A funny and pretty cool Hungarian film about a kid that returns to Communist Hungary in the 50’s after having spent time in Rock ‘n Roll USA…. To find out more, check out “Made in Hungaria”

The frames worn by the great Rock ‘n Roll icon Fenyő Miki (Tamás Szabó Kimmel) are a pair of Tosca frames made in Hungary in 2003

Recondita armonia di bellezze diverse!
È bruna Floria, l’ardente amante mia,
e te, beltade ignota
cinta di chiome bionde!
Tu azzurro hai l’occhio
Tosca ha l’occhio nero!
L’arte nel suo mistero
le diverse bellezze insiem confonde:
ma nel ritrar costei
il mio solo pensiero,
ah! il mio sol pensier sei tu!
Tosca, sei tu!

Translation:
What subtle harmony

What subtle harmony of different beauties!
Floria, my passionate lover is a brunette
and you, unknown beauty,
are framed by fair hair
you have blue eyes
Tosca has dark eyes
the mysterious art
mixes the different beauties together:
but while I paint her
I only think
Ah! I only think of you
Tosca, of you!

Get a bunch of San Franciscans together over snacks and cocktails and invariably the conversation turns to, well, snacks and cocktails.  ”If you could only eat at one SF restaurant for the rest of your life, what would be?” “Best drink you’ve had recently?” “Best food neighborhood, GO!.”  Needless to say, like most big cities, its not just about sustenance and hydration, food and drink are a passion.  An obsession.

So whenever I’m asked “What’s your favorite bar in the City?” my answer is always immediate: Tosca.  In the interest of full disclosure I have to say that (1) I like bars, not clubs, (2) if I have to shout in a bar, I’ll leave, (3) I hate standing and drinking, so easy seating is very necessary, and (4) if I’m going to a bar and I have to think about what I’m wearing, I assure you, I’m probably not going to make it to that bar.

This is where Tosca comes in.  It’s a San Francisco institution that has sat on the main strip of North Beach (Columbus St.) for 90 years.  It’s unassuming in every way.  You would never know that its a favorite of famous visitors (I saw Naomi Campbell there once and Bono is known to go there when U2’s in town).  It is not a “cool” bar.  All the cool kids are across the street at Vesuvio, Kerouac’s old haunt (it’s on Jack Kerouac Alley, which is the alley next to the bar where Jack would puke and pass out all the time).  Hell, there usually aren’t kids here at all.  It’s a lot of older men and women, grabbing a martini or gimlet before heading home for the night.

I love a lot of bars in The City, but I only get excited to go to a small handful, and Tosca is tops on that list.  We always end up there on a cold/wet SF night, nights where I curse my decision to go with a scarf and North Face fleece instead of a heavy jacket.  I walk in cranky but the minute I see the dim lights, the long wood bar, and the bartenders in white shirts and waistcoats, I’m happy.  We’ve never had a problem grabbing one of the cushy red booths and sitting for hours, drinking beer and of course, their specialty coffees.  I love their irish coffee and another one (I think it’s called a Nightcap) that is bourbon based.

Seriously.  Tosca is the best.  I’m smiling just writing about it.

- Gyro

A polícia está dando a maior batida por conta de um assalto ocorrido no banco, quando param uma Kombi cheia de japoneses.
- Desce todo mundo! – ordena o policial. – Mãos na cabeça!
Eles obedecem em silêncio.
- Agora um por um, vai falando o nome – torna o policial. E eles:
- Sartamo Obanko.
- Matamo Okasha.
- Kontiro Nosako.
- Katamo Osnique.
- Saimo Koreno.
- Fugimo Nakombi.
- Osguarda Pararo.
- Tomamo Noku.

Stephen Fish

Stephen Fish, baritone apprentice to the Lyric Opera of Kansas City from the University of Missouri-Kansas City, recently checked in with us about his experiences this season. Read his impressions of the season so far below.

 

This season is off to a great start!  Tosca was a huge success, and a great learning experience for me personally.  I got to be on stage with some of the best singers I have heard so far in my short time in the busines.   I witnessed first hand how Greer Grimsley negotiates the demanding  role of Scarpia, and how he communicates the character so effectively.  Needless to say, I feel very fortunate to have had that experience!

Stephen Fish (center) in HMS Pinafore

This is my first encounter with Gilbert and Sullivan, and what a great experience it has been.  As a young singer, my charge is to work everyday on all aspects of my performance in hopes that one day I can have a career in this business.   It is incredibly valuable to work with the professional opera artists at the Lyric Opera, in terms of realizing what aspects of my craft I need to improve upon.  The HMS Pinafore cast is so great to work with, and very considerate of us younger artists.  They are all as adept in acting as they are in voice.  The best part is we get to watch them in rehearsals and see how they approach their roles, both dramatically and vocally.  Equally beneficial was the opportunity to work with Bill Theisen, who shaped a hilarious show, and communicates so well in rehearsals.  Also, The extended rehearsal period for this production gave us time to get to know one another and develop a rapport both on and off the stage.  All in all, HMS Pinafore has been an excellent educational experience, and a whole lot of fun from an apprentice point of view!

I am completely in love with the artwork of Tosca Hidalg y Teran of Nanopod Hybrid Studio. This Toronto artist makes jewelry and sculpture based on items normally found in science fiction novels and anatomy textbooks, and the results are stunning. All of her work is strange and beautiful, like it comes from some alien landscape or a biology lab of the future. You can check out her work at her Etsy shop, or you can visit her website at http://www.nanopod.tv.

inviato da: Milena Dolcetto Ufficio promozione e immagine Teatro Sociale di Rovigo

Dopo Il barbiere di Siviglia di Gioachino Rossini

il Teatro Sociale di Rovigo presenta un nuovo allestimento di TOSCA CONTINUA A LEGGERE: TEATRO SOCIALE DI ROVIGO – la 194ma stagione lirica presenta TOSCA 13 e 15 novembre 09

HAHAHAHAHAHAHAHA! Será que é de verdade? Fiquei na dúvida…

Cind vezi doar partea grava  si serioasa a lumii si  raceala, dar si noroiul care te ating fizic, parca simti nevoia si de  altceva;
am cautat in mine si nu am gasit nimic;

pina  revin deseara, tarziu, de la film (daca ma lasa vremea si nu numai….) Va las asta

multi poate isi reamintesc, altora, sper sa le placa

O zi buna tuturor!

Detta är excellens!

Så njutbart att se en mästare i arbete. Man kan bara ana vilka uppoffringar som finns bakom. Arbete, slit, möda. Sagan om den fattige pojken som togs om hand av Mishin, tränaren som var tuff och hård, men såg talangen. 1999 såg jag honom första gången. Då såg han ut så här:

Efter Turin har Plushky inte jobbat längre. Han ska visst vara i träning inför Vancouver. Jag känner mig lite tveksam inför det. Kommer det bli en avdankad gammal (Då endast 27 år) Matti Nykänen – aktig parodi på honom själv? Ska inte en mästare sluta när han är som störst? Vad har han gjort under de tre-fyra senaste åren då han inte tävlat? Den inte längre så fattige pojken har blivit stor stjärna, agerat bakgrundsisdansare på melodifestival, gift sig, fått barn, skilt sig, gift sig igen med melodifestivalstjärnans skivproducent. Har berömmelsen och all beundran stigit honom åt huvudet?

Vi vet inte. Kanske har han behållt greppet om sig, om skridskona, artisteriet, om isen. Evgenij Plushenko kanske kommer triumfera – igen. Jag hoppas det. För jag vill bli hänförd, se honom – inte bara tävla – men agera. Jag vill se när en människa visar vad denne kan göra när han är som bäst. Jag vill bli meddragen när han excellerar, överträffar sig och mig och alla andra.

Det är något med dessa stjärnor. Vi behöver dem. Jag behöver dem för att kunna sätta egna mål. Det ger mig tro på att det inom oss finns kapacitet, något vackert, utöver det vanliga. Det kanske inte finns just i mig, men om jag ger mig hän och dyrkar Evgenij, kanske jag kan sno åt mig en liten bit av hans glans och leva en bit på väg i min vardag med hjälp av det. Här ett klipp där han dansar till sin kompis, violinisten Edvin Martons musik. Godfather.

Pare a sua vida, respire fundo e veja esta tattoo descolada que o Bruno Gagliasso fez pra homenagear ‘uma mulher muito especial’.

Oi? Tem uma caveira dentro do olho!!!!! Será que é por que ela tem um olhar mortal? Aposto que sim!

#TARSOFACTS

Plácido Domingo / Foto: Richard Haungton / Fuente: www.placidodomingo.com

Plácido Domingo recibió de manos del rey Gustavo de Suecia el primer premio otorgado por la Fundación Birgit Nilsson por su trayectoria de casi 5 décadas. Además del reconocimiento, el tenor español recibió un monto equivalente a un millón de dólares

Aunque el premio se anunció desde el mes de febrero, la ceremonia se celebró el día de hoy 13 de octubre en la Ópera Real de Suecia, en Estocolmo, y contó con la asistencia de diversas personalidades además de los soberanos suecos. Fue justo en ese escenario donde la soprano Birgit Nilsson hizo su debút hace 63 años. La fundación y los premios fueron creados a solicitud expresa de la cantante sueca que aportó los recursos económicos necesarios y que, antes de morir, expresó su voluntad de otorgar el primer galardón a Domingo. El tenor  anunció que utilizaría el dinero recibido para a su vez crear un premio al mejor intérprete de ópera wagneriana en el marco de su reconocido certamen Operalia.

El premio Nilsson se entregará cada dos o tres años a los exponentes más destacados del mundo de la ópera y la música de concierto. En futuras emisiones, la distinción será otorgada por un jurado integrado por tres personalidades  designados por el Consejo de la Fundación.

Rutbert Reisch, presidente de la nueva institución, expresó que la artista sueca ”… quiso honrar a uno de los grandes cantantes de ópera de todos los tiempos, cuya contribución al mundo de la ópera y de los conciertos no admite comparación”.

Nilson y Domingo compartieron el escenario por primera vez en el Metropolitan Opera House de Nueva York, el 15 de febrero de 1969, durante una función de Tosca. En aquella ocasión, la cantante elogió ampliamente la interpretación del español.

En allant voir Tosca samedi, j’étais consternée de voir que le chef d’orchestre n’était pas James Levine, car c’est ce que j’avais écrit dans mon article de La Presse. Je croyais avoir fait une erreur, ce qui m’horrifie quand ça arrive. D’autant plus que mon collègue Claude Gingras ne manque jamais de m’en faire la remarque, ce qui m’inciterait à m’enfoncer six pieds sous terre si je n’étais pas déjà foudroyée sur place par la honte.

Si vous croyez que M. Gingras terrorise les musiciens avec ses critiques, imaginez-vous l’effet psychologique que cela peut produire d’écrire sur la musique classique dans La Presse quand on sait qu’il lira l’article et ne manquera pas d’en relever les moindres inexactitudes… en personne! L’autre jour j’avais oublié d’indiquer l’heure du concert de Leon Fleisher. Cela m’a valu un petit sermon. Toutefois, à sa défense, je dois dire qu’il est toujours très gentil avec moi, et j’ai beaucoup de chance car il semble apprécier ce que j’écris.

De toute façon, je crois qu’il a raison de souligner mes erreurs, car cela me permet de m’améliorer, et le simple fait de savoir qu’il inspecte tout à la loupe m’incite à encore plus de rigueur, pour ne pas dire de maniaquerie. Et de la rigueur, on n’en a jamais de trop en journalisme, surtout de nos jours, où il s’écrit n’importe quoi sur n’importe quoi! De plus, je dois dire que malgré son caractère un peu difficile, j’ai beaucoup d’admiration pour lui, et si je parviens un jour à avoir la moitié de ses connaissances sur la musique, je m’estimerai heureuse. C’est une véritable encyclopédie. Par ailleurs, on remarque que ses critiques se font de plus en plus souvent positives depuis quelques temps. Sans doute à l’exception de celle sur Martine La Chance parue dernièrement, disons!

Pour en revenir à Levine, bref, je me maudissais de mon erreur, mais en lisant la chronique du New York Times tout à l’heure, j’apprends que ça devait vraiment être lui le chef. Il se fait remplacer à cause d’une hernie discale. Ouf. Je ne suis pas fautive!

Antony Tommasini, critique musical du NY Times, n’a pas aimé la mise en scène de Luc Bondy, et il semblerait que le public non plus, car le metteur en scène a été fortement hué à la première. Il faut dire qu’ils sont habitués à la mise en scène de Zeffirelli depuis 1985. Cela fait des souliers par mal grands à chausser pour Bondy (un Français, qui, en passant, mâchait de la gomme sans la moindre classe pendant son interview dans les coulisses à l’entracte). Pour ma part je ne peux pas dire que j’ai été impressionnée non plus par la mise en scène, et je n’ai pas du tout aimé les décors, trop austères. Mais étant donné qu’au cinéma, les prises de vue rendent le tout moins statique et donnent un tout autre effet que dans une salle, conjugué au fait que les interprètes étaient excellents, cela ne m’a pas dérangée outre mesure. (Et Tommasini a fait lui aussi l’éloge de Marcelo Alvarez.)

Au sujet de cette controverse, il faut lire l’article de l’envoyé spécial du Monde à New York. Très surréaliste de lire un journaliste français critiquer le public new-yorkais pour avoir hué un metteur en scène français. Cela fait chicane de village…global!

Voici maintenant la courte critique du NY Times.

TOSCA (Saturday and Wednesday) Say what you will about Franco Zeffirelli’s extravagantly realistic 1985 production of Puccini’s “Tosca,” it was a hit with audiences. A similar future does not look likely for the Met’s new production. On opening night the cast was cheered, but the director, Luc Bondy, and the production team were vehemently booed. The sets give the staging a stark, forbidding and, in Scarpia’s study, a strangely garish look. But it is Mr. Bondy’s attempt to flesh out the dark side of the opera that goes seriously wrong, especially in his handling of Scarpia, who becomes a cartoonish villain and sadistic weirdo. The charismatic soprano Karita Mattila may not be the vocal ideal as Tosca, but she sings with gleaming sound, intelligence and fearless abandon. The tenor Marcelo Alvarez excels as Cavaradossi, singing with Italianate style and impassioned expressivity. The baritone George Gagnidze brings his leathery, bellowing voice to the role of Scarpia, but cannot survive the tasteless excess of Mr. Bondy’s conception. James Levine has withdrawn from the run because of a herniated spinal disc requiring immediate surgery. The conductor Joseph Colaneri will take his place for the performances this month.

Et pour y aller dans les potins, voici que le New York Post nous apprend que la production a coûté tellement cher que le Met a des problèmes financiers. Tout ça à cause d’un baryton finlandais…

Pricey pullout rattles Met

Metropolitan Opera General Manager Peter Gelb is having trouble cutting costs. While all the company’s nonunion workers took a pay cut of 10 percent, Gelb has had to blow some coin on the disastrous “Tosca” after audiences booed its debut. “They’ve spent $50,000 attempting to relight the dreary production, to no avail,” said one source. But an even bigger waste was the hiring of Finnish baritone Juha Uusitalo, who pulled out before the season even began. “Gelb had to have him as Scarpia and bought out his [Finland] season’s contract — a disaster,” said our insider. The Met attributed his dropping out to “illness.” “His performances were canceled, and they’re now paying him not to sing in both Scandinavia and New York,” our source said. A Met rep said, “As a matter of policy, we don’t comment on production costs or artists’ compensation.”

Ta en svartsjuk operadiva, en ung ädling på flykt från fängelset och en konstnär som är djupt förälskad i operadivan. Lägg till en grym och sadistisk polischef, kärlek, död och Puccini – skaka och du får operan Tosca. Det var den som stod på programmet i går kväll när säsongens satellitsändningar från Metropolitan hade premiär. Sändningen gick till 42 länder på sex kontinenter och just nu kommer jag inte ihåg hur många människor runt om i världen som satt bänkade för att njuta i precis samma stund jag gjorde det. Häftigt är det iaf!

Det är Folkets Hus runtom i landet som storsatsat på att bygga tekniskt avancerade anläggningar som gör det möjligt att ta emot den här typen av sändningar. Oftast finns de här anläggningarna på små orter och det var därför vi satte oss i bilen och åkte rätt ut i skogen. Föreställningarna har blivit enormt populära och säsongens biljetter till “vårt” ställe sålde slut på tio minuter i våras. Här kan du läsa mer – och jag rekommenderar verkligen ett besök. Det är en upplevelse även för den som kanske inte har opera högst upp på favvolistan.

Nu laddar vi för Aida som kommer upp om två veckor. Den har jag inte sett sedan jag var tretton år, så det ska bli riktigt spännande.

This was a new production by Luc Bondy, with Karita Mattila as Tosca, Marcelo Alvarez as Cavaradossi, and George Gagnidze as Scarpia. All three sang and acted their parts with complete conviction, which made for a moving experience. Karita Mattila was a very jealous and emotional Tosca, even destroying her lover’s painting in Act I. Marcelo Alvarez was in glorious voice as Cavaradossi, showing passion and restraint. And George Gagnidze, whom I’ve not seen before, was riveting as Scarpia — his eyeballs at times being completely surrounded by the whites of his eyes —looking and acting like a controlling demon. Paul Plishka as the Sacristan in Act I performed like a weak little man fearful of anyone stronger.

A small difference from the usual staging was in Act II when Tosca kills Scarpia — she had secreted a knife by her side while lying on the couch awaiting his attentions, and thrust it into his groin, so the murder was not merely a spur of the moment decision. Another small difference was right at the end when she flees up the steps to the battlements — instead of throwing herself off, away from the audience, she threw herself forward from the tower, and the lights immediately shut off. It is difficult to know how effective this would be in the theatre — it might look a bit contrived since there had to be a harness to hold her back as the lights went out. But overall — and it really is the overall effect that counts — I thought the production was eerily dramatic.

The boldly stark designs by Richard Peduzzi were effective, and I very much liked the costumes by Milena Canonero. In Act I, Scarpia looked like an outsized beetle in the church, but why not, and later in Act II he was accompanied by three pretty whores, showing that this beetle had at least a strong libido. He is not simply a sadistic chief of police, and his desire for Tosca is more than a desire for sex — he wants to conquer her. The lighting by Max Keller was dark in Act I and very dark in Act III, never lightening up towards dawn, as far as I could see. Of course it is difficult to judge from a cinema screen, and it may have been the fault of camera work on a zoom lens, but the procession in the church in Act I appeared unnatural and looked as if it was almost on top of Scarpia. Such quibbles aside, I find it surprising that the production team was booed on the first night.

The music was well paced by Joseph Colaneri, replacing James Levine who is injured but had already conducted the first night.

Je le déclare officiellement: je suis désormais amoureuse du ténor argentin Marcelo Alvarez. J’arrive de voir Tosca en direct du Met au cinéma, et c’était vraiment superbe. Les trois interprètes principaux étaient renversants, mais lui, lui! Quelle voix, quelle expression, quel charisme et quelle présence sur scène!

Marcelo Alvarez dans Carmen

Les reportages en coulisses pendant les entractes sont fort intéressants, et on a eu la chance d’entendre une entrevue avec lui. C’est là que j’ai craqué pour de bon, car à son talent s’ajoute un charme irrésistible. L’opéra au cinéma est vraiment une formule gagnante, d’ailleurs, on a appris que c’est maintenant diffusé dans 42 pays (j’avais écrit “plus de 17″ dans mon article car c’était la dernière information disponible). Ces entrevues sont une occasion de découvrir les artistes sous un jour plus naturel et de les écouter parler de leur art.

C’est une idée géniale que les gens du Met ont eue de diffuser leurs productions à grande échelle. Plus de gens ont accès à l’opéra et plus de gens peuvent le découvrir pour la première fois dans des productions de très grande qualité. C’est l’un des meilleurs exemples de ce que la technologie peut faire pour rendre service à la culture.

J’ai acheté mes billets pour les huit autres productions, une façon très agréable de passer ses samedis après-midis maintenant que la saison de vélo tire à sa fin. Rendez-vous dans deux semaines, pour Aida, de Verdi. J’ai vu un montage de “previews” des prochains opéras, et ça promet d’être spectaculaire.

D’après ce que j’ai vu, les décors des prochains opéras seront plus beaux que ceux de Tosca, qui étaient sombres et un peu tristes. Mais on l’oubliait facilement devant tant de talent. Pour ceux qui ont manqué leur chance, il sera rediffusé intégralement le 31 octobre. La liste des cinémas participants est sur le site de cineplex.

Rien à voir avec le vélo, mais…

J’ai eu tellement de plaisir à écrire cet article publié aujourd’hui dans La Presse que je ne peux résister à l’envie de le mettre sur mon blogue, car après tout, celui-ci a été créé pour me permettre de parler “de vélo, de voyages et autres grands plaisirs de la vie”.

Quand j’étais jeune je voyais l’opéra à la télévision à l’émission Les Beaux Dimanches et je croyais que c’était quelque chose d’infiniment ennuyeux. C’était normal, car, d’une part, je n’avais pas la culture musicale nécessaire pour l’apprécier, et d’autre part, voir et entendre l’opéra à la télé n’est pas une bonne façon de s’initier.

L’opéra au cinéma, par contre, en est une excellente. Au lieu de payer un billet 75$ et plus pour l’Opéra de Montréal, on paie seulement 25$ et on a droit aux meilleurs chanteurs dans l’un des meilleurs opéras du monde, avec des gros plans et tout et tout.

À mon avis, la première expérience d’une personne à l’opéra doit se faire avec une oeuvre accessible, présentée dans une mise en scène captivante, et le fait de bien voir les interprètes est très important. La première fois que je suis allée à l’opéra c’était le Chevalier à la rose de Richard Strauss, et j’étais assise dans la dernière rangée de la Place des arts. Les personnages sur la scène étaient minuscules, et, en plus, Strauss n’est pas le plus accessible des compositeurs. J’ai cru que je n’aimais pas l’opéra à cause de tout cela. Mais si votre première expérience n’est pas concluante, il faut lui donner une seconde chance. J’ai déjà entendu des gens dirent qu’ils n’aimaient pas l’opéra quand, en fait, il ne sont jamais allés!

J’ai donc eu le coup de foudre pour l’opéra en assistant à La Bohème de Puccini au Grand-Théâtre de Québec, plusieurs années après ce rendez-vous raté avec Strauss. Décors et costumes somptueux, interprètes remarquables, histoire et musique émouvante, tout y était pour que je découvre qu’en fin de compte, j’aimais l’opéra!

Mais quelqu’un qui aurait vécu sa première expérience à l’opéra en assistant à MacBeth pendant la dernière saison de l’Opéra de Montréal, dans l’imbuvable mise en scène de René-Richard Cyr, en aurait sûrement conclut qu’il déteste. Bref, avant de juger, assistez à quelques productions différentes car si vous n’aimez pas la première fois, c’est peut-être tout simplement parce que vous avez eu la malchance de tomber sur une mauvaise production, ou sur une oeuvre plus difficile pour le profane.

Avec l’opéra au cinéma, vous avez la chance de tenter l’expérience plusieurs fois sans dépenser une fortune. Un autre truc pour mieux apprécier l’opéra: avant d’y aller, faites quelques recherches sur l’internet pour vous familiariser avec l’histoire et les noms des personnages principaux. Ou mieux encore: allez sur Youtube écouter les principaux airs de l’opéra en question, chantés par différents interprètes. Quand vous les entendrez par la suite pendant l’opéra, vous serez ravi de les reconnaître!

Et ce qui est le plus merveilleux avec l’Opéra au cinéma, c’est qu’il va me permettre de voir neuf oeuvres différentes en moins d’un an, pour le tiers du prix d’un abonnement à l’Opéra de Montréal, qui présente seulement cinq productions (auxquelles j’assisterai tout de même…)

Assez de bavardage, voici enfin l’article.
Dans un opéra près de chez vous

L’art lyrique est de retour sur nos écrans avec la série “Metropolitan Opera, en direct et en haute définition”, dont c’est la première aujourd’hui. On présente Tosca de Puccini dans une nouvelle mise en scène. La soprano finlandaise Karita Matilla interprète le rôle-titre, et la direction musicale est assurée par James Levine.

C’est une quatrième saison pour cette formule qui démocratise l’opéra en donnant la chance au public du monde entier de voir et d’entendre les artistes du Met en direct sur grand écran. L’objectif du Met était d’élargir son public en se lançant dans cette entreprise de diffusion à grande échelle. Celle-ci ne cesse de prendre de l’expansion, et les représentations ont maintenant lieu dans plus de 17 pays.

La programmation de cette année fera place à neuf chefs-d’oeuvre très appréciés des mélomanes. Tosca de Puccini, Aïda de Verdi, Turandot de Puccini, Les Contes d’Hoffmann d’Offenbach, Der Rosenkavalier de Richard Strauss, Carmen de Bizet, Simon Boccanegra de Verdi, Hamlet de Thomas et Armida de Rossini sont au menu et présentés une seule fois en direct, jusqu’en mai prochain. Des rediffusions intégrales sont prévues quelques semaines après la première pour chacun des opéras.

Plácido Domingo

Parmi les faits saillants de cette saison, mentionnons la présence de Plácido Domingo dans le rôle-titre de Simon Boccanegra, et la mise en scène de Franco Zeffirelli pour Turandot, dans une production devenue un classique du répertoire du Met et favorite du public.

Si, pour vous, l’opéra sur écran évoque surtout des souvenirs d’enfance de l’émission Les Beaux Dimanches, sachez qu’il s’agit là d’une expérience totalement différente. La technologie moderne permet des plans rapprochés, une image impeccable, une meilleure vue du jeu des acteurs que si l’on était assis dans la salle, sans oublier le son diffusé en ambiophonie.

Les opéras étant diffusés en direct, l’on devait aussi trouver un moyen d’occuper le public de cinéma pendant l’entracte. La question a été résolue par un reportage dans les coulisses du Met. Il permet de visiter l’envers du décor et d’observer le travail qui se déroule en catimini. L’an dernier, la soprano américaine Renée Fleming animait ces incursions, interrogeant au passage artistes, maquilleuses et autres complices du spectacle.

Une formule populaire

Avec des prix allant d’environ 22 dollars par opéra pour les abonnés, à 25 dollars pour l’achat d’un seul billet, il s’agit d’une bonne façon de s’initier à l’art lyrique, et le public y adhère avec enthousiasme. Le succès de la formule ne se dément pas, selon Isabelle Gosselin, porte-parole de Cineplex Divertissement.

La possibilité d’accéder à deux pas de chez soi aux productions de l’une des plus grandes maisons d’opéra du monde en fait un événement très couru.

“L’an dernier, plusieurs représentations ont fait salle comble et la production la plus populaire, Madame Butterfly, a été rediffusée deux fois pour répondre à la demande”, indique Mme Gosselin. La chaîne Cineplex a d’ailleurs augmenté de 10% le nombre des salles qui diffusent l’événement cette saison.

Au cours des années précédentes, beaucoup de spectateurs arrivaient sur place deux heures avant le début de la représentation pour s’assurer les meilleures places. Ce ne sera plus nécessaire, puisque désormais, certains des cinémas participants de Cineplex Divertissement offrent la possibilité d’obtenir des sièges réservés.

Opéra de Montréal

Quant aux amateurs d’opéra de Montréal, ils pourront, s’ils le souhaitent, comparer deux interprétations d’une même oeuvre. En effet, deux des productions à l’affiche, Tosca et Simon Boccanegra, sont aussi au programme de l’Opéra de Montréal cette année.

Des abonnements sont encore disponibles. Pour s’abonner, on doit se présenter dans un cinéma participant. Au total, 22 cinémas diffusent l’opéra en direct du Met au Québec. En dehors de la grande région de Montréal, on peut y assister à Québec, Trois-Rivières, Gatineau, Granby, Drummondville, Sherbrooke et Jonquière. L’horaire des représentations et la liste des cinémas sont disponibles sur le site cineplex.com sous l’onglet “événements”.

Ibland drabbas jag av husmorsryck och serverar gammaldags, rekorderlig husmanskost till familjen. Idag var det dags igen och jag har bjudit på egenhändigt rimmad och sedan kokt saltrulle, skuren i tunna skivor och rotmos. Mums!

Nu återstår det att se om husmorsrycket har gått över till i morgon – det kommer att visa sig när jag ska ge mig i kast med en stor bit högrev som ligger och tinar i kylskåpet. Blir det kalops är husmor kvar Det är inte helt otänkbart att det blir en rejäl Boeuf Bourgignon som ska puttra på spisen halva dagen ( det ska bli urtrist väder i morgon) och i så fall får man väl anta att det svenska husmorsrycket fått en fransk touch.

Ikväll är det äntligen dags för premiär på satellitsändningarna från Metropolitans matinéföreställningar. Kärleken och jag ska lasta bilen full med goda vänner och åka rätt ut i skogen för en kväll med härlig musik. Tosca står på programmet ikväll och det är (ännu en) sorglig historia, så det är bäst att ladda med stora näsduken.

            The musical language of the 20^thcentury hasn’t been congenial to comic opera. There have been attempts at the form, some of them perhaps successful. But there have been a lot of dead ends, too, including the absurdist non-sequitur style of John Cage’s Europeras, and the retrograde rehash style of John Corigliano’s Ghosts of Versailles. Cage’s operas started emerging in the late ‘80s, and Corigliano’s Ghosts, which he called a “grand opera buffa,” followed in 1991. The former—random juxtapositions of musical and dramatic elements—were a negation of opera, the later—a craven return to the supposed spirit of Lorenzo Da Ponte, librettist of Mozart’s greatest works—a negation of the negation.

            Well before either of those empty gestures there was György Ligeti’s 1978 Le Grande Macabre, one of the essential works of 20^th century opera history, and a comedy. It is a maddeningly difficult opera to find in America, but it just finished a wildly successful run at London’s English National Opera. As Richard Steinitz puts it in the program booklet, “Since its premiere in Stockholm in 1978, Le Grand Macabre has had twenty-five different productions in Europe and Scandinavia, plus one in America…” That pretty much sums up the state of the art on this side of the Atlantic. After watching this stunningly interesting production, I had a feeling of deep sadness about the opera world in the U.S. Even (especially) critics have become complacent.

            The ENO production is a collaboration with three other companies, and has already been seen in Brussels and Rome. It moves on next to Barcelona. The concept, design and direction is all the work of a radical theater cooperative called La Fura dels Baus, which staged the work on, in, around and atop a huge fiberglass cast of a naked woman. Detachable nipples provided hiding places for an amorous young couple. Her vulva was used frequently as an entrance and exit. The opera, and the production, are wildly ribald, often obscene, hysterically funny and, in the end, rather touching.

            I’m a skeptic when it comes to the excesses of regietheater, which has become simply conventional theater practice by another name. But Ligeti’s opera and La Fura dels Baus’s style are perfectly matched. The libretto is a series of loosely connected scenes, unified by the presence of the Grande Macabre, a grim-reaper figure who has come to destroy the world. Inhabiting the wide open spaces around this loose narrative are sad and tragic figures, vindictive wives, craven husbands, corrupt politicians, narcissistic rulers and indifferent young love birds, all drawn from the spirit of paintings by Breughel. The setting is “Breughelland.” There is murder, mayhem and sadism, and the whole spectacle takes place under a very 1970s sense of imminent thermonuclear doom. Ligeti’s work cries out for theatrical excess, and La Fura dels Baus provides.

            So where, in this dark recipe, is the comedy? There is plenty of grim and profane slapstick in the first three scenes of this four-part opera. But the real comedy, the comedy that connects this work to deep, philosophical comedy of Shakespeare and Mozart, is in the ending. The Grande Macabre, a.k.a. Nektrotzar, drinks to excess, and forgets his mission. The world is left undestroyed, which is about as much old-fashioned comic resolution as we can expect in our troubled, post-Hiroshima world. We are all, in a sense, survivors of a catastrophe that has yet to happen (which is also the theme of Elliott Carter’s 1999 opera, “What Next?”). The comedy is intellectual and spiritual, leading, in the end, to a marriage of Man to his existential condition, a reconciliation which is summed up in one of the more transcendent moments: “Fear not to die, good people all!”

          Death will come, when we know not. So: “Farewell till then, live merrily in cheerfulness!” And what of that cheerfulness? In Breughelland, just this: “We have a thirst, so we are living…” I drink, therefore I am. This isn’t Benny Hill and it isn’t a Hugh Grant romcom. It’s hard, flinty, sad, but ultimately liberating stuff.

          For all his efforts to undo the conventions of traditional opera, Ligeti knew the history and form well, and he deploys traditional elements subversively. Gepopo, the chief of the secret police, is a coloratura soprano, an interesting inversion of what we expect, but also a reference to the Queen of the Night, who is an inverted authority figure herself. The two lovers, whose search for a safe amorous refuge opens the opera, are both sung by women, in the tradition of Rosenkavalier, which was a throwback to earlier, Baroque conventions. And Prince Go-Go, a manic, preening figure who reveals the hollow nature of political power, is a countertenor, also in the tradition of Handel and earlier composers. These higher-lying roles, for some reason, brought out the best performances of the evening, including Susanna Andersson’s fearless Gepopo (and Venus too, in a bit of double casting), Frances Bourne’s Amando and Rebecca Bottone’s Amanda, and Andrew Watt’s Prince Go-Go.

            It all came together wonderfully well the night I attended, and though it’s not an opera you want to see every week or every year, it’s an opera that ought to be seen here. And the same can be said of the work of La Fura dels Baus. It’s hard to imagine what Metropolitan Opera audiences, offended by Luc Bondy’s new Tosca, would make of this Catalan theater troupe. But it would be fun watch.