario eso desde luego y carece de la capacidad de introspección necesaria para dar la vuelta al discurso) de otros títulos suyos presididos también por esa atracción ambigua por el abismo, pienso en la misma Taxi Driver” o en especial en la terriblemente cruda, obsesiva y enfermiza “Hardcore: un mundo oculto”, revisitación repleta de culpa universal y neurosis de los preceptos del legendario “Centauros del desierto” ambientándolos en el submundo de las pequeñas producciones pornográficas visto a través del torturado prisma ultrarreligioso  del padre desesperado al que interpreta un descomunal George C. Scott. En cualquier caso este contundente “Rolling Thunder” (el título español es ciertamente inexplicable) se adhiere con fuerza a la cara más incómoda del gran “thriller” americano setentero, la que miraba a la bestia interior al tiempo que guiñaba el ojo a los instintos más bajos de la audiencia.Así John Flynn da lo mejor de si con un estilo contundente y sin florituras para entregar un film rabioso, repleto de nervio, sordidez sin adulterar, un pie en la demencia y encima claveteado por momentos de una violencia estremecedora. Historia de un desubicado prisionero de guerra y anti-héroe repulsivo al que interpreta el magnífico William Devane (actor de rictus permanentemente desagradable y despreciativo que se revela todo un acierto, pese a todas sus penurias nunca llegamos a sentirnos junto a el, su misma presencia física provoca rechazo y pone en guardia), que vuelve a casa, tras varios años de cautiverio, profundamente trastornado y alienado. Premiado y agasajado sufrirá un brutal asalto a su casa por parte de unos criminales mexicanos que quieren lo dólares de plata que le regalaron. Todo termina con el asesinato de su mujer (que le había sido infiel y ahora le tiene pavor, un detalle nada baladí, que subraya tanto el carácter del personaje como su cualidad de desclasado) e hijo y la bestial amputación de una mano triturador de basuras por medio en una escena francamente insoportable.

Paradójicamente este acto aberrante terminará por dar verdadero sentido a su nueva existencia: la venganza. Liado con una muchacha también en plena huída (lo que propicia la inclusión de una historia de amor más bien poco satisfactoria) y montado en su Chevrolet por los servicios prestados, reclutará a un antiguo compañero de armas al que interpreta un joven y más que torvo Tommy Lee Jones y se sumergirá camino a un baño de sangre en la frontera, ese territorio a la vez físico y mítico para los americanos. Simbólico purgatorio repleto de horrores donde cualquier maldad es posible y en el que por igual se cometen los pecados y se expían las culpas, el “meridiano de sangre” en palabras de Cormac McCarthy, una mística largamente explorada por el cine (la reciente y espléndida “Los tres entierros de Melquíades Estrada” dirigida por el mismo Lee Jones, sin ir más lejos) , la literatura y la música norteamericana, unas veces desde la paranoia, otra desde la opción vital.

Flynn apura el naturalismo más rugoso, incorpora algunos apuntes interesante y malsanos sobre le fetichismo de los objetos (las armas artesanalmente preparadas, el uniforme, las gafas de aviador y por supuesto el garfio) y acepta influencias del Peckinpah de “Quiero la cabeza de Alfredo García” pero sin lirismo y también de los films de/con Bronson aunque con un sentido bien distinto, nada heroico o glorificador y más bien desesperado.

“Alguien ha escrito mi vida en una canción”

Best Seller

Año: 1987

País: Estados Unidos

110 min.

Fotografía: Fred Murphy

Música: Jay Ferguson

Guión: Larry Cohen

Reparto: James Woods, Brian Dennehy, Victoria Tennant, Allison Balson, Paul Shaenar

Un film con una premisa genial parcialmente malograda, obra por cierto del siempre interesante e imprevisible Larry Cohen, gloria menor del “fantastique” con unos cuantos títulos de culto en su haber, como “Q, la serpiente voladora”, “¡Está Vivo!” o “Demon”. El asunto a tratar es el proceso de identificación/amistad entre un cínico y gélido asesino a sueldo y un veterano policía ahora metido a exitoso escritor de novelas criminales a la búsqueda de un nuevo éxito. Éxito que el “hitman” le promete si le ayuda a hundir a un hombre de negocios para el que trabajaba y que le traicionó, lo que el policía no sabe es que su nuevo amigo ya le conocía de mucho antes. La turbia relación inicial, el permiso para mirar en sitios realmente oscuros, la sensación de impunidad ante el crimen, las dudas morales, la manipulación, etc… dará paso a una verdadera lealtad que utiliza y subvierte con inteligencia los estilemas de las muy en boga “buddy movies” que hicieron estragos desde mediados de los 80 a principios de los 90 contraponiendo caracteres antitéticos obligados a entenderse, títulos del tipo de la necia saga “Arma letal” o la nada desdeñable y casi fundacional “Límite 48 horas”, descontando otras como “Danko:calor rojo” o “Colegas a la fuerza” con el mismo James Woods instruyendo a Michael J. Fox.

Acoge además afortunadas influencias de la dramaturgia de David Mamet (diálogos cortantes de extraña cadencia musical, ética de los profesionales, engaños, luchas mentales….) y consigue resultar un “thriller” siempre seco y estilizado que se aparta de las corrientes estéticas reinantes (el imperio del manierismo publicitario destruyó la crudeza que había impuesto el policíaco de los 70 diluido entre esteticismo de pose y mucho haz de luz filtrado) a base de elegancia y sencillez formal. Que consigue dejar no pocos apuntes turbios cuando se enfoca con mayor decisión en la relación entre los protagonista, como el empeño de Woods en caer bien (su asesino demuestra ser un ególatra de cuidado y un “fan fatal” encantado de que un tipo al que admira escriba su vida y por ello no oculta ni mínimante su proceder), en ser aceptado como amigo que lelleva a presentarle a su familia o en sobreprotegerle enfermizamente.

Encima está soberbiamente interpretado por una gran pareja de actores que pocas veces han estado mejor, el perpetuamente desaprovechado Brian Dennehy luciendo falsa hosquedad y el gran James Woods más “cool” que nunca, que ya es decir. Por desgracia camina hacia terrenos un tanto formularios en su parte final y a Flynn le falta garra y acaba por desaprovechar o más bien no apurar del todo, el sugestivo argumento. Aun así merece ser redescubierto y está repleto de aciertos.

Todas as fotos estão sem tratamento digital

Sexta feira 13. Eu havia acabado de fotografar um evento e estava a caminho da casa de minha namorada. Parei num posto de gasolina onde fiquei por uns três minutos… Foi o suficiente para ver algo chocante.

Por volta de 21h30, eu estava trafegando pela Avenida Carlos Lindenberg tranquilamente, quando de repente ouço mais de uma dúzia de tiros e uma correria frenética em minha direção, principalmente das “meninas” que fazem vida as margens daquela avenida. Subi imediatamente à calçada e esperei para ver aonde iria me proteger.

Uns três segundos depois passa um Peugeot 307 em disparada, cantando pneu, tirando fininho nos carros e beirando o meio fio, mas, isso foi durante uns 100 metros apenas, até ele encontrar um poste e bater na lateral de um Fiat Tipo que ia no sentido contrário.

Pensei por três segundos: posso ir embora e ver depois o que aconteceu ou posso ficar e fotografar e descobrir agora o que aconteceu. Optei por ficar.

No Fiat Tipo havia uma mulher, um homem e duas crianças entre 4 e 6 anos. A mulher ficou em estado de choque e não parava de chorar, antes de começar a fotografar tentei acalmá-la… Em vão. Ela havia sofrido um pequeno corte no rosto. As crianças nada sofreram. Em seguida apareceu uma enfermeira que estava de passagem também. Com ela chegando fiquei livre para fotografar.

Havia ainda uma dúvida: quem estava dentro do carro? Bandido ou mocinho? Como juntou muita gente em poucos minutos, percebi que era o “mocinho”.

As fotos são estas:

Falaram para eu mandar estas fotos para jornais, mas com o preço que pagam por aqui, não vale o esforço. Fiz o registro apenas pelo fotojornalismo que corre nas minhas veias, gosto muito!

Ah, aqueles três minutos no posto de gasolina fizeram a diferença.

Só para constar: o motorista do 307 levou alguns tiros (dizem que 8/14), e obviamente na tentativa de se salvar perdeu o controle do carro e causou o acidente de trânsito. O Poste que ele bateu caiu no meio da avenida, mas felizmente não atingiu ninguém.

A matéria que foi publicada em relação a este ocorrido você lê aqui

Sds,

Ueliton Santos

Seus melhores amigos na guerra contra a sujeira.

Homenaje cinéfilo y escalofriante retrato patológico de similar profundidad y precisión que “El estrangulador de Boston”. Obra memorable e infravalorada. “El héroe anda suelto”. En esta ocasión el título en español supera en evocación y resonancia al lacónico “Targets” original, un poco como esa dimensión mítica que trae “Centauros del desierto” frente  a la sequedad del bautismal “The searchers”. Debut de Peter Bogdanovich y aun su mejor película, la obra cumbre de un director quemado por su propio ego y por el fulminante éxito de su cine en los 70, en los que encadenó otra obra mayor como “The last picture show”(1971), desolador “americana” de narrativa en duermevela y genuina verdad, con dos exitazos del calibre de “¿Qué me pasa, doctor?” (1972) y “Luna de papel”(1973) donde no cejaba en ahondar en su cinefilia fetichista a través de la relectura/recreación de géneros y épocas, una carrera tan rápida hacia arriba como hacia abajo, salpicada de títulos de cierto interés como su personal versión de “Casablanca” adaptando a Paul Theroux, “Saint Jack”(1979) o la divertida comedia teatral “¡Qué ruina de función”(1993).

Hasta su cine más reciente como “The cat’s meow” en 2001 (que no he visto aunque parece ser que no es nada despreciable, y que versa sobre el pionero Thomas H. Ince, su relación con la actriz y amante de William Randolph Hearst, Marion Davis y su extraña muerte en los inicios del sonoro) lleva las películas en el tuétano y eso por no mencionar su larga y jugosa obra literaria con estupendos libros de entrevistas con, Lang, Cukor… y en especial Orson Welles (descontando además su afortunada reconversión en actor de reparto, como su jugosa intervención en “Los Soprano” como psiquiatra de la psiquiatra), pero en ninguna de un modo superior a esta “Targets” en la que el cine no solo es el marco temático o la excusa melancólica o la reverencia fetichista, sino que es materia de reflexión autoconsciente y casi una verdadera religión sobre la que recae el poder incluso de detener al mal. Donde además, no solo no se cae en el vanguardismo esteril o la pose fatua sino que se mantiene la tensión ejemplar de la serie-b a la que pertenece sin coartadas.

Bogdanovich plantea un complejo y perfectamente resuelto juego de espejos y (auto) referencias que supera tanto lo sentimental como lo cerebral para plantear las historias paralelas de una veterana gloria del terror personificada por un soberbio Boris Karloff haciendo de si mismo (y despidiéndose del cine de paso, imposible una manera mejor) que decide retirarse tras el que será el estreno de su nueva película barata (que es a la vez, esta que vemos y la que será proyectada al final, “El terror” que Corman firmó pero que dirigieron entre otros Monte Hellman y Coppola) a las ordenes de un joven director que lo idolatra y que no es otro que el mismo Bogdanovich  y de un ex-combatiente de Corea, un tipo corriente al que presta su perfecta tipología americana el desconocido actor televisivo Tim O´Kelly que no pierde su sonrisa de buen chico a lo Norman Rockwell ni cometiendo las mayores atrocidades. El muchacho ejemplar que un día decide matar a toda su familia y luego subirse a un silo y disparar indiscriminadamente contra los coches, filmado todo ello con un estilo frío, indiferente y una violencia estremecedora en su arbitrariedad, presidido desde su misma presentación por una sensación incomodísima, la de ver algo raro y no poder cambiarlo, una otredad logranda a través de una planificación que trasmite el estado alterado del personaje su extrañamiento, su no-pertenencia. La escena del asesinato de su esposa y suegros resulta espeluznante y el corolario de todo este dispositivo, simplemente ocurre y la cámara permanece impasible obligando a mirar la perfección de sus encuadres, la pulcritud alienígena de la muerte.(a partir del minuto 04:44)

Tras esto la escalada continua y Bogdanovich hace avanzar en paralelo ambas líneas, bandeando entre el horror y la cotidianeidad, finalmente confluentes en un autocine donde Karloff estrena su despedida y el psycho-killer actuará de nuevo. El resultado es un duelo entre el monstruo real y el ficticio pero también entre las formas de terror nuevas y las clásicas (la manera en las que están rodadas las acciones del francotirador y la forma envolvente el la que se recoge el célebre monólogo de la fábula sobre la muerte que cuenta el viejo actor) , entre el rifle y el rostro (no en vano la imponente figura de Karloff se proyecta sobre el asesino desde la pantalla), entre la crudeza y la sugerencia que de este modo no solo enfrenta/confronta dos “realidades” sino dos concepciones de la ficción y en la que Boris Karloff  mostrará su poder fascinador (ni bajo su punto de mira será capaz de matarle, no es hombre, es un mito) y el encanto del cine convirtiéndose en el último héroe (im)posible, saliendo literalmente de la pantalla.

El héroe anda suelto (Targets)

Director: Peter Bogdanovich

Año: 1968

País: Estados Unidos

90 min.

Fotografía: László Kovács

Música: Ronald Stein

Guión: Peter Bogdanovich

Reparto: Boris Karloff, Tim O’Kelly, Peter Bogdanovich, Tanya Morgan

Hoje foi dia de tiros de 400m. Foram oito e fiz de 1,57min a 2min em cada um. Foi um pouco difícil. Além de sentir que a minha respiração não era suficiente, eu estava com fome. Sei que não se deve treinar sem comer, mas eu saí de casa na correria e esqueci de levar minhas barrinhas.

Conversei com a Ana sobre a São Silvestre. Ela me disse que, por ser jornalista, eu posso pegar uma credencial e largar antes. Isso me livra de ser atropelada pelo pelotão geral.

Fiquei imaginando a hora da largada, com toda aquela gente. Nossa, inexplicável. Só vivenciando mesmo para sentir.

Mas, antes da São Silvestre, vou fazer uma prova no próximo domingo. Serão 10km, partindo do Pacaembú, no Circuito de Corridas da Caixa 2009. Arrecadei dois parceiros, o Beto e o Rod.

Por isso, amanhã vou tentar, novamente, fechar os 6km do gradil do Ibirapuera. Mas não será só uma volta, como semana passada. Serão duas. É o desafio da semana!

Isso para me preparar para o gran finale de ano, que é a São Silvestre!

“Cabalga con el diablo” pasó sin pena ni gloria en su día, obviada por completo o despachada como un exótico/fallido “western” revisionista-romántico con una miopía alarmante que terminó por dejarla en ese limbo que acoge entre bostezos tantas y tantas películas recientes que no se acogieron a lo acomodaticio o a los modismos estéticos o que simplemente planteaban un cine adulto. Pero a estas alturas de la carrera de un director tan estimulante y fiable como Ang Lee, que se mueve sin perder sus coordenadas más originales entre géneros y estilos con asombrosa comodidad, este título no solo merece una revisión sino que aparece como uno de sus mejores trabajos pese a ser desde luego, un film algo tocado por una estructura demasiado episódica que provoca un cierto desequilibrio interno pero que de ningún modo merece el olvido y se erige como una pieza con verdadera personalidad.

El resultado del esfuerzo de Lee es un western historicista sobre las milicias de irregulares en Missouri durante la guerra de Secesión (a las que por cierto había pertenecido la banda James/Younger) y los enfrentamientos en la frontera con Kansas (de hay también el sobrenombre de “border ruffians” que se ganaron), que de modo bastante comprensible no pareció gustar a casi nadie. Principalmente por su extraño ritmo interno y su decidida falta de maniqueísmo, repartiendo por igual a unos y otros hasta acabar, razonablemente, siendo la historia de dos inadaptados, un joven de origen alemán y un negro que lucha con el Sur que terminarán por quedarse a la deriva (fenomenalmente explicitado en toda la parte final presidida por el lirismo paisajístico y un calma cotidiana que hasta el momento se les había negado, en ese sentido es ejemplar el corte de pelo de Maguire como despedida a toda una época de su vida) cuando las verdadera razón de su guerra desaparezca. Y es que esta no es otra que, no tanto la amistad, que también, como sobre la lealtad asumida como compromiso vital. Jake Roedel se alista a las órdenes del duro Black John siguiendo a su mejor amigo Jack Bull Chilles después de que los “jayhawkers” (las milicias nordistas) maten a su padre y arrasen su granja (una lealtad que se extenderá incluso post-mortem, ya que Roedel se hará cargo de Sue Lee Shelley y del hijo que engendró con Skeet Ulrich) y por su parte Daniel Holt sigue solo a su amigo y prácticamente hermano George Clyde (un estupendo Simon Baker mucho antes de “El mentalista”) comprado por su familia tras ser su  madre vendida  siedo esclava de unos vecinos arruinados ya que ambos se habían criado juntos, existiendo de este modo una relación intima y tierna  imposible de ser explicitada en público.Muy bien interpretada por un grupo de actores conjuntado y sin alardes, destacan eso sí, la economía expresiva de Tobey Maguire, el poso de Jeffrey Wright y un Jonathan Rhys-Meyers escalofriante como el pálido asesino natural Pitt Mackeson, que se la tiene jurada a Roedel y al que Lee recupera en la espléndida última secuencia completamente ido y decrépito. Con diálogos magníficos (ese “-Mujer, he matado quince hombres” con el que Maguire responde altivo a su torpeza ante Jewell en la casi forzada noche de bodas), estupendamente ambientada, con toques tan peculiares, y que ayudan a la nada decorativista autenticidad del conjunto, como la incongruente y atildada elegancia de los “bushwhackers” y sus cuidadas melenas y coloridas camisas herencia de una vida pasada en contraste con la rudeza de su estado actual. Unido a una sabia valoración del hermoso paisaje (con un uso naturalista del color y encuadres de los hombres descansando sobre los caballos o a galope y planos generales de las formaciones o las figuras en el paisaje que no pueden menos que recordar a las magistrales obras de los paisajistas americanos  con Frederic Remington a la cabeza) y los cambios de las estaciones como elemento dramático por antonomasia del western y rematada por una banda sonora fuera de serie cortesía de Mychael Danna privilegiando el banjo, el violín y la melodía tradicional, al igual que la película enérgica y melancólica a partes iguales.

Combina con acierto lo contemplativo con lo activo en un tempo dramático quizás descompensado pero singular y está rematadamente bien rodada, con limpieza, elegancia y claridad (la contundente escaramuza primera resulta ejemplar, comenzada con un vibrante tiroteo y continuada por una huida por el bosque en loca cabalgada, no se asusta ante la violencia gráfica y el detalle verista, la mandíbula descuajaringada es buen ejemplo) que no desdeña ni la violencia ni la extrañeza como bien demuestra el célebre “raid” sobre Lawrence, Kansas, en la mañana del 21 de Agosto de 1863 a las órdenes del legendario Quantrill (que contaba nada menos que con 26 años) visualizado y narrado de un modo absurdamente sereno, la calma en el ojo del huracán con los dos protagonistas paseándose y desayunando tranquilamente (un elección no solo estética sino también dramática al simbolizar que ambos están pero ya no pertenecen, son “outsiders” entre los “outsiders”) mientras todos los hombres son sacados de su casa y negocios o ejecutados allí donde se encuentren.Una gran película que desborda humanismo (el uso de las cartas que guarda Maguire robadas a un soldado de la unión y que lee regularmente para sentir algo de genuino calor) y que pese a su dramatismo y reflexión no olvida ni el humor ni el amor en una bella historia que no nace de la pasión  sino de la necesidad y la comprensión y que aporta una verdadera paz nacida para perdurar. Lo que también puede ayudar a entender el fracaso crematístico del invento, la audacia de plantear algo así  en pleno Hollywood, tan lejano del folletín inflamado“bigger than life” como del  asexuadamente fantasioso romanticismo  adolescente.Ang Lee vuelve así a reflexionar sobre América prorrogando coherentemente la estupenda “La tormenta de hielo”, no solo en este componente histórico sino, y sobre todo, su agudeza, su falta de complacencia y un entendimiento profundo mezcla de fascinación y distancia, de cariño y dureza que se extiende aquí a traveés de una nada engolado discurso sobre el fin de unos tiempos y de unos hombres que como bien dice el personaje de Zach Grenier cuando acoge en su casa a los huidos, pelean por algo que ya no existe.

Cabalga con el diablo (Ride with the devil)

Director: Ang Lee

Año: 1999

País: Estados Unidos

139 min.

Fotografía: Frederick Elmes

Música: Mychael Danna

Guión: James Schamus según la novela de Daniel Woodrell “Woe to live on”, 1987

Reparto: Tobey Maguire, Jewell, Skeet Ulrich, Jeffrey Wright, Simon Baker, Jonathan Rhys-Meyers, Jim Caviezel, Tom Wilkinson, Margo Martindale, Jonathan Brandis,Zach Grenier, Mark Ruffalo

Why can’t I be loved as what I am
A wolf among wolves, and not as a man
Among men

Bonnie Prince Billy

CSPortable es un juego de PSP que se asemeja mucho al conocido juego de computadoras; Counter Strike.

El estilo de juego es muy parecido al del computador, los controles en el PSP son faciles de usar y las graficas son muy parecidas al del videojuego.
El juego contiene varios escenarios muy  diferentes y un modo Ad Hoc para jugar contra otros adversarios.

Depois das placas de tradução com os nomes dos bairros cariocas o Lista 10 nos trás as placas de trânsito que vão nos orientar nas ruas do Rio.

Si tienes un PSP y quisieras jugar los juegos del Nintendo 64 ya esta por la red un emulador llamado “Daedalus 64″ para el mencionado PSP que podras instalar sin inconvenientes.

Para la instalacion debes hacer lo siguiente:

• Descargar el archivo del emulador
• Descomprimir el archivo del emulador
• Copiar la carpeta de “Daedalus” y pegar en la carpeta game del PSP
• Listo, ya podras correr el emulador de 64 en el PSP

Enlace: Descargar “Daedalus”
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Pack de Roms de N64 Muy Bueno.

Este Pack Contiene:

AllStars
Banjo Kazooie
Batman Forever
Blue Brothers 2000
Bomberman Hero
Bugs Bunny
Bust A Move 99
Hattrick
Jungle Book
Jurasic Park
Lethal Weapons
Life
Mario64
Mario Kart 64
Mario Party
Mario Party 3
MicroMachines
NBA99
Pokemon Stadium
Rampage
Rampage2
Snowboard 2
Starfox 64
Super Smash Bros
Zelda Majora Mask
Zelda Ocarina of Tima

Descarga: http://www.megaupload.com/?d=EHHFUBB3

Parece cena de filme, mas é a vida real.

Um internauta colocou no YouTube imagens impressionantes do assalto ao Citibank que ocorreu ontem de manhã, na avenida Faria Lima, zona oeste de São Paulo. De cima do prédio onde ocorria a ação da polícia, é possível ver o exato momento em que a PM entra em confronto com os bandidos e ouvir o barulho de diversos tiros.

Segundo a Polícia Militar do Estado de São Paulo, pelo menos quatro homens armados entraram na agência do Citibank. A ação dos criminosos acabou interrompida pela PM e dois suspeitos acabaram presos.

Via Bombou na Web.

por Gabriel Pernambuco

Nós fomos os primeiros a falar sobre o acontecido. A Rede Globo foi a segunda. Independetemente, vale a pena conferir e entender um pouco mais sobre o tiroteio ocorrido esta manhã, 04/11, no Mackenzie. Estejamos atentos. O Pedro Piva fez muito bem em citar a matéria da Salseiro a respeito da violência nos arredores da Universidade. A Polícia deu atençao especial e rondou fortemente o local.

Se você, leitor do Jornal O Jornal, esteve lá e presenciou algo contribua aqui com um breve relato do que viu, ou apenas com um comentário sobre o ocorrido. Não hesite em fazê-lo.  Nosso espaço interativo está aqui exatamente para isso. É todo de vocês. 

Paz, saúde e segurança para todos nós!

Um forte abraço!

Testeado en PSP Slim 4.01 M33-2
Incluye idioma español.
Peso 234MB

Infogrames ha convertido a los gusanos de carnaza en unos cerdos de tomo y lomo, los ha pasado a las tres dimensiones, ha creado unos escenarios interesantes en 3D y les ha dotado de unas aniquiladoras armas. Solo faltaba inventarse una historia y que alguien se pusiera a los mandos de esta locura para PSX. Porkilandia se revuelve en si misma y los cerdos luchan a través de los distintos países que forman el llamativo continente en forma de marrano: Cabeza de cerdo, Isla de la Bazofia o Astralia son solo algunos de los sugerentes países en los que tendremos que luchar por nuestra libertad…

Unir con 7zip y meter la carpeta entera (incluido la carpeta) en la carpeta GAME de la PSP:
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2 – http://www.megaupload.com/?d=JGBKP06Y
3 – http://www.megaupload.com/?d=RK2CBLN9

7zip:
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Nombre: Dino Crisis 2
Plataforma: PSP
Jugadores: 1
Tamaño: 350 Mb
Formato: EBOOT.PBP
Idioma: Ingles

El archivo consta de 4 Partes, los links son intercambiables:

Una vez descargado el archivo extraer a la carpeta GAME del PSP

X:\PSP\GAME

Part 1

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Part 2

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Part 3

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Part 4

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por  Pedro Piva

Hoje, por volta das 10 horas da manhã, entre a entrada do prédio Reverendo Wilson, na rua Piauí e o bar Camaleão a violencia da região deu a caras novamente. O fato está sendo comentado por todos e o Jornal O Jornal é quem trará para voce as informações mais quentes e apuração completa.

O que se sabe, por hora, é que um homem armado e uma mulher trocavam agressões em frente ao prédio de comunicação. Durante a briga o homem disparou 2 ou 3 vezes, nenhum dos tiros atingiu a mulher porém segundo os alunos que estavam no local uma pessoa foi atingido por um estilhaço na perna. A mulher que se defendia contra o homem armado levou uma coronhada na região da cabeça e já foi atendida bem como a outra vítima. Ambos devem estar a caminho do hospital. O homem armado conseguiu escapar.

Nós do Jornal O Jornal já haviamos alertado para a questão da violencia na região da faculdade quando comentamos a matéria da revista digital Salseiro, “Mackenzistas em Perigo”. Matéria essa que revela o alarmante dado de 342% de aumento nos indices de violencia da região. Nossa reportagem já apurou esses dados e conversou com as DP’s responsáveis, o resultado dessa apuração e o que diz a polícia quanto este assunto voce acompanha na edição 03# semana que vem e, até lá, aqui no blog. Aguardem por novas notícias ainda hoje!

Veja aqui, matéria do site G1 sobre o assunto.

“The wild one forever”, Tom Petty and The Heartbreakers

Enemigos públicos (Public Enemies)

Director: Michael Mann

Año: 2009

País: Estados Unidos

140 min.

Fotografía: Dante Spinotti

Música: Elliot Goldenthal

Guión: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman según el libro de  Bryan Burrough “Public Enemies: America’s Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-43″

Reparto: Jonnhy Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Billy Crudup, Jason Clarke, Stephen Lang, Stephen Dorff, David Wenham, Rory Cochrane, Stephen Graham, Giovanni Ribisi, John Ortiz, Branca Katic, James Russo.

Viendo ahora un film como “Enemigos públicos” se entiende el frustrado empeño de Mann en llevar al cine ese “El aviador” que Scorsese adaptó (de forma harto irregular) a su particular ciclo sobre la construcción de América. La vida legendaria de Howard Hughes hubiera ofrecido un marco referencial tan apropiado como el que brinda la del propio John Dillinger, relecturas ambas sobre la historia, el mito y el propio imaginario del cine.

Mann emplea el revisionismo “gangsteril” (esto no es cine negro, es una reconstrucción del género como lo son a su modo las estupendas “L.A. Confidential”, “Chinatown” o “Mama sangrienta” de ahí los diálogos lapidarios “hard boiled”, la gestualidad de los intérpretes, esa muy interesante meditación sobre el imaginario del “noir” e incluso la casi metaficcional relación con la fama que establece el protagonista) y la utilización icónica de esa especie de realeza americana que fueron los últimos “outlaws”, para proponer una tesis cinematográfica renovadora al visualizar el cine de época con hiperrealistas texturas digitales, articulando a través de la imagen un discurso sobre la contraposición entre pasado y modernidad que se extiende a la misma dramaturgia del film.

Así Dillinger es el criminal antiguo (notas estéticas o sonoras, a las que no es ajena la poderosa “Ten million slaves” de Otis Taylor, le señalan incluso como reminiscencia de los forajidos del “western” a su vez convertidos en mitología popular e igualmente barridos por la llegada de la modernidad) contrapuesto al “gangster” nuevo hecho cuerpo sindicado. La figura pública, el bandido con código que cruza plomo en bancos y carreteras vs. la nueva clase de ladrones discretos (Dillinger dice en un momento que Nitti parece un barbero) de metodología capitalista ejemplarizada por ese boyante negocio de apuesta que da dinero a chorros sin moverse de un teléfono. Enfrentado también a un naciente concepto policial tecnológico (esa escucha o los métodos de rastreo) y revolucionario alumbrado para combatir a los delincuentes que saltaban de estado a estado usando la frontera como barrera y refugio. Aun más, su perseguidor Melvin Purvis es perfilado al igual que Dillinger como un profesional honorable, un honor que irá perdiendo en una amargura progresiva perfectamente expresada por un Bale todo contención  (que no es gratuitamente presentado “cazando” a “Pretty Boy” Floyd y también acompañado de los compases iniciales de la canción de Taylor) y los veteranos de Texas a los que recluta ante la incompetencia de los jóvenes reclutas (grupo que en no pocos aspectos forman un escuadra que guiña un ojo a “Los Intocables” televisivos) son la ley del ayer, los hombres duros tras los hombres duros, colocados de la misma manera frente a la ley de hoy (literalmente como bien desliza Mann) que representa un repulsivo J. Edgar Hoover (magnífico Crudup como siempre personificando sin ningún parecido físico a una de las más siniestras y ambiguas figuras de América) y la necesidad de resultados sea como sea (de ahí la nausea en Purvis) que incluye entre su método de actuación la publicidad como arma popular (al igual que Dillinger, por cierto), las detenciones injustificadas y los interrogatorios sin cortapisas.

Este es el punto de mayor interés de una película por otra parte desequilibrada e imperfecta, la dialéctica que se establece a todos los niveles entre tradición y modernidad naciendo muy cinematográficamente del cuerpo fílmico y filtrándose al tuétano de la historia.Aparte de esto “Enemigos públicos” cuenta aciertos y errores casi por igual, soberbiamente rodada, excepto algún feo ralentí y el horriblemente resuelto clímax final groseramente subrayado y que encima rompe con el estilo visual del resto del film con una escena muy bien planteada y tensa en su preparación (incluido el requiebro cinéfilo un tanto obvio) pero resuelta equivocadamente que pretende dar un impresión de “eternización” de la leyenda, de tiempo detenido pero que aparece como un pegote esteticista. Ejemplarmente planificada en sus largas secuencias de acción, especialmente la asombrosa refriega nocturna con los fogonazos iluminando y las armas atronando rematada con un brevemente sostenido silencio que hace pitar los oídos. Con una perfecta selección de característicos (los “teléfilos”, en afortunado neologismo de Juan Cueto disfrutaremos reconociendo algún rostro de la monumental “The Wire” por ejemplo) que colaboran con sus físicos retro a dar veracidad al conjunto, por otra parte pendiente de una recreación ambiental un pelín demasiado lujosa y repulida para la época en que se desarrolla (recordar aquí la magnífica “Dillinger” de Milius y su genuina impronta rural) y plagada de escenas magníficas como esa en la que la platea completa de un cine mira a derecha e izquierda siguiendo las instrucciones de la voz del noticiario mientras Depp permanece impasible e iluminado desde arriba por una enorme lámpara. Pero también excesivamente alargada, superficial en el diseño de personajes (la poca relevancia de los miembros de la banda o una historia de amor falta de la necesaria intensidad incendiaria) y en el mismo drama, nuevamente recordar el tono líricamente “fordiano”, la humanidad elegiaca que desprendía simplemente el rostro de Warren Oates en el film de John Milius, auténtico canto al fin de una época y de unos hombres. Fatalmente autoconvencida de su propia importancia en el tercio final (que incluye la ridícula escena de la captura de Billie Frechette, nuevamente mal ejecutada y bien poco creíble con ese Dillinger en mitad de un enjambre de polis y curiosos, empuñando una pistola y sin que nadie repare en el) y en ocasionalmente más engolada de la cuenta, sumado a una duración desmesurada y a cierta sensación de refrito de “Heat” (que ya sería el tercero contando con el nada despreciable telefilm “Corrupción el Los Ángeles” que fue el origen de esta). Con todo un film apreciable y otro ejemplo de Mann como cineasta arriesgado y riguroso que acomete una auténtica experimentación sin por ello renunciar a convivir dentro del cine comercial.

Uno de los mejores FPS de para el iPhone acaba de bajar de precio y se queda en 3.99€. Si después de este terrible lunes de resaca tienes ganas de disparar sin parar a tu alrededor y hacer explotar casas y coches, no dudes en bajarte este juego. A parte de hacerte soltar adenalina, también es bueno.

La sombra aplastante de Leone ha ocultado demasiados directores talentosos que parecen no tener mayor mérito que la explotación vergonzante de los talentos del maestro pero una mirada más desprejuiciada o menos miope hace aparecer una enorme cantidad de tonos y colores diferentes, un puñado de directores que amén de otorgar su verdadera naturaleza al “eurowestern” construyendo verdaderamente el género con sus aportaciones revelan no pocos casos de auténticas personalidades y talentos genuinos. Entre ellos (gente como Corbucci, Sollima, Questi, Margheriti, Castelari, Lenzi…) siento especial debilidad por el heterodoxo talento de Tonino Valerii, curiosamente el que quizás más halla tenido que soportar el sobrepeso creador de Leone y eso pese a que su estilo es sin duda el menos influenciado, siendo un director mucho más interesado por el periodo clásico americano y que cuenta en su haber con una obra mayor, no ya del “spaghetti-western” sino del western en general como es “El día de la ira” una de las más agudas reflexiones sobre la violencia, el poder, el desencanto y la construcción de la personalidad que jamás halla alumbrado el género. Descontando otros acercamientos como la notable y muy original “La muerte de un presidente” con Gemma investigando nada menos que un magnicidio inspirado en el de Kennedy, una pieza revolucionaria (y de comandos) como “Una razón para vivir y una para morir” y por supuesto esta, “Mi nombre es ninguno” el film en el que Leone empuja a Valerii fuera de cuadro pese a que la dialéctica entre clasicismo y modernidad sea puramente “valeriiana” (tensión presente incluso en su único y estimulante “giallo” “Sumario sangriento de la pequeña Stefania”) y que la elegancia a de los mejores momentos de su realización refiera claramente al cine previo del director y no a la mucho más enfática y estilizada (y mucho más poderoso también) impronta de Sergio Leone. Aun así esto no implica no reconocer la labor del director romano como “gestador” del proyecto e incluso como casi co-director (la dilatación temporal de algunas escenas y cierta parsimonia interna llevan su marca) sino un intento de otorgar a Valerii (e incluso a ese extraordinario guionista y una de las personalidades en la sombra de la edad dorada del cine popular europeo que fue Ernesto Gastaldi) lo que en puridad le pertenece de este extraño “SW” profundamente cinéfilo, que reflexiona abiertamente sobre el fetichismo de la imagen a través la metatextualidad post-moderna.La anécdota argumental es mínima: un otoñal pistolero deseoso de retirarse es perseguido por un admirador que desea convertirlo definitivamente en leyenda (y para ello, para transcender el héroe debe obligatoriamente morir, aunque sea de mentirijillas y escenificado e inmortalizado ante la cámara) en este interesantísimo y muy elaborado en todos sus aspectos aunque parcialmente fallido “eurowestern” de carácter casi experimental en su decidido intento de reflexionar sobre el cine, el género y la ficción desde dentro de la misma y sobre el proceso de construcción los mitos populares sin olvidar ni la diversión, ni la aventura, ni la autoironía.

Confrontación/emparejamiento de dos estilos contrapuestos y finalmente complementarios, el western clásico y el nuevo “spaghetti bufo” popularizado por la saga “Tinidad”, que en sus mejores momentos resulta literalmente dos películas/estilos en una. Con las partes protagonizadas por Fonda filmadas e interpretadas con un modo estilizado y elegíaco de suma elegancia, mientras los momentos con Hill son rodados con las maneras impuestas por “spaghetti” del momento (uso de cámara rápida, “zooms” a mansalva, sonoras bofetadas, comicidad chusca,etc…) y en las que comparten ambos los estilos compiten por imponerse tratando el “presente” de infiltrarse en el “pasado” siendo así el desastrado Terence Hill el que trata de dirigir la trama desde dentro de la propia película. Su personaje (representa) viene desde el futuro del género para dinamitar y reducir el pasado del mismo a lo esencial, el mito. No en vano su personaje es “ninguno” (nombre de resonancias incluso mitológicas, recordar que así o en su variante “Nemo” se hacía llamar Ulises cuando vencía con engaños al cíclope Polifemo al que nadie/ninguno podía matar) ya que en realidad no pertenece a esta película sino a otro tiempo.

Muy bien interpretada por ambos actores que saben mantener sus registros (y “looks”) opuestos permanentemente comprendiendo la disonancia que el invento pretende transmitir. Rodada poniendo sobre la mesa una gama de recursos visuales riquísima (a juego con su patrimonio conceptual)  que abarca de lo sofisticado a lo burdo, pero en la que por desgracia la (sana) ambición y la dificultad de la operación hacen que el artefacto chirríe y no siempre funcione pesando unas partes sobre otras, ser a la vez una cosa y su parodia resulta demasiado dificultoso (lo mismo ocurre con los “Piratas” de Polanski por ejemplo). Con todo destaca por su originalidad e inteligencia, por su decidida densidad de ideas oculta bajo las disonancias y desde luego merece ser revisada y examinada, además Morricone firma una de sus mejores bandas sonoras, que ya es decir.

Mi nombre es ninguno (Il mio nomme è Nessuno)

Director: Tonino Valerii

Año: 1973

País: Italia/Francia/Alemania

130 min.

Fotografía: Giuseppe Ruzzolini

Música: Ennio Morricone

Guión: Ernesto Gastaldi

Reparto: Henry Fonda, Terence Hill, Jean Martin, Piero Lulli, Mario Brega