Pour ce dimanche, un peu de musique. J’ai en stock des proto-billets musicaux, mais c’est un peu hardcore. Et le dimanche, j’ai besoin de douceur, pas vous?

Il se trouve qu’avec les turbulences récentes, j’avais perdu le fil d’un blog sans même m’en aperçevoir. Hier soir, j’ai voulu combler mon retard… et voilà-t-y pas que je tombe sur le message de blogger: “Le blog que vous cherchez est introuvable.” Ça alors! Une petite recherche plus tard, j’avais trouvé la nouvelle adresse du blog: San Pasquale Entertainment.

C’est un blog incroyable en matière de funk, jazz, hip hop et autres choses diverses. Fermé par blogger, ils ont perdu une bonne année de billets. Ils recommencent, et en fanfare, comme il se doit pour un blog de diffusion musicale.
Dans la bonne vingtaine de billets nouveaux, la présentation de la dernière sortie de la série “Inspiration information“. Une série incroyable.

Et l’habituelle petite vidéo interview-bande d’annonce:

On peut en entendre plus en passant chez San Pasquale Ent. au billet en question.

Pour mémoire, Inspiration information, c’est la série qui avait réuni Mulatu Astake et The Heliocentrics, ce qui n’était pas rien:

[en demandant poliment à la mule, ça devrait se trouver...]

Mais, Inspiration information, c’est aussi la rencontre entre Amp Fiddler et le duo Sly & Robbie, dont je n’ai pas trouvé de vidéo satisfaisante… Aussi, j’ai mis le premier morceau du disque à disposition ICI [idem pour ce qui est de la mule...]. (En passant, si quelqu’un sait m’expliquer comment je peux insérer un fichier mp3 pour qu’il soit lisible, un lecteur mp3 quoi, c’est bien volontiers, merci d’avance…).

Bon, ben bon dimanche à tous!

Die Inspiration Information – Reihe von Strut Records geht in die vierte Runde. Dieses Mal trifft der finnische Musiker Jimi Tenor auf Tony Allen, den legendären Drummer von Fela Kuti’s Band Africa 70.
In der kommenden Soul Unlimited Sendung am 29. November wird es ein Afrobeat Special geben und in diesem Rahmen werde ich euch dieses Album ausführlich vorstellen.
Zur Einstimmung gibt es hier ein Interview mit den beiden beteiligten Musikern

My friends at Stereo Subversion asked if I might write a few words about the state of jazz in 2009, and I was more than happy to oblige. You can read my essay on the subject here.

Great little video of Jimi Tenor and Tony Allen talking about their collabo.

I like the sound of this.

Belated H/T: Steve Coplan

Father of Afrobeat. Tony Allen. An entire genre doesn’t exist without this cat. He’s that heavy. Fela Kuti is half the international icon he was – and still is – sans Tony Allen behind the kit. And Tony’s still playing. Still displacing The One, still circling those long, looping phrases again steady funk guitar scratch, connecting the dots between James Brown, Lagos and New Orleans.

Here’s prime recent Tony Allen with Chicago’s Hypnotic Brass Ensemble at Cargo in London, broadcast on Red Bull Music Academy Radio [click on "Play Show" middle left of the page to launch music player].

Then check out Tony break down the basics of afrobeat on kick-snare-hat. Forward about 02:14:00 into the video. Slippery little paradiddle combos that launched a movement.

J’ai rencontré Tony Allen, un des pères de l’afrobeat à Paris à l’occasion de la sortie de son nouvel album «Secret Agent». Je l’ai revu au Festival Factory en octobre. Un concert dont le final fut mémorable : une longue jam avec le virtuose des claviers RV (Hervé Salters) et son combo rock-funk-jazz General Elektriks. Un moment d’anthologie qui n’existe pas sur le net pour l’instant. En attendant, voici une autre vidéo live de Tony Allen et mon interview réalisée pour Radio Paradiso, écoutable ici. Il y parle de son nouvel album, mais aussi de sa vision actuelle du Nigéria, de son approche musicale. Il se remémore également ses débuts avec Fela ainsi que comment l’afrobeat fut créé! Bonne écoute.

A signaler encore son concert en Suisse. Ce sera le 28 novembre au Temple du Bas de Neuchâtel.

Tony Allen may not be a star, but he is a legend. In a career that spans five decades, the Nigerian-born drummer has quietly, without a flash of ego or a hint of anything self-serving, pioneered: As a sideman for the great Fela Kuti, he essentially created Afrobeat, and his influence looms large even today. If you’ve never heard his name before, well, that might have something to do with his tendency to work with more charismatic musicians like Kuti and Damon Albarn, while Allen himself prefers to sit in the background, behind his drum kit, and work one monster groove after another.

Jimi Tenor, on the other hand… well, where to begin? The Finnish musician, performance artist, and provocateur has made a name for himself based on his keen affinity for kitsch, his avant-techno compositions, his excursions into acid jazz, and his general weirdness. There’s nothing conventional about the man, and it’s hard to imagine him ever accepting a place in the background like Allen does; he may not be a star, but he does things his way, and there’s no one else like him.

Fitting somewhere between these two legacies– and greatly enhancing both of them– is the fourth volume in Strut Records’ Inspiration, Information series. If you’re not following this series, you’re missing some of the most open-ended and forward-thinking music being made today. The series– which takes two artists who have never met before, throws them in a room together, and allows collaboration and improvisation to happen like magic– started off somewhat tentatively but really took flight in early 2009 with the dynamite psychadelic-jazz fusion of Ethiopian master Mulatu Astatke and British troupe the Heliocentrics. But the fourth installment is the series’ best by a mile: Seriously funky and wonderfully weird, #4 summons all of Tenor’s most outlandish qualities and anchors them to Allen’s rocksteady drumming.

The result? A defiantly odd but joyfully fun record that’s pitched somewhere between the conservatory and the dancefloor, experimentation and raw funk, the highbrow and the profane. This is music where a stirring moral treatise is followed by a darkly comedic sex fantasia, where Afrobeat drumming provides the foundation for disco synthesisers and Ron Burgundy-style jazz flute. Tenor tinkers with anything he can get his hands on– vintage keyboards and synths, flutes, sax, skittering hand percussion– while Allen simply drums the hell out of things.

What’s remarkable about this recording is how seamlessly the two personalities integrate, how deftly Tenor’s restless imagination merges with Allen’s funk. Every song here is an experiment, a different sort of side street or dark alley than the one that preceded it, yet every one sounds like it was made for the dancehall.

The set’s opener is a killer, stuttering funk track in which Allen’s circular drumming props up a James Brown horn line. It’s got a sly melody and a killer bass vamp that makes it difficult to sit through, but what knocks it out of the park is the black humor in the rap by vocalist Allonymous, who turns in a winking ode to kinky sex on the dancefloor. The mood of this one is revisited in “The Darker Side of Night,” where Tenor himself sings of sexual pleasure in a way that somehow seems more menacing than seductive, but the flute solo, straight out of 70s-era acid jazz, sweetens the deal.

Cultures clash on a pair of more Afro-centric tracks, but even here, the sound is one of collaboration; there aren’t Allen cuts and Tenor cuts, for it is impossible to imagine any of these songs coming into being without both musicians present. “Sinuwe” is electric blues melded with African drumming and more of those funky horns. A chorus chants lyrics in Nigerian while Tenor tinkers with what sounds like a toy piano and then old analog synths, and Allen lays down a seriously smoldering groove. “Got My Egusi Fix,” meanwhile, is a bilingual track, though it could almost pass for a more traditional Afrobeat number were it not for the jazzy horn section.

Things get topical on a pair of cuts. Allonymous shows up again for a spoken word piece on “Path to Wisdom,” which briefly invokes President Obama before launching into musings on truth and morality in the postmodern age– but it’s not nearly as stuffy as it sounds; thanks to the funky backbeat, the song is a blast, and the words themselves are inspiring rather than overly esoteric or sermonizing. Later, in “Mama England,” gutter poetry and social activism meet in a lowbrow sexual metaphor that lampoons British immigration policy.

But this isn’t an album about politics, or sex, or anything else outside of pure, spontaneous creativity. Each of its nine tracks is a wonder, one that takes some time to wrap your head around but no time at all to get up and start dancing to. My favorite cut? I’d lean toward the slinky reggae of “Selfish Gene,” a wicked-cool ramblin’ song with a mean organ vamp, but I could just as easily point to the thirteen-minute closing epic, “Three Continents” a free-flowing suite that travels the globe without ever leaving the club. Come to think of it, that might be the best way to summarize this sensational recording– this is music that reaches high and far without losing its footing, an album of big ideas but even bigger grooves. It’s a knockout from top to bottom, and it’s almost as fascinating as it is fun.

The Good, The Bad & The Queen é o mais recente projeto de Damon Albarn, vocalista do Gorillaz e ex-vocalista do Blur. Completam a banda Paul Sinomon, ex-baixista do The Clash, Simon Torg, do Verve e Tony Allen, baterista do Afrobeat.

I dag, fredag 6. november, spiller afrofunkhelten Tony Allen på Oslo World Music Festival. Her er min anbefaling av hans Homecooking-album.

Tony Allen
Homecooking
Comet/VME 2002
4/6

Tony Allen er ingen smågutt. Han var trommeslager i Africa ‘70, ensemblet til afrobeatlegenden Fela Kuti, og har i ettertid fått mye ære for sin rolle som ryggrad og dirigent i bandet.

Da Allen hoppet av Africa ‘70 erstattet Kuti ham med hele fire trommeslagere, og gjennom 1980-tallet og 1990-tallet slapp Allen enkelte soloplater og spilte ellers mye i world music-hovedstaden Paris. Med Homecooking vender Allen seg i større grad mot Storbritannia, og albumet er produsert av hiphoperne Unsung Heroes, og har med gjestestjerner som rapperen Ty og Damon Albarn fra Blur. Og albumet ender opp som en stilig hjemmemiddag; god mat og hyggelige gjester – selv om noen av rettene lukter svidd og de storslåtte gastronomiske opplevelsene uteblir.

På sitt beste klarer Allen å surfe på de siste års afrobeatbølge og samtidig oppdatere lyd- og rytmemønsteret. Selv om Ty til tider er vel imponert over å jobbe med Allen og «namechecker» ham i overkant, flyter han fint over Allens komplekse rytmemønstre. Og det koker bra når Allen hiver seg ut i reinspikka afrobeat, som i «Kindness» og «Crazy Afrobeat».

Men samtidig har deler av albumet dette noe r&b-og jazzfunkglatte preget afrikanske musikere gjerne får etter for lang tid i selskap med europeiske produsenter. Noe som fortsatt gjør platene til Fela Kuti og Africa ‘70 til en helt annen fest enn dette.

A primer from coma randome in kensington.

Culled from samples of a glass armonica, daxophones, gravokord, sea organ, stalacpipe, violimba, and gongs.

I dag går startskuddet for Oslo World Music Festival, men visste du at begrepet “world music” ble unnfanget i 1987? Samlesekken er ubrukelig som sjanger, men ypperlig som PR-triks.

[Oppdatert: Dagsavisen har intervjuet Nick Gold, en av opphavsmennene til world music-begrepet. Artig! - Ja, jeg var der. Og jeg beklager!, sier Gold.]

«Noe man har funnet på for å tjene penger», lyder den algeriske raï-stjernen Khaleds fnysende dom over begrepet «world music», men han er selv vant til å stille opp på slike festivaler. Søndag 8. november spiller han på Oslo World Music Festival, som startet under navnet Verden i Norden i 1994.

Som vanlig viser årets program igjen hvorfor begrepet world music er så problematisk. For hva har Khaled felles med den nigerianske afrofunk-trommisen Tony Allen eller brasilianske Gilberto Gil? Bortsett fra at de ikke er fra «Vesten»?  Og hva med de spanske sjangersurferne Ojos de Brujo?

Samtidig skal vi være takknemlige for at en gjeng engelske bransjefolk en junikveld i 1987 samlet seg på London-puben Empress of Russia for å diskutere hvordan de kunne markedsføre musikk fra andre verdenshjørner. Resultatet av møtet var bruken av begrepet Khaled misliker.

Paul Simons 1985-album Graceland skapte en voldsom interesse for afrikansk popmusikk, men i platebutikkenes hyller forsvant artister som King Sunny Ade og Bhundu Boys mellom ABBA og David Bowie. Etterspørselen var der, men musikken manglet et samlende begrep.

Forslag som «worldbeat», «roots» og «ethnic» ble ifølge The Guardian forkastet, før grupperingen gikk for «world music» – som ble solgt inn til platebutikkene via en kampanje som kostet 3500 pund fordelt på 11 plateselskaper.

Kampanjen ble raskt en gedigen PR-suksess. Bivirkningen var designet world music, påkostede og pretensiøse album skrudd sammen av afrikanske råvarer, franske produsenter og krydder fra Peter Gabriels Real World-studio. «World music» ble en coffee table-sjanger for den europeiske middelklassen, mens popmusikken i Afrika, Asia og Latin-Amerika utviklet seg videre – sterkt påvirket av hiphop, r&b, techno og boyband-pop.

Det er derfor viktig å huske at «world music» sier mer om geografi enn musikalsk innhold, og heldigvis gjenspeiler det varierte programmet på Oslo World Music Festival nettopp dette. God festival!

(Opprinnelig publisert i Aftenposten, men oppdatert til 2009 uten store problemer.)

Bonus: Intervju med den norsk-ivorianske gitaristen César Bolly.

FOTO: WWW.MYSPACE.COM/CESARBOLLY

- “World music” er et utbrukt begrep. Det generaliserer all ikke-vestlig musikk og plasserer det på museum, mener musiker César Bolly.

Når César Bolly fra Elfenbenskysten forteller at han er musiker, tror ni av ti nordmenn han spiller trommer. Nå er gitaristen lei av nordmenns uvitenhet om musikk fra Afrika, Asia og Latin-Amerika.

Ghetto
– Samlebegrepet “world music” plasserer ikke-vestlig musikk i én ghetto, det signaliserer laber interesse for musikk fra andre verdensdeler.

Bolly er lei av å måtte forkle musikken sin bak merkelapper som “world”, “etnisk” og “latin jazz med afrorytmer” for å selge. Det César Bolly Band spiller er en moderne variant av musikkformen aloukou fra Elfenbenskysten.

– Afrika er akkurat som Europa, det er like meningsløst å snakke om europeisk musikk, som det er å snakke om afrikansk musikk. Afrika rommer alt fra aloukou, raï og reggae til hiphop og pop.

– Blant annet Rikskonsertene ser på den tredje verden som et musikalsk museum, mens utviklingen i virkeligheten går i rasende fart.

Bolly understreker at han ikke er forarget på nordmenn, men skulle nok ønske vi var litt mer nysgjerrige.

– Sjekk ut ting, da jeg kom til Norge ante jeg ingen ting om norsk musikk. Men i dag elsker jeg både Geirr Tveitt, Edvard Grieg og Jan Garbarek.

Ikke gammeldags
Tom Gravli i Rikskonsertene tilbakeviser en del av kritikken fra César Bolly.

– Rikskonsertene prioriterer moderne musikk, og er ikke gammeldags. World music rommer nettopp ny musikk som popbølgen fra Afrika. Jeg er enig i at “afrikansk musikk” er en båssetting som kan virke unyansert, men averterer vi med “aloukou” vet ikke folk hva det er for noe.

Rikskonsertene prioriterer heller ikke gammeldags musikk, ifølge Gravli.

– Av de tiltakene vi støtter er det snarere en overvekt av moderne musikk, men i skolekonsertsystemet er det få afrikanske popmusikere.

(Opprinnelig publisert i Osloposten.)

Ayer fue un día “raro”, musicalmente hablando. Todo empezó escuchando algunas canciones del nuevo disco de Baaba Maal. A partir de ahí, fue cogiendo cuerpo esta recopilación que os dejo hoy en esta entrada. Aunque creo que tiene coherencia musical, es una mezcla de ritmos brasileños, jamaicanos, africanos, jazz, soul, pop y, sobre todo, mucha fusión de estilos (la versión soul-funk que hace Manito de Na Baixa Do Sapateiro es impagable). Sé que no es la típica recopilación que suelo dejar en el blog, pero merece la pena escucharla.

Haz clic para descargar las canciones y la carátula de la recopilación

Haciendo clic en la imagen os podéis descargar “Home Is Where The Heart Is“, que incluye canciones de Badi Assad, Caetano Veloso, Les Rita Mitsouko, Tony Allen, Manito, David Byrne, The Very Best, Horace Andy, Paul Simon, Rodrigo y Gabriela, David McAlmont & Michael Nyman, Nina Simone, Bettye Lavette, Cesaria Evora, Baaba Maal, Salif Keita, Roberto Silva, Beth Carvalho & Zelia Duncan, Maria Bethânia y Cassandra Wilson.

AQUÍ tenéis el listado de canciones que he incluido.

P.D.: La foto la hice en Harlem, en marzo de este año.

Vous chantiez durant l’été ? Et pourquoi ne pas danser maintenant avec “Ijo“, un titre de l’album Secret Agent, interprété à La Cigale par le batteur légendaire de l’afrobeat Tony Allen et ses musiciens (more here http://www.tonyallenafrobea… )

Mente - Cat

More field recordings from Chris Watson, things like the sea, beetles and whales coming up for air.

New joints from Tony Allen & Jimi Tenor, (now that’s a collaboration outta this universe); Lee ‘Scratch’ Perry doing Black Sabbath, then bass-line warped by Pempi, soon to come on On-U Sound; a couple joints from the Nueva Cumbia album compiled by Sonido Martines for /rupture’s Soot label; Mungo’s HiFi with Earl 16 remixed by LD.

Not new but fresh still, Grantby (where are you?); Stina Nordestam getting the Techno Animal treatment, and nuff more.

• Chris Watson – Lioness threatening…(Touch)
• Tony Allen & Jimi Tenor – Sinuhe (Strut)
• Elsa – Sonido Martines Remix (Soot)
• Fauna – Piratas del Zanjo (Soot)
• Chris Watson – Deathwatch Beetle (Touch)
• Mungo’s Hi Fi – International Roots featuring Earl 16 – LD Remix (Dub Police)
• Positive Mind (Studio Rockers)
• Salvador Dali – Talks about Paranoia
• Mike Slott – Cadeting (Rush Hour)
• Yoggyone – Preparation (Electrons Libres)
• Flying Rhythms – Typhoon
• Grantby – Timber (Cup of Tea)
• Heliocentrics featuring Vast Aire – Sirius B. (Now Again)
• Joker – Untitled RSN (Tectonic)
• Lee ‘Scratch’ Perry – Iron Man Dub – Pempi Remix (On-U Sound)
• Stina Nordestam – People are strange – Techno Animal Remix (eastwest)
• Chris Watson – 10m (Touch 7″)
• Chris Watson – Southern Right Whale (Touch)

Ear Conditioning is ‘earable at Sunhole, Tuesday 22h00, (repeated weekdays mornings at 11h00)

Mente – Cat by Jesus de Miguel

why hello new friends!

BAGARRE -(1982)—–

WHAT! BOB SEGER! (1968)I nevah knew ye—BUT WOWZA—

*click here for side note on that one

MY NEW FAVORITE–TONY ALLEN—(year?)—awesome

happiest communications harmonium transformium unicorn stompindancemagic to ye on this tuesellday!!

A thing of beauty.

Ok. Let us hack away at probable minutes for the starters and reserves to see if we can make some sense out of this. We’ll also assume that this is how the first couple of months SHOULD shape up if all goes according to plan (read: no one gets hurt). The importance of Doc playing regulator with the minutes is beyond explanation: we have aging legs that need to be kept in check during the regular season in order to ensure rest for the long haul of the playoffs.

Every minute that a bench player is on the floor is an additional minute of rest for our veteran starters. Not only do we give the reserves a chance to develop more and build fluid cohesion in their play, but we prevent the fatal compression of minutes by our starters in the middle of games. Additional minutes saved now will reward us with allowable minutes for the postseason.

This could get confusing, but I’m pretty sure this is the best way of looking at where minutes can go:

• 48 shared minutes at point guard
• 48 shared minutes at off guard
• 48 shared minutes at small forward
• 96 shared minutes at the 4/5 spots (easier to combine these positions)

At the point guard position:

• Rondo gets 40 of the 48 minutes (Rondo is ready for this kind of mileage)
• TA/Scal gets 8 of the 48 minutes (TA/Scal won’t play PG, but they’ll get the 8 leftover minutes and be on the floor)

At the shooting guard position:

• Ray gets 34 of the 48 minutes (Would Ray’s minutes increase IF he is healthy and the front office has no intentions of re-signing him?)
• Eddie gets 14 of the 48 minutes (Eddie could see more minutes if he takes some of the PG reserve minutes)

The new additions.

At the small forward position:

• Pierce gets 32 of the 48 minutes (would love to even see him at 30 minutes per game and thus giving Quisy an additional 2 minutes)
• Quisy gets 16 of the 48 minutes (even though Quisy will be playing the 3 spot, we know he’ll be handling the ball)

At the 4/5 positions:

• Perk gets 32 of the 96 minutes (this could be more than he’ll really get; I could see his PT being in the 30 minute range, which would afford a couple of extra minutes for Sheed and Baby)
• KG gets 26 of the 96 minutes (26 seems reasonable: just more than half the game; but if games are out of reach or a blowout, and it’s clear what the outcome will be, I’d love to see his time reduced earlier on)
• Sheed gets 19 of the 96 minutes (would love to see him get more minutes, but where do the minutes come from?)
• Baby gets 19 of the 96 minutes (would love to see him also get more minutes, but again, where do the minutes come from?)

I don’t see JR/Billy seeing many minutes unless we have players in foul trouble or there are injuries.
Lester and Shelden shouldn’t see much of anything unless there are injuries (they won’t make the active 12-man roster if everyone is healthy).

Ok. Crazy things to think about. We have the flexibility to put a freakishly awesome mix of starters and reserves on the floor. Let’s think about line up potentials:

Consistent starters:

• Rondo, Ray, Pierce, KG, Perk

Consistent 2nd unit:

• Quisy (playing 3, handling the ball), TA/Scal, 3ddi3, Baby, Sheed

Mix of starters and reserves (middle of the 2nd quarter, end of the 3rd quarter, start of the 4th quarter, etc.):

• Rondo, Ray, Quisy, Baby, Perk
• Quisy, Ray, Pierce, KG, Sheed
• Rondo, Pierce, Quisy, KG, Sheed
• Quisy, 3ddi3, Pierce, Baby, Sheed
• Rondo, Pierce, KG, Sheed, Perk

Oh my god. My head is spinning. Is yours?

What are we seeing here? An UNBELIEVABLE mix of units on the floor at any given time. I am crying for Doc to mix up playeres in games to make matchup nightmares for opposing teams. We have the possibility to make other teams weep in their uniforms in the middle of the floor after coming out of a huddle. The five guys on the floor can go from speedy athletic (Rondo, Ray, Quisy, KG, Sheed), to powerhouse strong (Quisy, Ray, Pierce, Sheed, Perk), to a hybrid of each (Rondo, Quisy, Pierce, KG, Sheed).

The minutes matter. The minutes matter. The minutes matter. I’ll say it again: the minutes freakin’ matter! With these many lineup possibilities, we can prevent over-use and allow guys to rest. I’m envisioning a free-flowing bench that gets comfortable playing with any mix of starters on the floor. Am I crazy in thinking this? Hopefully not.

1… 2… 3… Ubuntu.

Ubuntu. All up in ya face.

Une fois par semaine je reçois le recap’ des videos de mes abonnements sur Youtube. Comme vous, j’imagine. Je n’ai pas toujours le temps de m’y plonger et parfois je zappe. Mais aujourd’hui c’était day off au chagrin et je m’étais mis en sevrage (relatif) de l’actu du monde qui va mal. Du coup, me suis plongé dans les trucs musicaux mis en ligne. Et en ai gardé quelques uns aussi divers que variés.

On commence avec de l’imparable et le  Secret Agent de Tony Allen (addiction garantie):

Totalement différents mais cultissimes, les Flamin’ Groovies. Particularité de ce Slow Death, les images ont été tournées au Marquee en 1972 et le son est celui d’une démo de 71 :

Highway Star, Deep Purple, qu’ajouter de plus ?

On se lance dans le bizarre avec ce clip étonnant de Insides par Jon Hopkins basé sur une session live à Londres. Tiendrez-vous jusqu’à la fin ? Moi oui

Un peu de Garage avec une version de plus du mythique Louie Louie par The Rainbows (en pyjamas rayés)

Enfin – et toujours dans la catégorie euhhh, bein laquelle au fait ? -, pour les sceptiques qui croient qu’on y chante que du bel canto et produit que de la dance, du rock italien avec I Kings et Trovare un altro, un truc 60’s inconnu au bataillon dans cette vidéo où on parle aussi allemand:

Et si je m’aperçois que ce genre de zik-à-vrac amuse le lecteur, et bien il y en aura peut être d’autres

Tony Allen

Pezner – ‘ Unknown’ (Test)
Simioni and Flip – ‘Exterminate’ (White)
Joy Orbison – ‘Wet Look’ (Test)
Zed Bias – ‘Neighbourhood’ (El B Remix) (Locked On)
Favourite Flava – ‘Love’ (Ubeat)
Superstar Quamallah – ‘88 Soul’ (Brick and Cotter)
DJ Day – ‘Can You Feel Me’ (White)
Cameo – ‘You’re a Winner’ (Polygram)
Joe Bataan – ‘Ordinary Guy’ (Epic)
Skeletons – ‘Positive Force’ (Impossible Ark/Tru Thoughts)
Gnonnas Pedro et Ses Panchos – ‘Okpo Videa Bassouo‘ (Analog Africa)
Barros De Landana – ‘Tambi Rosa’ (White)
Tony Allen Interview
Tony Allen – ‘Crazy Afrobeat’ (Comet)
Art Blakey – ‘Moanin’ (Blue Note)
Roy Ayers – ‘Desination Motherland’ (Universal Records)
Roy Ayres – ‘Africa Centre Of The World’ (Universal Records)
Sebastien Tellier – ‘La Ritournel’ (Lucky Number)
Blur – ‘Music Is My Radar’ (Food)
The Good The Bad The Queen – ‘Northern Whale’ (Parlophone)
Tony Allen – ‘Progress’ (Strut)
Tony Allen – ‘Ijo’ (Wrasse Records)
Zap Mamma – ‘Africa Diamond’ (Heads Up)
Samooo – ‘Message From Yo Mamma’ (Gamm)
Patchworks – ‘Speed Kills/Sparkle’ (White)
Jordi Sabates – ‘Allegro Ma Non Presto (Edigsa)
Chapelier Fou – ‘Darling Darling Darling’ (Ici d’ailleurs)
Emanative – ‘Space In Veda’ (Futuristica)
Carmen Lundy – ‘I Know Why The Caged Bird Sings’ (Afrasia Productions)
Carlos Nino/Jay Dee – ‘Fall In Love’ (Neel D Edit)
DJ Dez – ‘Freedom’ (Test)
Keaver & Brause – ‘Awake’ (Dealmaker)

discogs.com

hotfile.com

Conhecida como “O canto do pássaro de Wassoulou“, sua terra natal, Oumou Sangaré contabiliza 20 anos de carreira como compositora, percussionista, produtora, arranjadora e, sobretudo, cantora. Ingressa aos 16 anos no grupo de percussão Djoliba onde conhece o maestro Amadou Ba Guindo, com quem grava seu primeiro álbum, Moussoulou (“mulher” em wasulu, dialeto local). Sua canções são fortemente marcadas pela música local, cujas letras geralmente manifestam um forte teor político e de defesa dos direitos da mulher. Foi Ali Farka Touré quem trouxe Sangaré para a Europa e possibilitou a ela que assinasse um contrato com um grande selo aos 21 anos. Depois, vieram Ko Sira (1993) e Worotan (1996), além da coletânea Oumou, de 2004. Seya é seu quarto álbum de estúdio. (B.O.)

* # *

Até bem pouco tempo, bastava o músico africano migrar para a Europa e adquirir um tanto de sucesso para abrir mão da sonoridade nativa. Nas décadas de 60 e 70 esse fenômeno se inclinava mais para o crossover, gerando nomes como Geraldo Pino e Fela Kuti e gêneros musicais como o highlife. Mas durante a década de 80 e 90 a coisa desandou com a massiva utilização dos sintetizadores digitais e drum machines que praticamente nasciam para a música popular. Utilizados da pior forma possível por artistas que variam de David Bowie a Djavan, os sintetizadores serviram a uma gama de músicos africanos como meio de tornar sua sonoridade mais palatável para o europeu. Nem preciso notar que na década presente este panorama não só mudou, como foi potencializado por um fenômeno em curso: a reboque da popularização do P2P houve o consequente enriquecimento do gosto e o alargamento do espectro de adesão musical do público das grandes cidades. Isto ocasionou a aceitação da beleza imperfeita dos cantos semi-tonados, da percussão pesada e colorida, das harmonizações caóticas, dentre outras características da música africana (e isto de um modo geral, tanto a leste como a oeste). Assim, nomes como Konono n. 1, Group Doueh e Omar Souleyman, que pouco ou nada possuem em relação a música do ocidente, se projetaram e adquiriram status de grandes artistas sem abrir mão de sua sonoridade. Neste contexto, a cantora, compositora e instrumentista Oumou Sangaré se afigura como uma artista especial. De saída, posso dizer que é uma das cantoras que mais me encantam na atualidade pelo modo incisivo e multifacetado com que utiliza sua voz. Mas o que impressiona e é digno de nota acima de tudo remete a sua concepção musical. Sangaré surgiu na década de 90 fazendo uma música radicalmente calcada nas sonoridades malinesas, na contramão das adaptações adocicadas de Franco, King Sunny Adé, entre outros. Por ironia, seu primeiro álbum vendeu 200 mil cópias na África, tornando-se um sucesso sem precedentes, justamente pelo aspecto musical simultaneamente rústico e sofisticado impresso pela cantora.

Seya é uma surpresa justamente porque em pleno fim de década, Sangaré aposta de forma incisiva no crossover, criando faixas onde a percussão, preponderante nos álbuns anteriores, passa a dividir o espaço com teclados, bateria, baixo e todos os elementos comuns a instrumentação pop/rock européia e americana. O que resulta daí é, ao mesmo tempo, tão rico em detalhes e tão bem executado que dificilmente se poderá argumentar que Sangaré se “adaptou”, pelo contrário. Seya apresenta uma concepção musical que sintetiza com personalidade as características da música tradicional de sua terra natal, Wassoulou, com o afrobeat e o soul, se valendo de forma eficaz e inspirada da instrumentação e dos arranjos. Flautas, teclados e guitarras se misturam a kalimbas e karignans formando um todo coerente, sem que se amenizem os compassos compostos, semelhantes ao do jongo carioca, e a aspereza das vozes. Algumas vezes observa-se batidas funky, como na faixa de abertura “Soun Soumba”, que conta com Will Calhoun, mas ainda assim insinuam-se as modulações características das síncopes malinesas. As canções também apresentam um aspecto miscigenado, ora lembrando bastante a forma de chamada-e-resposta da música de Wassoulou, ora adquirindo nuances de soul music, como na terceira faixa, a climática “Kounadya”. No magistral afrobeat “Wele Wele Wintou” percebe-se bem a habilidade sintética do trabalho de Oumou, haja visto grupos recentes que tentaram emular sem sucesso a batida inigualável criada por Tony Allen, que a propósito toca no álbum. E será assim até o final: na atípica guitarra distorcida de “Senkele te Sira”, nos efeitos e nas percussões de “Djigui”, no suingue sincopado da faixa título, nas orquestrações fake de “Iyo Djeli”, etc.

Sangaré é, assim como Toumani Diabaté e Amadou et Mariam, representante “oficial”, por assim dizer, da música de Mali. Mas é curioso que o boom malinês, que talvez tenha se iniciado com Mali Music, a colaboração beneficente entre Damon Albarn e músicos do calibre de Diabaté, é revestido de um cuidado para com certas sonoridades, certas inflexões comuns da música malinesa, sem que isso se dê como um exercício purista de preservação cultural ou algo que o valha. Cabe ressaltar a vivacidade desta música por conta justamente das peculiaridades musicais da pequena cidade de Wassoulou que se mantém altivas e poderosas mesmo sob a influência do público europeu. Resta porém comentar a beleza da voz de Sangaré, que resplandece por sobre a música que ela mesma compõe, arranja e produz (juntamente com Cheick Tidiane Seck e o produtor do Orchestra Baobab, Nick Gold). A respeito dela, noto duas características: a economia nos floreios e gorjeios de modo a não artificializar demais a interpretação; a inteligência de se cantar e compor com voz e cabeça próprias, e não com a intenção de agradar um público mal acostumado. Fica, portanto, não somente um excelente disco para se ouvir a qualquer hora, como também uma boa dica para essa enxurrada pretensiosa e sem sal de “cantoras ecléticas” que assola nosso Brasil brasileiro. (Bernardo Oliveira)

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Como não amar Oumou Sangaré? Ouvindo sua voz e observando o sorriso que ela exibe na capa de Seya, afloram duas imagens aproximativas, confesso, um pouco tolas, mas fazer o quê? A primeira é a sambista cheia de jogo de cintura, vinda certamente do suingue com que ela utiliza sua voz, intervindo de forma cortante, por vezes quase uma fala estilizada, imponente tanto no timbre quanto na colocação. A segunda é a mãe italiana, em toda sua generosidade e expansividade. Uma expansividade não de ação – ao contrário, Sangaré é econômica, sabe utilizar muito bem a contenção como forma de energizar seu canto –, mas de sentimento. É uma voz de notável clareza e limpidez na forma como se expressa, transmitindo muita personalidade e, mais que isso, um arroubo de graça natural. Sua voz em Seya se expressa de forma tão direta e desenvolta que parece tratar-se de uma expressão livre, como que tomada ao vivo, gravada direto no take 1, tão necessária e desprendida quanto o correr de um rio. Como D. Ivone Lara, Billie Holiday ou Clementina de Jesus, é uma voz que se impõe como que sem esforço, caudalosa e sem precauções ou intenções escondidas. É a dádiva das grandes cantoras: bastam algumas poucas notas e sabemos imediatamente o que ela está sentindo, o gesto vindo à frente da estratégia. A naturalidade é tamanha que a gente acha até que não há estratégia.

Mas uma voz, sozinha, não basta. É preciso que ela interaja com os outros elementos, e nisso Seya também dá grandes provas de sabedoria. Oumou Sangaré não tem a soberba de sobredeterminar sua voz em relação aos instrumentos e ao coro; sabe que o trabalho de seus músicos não é “acompanhamento”. Se Seya é um disco resplandecente, boa parte disso se deve ao fato de que a mixagem coloca tudo em pé de igualdade (ou seja, não enterra o ritmo no fundo), criando uma intensa organicidade entre os polirritmos da percussão, os instrumentos melódicos, as intervenções do coro feminino – fiéis à tradição de chamado e resposta – e a voz da cantora. É claro que a voz de Sangaré é a protagonista do disco, mas ela não se contenta em reinar sozinha. Muito pelo contrário, ela pede à música que dê o máximo de si e se aproveita do trabalho dos instrumentos para criar dinâmicas entre seu canto e o pulso rítmico das composições.

Por fim, é preciso chamar a atenção para a diversidade das faixas. Seya é um trunfo de fluidez, e muito disso se dá porque as faixas não se parecem. Como Kala, da M.I.A., cada faixa tem sua atmosfera própria, as variações de andamento, composição e instrumentação fazendo surgir a cada momento uma faceta nova a explorar. O único senão é o pouco poder de pregnância das composições: ouvimos, nos emocionamos, deliramos mesmo, mas assim que deixamos de ouvir não temos muito a reter e a reproduzir mentalmente. Mas isso é apenas um detalhe diante da beleza radiante que Seya nos oferece para deleitar. (Ruy Gardnier)

Hay… Viernes 25

Hoy ya no hay margen de maniobra, y la cosa empieza a estar apretada; porqué si no bastaba con el cartel del BAM, hoy hay que sumar Ezra Furman en La[2] y Cycle, Mehdi y Ellos en Razz. Con muchos sacrificios este sería nuestro itinerario, en el utópico caso de que fueramos inmunes al cansancio de ir en metro arriba y abajo y con poderes de teletransportación. Napoleón Solo, grupo de Eric de Los Planetas a las 21.30h en Pl. Reial, Pájaro Sunrise para cenar tranquilos en la Pl. del Rei a las 22.45h y al terminar, de nuevo a Pl. Reial para ver el final de Patrick Wolf y The Go! Team, o ir a Ravalear con Dj Shantel;  hasta que nos cansemos para lanzar la moneda al aire y elegir; Ezra Furman y los Harpoons en La 2 o el afrobeat de Tony Allen en el Portal de La Pau, pero la cosa sigue con Instiuto Mexicano del Sonido y si alguien sigue en pie Subway en el Fórum y nos quedamos allí o hacia el Razz con Mehdi. T10 en mano y muchos ánimos. Horarios.

WOMAD, or World of Music, Arts and Dance, concert at the Tower of London Festival was the third and final concert Michael and I attended last weekend. I booked the tickets after we already had a quite packed weekend, but I was sure Michael would enjoy some kind of detour from the classical music of the previous two days.

This concert was in a different style to the previous two. First of all it was a longer affair, starting at around 4:30 and ending at around 10pm. It was also much more relaxed…unlike for the Classical Extravaganza concert, seating was removed from the flat part of the venue and covered with sheeting, producing a picnic-like relaxed area. People were also encouraged to take along a picnic…and so we did! Michael prepared burgers for us to take with us from some minced beef we had a home, while we also took along humus, water biscuits, biscuits (which we didn’t end up eating), wine (VERY vile…but Michael liked it so drank it ) and hot chocolate in the thermos flask Michael’s parents gave me for Christmas.

So there we were…sitting, eating and being entertained . The music was good (though it seems like Michael and I didn’t always appreciate the same acts to the same extent) and the atmosphere was good . The line-up was:

4.45-5.15pm: Siyaya (Zimbabwe)
5.45-6.15pm: Abdullah Chhadeh & Syriana (Syria)
6.45-7.15pm: Justin Adams and Juldeh Camara (UK/Gambia)
7.45-8.30pm Tony Allen (Nigeria)
9.00-10.15pm The Bays/Heritage (UK)

Michael had already heard Tony Allen playing in Prague so he wanted to hear again. However, we left before the last act…we were getting tired and we needed to get home (not an easy task …especially since we came across youths celebrating the end of Ramadan, which ended up with our bus taking ages to get through). Reading up about the last act now however I am slightly disappointed we didn’t stay for them O:)…I think I would have enjoyed them! But oh well…will have to hear them out another time