En China el año nuevo o lunar se celebra tiempo después de lo que acostumbramos en “occidente”. Su designación “lunar” alude a que coincide con “la segunda luna nueva tras el solsticio del invierno boreal” . Por ejemplo nuestro agonizante 2009 es el año 4707 según el calendario chino e inició el 26 de enero (según Wikipedia). Es mucho más sencillo imaginar que el “año nuevo lunar” representa el inicio de la primavera. Y como nada más representativo de la primavera que el florecimiento, esa imagen -la del árbol en flor- inicia y finaliza una película que acabo de ver. Como imaginarán es “Chinese Odyssey 2002″ que fue estrenada hace siete años coincidiendo con el año nuevo chino. El productor es Wong Kar Wai, por segunda vez en mancuerna con el polifacético Jeffrey Lau (el director). Los protagonistas son Tony Leung, Faye Wong, Zhao Wei y Cheng Chan. Podríamos decir que se trata de una comedia “romántico-absurdo-melodramática” en la que la combinación precisa de esos tres elementos convence precisamente porque Lau y los suyos le faltan al respeto a cosas muy serias del cine chino contemporáneo. Sin ir lejos a la obra del mismísimo Wong Kar Wai (sus diálogos dolorosísimos en “Chungking Express” [1994] y el ambiente tipo “In The Mood For Love”  [2000] con todo y los protagonistas) y a una parte sustancial del cine Wuxia como ”Crouching Tiger, Hidden Dragon” (“Tigre y Dragón”, 2000)”.

El árbol que florece

Quizá pueda ayudar a entender de que va esta “Una Historia de amor en China” (el desafortunado título en español) si pensamos en una canción de Airport Girl llamada “The Foolishness That We Create Through Love Is The Closest We Come To Greatness” que no menciono por un arrebato súbito de euforia preadolescente sino pensando en lo que dice Orhan Pamuk en “Me llamo Rojo“:

“¿Es el amor el que vuelve estúpidas a las personas o es que sólo los estúpidos se enamoran?”

(puesto que nada más estúpido que el pop y sobre esa otra estupidez un himno…de estúpidos)

La película de Lau no atina a respondernos la pregunta de Pamuk. Sobretodo porque se ocupa de cupidos travestidos, peinados afro, inverosímiles coreografías de artes marciales, patos laqueados, duraznos en flor, estúpidos, estúpidas, toneladas de tensión sexual a lo “Ranma y 1/2“, el expresivo rostro de Zhao Wei, pruebas de amor que resultan terriblemente mal y amores a prueba de todo que no lo son tanto así.

Nuestra ciencia, nuestro descreimiento de todo e incluso nuestro cinismo nos preparan para aborrecer el virulento discurso de “Chinese...”. Y todo va bien hasta que llega la escena del durazno en flor. Y ahí -en el ocaso de la farsa- descubrimos que, sin embargo, (la cosa) se mueve.

El éxito de la película “Ip Man” protagonizada por Donnie Yen ha revitalizado el cine de artes marciales en Hong Kong, y con la segunda parte a punto de llegar, la moda del maestro de Bruce Lee va a la alza.

Se ha anunciado que se está preparando una serie de televisión sobre la infancia y juventud de Ip Man (con Yuen Biao como su maestro) y Wong Kar Wai quiere su pedazo del pastel. Kar Wai anunció hace mucho este proyecto, pero no se había puesto en marcha hasta ahora.

Esta claro que con este director no vamos a ver nada parecido a la épica película de Donnie Yen, y yo personalmente tengo miedo de qué pueda salir de todo esto. En cuanto a su protagonistas, pocas novedades, siendo Wong Kar Wai, es obvio que el protagonista será Tony Leung. También se ha anunciado la participación de Zhang Ziyi y Zhao Benshan.

Una de las sorpresas de la película nos viene de unos rumores que anuncian que es la película que ha escogido Brigitte Lin (La Novia del Cabello Blanco) para volver a la gran pantalla. Y por esto, ya valdría la pena la película.

El equipo se reunió en Kaiping en Guangdong para hacer la ceremonia de comienzo de rodaje. El rodaje empezará el 12 de Diciembre y acabará el 18 de Abril (aunque siendo Wong Kar Wai, esto nunca se sabe, podría retrasarse años.) ( A todo esto ¿qué habrá hecho para convencer a Tony Leung de aparecer en otra película suya? Después de 2046 los protagonistas dijeron que no volverían a trabajar con él…). En fin, la película se llamará “The Great Master“  (一代宗师)

por Luiz Alexandre

John Woo já tinha se reinventado em Hong Kong e seus filmes já haviam virado referência e contribuíram para a criação do gênero conhecido como “Heroic Bloodshed” (algo como “Sangria Heróica”), envolvendo um homem ou mais empunhando pistolas e enfrentando os inimigos mais desonrados da China. O tipo de cinema que o Chang Che fazia na década de 70, seus honrados espadachins que iam até o limite pelo que acreditavam, muitas vezes perdendo suas vidas, ganhou uma nova abordagem: eles passaram a usar pistolas, roupas elegantes, eram homens das ruas, solitários, anacrônicos, capazes de derrubar cem homens armadas até os dentes com muita desenvoltura, caso isso fosse necessário.

Depois de tantos trabalhos envolvendo membros da tríade, Woo começava a ser criticado por, veja só, glorificar essas organizações. Foi então que decidiu fazer um filme novo com uma pequena mudança: em vez do pistoleiro ser um homem ligado a uma organização criminosa, dessa vez o protagonista seria um policial. Contando novamente com o astro que ajudou a criar, Chow Yun Fat, dessa vez o homem de ação é o Inspetor “Tequila” Yuen, um sujeito durão e corajoso que quando não está trocando tiros e caçando criminosos toca saxofone em um bar de Jazz. Ele investiga as ações de um chefe criminoso chamado Johnny Wong (interpretado pelo xará Anthony Wong) que está contrabandeando armas. Em sua busca por justiça conhecerá o enigmático Tony, feito pelo também xará Tony Leung Chiu Wai, que já havia trabalhado com Woo em Bala na Cabeça. Tony na verdade é um policial infiltrado na gangue de Wong, cujo único contato na polícia é o Superintendente Pang (Philip Chan, que na vida real também é um oficial de polícia), que também é chefe de Tequila. Depois de uns estranhamentos iniciais, envolvendo até mesmo a namorada de Tequila, os dois decicem unir suas forças contra o cruel Wong, investindo todo o seu poder de fogo e, porque não, “cavalice” contra os tríades.

Não vou enrolar muito, o filme é simplesmente fantástico. As cenas de ação, com “lutas de pistola” tão bem coreografadas quanto um filme dos Venoms, que se fazem representados pelo magnífico personagem de Philip Kwok, o pistoleiro de um olho só, Mad Dog, que trabalha para Wong e uma curta participação de Lo Meng.

Aliás, Kwok, um velho conhecido dos fãs de Kung Fu Old School, exala carisma e virilidade com seu personagem. Assim como Tequila e Tony, Mad Dog é um homem com habilidades muito acima da de um homem comum, que apesar de trabalhar com um dos indivíduos mais perversos de Hong Kong, não suja suas mãos com sangue inocente. È o velho “bandido com senso moral” que mesmo velhos cineastas como Howard Hawks gostavam de trabalhar, e aqui Woo não fez feio.

Mas o destaque vai pra parceria entre o esquentado Tequila e o sofrido Tony, O primeiro ganha nossa simpatia pelo seu jeito “fuck you” todo especial de ser, pela maneira desajeitada com que tenta voltar com sua namorada, os ciúmes que sente com as flores que recebe (na verdade um artifício de Tony para mandar pistas para a polícia nos cartões que acompanham as flores), sem contar sua incrível habilidade de encarar milhões de inimigos sozinho. Além do nome fantástico, o personagem deve ter sido feito do mesmo material que indivíduos como Paul Kersey, John Matrix e Dirty Harry Calahan, ou seja, um sujeito durão até o osso como os bons da velha escola.

Já Tony, também um exímio guerreiro, sofre com o fato de ser obrigado a se passar por um bandido, tendo que trair a confiança daqueles que ama, como o Sr. Hoi (o falecido Hoi Shan Kwan) que sempre o acolheu como um filho. A cena em que ele mata o velho tríade para conquistar a confiança de Wong. Aliás, se Chow Yun Fat rouba o show com sua marra e malandragem, Leung, que provavelmente está para o drama como Jackie Chan está para as artes marciais, consegue ser cool, durão e sensível, criando uma persona ainda mais rica que Chow.

As grandiosas cenas de ação estão presentes por toda a película, com três destaques: a cena de abertura, no restaurante, com Tequila e seus colegas trocando chumbo pesado contra os tríades, a cena de invasão de um galpão pela gangue de Johnny Mo, acompanhada pelo enfrentamento de Tequila e a antológica e longuíssima batalha no hospital que serve de fachada para os bandidos, em especial o duelo de armas entre Mad Dog contra os dois policiais e uma cena de vários minutos, sem cortes, mostrando Tequila e Tony derrubando vários criminosos a bala. Inacreditável que algumas das belas cenas de violência estilizada deste filme, como a cena de Tequila descendo as escadas se apoiando no corrimão, tenham sido elaboradas de improviso. John Woo nem precisava de tanto após a feitura de Bala na Cabeça e The Killer, mas outra vez mais ele mostrou que sua fama não era apenas hype. Do início ao fim, o que vemos aqui não são apenas chineses violentos trocando “gentilezas”, mas homens de honra indo em direção ao inferno para enfrentar o mau. Contando apenas com um ao outro e nada mais. Howard Hawks, Sam Peckinpah e Chang Che devem estar orgulhosos!

Lust. Caution.

Lust, Caution.

Lust….Caution.

The English name of Ang Lee’s latest film consists of two words. Taken separately, they stand alone as two individual concepts: Lust, a primal, human urge; and Caution, an evolved, societal tool. Put them side by side, and you see a comparison: the primal versus the evolved, individual versus society, incongruent.

Poke a little hole in the membrane that seperates the two, and we begin to see a contrast. Lust, the human emotion, surges in the face of caution. Caution stares right back, coolly, unflinching.

Make that membrane even more porous…and the two start to bleed into one another. Can you see it? The red, thick goo of lust languishedly start to expand ever so relentlessly…and the pale, milky fog of caution determinately surrounds the lust, permeating through space, suspending, until the red is only visible as a faint, blushing pink through the suffocating, white curtain.

Ever since I saw Ang Lee’s “Lust, Caution” (2007), I have not been able to stop thinking about these two words. They were not chosen at random, I know. Lee is a master at quietly evoking powerful emotions. To me, his directorial style is a gentle cross between Wong Kar-Wai and Clint Eastwood, combining Wong’s taste for moody, lush cinematography with Eastwood’s strong, silent characterizations. All three innately understand the power of the unsaid. All three evocate instead of telling. And that is why they move me like no other. Lee, in particular, is a provocative blend of eastern sentimentalities and western sensibilities. Perhaps that is due to his upbringing, born in TaiWan and educated in both his native land and America, he strucks me as a director with a precise feel for what he wants. The title of his first film, “Sense and Sensibility,” seems oddly appropriate.

“Lust, Caution” opens in ShangHai, China in 1942. The first shot is that of the face of a german shepherd, and pans up to the face of a man. Observe this quiet link between man and beast. It is an important theme that is revertebrated throughout the rest of the film.

We float up the stairs of a house, following the trail of indistinctable, womanly chatter, through a darkened corridor, and into a richly decorated room where a MaJong table sit in its midst, surrounded by four Chinese women at its sides.  The air is sweet with scent of extravagance. Expertly-cut cheongsams glide over their well-preserved figures, the lush fabrics intimately outlining the curves of its adorner, its silky weight titallatingly speak of the pearly flesh that lies beneath. The upper class women giggle and laugh while their immaculately manicured hands float across the tabletop like marble scrulptures that come to life, precisely picking up, sorting, stacking, and throwing down MaJong pieces with a well-oiled ease, the gold and gems of rings and bracelets cut through the air in a blur, occassionally catch the light and reflect off a glint that is too bright to the eye.  It’s 1940s in Japanese-occupied ShangHai, and everything seems possible and uncertain. Outside, the alleyways are dark.

This is described as an espionage thriller. It is so much more than that. Lee says that it’s filmed in the tradition of film noir. I believe that. It is also a love story, one of distrust, patrioism, self-preservation, of lust, and of caution.

The break-out star here is Wei Tang. This is her first film role, but you wouldn’t be able to tell. The story starts four years before that fateful MaJong game, in Hong Kong. The Japanese is closing in, and patrioism boils amongst young blood. Wong Chia Chi (Wei Tang), a first year university student, falls in with a group of eager fellow theatre students, and they come up with a plot to assassinate Mr. Yee (Tony Leung), a high level Chinese official working for the Japanese, a traitor to the country they love. The gang  has no experience in anything of this sort, but their naivete is all the courage they need. The plan evolves in unexpected fashion when Mr. Yee and Mrs. Mak, Wong’s cover, meet. He takes an immediate interest in her. She is a natural actor and responds in kind, believing this is the “in” they needed. Once the spark is lit, there is no turning back. Unbeknownst to them, the fate of these six young people were forever sealed in the first look that passed between Mr. Yee and Mrs. Mak.

The plan is interrupted prematurely when Mr. Yee moves to ShangHai. Four years later, everyone find themselves in the same city again, and as fate would have it, in the same predictment. The naivete has long been stripped away by this point. The Japanese ruled the city. Death and poverty litter the streets of ShangHai, while the rich and powerful live in bored extravagance. That’s always the way it is. That was the way it was.

What follows, is the living-out of the fate of Mr. Yee and Mrs. Mak. They are from different worlds: a high official that lives in layers of secrets and security and a poor young woman with nothing to live for. But he is a man that many people wants to kill, and she is a woman that is hired precisely by those people to kill him. He is a traitor to his country. She is a patriot, or at least, she thinks she is. For all those reasons above, the two people most unlikely to meet, meet once again, and they rekindle the flame that was snuffed out four years ago.

What ensues you can imagine. The sex is explicit, and the film has gotten more attention for its NC-17 rating than its story. This is wrong. The sex is not unnecessary. It is the ultimate portrayal of intimacy between Yee and Mak…not only physical, but emotional. These are two of the most fear-filled, confused, and desperate individuals that existed. Yee can have anything he wants, but he is so scared of death, so consumed with the preservation of his mortality, that he can hardly find pleasure in all that is so readily available to him. His wife, his wealth, his job, his secrets, he goes through them with an air of stoic endurance. He endures them because he must in order to live, and he has accepted that…until he meets her.

Mrs. Mak is a cover, but for Wong, it is an escape from her life in reality. We hear little about her father, but we sense that she has been abandoned. She floats through life with a ghostly hopelessness. She insists on going to school just to feel some kind of purpose, even though all that is taught is Japanese, language of the oppressors that have sucked out all the hope in her life. She keeps on going to movies and cries in the dark, but even films are interrupted by war announcements. Escape is so hard to come by in those times…so when an opportunity presented itself, she seized it, and she met him.

Their relationship quickly ended up in bed, and that is where it stayed, most of the time. I suspect that is the only place where they both feel safe…stripped of clothes, naked, all that is visible is their lust for each other. Within the lust caution is exerted. They look at each other intently while their bodies engage, trying to find any trace of deceit and secrecy. They physically exhaust each other, fighting for climax, for weakness. This is a battle of the will, and the tangle of limbs are merely soldiers of war.

“I hate you.” She says. “I believe you.” He grabs her. “I haven’t believed anyone in a long time…but I believe you.” He shakes her with force. “Say it again.”

The problem with humans is that we are emotional creatures. Emotions are like floods…you open a small break in the barrier, and before you know it it all comes crashing down.

“You shouldn’t be so beautiful.” He wraps his arm around her in an iron vice, as if trying to squeeze out his desire of her, furious with his loss of focus while she waited outside.

“He knows better than anyone the extent of pretending.” She gasped, when asked by superiors to stay in the role longer. “He not only invades my body…but my heart. Only if I faithfully stay in this role can I burrow into his heart.” She breathes harder. “He makes me bleed and cry every time, only then will he be satisfied, only then will he feel alive in the dark. Only he knows that it is real.”

This is a losing game from the start. They both tried to conquer each other while deceiving each other. Lust was their weapon of choice, and caution was their armour. But even the most intimate act cannot strip away all that armour. Or maybe it did, eventually. They started to injure each other, inside. The seed of lust grew and grew, and started to chip away at the armour of caution from the inside out, and they were both helpless against it. The ending was inevitable. It could not have ended any other way. Watch the last shot of her, observe the flashback to those innocent days, and weight the consequence of that one, simple choice she didn’t even know she made.

Tony Leung has been my favorite actor for a long time, ever since I saw him in “In the Mood for Love.” I can’t explain why he is except, well, that he is my kind of person. There are many, many great actors that I admire: Edward Norton, Philip Seymour Hoffman, Benecio Del Toro, the list goes on. But no one does melancholy like Tony Leung. No one does a longing look like Tony Leung. And no one…and I mean no one, can make me feel myself breaking away into a million pieces, by simply walking away, into the shadows.

The film opened with a shot of a beast and a man. It closed with a view of just the man, Him. Observe him sitting in the darkness that he is so afraid of, then emerging towards the light, and walks into it. But even then he was never completely in the dark. He kept the light on himself, partially, as if afraid of fading into oblivion completely. And when he stands up and leaves the bed that he once shared with possibly the most real love of his life, his shadow lingers until the very last frame. He never really left the dark either. The beast in him is alone now, again, and how long will it be before it rips him to shreds?

Lust, Caution. Translated literally into Chinese, it becomes “色,戒” (Se, Jie), the official Chinese title of the film. Translating each character literally in the other direction, you get “Color, Ban.” The ban of color results in a void, filled only with shades of black and white. It is a simple state, non-emotional, ordered, but it is not real. We live our lives in color and chaos. Humanity is color. The emotions that mark our identity are colored, and are evoked through color. How ironic is it, that the caution against lust, one of the most powerful and colorful human emotions of all, is also synonymous with its complete removal. It is not a caution, then, but a complete wipe out of one’s humanity.

The line between lust and caution is a foggy one. Tread carefully… as once blurred, one may wipe the other out entirely.

“Even the favorite reviews, the audience response is the movie is too slow, deliberately slow. But for the Chinese audience, the biggest complaint is it happens too quick. I think the historical background that build into our genes is different. American people has never been occupied. The deep sadness and sentimentality, the cultural background that relates to melodrama that we relate to and grow up with, the propaganda, I didn’t imagine the difference is so big. It’s a very interesting cultural phenomenon.” – Ang Lee

Red Cliff Movie. Trailers, Film Clips, and more!

Legendary Hong Kong action specialist John Woo and international superstar Tony Leung reunite for their first feature film together since 1992’s Hard-Boiled with this historical drama set during the decisive 208 A.D. battle that heralded the end of the Han Dynasty. Adapted in part from the beloved Chinese tome Romance of the Three Kingdoms, Red Cliff opens in the year 208 A.D., just as prime minister-turned-general Cao Cao (Zhang Fengyi) seeks permission from Han Dynasty emperor Xian (Wang Ning) to organize a southward-bound mission designed to silence troublesome warlords Liu Bei (You Yong) and Sun Quan (Chang Chen). As the expedition gets under way, Cao Cao’s troops rain destruction on Liu Bei’s army, forcing the latter to retreat and convincing Liu Bei’s military strategist Zhuge Liang (Takeshi Kaneshiro) that their only hope for victory is to form an alliance with Sun Quan. Increasingly aware of the monumental struggle ahead, both sides begin preparing for the battle that will ultimately shape the future of an entire nation. Originally envisioned as a single film, Red Cliff was eventually split into two parts due to an excessive running time that approached five hours.

Clase magistral con Wong Kar – Wai

Entrevista Laurent Tirard

Transcripción by muzderauli

La razón por la que me metí en el mundo del cine tiene que ver más con la geografía que con cualquier otra cosa. Nací en Shanghai, pero mis padres se trasladaron a Hong Kong cuando tenía cinco años. La gente de Hong Kong no habla el mismo dialecto que la gente de Shanghai, así que allí no podía hablar con nadie; no podía hacer amigos. Y mi madre que se encontraba en la misma situación, me llevaba al cine con frecuencia, porque era algo que podía entenderse más allá de las palabras. Era un lenguaje universal basado en las imágenes.

Por lo tanto, como mucha gente de mi generación, descubrí el mundo a través de las películas y, más tarde, a través de la televisión. Veinte años antes quizá hubiese elegido la música para expresarme, cincuenta años antes, habrían sido los libros. Pero crecí con imágenes y parecía algo natural que fuera a estudiar artes plásticas. Me metí en el diseño grafico porque, en aquella época, no había escuela de cine en Hong Kong. La gente que quería estudiar cine se trasladaba a Europa o Estados Unidos y yo no podía permitírmelo. Sin embargo tuve la suerte de salir de la escuela en un momento en que todos los jóvenes que se habían ido al extranjero a estudiar cine estaban volviendo a Hong Kong e intentaban crear una nueva ola de artistas. Así que estuve trabajando en la televisión durante un año y, después, empecé a escribir para el cine, cosa que estuve haciendo durante diez años antes de empezar a dirigir. Y a pesar de todo, si me preguntaras, creo que aún no me considero un director. Sigo viéndome como un miembro más del público, un miembro del público que ha pasado detrás de la cámara cuando hago una película, siempre trato de reproducir las primeras impresiones que tuve cuando era aficionado al cine. Y  creo que hago películas para el público antes que nada. Pero por supuesto tiene que haber algo más que eso; no es el único motivo, sólo debe de ser uno de los motivos; el resto es algo más personal y, bueno, más secreto.

Yo escribo mis guiones. No es una cuestión de ego; no es una cuestión de ser el autor de la película… francamente, el sueño más feliz que tengo es levantarme por la mañana y encontrar un guión esperándome en la mesilla de noche. Pero que hasta eso suceda, supongo que tendré que escribir; aunque escribir no es una tarea fácil, no es una experiencia agradable. He intentado trabajar con guionistas, pero siempre me parece que a los guionistas les planteaba un problema trabajar con un director que también escribiera. No sé exactamente por qué, pero siempre surgían conflictos. Así que finalmente, decidí que si podía escribir mis propios guiones  ¿por qué molestarme con los guionistas?

No obstante, he de decir que tengo un planteamiento de la escritura de guiones bastante fuera de lo común. Mira yo escribo como director, no como guionista; de manera que escribo con imágenes. Y para mí lo más importante de un guión es saber en qué lugar va a desarrollarse; porque si ya sabes eso, puedes decidir lo que hacen los personajes en ese espacio. El espacio incluso te dice quienes son los personajes, por qué están ahí, etc. Todo lo demás va surgiendo poco a poco si ya tienes un lugar en mente. Así que tengo que localizar exteriores antes de empezar siquiera a escribir. Igualmente siempre empiezo con muchas ideas, pero nunca está claro el argumento en sí. Sé lo que no quiero, pero no sé lo que quiero exactamente. Creo que todo el proceso e hacer una película es, de hecho, una manera de encontrar todas esas respuestas. Y hasta que no haya encontrado esas respuestas, continuaré haciendo la película. A veces encuentro la película en el plató, a veces durante el montaje, a veces tras meses después del primer pase.

Lo único que trato de dejar bien claro cuando empiezo una película es el género en el que quiero situarla. De niño crecí viendo películas de género, westerns, historias de fantasmas, de espadachines… de manera que intento rodar cada una de mis películas en un género distinto y creo que eso es parte de lo que las ha hecho tan originales.

La música es muy importante en mis películas. Sin embargo, casi nunca encargo que la compongan expresamente, porque me resulta muy difícil comunicarme con los músicos. Ellos tienen un lenguaje musical y yo lo tengo visual. La mayoría de las veces no nos entendemos. A pesar de todo, la música tiene que ser visual; debe tener una música que funcione con la imagen. Así que lo resuelvo de la siguiente manera: cada vez que escucho música que me inspira algo visual; la grabo y la dejo a un lado, sabiendo que la utilizaré después.

Utilizo música durante todas las fases del proceso cinematográfico. Por supuesto, la utilizo cuando estoy montando. Y algo que me gusta especialmente hacer es utilizar música de época en films contemporáneos. Porque la música es como un color, es como un filtro que tiñe todo de un color diferente. Y tengo la impresión de que utilizar música de una época distinta a donde se localiza la imagen la hace ambigua, compleja. También utilizo música en el plató, aunque no tanto como para crear un ambiente como para encontrar un ritmo. Cuando intento explicar al operador de cámara la velocidad que quiero para un determinado movimiento, una pieza musical la suele comunicar mejor que mil palabras.

No me obsesionan especialmente las cosas técnicas. Para mí, la cámara no es más que un instrumento que se utiliza para traducir lo que están viendo los ojos. Sin embargo cuando llego al plató para rodar una escena determinada, siempre empiezo por el encuadre, porque tengo que conocer el espacio donde va a evolucionar la escena. Únicamente cuando lo sé puedo decidir la posición de los actores. Explico lo que quiero al director de fotografía. Hemos trabajado tanto tiempo juntos que esto no requiere mayor conversación. Le doy el ángulo, lo encuadra y, el noventa por ciento de las veces me doy por satisfecho.

Por regla general no ruedo demasiado material desde distintos ángulos; aunque por supuesto depende de la escena. Muy a menudo sólo hay una manera de rodarla. Sin embargo, en algunas escenas y, sobre todo, si la escena es algo parecido a una transición, donde la historia puede cambiar de un punto de vista a otro, ruedo mucho desde distintas posiciones, porque sólo en el montaje puedo saber si la trama debe seguir a una persona o a otra. En cuanto a la decisión de donde colocar la cámara en un plano determinado, bueno, está la gramática y sin embargo, siempre es un experimento. Siempre tienes que plantearte la pregunta ¿por qué?. Debe de haber algún tipo de lógica, incluso si no significa nada para nadie, excepto para ti. En realidad es como la poesía. Los poetas utilizan las palabras de maneras distintas; a veces por el sonido, por el tono, por el significado, etc. Todos podemos crear un lenguaje diferente con los mismos elementos, pero tiene que significar algo. Puede que suene analítico, pero no lo es.

Muchas de mis decisiones son instintivas. Suelo tener una sensación muy fuerte de lo que está bien y de lo que no, y es tan sencillo como eso. De todas formas, la cinematografía es algo difícil de analizar verbalmente. Es muy parecido a la comida: cuando tienes un sabor muy persistente en la boca no puedes explicarlo o describirlo correctamente a otra persona. Es muy abstracto. Pasa lo mismo con la cinematografía. Y de hecho no he cambiado mucho mi forma de trabajar desde que empecé. Es una pena porque no creo que sea una buena manera de trabajar, pero por desgracia, es la única que conozco. Siempre quise ser como Hitchcock, que decidía todo antes del rodaje, pero, por alguna razón, no puedo trabajar de esa forma, así que bueno es una lástima.

Una última cosa; para ser director, tienes que ser sincero; no con los demás, sino contigo mismo. Tienes que saber porqué estás haciendo una película; tienes que saber cuando estás cometiendo una equivocación.

2046

muzderauli.wordpress.com

by The Great White Gypsy

The Box – Written and Directed by Richard Kelly
The premise of this film sounds like a bad teenage horror story. A strange man gives a box to a couple having money problems. They will get money every time they push the button, but every time, someone they don’t know will die. Though it’s riding on Cameron Diaz’s acting skills (um…), if anyone can make it cool, writer/director Richard Kelly (Donnie Darko, Southland Tales) will have no problem.
Cameron Diaz, James Marsden, Frank Langella, James Rebhorn
November 6

Endgame – Directed by Pete Travis, Written by Paula Milne
Another slow, patient South African political film? Meh. I mean, I really like Hurt and Ejiofor, but Pete Travis directed Vantage Point, which sucked asshole. I really, really want it to be good, I’m just scared it’s going to be really, really bad.
William Hurt, Chiwetel Ejiofor, Johnny Lee Miller, Mark Strong, Derek Jacobi
November 6

The Men Who Stare at Goats – Directed by Grant Heslov, Written by Peter Straughan
Actor Grant Heslov hasn’t done much directing. Same goes for Peter Straughan and writing. But if you look at this cast, you really can’t go wrong in a story about Telekenisis/Psychic programs in the army. Hell yes.
George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges, Kevin Spacey, Robert Patrick, Stephen Root
November 6

Precious – Directed by Lee Daniels, Written by Geoffrey Fletcher
I hate the fact that the full title of this film is “Precious: Based on a novel by Sapphire”. I also hate the fact that Tyler Perry and Oprah Winfrey are “presenting” this one. However, cliché and cheesy as it most likely is, I seriously almost cried watching the preview. This has the potential for two hours of raw emotion that leaves you speechless. Or two hours of horrible acting and bullshit storyline. I’ll wait for cable.
Gabourey Sidibe, Paula Patton, Mariah Carey, Lenny Kravitz
November 6

The Fantastic Mr. Fox – Written and Directed by Wes Anderson
I hate, I hate, I hate Wes Anderson. However, there are always a couple elements of his films that impress me, and his attempts at stop motion animation intrigue me. Will I like it? Probably not. Will I see it? Of course.
George Clooney, Meryl Streep, Bill Murray, Jason Schwartzman, Willem Dafoe, Owen Wilson, Michael Gambon
November 13

Pirate Radio – Written and Directed by Richard Curtis
When I saw the preview for this, I thought, “Hey, that looks exactly like that movie advertised last year called “The Boat that Rocked”. Wait… I have no idea why this film took so long to release, or why they changed the title, but after waiting so long, I’ve built it up to possible “Almost Famous” level in my head. I really hope I’m not disappointed.  About a boatful of radio DJ’s who broadcast banned music over British airwaves in the ‘60’s. Curtis directed Love Actually.
Philip Seymour Hoffman, Bill Nighy, Rhys Ifans, Emma Thompson, Kenneth Branagh, Nick Frost
November 13

The Messenger – Written and Directed by Oren Moverman
Foster and Harrelson play a very overlooked part of the military in this new drama about the officers who deliver the horrible news to KIA soldiers’ families. Foster starts to care too much…you see where this is going. Moverman’s first film, looks good.
Ben Foster, Woody Harrelson, Samantha Morton, Jena Malone
November 13

2012 – Directed by Roland Emmerich, Written by Roland Emmerich and Harald Kloser
When I want to see an action packed explosion film with weak story, I’ll catch the new Michael Bay flick. When I want to see a really entertaining film with great special effects that will leave me dumber for having watched it, I’ll go see a Roland Emmerich film (Independence Day, Stargate, Godzilla, 10,000 BC). If you don’t know what this film is about, you should probably look into it, cause we’re kinda running out of time, dude…
John Cusack, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Thandie Newton, Woody Harrelson, Danny Glover, Oliver Platt
November 13

That Evening Sun – Written and Directed by Scot Teems
I think Clint Eastwood had a scheduling conflict playing a grumpy old man in Gran Turino, so Holbrook stepped in. This is a perfect example of a cookie-cutter Midwest drama starring a senior citizen afraid of change that might not be very good, but will definitely get nominated for at least 2 Oscars. Don’t get me wrong, Hal is great, but the story has the potential to be full of holes.
Hal Holbrook, Ray McKinnon, Mia Wasikowska, Carrie Preston
November 13

Uncertainty – Written and Directed by Scott McGehee and David Siegel
At the risk of sounding like a douchebag, I am very uncertain about this movie. Part romantic comedy, part drama, part action thriller? So confused. McGehee and Siegel have written and directed three other films together, and I’ve never heard of any of them. But Gordon-Levitt hasn’t let me down so far, and Thirlby and Collins are sexy. I’ll flip a coin.
Joseph Gordon-Levitt, Lynn Collins, Olivia Thirlby
November 13

Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans – Directed by Werner Herzog, Written by William M. Finkelstein
Controverial old-school director Werner Herzog (Encounters at the End of the World, Grizzly Man) is remaking the 1992 drama (starring Harvey Keitel) about a gambling/drug addict cop, and he’s setting it in post-Katrina New Orleans. They say it’s Cage’s best performance since Leaving Las Vegas (not really hard), and Kilmer’s presence is reassuring. Looking forward to it.
Nicholas Cage, Val Kilmer, Eva Mendes, Michael Shannon, Fairuza Balk, Xzibit, Shawn Hatosy
November 20

Chi Bi (Red Cliff) – Directed by John Woo, Written by John Woo and Khan Chan
This is an epic film in the style of Hero and House of Flying Daggers. John Woo started out with some good films (A Better Tomorrow, Killer, Hard Boiled), he even had some good American movies (Hard Target, Face/Off), though there were bullshit ones too (Windtalkers, Paycheck). However, his dramas, like Last Hurrah for Chivalry, have gone largerly unnoticed by American audiences. And, of course, it’s been out in China for two years, and we’re just getting it now. Tarantino needs to step his game up.
Tony Leung, Takeshi Kaneshiro, Wei Zhao
November 20

Fix – Directed by Tao Ruspoli, Written by Charles Castaldi and Paul Duran
Documentary filmmaker Ruspoli blends styles in this fictional documentary about a convicted drug dealer and his friends, who are attempting to raise enough money to put him in rehab before 8pm so he can avoid jail time. I can already tell that Andrews’ over-the-top personality is going to steal the show, and Wilde is kinda cute. When’s it coming to Netflix?
Olivia Wilde, Tao Ruspoli, Dedee Pfeiffer, Shawn Andrews
November 20

The Missing Person – Written and Directed by Noah Buschel
Modern noir about a private detective (Shannon in a lead role…nice) searching for a missing person after 9/11. Elements of drama and comedy make it appear a little disjointed, but Shannon and Ryan are solid. Kinda surprised it didn’t go straight to DVD, but whatever.
Michael Shannon, Amy Ryan, Frank Wood
November 20

Me and Orson Welles – Directed by Richard Linklater, Written by Holly Gent Palmo
I can’t see Efron’s name on anything without thinking Highschool Musical, which makes me want to punch everyone under the age of 17 in the eye. However, this film is a little more dramatic, a lot less musical, and Christian McKay looks like the best Orson Welles since D’onofrio in Ed Wood. And if that still doesn’t convince you to see this period film about Welles directing stage plays, I have three words for you: Richard motherfucking Linklater (Scanner Darkly, Waking Life, Dazed and Confused). There you go.
Zac Efron, Claire Danes, Christian McKay, Ben Chaplin
November 25

Ninja Assassin – Directed by James McTeigue, Written by Matthew Sand and J. Michael Straczynski
The directors of The Matrix are producing this balls-to-the-wall violence-fest about…are you ready? A Ninja Assassin. Crazy right? Just think blades, bullets, blood, and nonstop special effects. I can’t freaking wait.
Sung Kang
November 25

The Road – Directed by John Hillcoat, Written by Joe Penhall
I must admit, I didn’t care for Cormac McCarthy’s award winning novel. The fact that writer and director are inexperienced worries me. Whether the acting, cinematography and effects can save it or not, the story makes me think no one will like this no matter what.
Viggo Mortensen, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce, Garret Dillahunt
November 25

KEEP YOUR EYES OPEN

Metropia – Directed by Tarik Saleh, Written by Fredrik Edin
Anything with Vincent Gallo attatched generally gets my attention (Buffalo 66 was fucking weird). In this animated social commentary, Gallo’s character goes nuts when he starts hearing voices in the expansive underground tunnels Europe was forced to build after gas prices went too high. The animation looks pretty damn cool, so we’ll see.
Vincent Gallo, Udo Kier, Juliette Lewis, Stellan Skarsgard, Alexander Skarsgard
November 6 (Sweden)

Harry Brown – Directed by Daniel Barber, Written by Gary Young
Michael Caine hasn’t really been a badass since Get Carter, but this one may change that. Granted, it’s another cranky old man pissed off at street hooligans, but they did kill his friend…and he is ex-military. Comes out in the UK this month, possible limited releases in US.
Michael Caine, Emily Mortimer, Iain Glen
November 11 (UK)

Los abrazos rotos (Broken Embraces) – Written and Directed by Pedro Almodovar
Almodovar is huge in Spain, and the last time he teamed with Cruz was Volver, which was damn good. This film is about a writer/director telling a young man the story of why he changed his name after an accident took the life of his true love 14 years prior. Limited release this month, but expect it to be everywhere in time for the Oscars.
Penelope Cruz, Lluis Homar
November 20 (Limited)

Mammoth – Written and Directed by Lukas Moodysson
Husband and wife with a “perfect” life are put to the test when he takes a business trip to Thailand and decides to let loose a little. It looks very similar to parts of Babel, but more focused. Bernal and Williams have grown on me the last couple years, and Moodysson has done good work in Sweden.
Michelle Williams, Gael Garcia Bernal
November 20 (Limited)

Cada vez espero menos do cinema chinês, pelo menos das produções que desembarcam em nosso país. Desde o sucesso e merecido reconhecimento de O Tigre e o Dragão (produção que inclui outros países) percebo que as obras seguem uma linha que peca pela similaridade. Há muita tradição, heroísmo, pirotecnias e coreografias no embate entre os grupos que rivalizam as histórias épicas chinesas. Essa fórmula re-aparece em A Batalha dos 3 Reinos de John Woo. Comecei a respeitar Woo ao assistir o seu curta Song Song na produção Crianças Invísiveis da Unicef. Não a toa o trabalho encerra a seleção internacional com uma alta dose dramática.

Confiei em Woo e principalmente em Tony Leung, ator presente em diversos filmes de Wong Kar Wai. Porém me decepcionei ao ver mais do mesmo, em uma produção de alto orçamento e elevado refinamento visual. O primeiro choque está na narração inicial em inglês, idioma que desaparecerá como fumaça do restante do filme. A impressão é que faltaria uma introdução para o público estrangeiro, portanto uma decisão de quem injeta a verba serviria de explicação. Logo adentramos em uma jornada épica onde os personagens serão apresentados de forma clássica, cada general é nomeado, porém a principal diferenciação não será pelo nome, mas talvez pelo corte de cabelo, barba e figurino.

Algo incomoda na produção, talvez seja a proximidade com a narrativa de O Senhor dos Anéis, visto que os personagens desenvolvidos no filme parecem cópias dos imortalizados na literatura de Tolkien, apesar de Woo adaptar um romance de 1350. O general barbudo e ranzinza lembra o anão Gimli, enquanto temos uma mistura da figura sábia de Gandalf com o lado élfico de Legolas no general que desfila sabedoria em trajes brancos. Aragorn não fica de fora, já que Tony Leung encarnará a figura heróica para proteger sua fortaleza, uma réplica da Gondor de Peter Jackson. Há também a figura feminina e sua vontade de participar do conflito armado como nossa rejeitada princesa Eowyn. Por questões narrativas não temos o anel nem seus principais protetores – Frodo, Sam e Smeagol.

Não há uma aparente razão para escolhermos um lado na batalha dos 3 reinos, porém a história e a direção de Woo nos encaminham para tal decisão. A velha máxima do Bem x Mal e dos sacrifícios por um futuro melhor expulsa-nos do reino de Cao Cao (Fengyi Zhang). A parte técnica incluindo direção de arte e fotografia são primorosas, porém o desenvolvimento de um tema tão batido irritará os mais exigentes. Nos longos 150 minutos, encontramos tudo que caracteriza o gênero guerra/épico, desde as batalhas sangrentas até o desenvolvimento de relacionamentos amorosos fundados em estereótipos. A batalha final colocará os rivais frente a frente, num destino que tende a premiar sempre a bondade.

John Woo nos apresenta uma ficção com poucos parâmetros com qualquer tempo/realidade, eis uma nação sempre pronta a guerrear, sem necessidades básicas ou descontentamento público. Essas são as histórias baseadas na tradição / heróismo, espaço onde os valores sobrevivem na sua forma mais utópica. A luta é arte, um balé de vidas perdidas onde o mais importante é a estética e não o ser. A Guerra é inerente ao Homem, mas que seja justa e inesquecível, já que desta forma poderá ser imortalizada na linguagem literal e/ou cinematográfica. O Reino de Woo algumas vezes clama pela Paz mas será através do conflito armado que os principais desentendimentos serão resolvidos. Há do que nos orgulharmos em tanto sangue derramado?

Titolo originale: Chi bi

Regia: John Woo

Cast: Tony Leung,  Takeshi Kaneshiro, Zhang Fengyi, Chen Chang, Wei Zhao, Jun Hu, Shido Nakamura, Chiling Lin, Yong Hou, Tong Jiang, Jia Song, Dawei Tong, Qingxiang Wang, Yong You, Ba Sen Zha Bu, Zhao Wei, Hu Jun

Distribuzione: Eagle Pictures, Cina, 2008

Guarda il trailer

Cina, 208. Durante la dinastia Han, il primo ministro Cao Cao (Zhang Fengyi), sfrutta la debolezza e l’inesperienza del giovane imperatore Han Xiandi  e lo convince a dichiarare guerra al regno di Xu situato all’ovest dell’Impero e governato da Liu Bei (Yong You). Il piano di Cao Cao consiste nel conquistare tutti i regni e successivamente autoproclamarsi imperatore della Cina unificata. Liu Bei costretto alla ritirata,  invia il suo consigliere militare Zhuge Liang, (Takeshi Kaneshiro)  presso il Regno Wu, nel sud, nel tentativo di convincere il suo regnante, Sun Quan (Chen Chang) ad unire le forze. Lì Zhunge conosce il Vicerè di Wu, Zhou Yu, (Tony Leung)  e i due diventano ben presto amici oltre che alleati. Infuriato dall’apprendere che i due reami si sono alleati, Cao Cao invia un esercito di ottocentomila soldati e duemila navi a sud, al fine di ottenere una facile vittoria e portare a conclusione il suo disegno politico. Così l’esercito del primo ministro si accampa nella Foresta Crow, sulla sponda opposta alle  Scogliere Rosse, dove sorge la fortezza di Zhou Yu,  sul Fiume Yangtze. Sarà una battaglia epica, senza esclusione di colpi.

John Woo lascia per un attimo Hollywood, dove ha realizzato tra l’altro Face/off e Mission: Impossible II, e torna a casa per realizzare una stupenda pellicola epica basata su uno dei testi fondamentali della  cultura e della tradizione cinese  Il romanzo dei Tre Regni  scritto da Luo Guanzhong più di seicento anni fa . Non bada a spese per questo ambizioso progetto, costato ben 80 milioni di dollari, la più grande produzione mai realizzata in lingua cinese, ma il risultato è davvero ammirevole. Il materiale è tanto: si pensi che il prodotto originale distribuito per il pubblico cinese ha una durata di 4 ore  divise in due episodi, rispetto ai “soli” 148 minuti della versione singola per il resto del mondo, i personaggi sono ben delineati e analizzati con minuzia e precisione, i costumi e le location sono da favola,  la trama è avvincente nonostante la durata e le battaglie hanno una struttura e delle scene  coreografate da  Corey Yuen e realizzate in modo magistrale. Il compito era molto arduo e una delle difficoltà maggiori che sia il regista che gli sceneggiatori si sono trovati ad affrontare è stata sicuramente quella di mettere insieme tante prospettive diverse su un momento storico che ha segnato la storia e la cultura cinese in modo molto profondo.  Osservando il prodotto finale si può affermare con certezza che tutte le difficoltà che il progetto presentava sulla carta sono state superate in modo egregio.

Il merito di questa riuscita, oltre alla magistrale regia del ritrovato regista orientale, fatta di primi piani intensi, di un connubio riuscitissimo tra musica e azione, e di omaggi ripetuti al maestro Sergio Leone, è da imputare anche al cast formato da attori veramente all’altezza della loro fama, su tutti Tony Leung,  a modesto parere della sottoscritta uno dei migliori attori non solo del cinema orientale ma a livello mondiale, un interprete poliedrico e versatile, nonché molto talentuoso, e Takeshi Kaneshiro, attore di grande intensità, fascino e talento, che ha lavorato con registi del calibro di Zhang Yimou ne La foresta dei pugnali volanti, e di Wong Kar-wai in Hong kong Express (tra l’altro proprio assieme allo stesso Tony Leung), che danno senza dubbio un tocco in più ai rispettivi personaggi, il vicerè Zhou Yu e lo stratega e consigliere militare Zhuge Liang.

Personaggi chiave della pellicola sono anche le donne, che appaiono come combattive e desiderose di fare la propria parte per salvare il loro regno. Esse sono solo due, Sun Shangxiang, sorella di Sun Quan, una ragazza molto coraggiosa pronta a tutto per sconfiggere Cao Cao, interpretata da Wei Zhao,  e la bellissima Xiao Qiao, moglie devota di Zhou Yu, interpretata dalla bravissima Chiling Lin, qui al suo esordio come attrice,  fondamentale nel corso della battaglia decisiva.

In definitiva una pellicola davvero ben realizzata, che riesce a non perdere la propria forza nonostante i tagli operati dallo stesso Woo per questa versione unica:  un vero gioiello nel quale confluiscono eroismo, amore, coraggio e sacrificio.

Conclusione: Imperdibile.

Voto: 9  

2004: 2046 di Wong Kar-wai

“Un film dal gusto squisito, dalle atmosfere struggenti” (Il Messaggero), “…un meraviglioso rebus, sospeso fra immaginazione letteraria, passato che viene dal cinema e futurismo della mente” (Ciak), “…un cinema di incantamento dei sensi e di piacere assoluto dell’immaginazione” (Repubblica).

Dello stesso regista, e con lo stesso protagonista, abbiamo ammirato lo splendido In the mood for love (e 2046 è il suo seguito ideale).

L’ammirazione si ripete per questo nuovo capolavoro (frutto di tre anni di lavoro) permeato da una perenne atmosfera onirica, intrigante e affascinante oltremodo (1).

“Un film di eleganza sopraffina dove i personaggi e i luoghi si mescolano in una sinfonia di luci, impressioni e colori”, così lo presenta Cult, il canale satellitare che lo sta mandando in onda in questo periodo. Un continuo, ammaliante oscillare tra immagini anni 60 e immagini futuristiche dove non sai se applaudire maggiormente la straordinaria abilità registica, la eccezionale bravura dell’intero cast, la suggestiva colonna sonora, il bellissimo contrasto (come qualche critico ha sottolineato) tra la smagliante bellezza ed eleganza delle figure femminili e l’ambiente miserevole e degradato in cui si muovono.

Presentato al Festival di Cannes 2004, è un film complesso ed ermetico («Attenzione, 2046 non è una storia d’amore… ma una storia sull’amore - sottolinea il regista di Shangai -. Nessun finale felice. La “chiusa” è affidata allo spettatore perché il film è come un pranzo: noi offriamo l’antipasto e il piatto principale ma il pubblico deve portare il dessert»), un film raffinato ed estetizzante (visivamente è uno splendore) che parla del passato che rimpiangiamo e che non ritorna, un film da gustare scena per scena e che chi ama il “vero cinema” non dovrebbe assolutamente perdere.

p.s.

Così Wong kar-wai ha presentato 2046: «I due film, ‘In the Mood for Love’ e questo, sono nati in contemporanea. Sono in un certo senso la stessa storia. Finito ‘Mood’, questo è ricomparso. Ma non lo considero un seguito. Semmai una rilettura degli stessi personaggi, il rapporto fra i due film è lo stesso che il protagonista ha con il proprio passato: più cerca di dimenticarlo, più quello ritorna, Il messaggio del film è che bisogna prima o poi fare i conti con i propri ricordi».

note:

(1) Gian Luigi Rondi scrive: “Quel 2046 ha tre significati diversi. È il numero di una stanza d’albergo, è l‘anno in cui Hong Kong finirà definitivamente sotto la sovranità della Cina, è il titolo di un romanzo di fantascienza in cui uno scrittore triste immagina un misterioso treno destinato a trasportare i suoi passeggeri dagli anni Sessanta dell’azione in tempo presente verso il 2046”.

scheda

premi e riconoscimenti

sito ufficiale

“I love this part of history because it’s so encouraging: a smaller army can defeat larger and more powerful enemies with a combination of teamwork, courage, and integrity. I was fascinated by the strategy and cleverness in their tactics.

We understand that for the Western audience, it seems that they are not as familiar with our history and our characters, so we decided to focus on the main storyline and the key characters.

John Woo, 2009

John Woo è stato un punto di riferimento imprescindibile, per tutti coloro che hanno imparato ad amare il cinema, tra la fine degli anni ‘80 e l’inizio degli anni ‘90.

La riscoperta di Hong Kong - anche grazie alle citazioni di Tarantino - è passata indubbiamente attraverso i film del suo autore più celebrato: la saga di A better tomorrow, la commedia giallo rosa di Once a Thief, i vertici di The killer, Hard Boiled, Bullet in the head, hanno segnato un’intera generazione di cinefili.

Non è un caso che il famoso speciale di Segnocinema del 1996 su “HK, un universo parallelo” si aprisse, proprio con una foto di Chow Yun-fat in The Killer.

La sua esperienza americana non è mai stata altrettanto fortunata, se si eccettua il magnifico Face/off, summa della poetica di Woo ed insieme canto del cigno del suo cinema ipercinetico, spettacolare e debitore tanto del noir classico e del polar francese, quanto delle innovazioni drammatiche di Peckinpah e delle iperboli visive del melò americano.

Quello che è venuto dopo, dal secondo Mission:Impossible a Windtalkers, fino a Paycheck ha segnato un’impasse creativa preoccupante.

I suoi proverbiali rallenti, i duelli con le doppie pistole, l’azione senza sosta, le colombe bianche e le sue sparatorie coreografate come balletti hanno fatto scuola, fino a diventare maniera. Nei suoi film successivi lo stile finiva per riempire storie vuote, poco accattivanti, decisamente inadatte al suo talento visionario.

Il ritorno alla madrepatria gli ha certamente giovato: Red Cliff è il più costoso kolossal prodotto in Cina e lo riporta agli antichi splendori, pur in un genere, quello del film cappa e spada in costume, che Woo non ha mai frequentato, negli ultimi 25 anni.

Eppure il suo stile e i suoi duelli contemporanei hanno sempre risentito dell’influenza fortissima del wuxiapian e qui finalmente Woo può dare sfogo alla sua fantasia infinita.

La versione occidentale del film è stata ridotta, dalle iniziali 4 ore e mezza, fino agli attuali 148 minuti: Woo se n’è detto soddisfatto, ma sarebbe interessante recuperare il film nella sua interezza, per sapere se il ritmo indiavolato della versione breve è dovuto ai tagli apportati o è proprio del film nella sua interezza.

Woo non spreca un minuto: comincia in medias res, usa il montaggio alternato oltre alle sue proverbiali dissolvenze ed alla voce off, almeno nella prima parte, che non lasciano spazio a cali di tensione.

Il film è ambientato del secondo secolo d.C., e racconta la famosa battaglia di Chi bi - le scogliere rosse del titolo originale – uno degli eventi fondamentali della storia cinese.

Mentre la dinastia Han governa il Nord del paese, nel Sud vi sono due regni che sembrano mantenere una certa autonomia.

Dopo aver domato la guerra civile ed i signori della guerra  il potente e ambizioso Primo Ministro Cao Cao approfitta del potere conquistato, per imporre al debole imperatore una nuova guerra ai regni del Sud.  

Il primo ad essere attaccato è il valoroso Liu Bei, il quale è costretto alla fuga, anche per proteggere il suo popolo: le forze di Cao Cao sono numericamente superiori.

L’unico a tener viva la speranza del regno di Liu Bei è il suo giovane stratega, Zhu-ge Liang, che comprende come l’unica speranza di sopravvivenza risieda nell’alleanza con il vicino regno di  Sun Quan.

E’ lui stesso a presentarsi a corte, cercando di convincere Sun Quan ed i suoi riluttanti consiglieri ad unire le forze contro le armate di Cao Cao.

Zhu-ge Liang deve convincere non solo il sovrano, ma anche il suo vicerè, Zhou Yu – un sontuoso Tony Leung - guerriero leggendario e capo dell’esercito.

I due regni troveranno un accordo contro il regno di Han ed affronteranno insieme la battaglia sulle rive dello Yangtze: la flotta di Cao Cao è soverchiante, ma grazie all’arte della guerra ed alla conoscenza degli elementi, all’astusia delle spie ed alla seduzione di una donna, i regni del Sud sapranno mettere in difficoltà l’imponente esercito avversario.

Le coreografie del maestro Corey Yuen sono molto diverse da quelle dei film di Zhang Yimou e Ang Lee: qui non ci sono balletti volanti, nè imprese surreali.

Woo costruisce le sequenze d’azione con meno stucchevole estetismo e con più materico realismo: la guerra è sangue, fuoco, lance spezzate, frecce che trafiggono.

La sua straordinaria abilità consente di comprendere tutta la raffinata astuzia delle forze in campo e tutti i sontuosi movimenti delle truppe, sia che usino l’attacco a testuggine, sia che procedano come ali d’oca o con altri trucchi.

L’uso superbo delle comparse nelle scene di massa si alterna ai duelli individuali dei generali più coraggiosi, che guidano i propri soldati in prima persona.

La macchina da presa di Woo non sta mai ferma, persino nei primi piani, come suo solito, il regista preferisce un leggero movimento sull’asse, che lega il campo controcampo in un unica fluida contrapposizione di piani: persino quando i due strateghi si cimentano con i propri strumenti musicali, Woo immagina una sorta di continuo duello.

I temi forti del suo cinema ci sono tutti:  il senso dell’onore, l’amicizia virile come codice morale, il sacrificio supremo per il bene comune. Eppure qui il suo cinema esplode in un racconto grandioso, di rara bellezza.

Fa piacere inoltre che, pur in un prodotto mainstream, Woo non sembri essersi piegato spudoratamente alle logiche della Grande Cina, che hanno condizionato pesantemente gli ultimi film di Zhang Yimou, diventato una sorta di Leni Riefenstahl cinese, artista di regime buono per ogni occasione, dalle Olimpiadi agli anniversari della Rivoluzione culturale, dalle grandi opere agiografiche sul passato a quelle buoniste sulla Cina di oggi: quanto sono lontani i tempi di Lanterne Rosse e Keep Cool…

This is not about the feline grace of Zhang Yimou’s Wushu Trilogy; this is all muscle, facial hair and super-cool finishing moves: operatic grandeur spring-loaded with punk-rock vitality…Woo is especially good on tactics — weather, supplies, disease, espionage and the art of tea-making all play their intricate part. In a fabulous scrap midway through, the heroes’ army adopt the “Tortoise Formation”, a trap so ingenious Stanley Kubrick and his Battenberg formations from Spartacus would have stood to applaud.¹

Oltre a Tony Leung nella parte del vicerè Zhou Yu, si segnalano Takeshi Kaneshiro in quella del giovane stratega Zhu-ge Liang e Zhang Fengyi nei panni di Cao Cao.

La direzione artistica ed i costumi sono del premio Oscar Tim Yip, dark-toned color processing doesn’t glamorize the period and adds gravitas to many of the youthful actors. Japanese composer Taro Iwashiro’s multi-faceted score — brazzy, playful, lyrical by turns — adds real dramatic clout throughout.²

La battaglia dei Tre Regni – Red Cliff ***

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1Ian Nathan, Red Cliff, Empire online

2Derek Elley, Red Cliff, Variety, 21.7.2008

Nel cinema di John Woo si continua a morire, ed è l’istante della morte l’attimo più eterno di una vita intera. Non solo il ralenti come consueto strumento che dilata la morte, ma anche la morte continuativa come segno di una nuova vita possibile solo attraverso lo spargimento di sangue, la pace assoluta dopo la guerra assoluta. Woo prende le redini dell’epica e dirige un film roboante, dove la strategia sostituisce (e non precede) la battaglia. Strategia come calcolo assoluto di ogni possibile equazione, di ogni equilibrio spezzabile, di ogni fattore naturale. L’arte della guerra, della musica, del tè che ustiona con specchi archimedei la freddezza della logica.
Altre cose da annotare: qualche zoommata particolarmente kitsch, l’inquadratura che vola insieme alla colomba bianca (un marchio di fabbrica) da fronte a fronte, la goccia d’acqua che indica la direzione del vento, il sublime raggiunto in ogni scontro e in ogni fendente.

Anche questa settimana vi consigliamo tre film, in uscita nelle sale.

Innanzitutto il Leone d’Oro dell’ultima Mostra di Venezia, Lebanon: ambientato nel 1982, nel primo giorno della guerra in Libano, racconta la storia di quattro giovanissimi soldati israeliani, addetti ad un carro armato.

La missione di semplice ricognizione si trasformerà in un incubo in territorio nemico, facendo esplodere i contrasti tra le diverse personalità e mettendo in luce loro paure, le incapacità e l’orrore della battaglia.

C’è poi il nuovo film di John Woo, tornato in patria, dopo una lunghissima parentesi americana, che a parte la vertigine di Face/off non aveva prodotto nulla di lontanamente paragonabile alle sue opere hongkonghesi a cavallo tra gli anni ‘80 ed i primi anni ‘90.

La battaglia dei tre regni – Red Cliff arriva nelle sale occidentali in una versione completamente diversa da quella lanciata in Cina. Il film, originariamente diviso in due parti per una durata complessiva di 4 ore, è stato rimontato e condensato in un unica opera di 130 minuti: nel cast Tony Leung e Takeshi Kaneshiro.

Infine vi segnaliamo l’ultimo film di Heath Ledger, Parnassus, diretto da terry Gilliam e interpretato anche da Chrisopher Plummer e Tom Waits.

La parte incompiuta di Ledger è stata completata da altri tre attori Johnny Depp, Jude Law e Colin Farrell: presentato a Cannes fuori concorso è stato accolto con rispetto, ma senza entusiasmi.

Ora il verdetto della sala.

Weekend 23 ottobre 2009

Lebanon di S.Maoz *** vincitore del Leone d’Oro

La battaglia dei tre regni – Red Cliff di J.Woo ***

Parnassus – L’uomo che voleva ingannare il diavolo di T.Gilliam

Award-winning Hong Kong director Peter Chan was in Singapore on Monday to promote his upcoming blockbuster Bodyguards and Assassins (十月围城).

Costing more than US$23 million (S$32 million) to produce, Assassins and Bodyguards is a story based on a group of bodyguards protecting Sun Yat Sen from assassins in 1905 Hong Kong.

Produced by Chan and directed by Teddy Chan, Assassins and Bodyguards will feature more than 10 well-known stars across China and Hong Kong, making it one of the most eagerly anticipated Asian movies at the end of the year.

The stellar cast includes Donnie Yen, Wang Xueqi, Tony Leung Ka-Fai, Nicholas Tse, Hu Jun, Leon Lai, Eric Tseng, Li Yuchun, Simon Yam, Fan Bingbing, Zhou Yun, Wang Po Cher, as well as a guest appearance from Michelle Reis.  While in Singapore for the first round of publicity, Chan said the reason for selecting a star-studded cast was mainly due to commercial viability.

“I could have replaced Leon Lai and Maggie Cheung in Comrades with Chinese actors since the characters were supposed to be from China,” explained Chan, using his award-winning Comrades, Almost a Love story as an example to illustrate the importance of featuring well-known celebrities.

When the press asked Chan whose performance among the fourteen big names left a deep impression on him, the 45-year-old director listed two names: Donnie Yen and Nicholas Tse.  “The first one is Donnie Yen. In the past, I used to see him heavily involved in fighting scenes,” he said. “This time round, he has more emotional scenes as compared to the past and there were a few crying scenes where he was in his element.”

He then added that Yen is also a perfectionist: “(Yen) requested to include an action scene which eventually cost the team to exceed the filming duration for ten days.

“However, the effects turned out brilliantly and have never been seen before in an Asian film. Yen just went on with his role and did not ask for anything in return.”

Chan shifted his attention to Nicholas Tse next.

The 29-year-old actor plays an 18-year-old naive character, a drastic transformation from the usual cool and suave roles Tse usually undertakes.  “10 years ago, he had to act as a 30-year-old when he was 18,” said the producer. “Now, it’s the opposite. I was very surprised and pleased when he managed to bring out the innocence and naivety of his character. In the past, he just had to act cool. This is a refreshing change.”

Tse’s professionalism also etched a deep impression on Chan.  “There was a scene where (Tse) was beaten up by Hu Jun for protecting Sun Yat-San and he requested for a real fighting scene,” he said. “In the end, I got his close friend (a martial arts instructor) to punch him. The friend kept punching his face for more than 10 times till his face was swollen and I decided that was enough.”

While having a star-studded cast does have its perks, it is a big headache for the producers when the egos start kicking in. Did Chan encounter any particular problems?

“I faced more problems in Warlords (which feature Jet Li, Jackie Chan and Takeshi Kaneshiro). It doesn’t take 14 big names to create a problem, two is already more than enough to handle,” Chan laughed.

What about the rumoured disagreement between Donnie Yen and Leon Lai?

“There are absolutely no problems. Don’t believe the reports! The ones who are having problems are not reported instead,” said Chan, who has indirectly opened up another can of worms.

When pressed by the media to reveal which big names were giving him problems, the bespectacled director replied with laughter: “I would not tell you, of course.”

Trailer (English friendly):

bron: www.channelnewsasia.com, www.youtube

servizio di LUCA SVIZZERETTO

Anno 208: sono i giorni finali della dominazione della dinastia Han. Il primo ministro Cao Cao convince l’imperatore che l’unico modo per riunire tutta la Cina è dichiarare guerra ai regni confinanti di Shu e di Wu dell’Est: parte così una campagna militare d’inedite proporzioni, condotta dallo stesso Cao Cao. Per contrastare le forze che li stringono sotto assedio, i due regni attaccati decidono di stringere un’alleanza. Sarà l’inizio di una guerra combattuta per terra e sulle acque del fiume Yangtze, che culminerà nella Battaglia delle Scogliere Rosse, il cui andamento segnerà tutta la storia della Cina a venire. La battaglia dei Tre Regni è il film che segna il ritorno produttivo di John Woo in Cina da quando aveva abbandonato la natia Hong Kong alla fine degli anni Novanta.
Woo crea un film epico che aveva in mente da decenni ma per motivi di mancanza di mezzi non aveva mai potuto girare. Ora l’impresa gli è riuscita, sia grazie ai più moderni effetti speciali, sia per merito di una produzione da colossal, come al giorno d’oggi se ne vedono sempre meno, con la partecipazione di migliaia di comparse.
Una pellicola epica, ben fatta, strutturata, tecnicamente quasi perfetta. Attori perfettamente a loro agio nei propri ruoli e per questo protagonisti assoluti della produzione.
Nonostante la lunghezza, due ore e trenta minuti, il tutto scorre con grande velocità e ci si appassiona agli eventi minuto dopo minuto. Come dovrebbe essere in una storia di guerra come si deve.
Storico, appassionante e a tratti speciale questa la sintesi di un lavoro che merita di essere visto e goduto da ogni pubblico.

There are two reasons why I want to watch this film: 1. I love Chinese epic films and 2. I miss John Woo. He gave us Face/Off, my favorite action movie of all time. Tony Leung is in it too with Takeshi Kaneshiro.

Going into Friday night’s premiere of John Woo’s new period epic Red Cliff, I had mixed expectations.  Granted, Woo is one of the foremost action directors of my lifetime (see Harrison’s take on The Killer).  On the other hand, his last couple films geared towards American audiences unconditionally sucked.  Red Cliff  is a totally different affair.  Filmed in Mandarin, financed by the Chinese government and drawing from Chinese legend, Red Cliff feels liberated from the burdens of trying to please an American audience.  Its beatiful, it kicks ass, and yes, it has flying doves.

Set in 3rd century, the film centers around a battle between local warlords against the Prime Minister Cao Cao, who has pratically usurped Emperor Han’s throne.  Tony Leung (In the Mood for Love, Hero) stands out as the viceroy with a conscious, and rounds out a cast of superstar’s of Chinese and Hong Kong cinema.  Through clever tactics, courage and luck, the underdogs defeat the Prime Minister’s forces of nearly 200,000 in a series of water and land battles.  The film seemed to be equal parts 300, Braveheart and Crouching Tiger, Hidden Dragon.

The fight sequences are amazing.  Woo, famous for his bullet ballets, proves a master of cinematic sword fights as well.  With taiko drums pounding over the soundtrack, the heroes pierce, slap, punch, kick and dismember their enemies in Woo’s best action sequences since leaving Hong Kong for Hollywood in the early 90’s.

I attended the premiere with my friend and his wife, who is from China.  They informed me that the film departed from the previous versions of the legend in ways that angered those familiar with the story.  Woo, in the question and answer session following the film, defended his choices.  He explained that while working on the film, the world wide economy contracted, and that he felt more pressure to make the film uplifting and a greater desire to convey a message of courage in the face of extreme odds.  My friend Alex asked a great question about Woo and his trademark doves, which again are featured quite prominently.  Woo joked that his fans would be disappointed if he didn’t work in the doves.  He said it was his signature.