GLEICH unterstützt die Kölner Nachwuchsfilmemacherinnen Marina Klauser & Pia Hellenthal: Macht mit und votet für den Film der Studentinnen der Kölner KHM!

Cross sections in space

“A series of four translucent screens, each representing a solid cross section of time and space. Virtual 3D bodies passing through the sections deflect and ricochet thousands of surrounding light particles. The viewer directly affects the gravity, direction and speed as they walk through the space. Beautiful and infinite formations are created.”

rinpaeshidan

“Rinpa” bedeutet Leute zusammenzubringen und “Eshidan” heißt Kusntgruppe. Die Rinpa Eshidan ist somit ein Team von Künstlern, die zusammen ein Kunstwerk erarbeiten.

Gegründet vonf Noiz-Davi, Daisuke Yamamoto, D.H.Rosen, Akari Sasai and XOLA . Die Gruppe performt Live-Kunst-Events und erstellt Aktionskunst in Videos. Die Dokumentation des kreativen Prozesses während das  Kunstwerk entsteht ist dabei ein Teil der Kunst.

Man nimmt 3 Youtube-Videos, stellt sie neben einander und schafft damit ein Ganzes: Die Zigarette für zwischendurch oder danach.
Auch wenn die grafische Umsetzung klobig daherkommt, die Idee ist kreative Hochleistung, das Timing ist gut:

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Ich betrat den Ausstellungsraum durch einen schwarzen samtenen Vorhang und mein erster Gedanke war: „Ist das dunkel hier“. In der Ferne konnte ich eine Bank erkennen, also bewegte ich mich vorsichtig aber bestimmt darauf zu und setzte mich. Der abgedunkelte Raum war ziemlich klein und mit Ausstellungsobjekten ausgefüllt, so dass ich nicht auf die Idee kam herumzuwandern. Vor mir auf dem Boden lagen Spiegel, die mit etwas Schleimigem bedeckt waren. Später las ich dann im Pressetext dass es sich dabei um Schleimpilze handelt, die mithilfe von Haferflocken und Wasserspritzern am Leben gehalten werden. Darüber hing ein grosser Flachbildschirm von der Decke, auf dem ein Video zu sehen war.

Die Handlung im Video ging von einem Sänger und einer Frau am Akkordeon aus, die auf einer Wiese platziert waren und deren Musik wie eine Mischung aus traditionellem Volksgesang und Katzenjammer klang. Diese rituell anmutenden Klänge waren das ganze Video über hörbar und verstummten erst zum Schluss. Nachdem sie eine Weile musiziert hatten, gesellten sich vier verkleidete Menschen dazu und umstellten die beiden Musiker. Sie trugen Tiermasken und Menschenbekleidung und stellten ein Affe mit Tiara, eine Plüschkuh, ein Teddybär und ein Kuschelhase dar. Mit von der Partie war auch eine weisse Schneeeule, die langsame abrupte Kopfbewegungen nach rechts und links vollzog, wie es für eine Eule typisch ist. Sie sass auf einem Holzständer, den ich sofort wiedererkannte, da dieser als Ausstellungsobjekt rechts neben der Bank präsentiert war. Ich begriff nun, dass die Objekte im Raum alle auch im Video verwendet wurden. Beim weiteren Betrachten des Videos begann ich nun vermehrt darauf zu achten, in welchem Kontext die im Ausstellungsraum präsentierten Objekte verwendet werden. Die vier Chimären (Mischwesen) wurden nun aktiv und stellten Pappaufsteller mit Wolfsmotiv auf. Als das ganze Rudel anwesend war, stieg die Tonlage des Sängers immer höher und höher an, fast so als ob Wölfe jaulen würden. Schliesslich wurde ein kleines Gewächshaus gezeigt, indem per Fernsteuerung ein Feuerwerk gezündet wurde. Auch dieses Requisit kam mir bekannt vor, denn das Gewächshaus stand links neben mir im Ausstellungsraum.

In diesem Video wurde eine Welt gezeigt, die mir äusserst fremd vorkam, da die Handlungen scheinbar keinen logischen Sinn ergaben. Die Stimmung im Video sowie im Ausstellungsraum empfand ich als mystisch und fabelhaft. Dies weil Chimären und Wölfe gezeigt wurden, beides Wesen, die ich mit Märchen oder eben Fabeln in Verbindung setze. Der Raum war warm, dunkel und feucht, die Luft etwas abgestanden, wodurch diese Märchenstimmung erst richtig zur Geltung kam. Die rituellen Klänge versetzten mich in einen fast meditativen Zustand.
Es wird im Video also eine Art Zauberwelt kreiert, die in den Ausstellungsraum überquellt und von ihm Besitz ergreift. Auf der Bank sitzend, fühle ich mich in diese Welt integriert. Ich fühle mich inmitten des Prinzips.

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Der fünfte Berliner Preis der Nationalgalerie für junge Kunst geht an den in Jerusalem geborenen und in Berlin lebenden Medienkünstler Omer Fast. Er erhielt die mit 50 000 Euro dotierte Trophäe: ein von Joseph Beuys 1968 signiertes Holzkistchen.

Transitland is een archief van videokunst die de afgelopen twintig jaar in Centraal- en Oost-Europa geproduceerd werd. Het is de bedoeling op die manier een beeld te geven van de transformaties in die regio sedert de val van de Berlijnse Muur. De presentatie van de videokunst wordt gekoppeld aan een reflectie op de complexe veranderingen die sedertdien in het voormalige Oostblok hebben plaatsgevonden. De website presenteert een selectie van honderd video’s. De video hierboven is van de Russische Radek Group.

Vrijdag 18 september is het zover: dan gaan zeven bloggers aan de slag over de vraag ‘hoe actueel zijn de thema’s uit de tentoonstelling Alfred Stevens nog?’
Dit zal resulteren in een visueel product, zoals een korte film of een fotoserie. Het eindresultaat wordt gepresenteerd in het Van Gogh Museum op drie avonden in januari. De deelnemers aan het project zijn afkomstig uit verschillende kunstzinnige disciplines zoals fotografie, videokunst en theatervormgeving:

• Daan Dirk de Jonge: beter bekend als VJ Daan, treedt regelmatig op in Paradiso en op festivals
• Dennis de Groot: grafisch ontwerper, fotograaf en VJ
• Geertje Geurtsen: theatervormgeefster
• Lisa Kortenhorst, eigenaar van een galerie, freelance fotografe en ze maakte de films bij (DE)-Constructing me
• Niels Arnbak: copywriter en organisator van feesten
• Kunstenaarsduo Yafit Taranto en Yael Assaf: Yafit is multidisciplinair kunstenaar;  Yael is visueel kunstenaar en filmmaker. Onder de naam ‘Ground Control’ werken Yafit en Yael samen aan creaties van uiteenlopende aard.

Veel succes!

“Head #01″ ist eine TV Installation des dänischen Künstlers
Carl Krull, und der erste einer ganzen “Familie” aus TV Köpfen.

Tonaufnahme eines Gespräches zwischen
Allen Bukoff und George Maciunas.
Maciunas war einer der Begründer der
Fluxusbewegung in den 1960er Jahren.

www.fluxus.org

“Body Paint” von Mehmet Akten ist eine interaktive Videoinstallation die es dem Benutzer erlaubt, mit seinem Gesten eine virtuelle Leinwand zu bemalen.

Die Installation arbeitet mit Infrarot-Kameras und einer auf Basis von openFrameworks und openCV programmierten Software die Faktoren wie Bewegungsstärke, Richtung, Entfernung und Geschwindigkeit in Form von Pinselstrichen visualisiert.

Im März 2009 hat Miss Martini die Installation von Body Paint im Tyneside Cinema, Newcastle für eine Tanzperformance genutzt.

music “Kill me” by Dave Focker.

“(Entlastungen) Pippilottis Fehler”
Video, Farbe, Ton, 11:17 Min., 1988

Pippilotti Rist (*1962, Grabs, Schweiz)

Link zum Video: http://www.youtube.com/watch?v=8DLuj-xMphQ

Atemberaubende Projektionen auf die Fassade der Galerie der Gegenwart.

Production: urbanscreen.com

Art Direction: Daniel Rossa – rossarossa.de

3D Operator: David Starmann
Sound Design : Jonas Wiese

Heute war ich in Düsseldorf in der Ausstellung “FRAGILE” in der Julia Stoschek Collection.

“Mit dem Titel Number Two: Fragile präsentiert die Julia Stoschek Collection
die zweite Ausstellung aus dem privaten Sammlungsbestand von Julia Stoschek.

Hauptthema der Ausstellung ist der Aspekt der Körperlichkeit in Video,
Installation und Fotokunst, mit der vor allem Künstler der Body-Art und
Performance Kunst seit den 60/70er Jahren experimentieren.”

Die Ausstellung zeigt eine wirklich umfangreiche Sammelung  zeitbasierter Kunst.

Aus den 1960er und 70er Jahren mit Arbeiten auf 16mm-Film und den ersten Arbeiten auf Video von
Marina Abramovic, Vito Acconci oder Bruce Naumann.
Bis hin zu zeitgenössischer Kunst von Terence Koh oder Mika Rottenberg.

Ein Besuch ist sehr zu empfehlen. Die Ausstellung geht noch bis zum 01.08.2009.
Ein Besuch ist telefonisch anzumelden.

Ich habe die Dokumentationen der von Vertigo Systems entwickelten Hard- und Software erhalten
und angefangen Ideen für die Gestaltung des Videomaterials zu skitzieren.
Im lauf der Woche werde ich einen Arbeitsplatz in der Agentur bekommen, von wo aus ich dann
erstelltes Material direkt an den Systemen ausprobieren kann.

Am Wochenende war die Jahresausstellung der Kunsthochschule für Medien Köln.
Habe ein paar interessante Eindrücke sammeln können. Es gab ein Reihe Arbeiten aus
dem Bereich Videokunst. Interaktion spielte, zumindest in den Videoinstallationen,
leider eine eher kleinere Rolle.

Weiterhin habe ich die Literatur Seite upgedatet.

So, jetzt tauche ich doch nochmal hier auf Und zwar möchte ich augenblicklich nicht über einen Song oder Künstler reden, sondern mal ein neues “Medium” für Musikübertragung vorstellen: PutPat.tv.

Ich hab mich vor einigen Tagen mal mehr oder weniger aus Neugier angemeldet. Das Teil ist noch in der Betaphase, deshalb hab ich eigentlich gar nicht damit gerechnet, dass die mich zum testen einladen. Aber siehe da: Zwei Tage später hab ich die Mail im Postfach und seitdem bin ich abhängig.

1. Putpat spielt Musik, wie es ein Musiksender tut. Ohne lästiges Programm, keine Handywerbung, die Auflösung ist pervers geil und die Bedienung kinderleicht. Da es nicht so viele Funktionen gibt (und ich plädiere für das Motto: Weniger ist mehr!), kann man kaum was falsch machen. So intuitiv, so großartig.

2. Es gibt vorinstallierte Channel (ich habe mich in “Retro” verliebt) und es gibt die Möglichkeit, seine eigenen Lieblinge spielen zu lassen. Dafür gibt man eine Auswahl der Künstler an, die man gerne hören würde und kann in einem süßen “Equalizer” einstellen, wie viel Prozent jeder Künstler erhält (also die quantiative Spielrate). Das beste ist, dass das ganze Last.FM-Kompatibel ist. Man gibt seinen Account-Namen an und schon hat man sozusagen seinen eigenen “Empfehlungs-Channel”. Nur scheint es irgendeinen Fehler zu geben: Bei mir wird ständig Kylie Minogue gespielt… ein Phänomen…

3. Klar, jetzt könnte man sagen: Langweilig. Das gleiche habe ich schon in Form von YouTube und Last.FM usw. Das stimmt aber so nicht ganz. Ich habe jetzt Sender, die wirklich gut sind, Videos in hochqualitativer Auflösung und die passenden Songs dazu. Das macht Spaß und lenkt ein bisschen davon ab, dass ich das Medium “Musikfernsehen” schon totglaubte. PutPat macht das richtig, was MTV und Viva falsch machen.

Ich hoffe wirklich inständig, dass der Sender kostenlos bleibt. Klar müssen die sich auch monetarisieren, ich nehme die Werbung gerne in Kauf (so lange sie nicht alle 10 Sekunden auftaucht oder gar hochgepitchte Viecher promoted, die man sich auf sein Mobiltelefon laden kann) dafür, dass das einfach geil ist.

Jedem also zu Empfehlen: Auf PutPat steuern und eine Einladung zum Betatest abgreifen

I alt snakket om 3D-film kan det være lett å glemme at også 2D kan brukes tredimensjonalt. Dette skjer i kunstverdenen, hvor bevegelige bilder og lyd anvendes som integrerte deler av en større rominstallasjon. Riktignok kan disse verkene ha variabel kvalitet og kompleksitet. Ofte blir vi avspist med en flimrete videoskjerm bak en mørk gardin, noe som sikkert er grunnen til at videokunst sjelden har funnet gehør hos tradisjonelt filminteresserte. Desto hyggeligere er det å en sjelden gang finne noen som har greid å sette sammen lyd, film, stillbilder og fysiske konstruksjoner til en vellykket totalopplevelse. Denne helgen kan vi finne et slikt eksempel i Oslo, hvor Mercedes Mühleisen viser sin mystiske installasjon Kneipp Sleeps Alone (a journey should be done alone and by oneself because the heart is a lonely hunter).

Det hele foregår relativt bortgjemt i det gule lagerskuret som for tida er kunstakademistudentenes utstillingslokale på Vestbanetomta, kalt Galleri 21.24 og 21.25. Mercedes Mühleisen er BA-student og mest kjent som den ene halvparten av performancegruppa Slutburger. Makkeren Stine Sterk står for musikken, på noe jeg først tror er et balkaninspirert sigøynertrekkspill, men som viser seg å være et lite oransje elektronisk piano.

Navnet på utstillingen, Kneipp Sleeps Alone (Kneipen sover alene) er bare kryptisk fram til du ser et av objektene. Her er det sovende kneipbrødet, men den såre klynkingen rundt køyesenga må du bare forestille deg.

Det var heller ikke kneipbrødet som fascinerte meg mest ved utstillingen. Lokalet var for anledningen inndelt i tre rom: dvs en sal og to avlukker bak røde fløyelsdraperier, som i et gammelt horehus. Aller best likte jeg musikken, som var proppet med surrealistisk melankoli. De mørke og marerittaktige videoinstallasjonene i hovedrommet virket verken tunge eller triste, tross den påtatte dysterheten gir de et fandenivoldsk inntrykk, som svart humor. Men det kan være jeg tar feil av kunstnerens intensjoner her, for senere forklarer Mühleisen, på spørsmål om musikken som spilles:

– Stine vet ikke hva sangen heter, men tror kanskje den har noe med ørkenen å gjøre. Hun lærte den av en streng og hatefull pianolærer da hun var liten. Derfor er det en sorgens sang.

På det største lerretet står tre alvorlige menn med urørlige ansikter og hvert sitt stjerneskudd i hendene. I samme rom står et kvasirustikt bord av den typen som finnes i tømmerhuggerinspirerte feriehus særlig i USA, hvor det en vanlig rekvisitt i amerikanske indiefilmer fra Midtvesten. Bordet skal illudere en gjennomskåret trestamme, enormt tjukk og gammel, og stolene likner mindre stubber – bortsett fra at hele greia gjerne er laget i plast. Det er for mørkt til å avgjøre om Mühleisen har fått fatt i the real thing, eller nøyer seg med imitasjonstre. Men hovedsaken er den undereksponerte filmen som projiseres ned på bordplata. Den viser et vekslende antall hender som dunker og klasker i bordet, iblant med åpne håndflater, iblant med knyttet neve, som en rytmisk klappelek. Det minner om et symbolsk forenklet kortspill, som i den gamle låta med Kenny Rogers, The Gambler:

You got to know when to hold ‘em,
know when to fold ‘em,
Know when to walk away and know when to run.

Det siste avlukket er formet som en korridor hvor du kommer inn i den ene enden, og møter en spøkelsesaktig skikkelse i motsatt ende, kledd i lyseblå burkaliknende gevanter. Også dette er en projeksjon av bevegelig film. Du ser skikkelsen komme inn og nærme seg litt, før den blir stående stille mens kjortelen flagrer svakt, og den forsvinner. At figuren ikke vandrer ut av bildet igjen, men fader ut, understreker inntrykket av et gjenferd i et hjemsøkt hus – skremmende, men også forheksende, tiltrekkende.

Nedenfor kan du se en liten video jeg har satt sammen fra installasjonen til Mercedes Mühleisen. Det er dårlig lydkvalitet, men til gjengjeld er filmsnutten kort, og jeg tror uansett den gir en viss idé om opplevelsen.

Utstilling: Kneipp Sleeps Alone (a journey should be done alone and by oneself because the heart is a lonely hunter)
Sted: Galleri 21.25 (Vestbanetomta)
Tid: Fredag 17. april – søndag 19. april kl. 12-16

Zwei Monate rum, es ist wieder Zeit für nen Artikel

Bin ich froh, dass ich endlich Flying Lotus gefunden hab! Einer seiner Tracks war mir schon vor Ewigkeiten äußerst positiv in einem Live Set von Machinedrum aufgefallen, ich konnte mir aber nirgends in den Weiten des Internets die Setliste besorgen. Und soweit, dass ich jetzt rumgegangen wäre und allen Leuten in meiner Umgebung, die was von Musik verstehen, diese zwei Minuten vorgespielt hätte, ging die Liebe dann auch nich. Eigentlich hatte ich schon aufgegeben, bis eben vor kurzem einer meiner Kollegen die ‘Reset EP’ von eben diesem Flying Lotus spielte. Dieser eine bestimmte Song, den ich gesucht hatte, war zwar nicht dabei, aber es klang verdächtig nach der Person die ich gesucht hatte. Lange Rede, kurzer Sinn, es stellte sich heraus, er war es und der Track ein Remix von ‘My Room Is White’ von Mia Doi Todd. Seitdem hab ich mir so ziemlich alles besorgt, was dieser Herr aus Los Angeles produziert hat und bin hellauf begeistert. Supernice, gechillte Beats im Stile eines J Dilla. Wo mir Jay Dee manchmal ein bisschen zu technisch und verspielt ist (= innovative Beats, die aber einfach nur noch ‘weird’ sind), trifft es Flying Lotus genau richtig. Nicht zu viel um es nicht mehr zu verstehen aber auch nicht zu wenig um langweilig zu sein. Wer es etwas HipHopiger mag sollte sich die Alben ‘July Heat’ und das von ihm noch nichtmal richtig fertigegestllte aber schon im Internet kursierende  ’1983′ reinziehen. Wer es etwas technischer mag, ist mit ‘Los Angeles’ gut bedient. Hier nun der besagte Remix, der mir einst schlaflose Nächte bereitet hat und für mich immernoch einer seiner besten Tracks überhaupt ist:

Nun was ganz anderes, und zwar Tokyo Police Club. Die vier jugen Kanadier machen schönen, happy Indie/Post Punk mit äußerst catchigen (Sidenote: ich entschuldige mich übrigens explizit dafür, dass mir anscheinend die Macht über die deutsche Sprache immer mehr zu entgleiten scheint und ich mich nur noch mit so halb-verkrüppelten Anglizismen wie diesem ausdrücken kann) Melodien. Sie klingen immer ein klein bisschen überdreht und irgendwie unter dem Zwang ihre Songs ganz schnell zu Ende spielen zu müssen, weil sie noch wo hinmüssen. Aber das macht in meinen Augen gerade den Reiz aus. Zudem finde ich, dass sie in all ihren Low Budget produzierten Videos sowas von sympathisch aussehen, dass man sie die ganze Zeit nur knuddeln will. And I am not gay. Das einzige ‘richtige’ Album ‘Elephant Shell’ ist fast durchgehend mit Note 1 zu bewerten, die EP ‘A Lesson In Crime’ und die Elephant Shell Bonus Disc mit Remixen fallen dagegen ein bisschen ab. Achja und den RAC Remix von ‘Be Good’ will ich übrigens heiraten. Hier ‘Your English Is Good’ mit einem für meinem Geschmack etwas zu klischee-igem 8mm-der-Sommer-ist-bald-da-Juchhei Look.

Deaf Center ist eines der vielen Projekte (u.a. noch das z.zt. recht erfolgreiche ‘Svarte Greiner’) von Erik K. Skodvin, der zufällig einer der besten Freunde meines Praktikantenkollegen Stian ist. Letzterer hat mich natürlich auch erst auf das schiefe Brett gebracht, dass die Musik ist, die dieser junge Norweger da produziert. Laut eigener Aussage ist das Genre ‘Dark Ambient’ während er im speziellen etwas mit Streichern, Klavier und Unmengen an technischem Gerät produziert, was er ‘Acoustic Doom’ nennt. Es zu beschreiben ist schwer, ein bisschen wie ein vollgedröhntes ‘Pure Moods’, dass sich die Pulsadern aufschneiden will. Es ist äußerst düster, veträumt, nicht selten traurig bis schwer depressiv. Der wohl treffendste Begriff den ich bis jetzt dafür gehört hab, ist ‘Soundscaping’. Am besten ihr hört es euch selbst an. Das Album ‘Pale Ravie’ wird in gewissen Kreisen als eine Art Meilenstein der Musik gehandelt, ‘Neon City’ kommt etwas elektronischer daher und den Rest hab ich leider noch nicht anhören können. Das hier ist übrigens kein offizielles Video, aber das Beste was ich finden konnte.

The Bloody Beetroots sind ja fast schon ein bisschen outdated, wenn man mal davon ausgeht, das Ed Banger und Konsorten ihre besten Zeiten wohl hinter sich haben. Trotzdem ist es gut zu sehen, dass in diesem Genre noch etwas produziert wird, was ein wenig hervorsticht aus dem, was in meinen Augen in letzter Zeit doch recht ‘einheitsbreiig’ geworden ist. Warum genau sie in meinen Augen irgendwie anders klingen, kann ich leider auch nicht sagen, die Anleihen an Justice oder Krazy Baldhead sind ja nun wahrlich unverkennbar – vorallem der unglaubliche harte Bass. Vielleicht liegt es einfach daran, dass sie aus Italien kommen . Und auch wenn mir bei solch geballtem Hipsterism fast das Kotzen kommt, will ich unbedingt mal auf so eine Party.

So, jetzt noch ganz schnell etwas, dass ich noch zuwenig kenne um länger etwas darüber schreiben zu können. N.A.S.A. scheinen die neuen Lieblinge der amerikanischen Hipster Szene zu sein, zumindest soweit, wie eine HipHop produzierende DJ Combo das werden kann. Auf ‘The Spirit Of Apollo’ haben sie jedenfalls ne ganze Latte ungewöhnlicher Collabos auf die Beine gestellt. Und sie haben ein Video gemacht, das bei jedem  Designer, der in derzeitige Illustrationstrends verliebt ist, multiple Orgasmen hervorrufen sollte.

P.S. Girl Talk ist live wirklich fast so gut wie ich ihn mir immer vorgestellt hab *schwärm*.

De tentoonstelling EyeCandy is een rollercoaster door het oevre van Erwin Olaf. Het traject begint in 1984, het jaar waarin zijn foto’s van naakte bodybuilders verwijderd worden van een tentoonstelling in de Nieuwe Kerk in Amsterdam wegen “te aanstootgevend”. Dit oordeel is vaker geveld over zijn foto’s. Denk maar aan de commotie rond het portret uit de serie Royal Blood van een op prinses Diana lijkend model met een bebloed Mercedes-teken in haar arm. De fotografie van Olaf enkel classificeren als schokkend en pervers doet zijn werk echter te kort. Olaf zelf ziet een belangrijke taak weggelegd voor zichzelf als kunstenaar: “kunstenaars hebben een missie. Ze moeten maatschappelijk betrokken zijn, signalen oppikken en daar met hun kunst op reageren.”

Met de serie Mature reageert hij bijvoorbeeld op de huidige schoonheidsidealen en de angst om ouder te worden. Zijn bejaarde modellen heeft hij gefotografeerd als pin-up girls en de titels van de foto’s verwijzen naar wereldberoemde modellen. In Fashion Victims stelt hij de hedendaagse obsessie voor merken en schoonheid aan de kaak; de personages hebben hun identiteit ingewisseld voor een perfect lichaam en een exclusief merk. Daarnaast is het eveneens een commentaar op de de huidige sex-overconsumptie. Sinds Seperation durft hij zijn persoonlijke emoties te verbeelden, met name de eenzaamheid van zijn jeugdjaren.

Zijn fotografie heeft een uitgesproken en herkenbare stijl, toch heeft er de afgelopen 25 jaar ook een duidelijke ontwikkeling plaatsgevonden. Aanvankelijk werkte Olaf in een donkere zwart-wit stijl (Chessmen en Blacks), waarna hij geleidelijk kleur introduceerde (Mature en Royal Blood), om vervolgens expressievere, kleurrijke en digitaal gemanipuleerde beelden te maken (Paradise the Club en Paradise Portraits). Olaf bespeelt thema’s als schoonheid, outsiders, erotiek, wanhoop, vergeving, gender, de dood en alles met veel gevoel voor humor. Zijn beelden worden gekenmerkt door een fantastievolle, theatrale enscenering, een bijzondere lichtval en technische perfectie.

Sinds 2004 is zijn internationale succes in een stroomversnelling geraakt, met name in de Angelsaksische wereld. Met vierluik Rain, Hope, Grief & Fall, is deze stroomversnellig doorgetrokken naar de rest van de wereld. Het vierluik is in deze stroomversnelling niet opgenomen, maar zal vanaf 14 mei te zien zijn in het Institut Néerlandais in Parijs. Deze series zijn subtieler en meer geslaagd. Ook het kleurgebruik is eerder ingetogen, wat in deze tentoonstelling te zien is in het werk dat in opdracht is gemaakt. Voor deze opdrachten heeft Olaf zich laten inspireren door de schilderkunst.

Sinds de opkomst van de beeldbewerking is het voor hem mogelijk geworden om lichtwerking, stofuitdrukking en andere picturale eigenschappen van de schilderkunst te evenaren. De foto’s voor de Zwitserse bank BSI zijn gebaseerd op de bekende schilderijen, voor de kunstinstelling in het Spaanse Gijon is hij uitgegaan van Spaanse meesterwerken en de kleding van The People of the Labyrinths heeft hij gefotografeerd in de stijl van de oud Hollandse meesters.

Olaf heeft veel ervaring met modefotografie, hij werkt regelmatig voor The New York Times, waarvoor hij de nieuwe collectie van bekende modehuizen fotografeerde. Het uitgangspunt van deze serie is: All dressed up and no place to go, de modellen zijn vergroeid met de architectuur, opgesloten in de artificiële ruimtes.

Zijn werk valt op en trekt de aandacht en dat is de reclamewereld niet ontgaan. Hij werkte voor Nokia, Heineken, Lavazza, BMW, Diesel en ontving vorig jaar de hoogste Amerikaanse onderscheiding op dit gebied: de Lucie-Award. Naast fotografie maakte Olaf ook enkele films, videoclips en videokunst.

EyeCandy werpt een blik op het omvangrijke oevre van deze fotograaf, die zijn carrière startte als journalistieke fotograaf en bijna dertig jaar later een autoriteit is binnen de wereldwijde kunstcircuit én de reclamewereld.

tekst: Emily de Valk

Van de foto’s van Erwin Olaf heb ik ontzettend genoten, maar de reeks “Fotografie in België tijdens het Interbellum” sprak me minder aan en de tentoonstelling van Yang Fudong – East of que village vond ik helemaal niets, maar dat is misschien omdat ik niet zo zot ben van honden: “De uit zes kanalen bestaande video-installatie volgt de overlevingsstrijd van wilde honden in het barre, desolate landschap van noordelijk China …”

Deze tentoonstellingen lopen nog tot 7 juni 2009 in het fotomuseum te Antwerpen.

Greets
jordenfotografie.be