“Hip-hop minded kids in Paris ain’t your typical sandwich and cigarette, you know. They are quite prolix when it comes to print real life on a film, add rythm and top it with super super fantasy. Breaking away from the Tour Eiffel and Nouvelle Vague is fresh, rad as hell, yes monsieur. Remember the name, Kourtrajmé : it is the French slang for short-movie, court métrage (mé-trage = trage-mé). Everything originates from freewheelin experiences in the sunny ghettos of the dimly lit city, with dreams, cigarettes and madness in the pockets of the windbreaker. Sketch accent, funny focus.

Now playing the game as a real production company, Romain Garvas and Kim Chapiron started up in 1994. Today they do everything from documentaries to advertising. Success come from much so much aquaintance with viral communication, tremendous buzz-orchestrating skills and glorious originalty-mastering. Oh yeah and famous actors like Vincent Cassel (Ocean12, Matrix…) collaborate extensively with them from the beggining. It adds fromage in the épinards.

Movies genuinely represents youth French concerns, loves and society myths. They gush out from this concept of street-fantasy : happy concrete-oriented life, arab jokes uttered by gorillas, Romanian pizza delivery guys and on and on and on and on. Controversy is also part of the recipe, check out the video Stress (Justice, same kind of folks). And observed from the top of my building, what is really dope with Kourtrajmé is that they show the real France and its diverse ethnic groups and sub-cultures. They are like the new Edith Piaf, speaking the criminal slang with no filter, no posh poses and no coffee table. Real life, Burberry scarfs and couscous fragances I said.”

http://www.youtube.com/watch?v=4sbxOlk-Z1E

-Pierre ze Puzzle.

I stop off for two nights in Avignon en route for the Côte d’Azur. It’s a long journey from Annecy, made all the longer by the cancellation of my planned train and thus a hiccup in subsequent connection. I begin to suspect reverse culture shock following Japan. There’s a connection I’m told twice doesn’t exist, but as the train pulls out of the relevant station, I can see it announced on the board. A three and a half hour journey takes seven. Oh well, the scenery is pleasant enough from Annecy down into Grenoble. Mountains, oh how pretty, then shanty towns around the edge of underpasses, people living in sheds, crap estates, actual France, not the picture postcard.

Avignon itself seems built in two parts. There’s the old walled part of the city and then there’s what is beyond it. I don’t enter the beyond during those two days. I go to the Palais des Papes, wander up and around Rocher des Domes, go for lunch at Le Grand Café. I’m not sure this is the place that my friends in Haute-Savoie referred to, they suggested going for lunch in a place inside a modern art gallery. Is this it? Probably not.

My great pleasure upon sitting down is that I’m facing a large portrait photograph of Romane Bohringer. Now, Romane and myself have something of a history. Not an actual history, a quite imagined history. Romane first came to my attention in 1992  with Les Nuits Fauves, one of the first French films that had HIV/AIDS as a central theme. The subject matter was quite French, the chief protagonist (played by writer/director Cyril Collard who died of an AIDS-related condition in ‘93) was apparently torn between his gay and straight natures as well as his irrepressible desires. Not to mention his impending death. Basically, it meant for most of the film he shagged whomever he wanted and didn’t take any responsibility for how his actions might affect others, in particular the entirely passionate and smitten Romane.

It’s alright for some, I possibly thought, here I am in bleak loveless London, whereas in an imagined France a man can act like an utter bastard and have no problem finding women of such calibre. Years passed and Romane would pop up in other French films from time to time. Since these were blissful times before the internet saturated us with information, when facts about French actresses were dependent on magazine and newspaper articles (and you might well miss an issue and the relevant mention), I knew very little about her.

Romane’s star was possibly most ascendant in the UK around the time of L’appartement in ‘96, a film in which Vincent Cassel makes the idiotic mistake of choosing Monica Bellucci over Romane Bohringer. Oh, but Monica Bellucci, you say… I imagine a life with Monica would be very demanding. Aside from maintaining her in the custom to which she is accustomed, every single day of life would mark some slight decline in her appearance. Let’s face it, she looks great (a supermarket melon perfection) but her acting isn’t up to much. Whereas Romane seem to me to be much more of an artist, she worked with Peter Brook at a young age and, what I’m quite fond of, is that she has some mole on the side of her nose that has remained throughout her career, unlike the airbrushed lad’s mag perfection of Bellucci.

My idealised attachment with Romane was at its strongest around this time. I was living in the countryside in Japan and the local video shop had a surprisingly well-stocked back catalogue of French cinema. Rural isolation encouraged a quite wholesome and teenage fascination with Romane and eventually I wrote a short story on my return to London in which she played the role of a guardian angel, whilst the main story was about a resurrected Mithraic cult that was attempting to gain absolute power. I haven’t read it in ages, if you’re lucky, which might not be that much, it would probably read like Dan Brown reworking Iain Sinclair.

So, trying to get back to food here, as I sat down opposite the photo of Romane, I was reminded of all this. Romane and myself started with a simple olive tart and then treated outselves to an ox-cheek daube. It’s possibly a bit ambitious, I think, we’re (no, hang on, I am…) booked in for dinner in the hotel restaurant. But ox-cheek daube is one of the few French dishes I cook with any regularity and I’m keen to gauge my efforts against this local version. Well, the restaurant’s is good, but my mine is better. Phew. I don’t grudge the dish we’re eating though. It’s quite delicious and everything is swimming along with a 50cl carafe of local Côtes du Rhône.

Romane doesn’t say much. She looks great though. She’s been positioned next to another portrait of Catherine Deneuve. There’s a contrast. The restaurant is fairly quiet, some 70’s French hits play in the background, the waiting staff are fairly underemployed, there’s a relaxed laziness to the place, although I presume it would be quite busy in the summer months outside. Romane particularly appreciates dessert. I’m fond of women who eat food and she wolfs down the rest while my attention is distracted by an outburst of birdsong. I take my coffee out on the terrace.

I wander back towards the hotel, buy a winter cap, three books (the catalogue for the 1992 Fassbinder werkschau, an anthology of Bizarre – a review produced the Collège de ‘Pataphysique in the 50’s and 60’s – and the French translation of Yumeno Kyusaku’s classic Dogra Magra. Back at the hotel, I snooze off and wake up to a retrospective on tv of Marina Abramovic. I must be in France, I think, to be watching this at 4pm. I loll around, take another walk and pop into second-hand bookshop where I pick up two English books: one about Victorian women travellers and the other what appears to be a small selection of writings about Beau Brummel. I can read that over dinner I think…

Dinner is at La Vieille Fontaine where the chef is Bruno d’Angelis. I look for hotels when I’m in England, there’s an inclusive offer of dinner in the online package. Oh, why not, I think. I don’t often stay in fancy hotels, I don’t want more than a clean room, a bath and an internet connection. Bruno has his star. I am only realising now on searching that in fact this is the restaurant where Keith Floyd lunches (and then snoozes) in the recent Keith Allen documentary!

I’m feeling a bit jaded myself after lunch. Dinner should probably be a cheese sandwich and an early night. Instead, I’ve a four course seasonal mushroom tasting menu. Here’s what I ate:

Well, that’s no good, you say. I have to squint quite severely to read a word of that. It’s not a consciously bad photo. It is a photo I take as I’m standing waiting for a taxi to take me to the station the following morning. Like the other photos in this entry, it’s taken with a slightly aged mobile phone at all of 2.0 megapixels. But then, given my comments before, I wonder whether there isn’t a space left for “bad” photography when it comes to food, or perhaps no photography at all. But then, surely the writing needs to be up to par, make the food come alive. My notes of the evening don’t really help here. They are mostly concerned with:

1. Disappointment over Brummel book. It occurs to me upon reading that Brummel didn’t spend his time in Paris buying automobiles. The book in question, whilst enjoyable in its own ephemeral way, is a 1930’s guide to Paris for rich Americans with pertinent suggestions as to where they should spend there dollars on perfumes, shirts, hats and such. It’s not enough of a book to sustain me through dinner. The only available conversation in the otherwise empty restaurant is in Danish from the couple sat next to me. She dissects her lobster with the enthusiasms of a forensic gynaecologist.

2. The chairs. Chairs that are neither high-backed or armchairs. Narrow enough to grasp you around the waist, arms not quite high enough to rest your limbs upon, but quite capable of crushing your jacket. Brummel wouldn’t approve. You try leaning back, no, not much support there. They probably cost a bit. They prevent any form of relaxation. Or escape.

3. Darkness. The restaurant is excessively dark. There’s a chandelier that could be turned on but isn’t. How much of this darkness is because of Europe’s recent proscription on incandescent lightbulbs? A dimming of the day. A vision of our own decline. Time, gentlemen please…

4. The food is good, but for a mushroom themed menu, I’d like to see more mushrooms! At €90, there seems to be a need to tick certain ingredients to justify the price. In order: mushroom themselves, scallops, lobster, beef. I’d have preferred to eat rare and expensive mushrooms and forget about the rest. The scallops remind me just how badly they were cooked at Chez Didi, the tisane des carapaces with the lobster is rather astonishing, but I’m not sure it’s exactly food. The one thing that I don’t like is the jus au Merlot with the beef. It’s reduced beyond necessity, or more pertinently, beyond the point where it’s enjoyable to eat, rather than just admire as a potential oil painting medium.

When I get to my friends the next day, he asks about the meal. In conversational shorthand, I say that it was like an expensive call-girl. You could admire the technical prowess, the sheen of the stockings, the scent, the bag of tricks and moves designed to get the punter off just enough to get them keen to pay for extras. But, as I said, sometimes you probably really want Cheeky Mary down by the harbour. She has a humanity to her I couldn’t grasp in this meal. No kissing. Catherine Deneuve, possibly. Had I not eaten a large lunch earlier in the day, it probably would have sat better with me. The meal concluded, I walked upstairs to my room and lay down on the bed where I passed a fairly sleepless night, digesting, digesting…

It’s the sort of restaurant I can remember visiting with my father during childhood. We’d go on these family holidays to France that would often include a few meals at places that he’d chosen from a French Michelin guide. I don’t remember enjoying them then. The ghost of my father haunts me vaguely at such times and he certainly inhabits me when I look at myself in the mirror. Not so much the face, the stomach, whether larger or smaller. Just as I watched his girth expand and contract many times over the years.

At around 4am, I awake to an overly long psychedelic sequence in a Western called Blueberry (with Vincent Cassel, natch) and make a spectacular and profound evacuation. I feel much better after that.

When I get home to the UK, there’s an email from Lastminute.com. Here’s the picture:

What on earth is that? They look like wind-up false teeth. They march across the plate, snap at your fingers, extrude a beetroot maw. Turn up the saturation. Only £19. Where are we eating? It’s a michelin star place, lower case, you get food that looks, well, it looks very clever. It’s £19. Do you want to go or not? Well, what’s it all about? It’s fucking michelin star, what more do you need to know? That means it’s proper. I don’t know, I quite fancied the Turkish down the road. What is your problem? Thierry Henry doesn’t eat at the Turkish, Peaches Geldof doesn’t eat at the Turkish. They eat michelin star. Do they? Yes and it’s only £19. It’s also very pink. Come on, £19! What can you get at the Turkish for that? Well, a meal for two for a start. Or, you could have the mixed grill and a couple of beers. But I don’t see how anyone ever manages the mixed grill, it’s enough meat for a family of four. There’s a photo of Patsy out of EastEnders. She must have eaten there. And Martin Jol. They’re friendly in there, they even know our names now. That time we forgot the wallet, they let us come back and pay the next day. Still gave us baklava to take home. Do they do baklava at michelin star? They do petty fours, which are a bit like chocolates, except they’re not always. Not always like chocolates? Yes, they’re like dreams and aspirations spun from sugar and culinary talent that tell us that we have arrived. Where have we arrived? We have arrived in the world and are here and looking at people and people are looking at us and all is well with ourselves reflecting through and around other people. Blimey. And so on.

It has been way too long since we saw a hot man bein’ hot of the day around here. Vincent Cassel, take it away!

Brilliant oddball Vincent Cassel is married to a personal heroine, Monica Bellucci — ten years in August. Impressive! He is a director, actor, writer and musician. Generally he plays maniacs and bad guys (I love crazy).

He has said of his being typecast in tough guy parts, “It’s all right. I like playing baddies.” The first role in which I ever saw him was as Gilles de Rais in Luc Besson’s 1999 film The Messenger: The Story of Joan of Arc, which for my Catholic, action-movie-loving, Milla-Jovovich-adoring money is one of the best freakin’ movies evah.

Some fun Vincent and Monica facts from the imdb:

Some of Vincent’s english-language credits from which you might recognize him include Elizabeth, Ocean’s Twelve, Ocean’s Thirteen, Eastern Promises, and the forthcoming Darren Aronofsky picture Black Swan, which will also star Natalie Portman, Mila Kunis, Winona Ryder, and Barbara Hershey (freaking awesome).

A musician among his other many talents, Vincent performed the song “Step Da Step Krugom” in Eastern Promises. He also appeared as the voice of Monsieur Hood and sang the gay, snappy little Merry Men number in Shrek — you know, the scene in the wood where Princess Fiona kicks their asses all Matrix style.

Final shot featuring bonus heat from one Mister Viggo Mortensen (of course) from the set of Eastern Promises:

Un film del 2010, regia di Hany Abu-Assad, con Mickey Rourke / Vincent Cassel / Alice Braga / Riccardo Scamarcio. Prodotto da ()

Drammatico

Maria, un’ingenua ragazza brasiliana, dopo essere stata tradita dal suo primo amante decide di rinunciare per sempre all’amore. Così si trasferisce in Svizzera e diventa un squillo d’alto bordo trovando lavoro in un esclusivo locale per soli uomini a Ginevra. Tra i suoi clienti abituali vi è un affascinante dirigente di un’importante label musicale.

Il y a quelques semaines, j’étais agglutiné dans mon lit à regarder la télévision de façon larvaire. Je passais en revue toutes les chaînes, un zapping psychotique face au néant cataclysmique menant à un ennui anxiogène. Vous trouvez que cette phrase est remplie de mots qui font genre et qu’elle ne sert à rien, c’est normal car fait de manière totalement consciente. Lors de ce passage rythmique d’un canal à l’autre à l’aide de ma télécommande, quelques images retiennent mon attention quelques secondes sur un clip des années 80 diffusé sur la chaîne Virgin 17 dans le cadre d’une émission rétro-nostalgique repassant tous les tubes top 50 de mon enfance. Après un Desirless et son Voyage, Voyage et un A toutes les filles qu’on a aimé avant de Barbelivien & Félix Gray, sonne l’heure de Tristan avec Bonne humeur ce matin. En le revoyant, je me souviens que Vincent Cassel y fait une de ses premières apparitions en tant que chœurs/danseurs dans le clip donc impossible de passer à coté, je veux revoir ça.

Premier constat incroyablement triste, Tristan a un look à la mode d’aujourd’hui et ça c’est terrifiant quand on pense que les années 80 sont l’abomination, l’infamie du fashion, du beau et de l’esthétique (cf. la coupe de cheveux de Desirless ou le maquillage de Jeanne Mass). Tristan se lève de bonne humeur ce matin, et décide d’aller faire du vélo, un synopsis haletant et excitant. Sauf qu’il est pas un mec comme les autres, comme il est de bonne bonne humeur ce matin, il prend une plateforme de déménagement pour descendre de son appart, chose tout a fait normal un dimanche à Paris. En bas dans la rue, ses potes choristes chantent au milieu du bitume avec un T-Shirt blanc Batman so chic.

Le clip aurait pu être oublié de tous mais le temps a fait qu’il est un have-to-be-seen car Vincent Cassel, César du meilleur acteur en 2008, est devenu célèbre mais aussi parce que même si ce n’est pas écrit dessus, la réalisation est signée Mathieu Kassovitz, sa première oeuvre télé-diffusée.

Pour la petite histoire, Tristan était à la fin des années 70 le leader d’un des plus gros groupes de punk parisiens de l’histoire : Guilty Razors. (Même époque que Metal Urbain ou Asphalt Jungle). Tristam Nada, de son vrai nom, s’est forgé un nom dans les nuits branchées parisiennes dans les années 80 car grand ami de Eric Cantona, Mickey Rourke et toutes la scène alternative parisienne. Il restait dans le buzz car il était aussi “artiste urbain“, comprendre ici graffeur de rue, appartenant au collectif  “les musulmans fumants ‘“, adepte de la libre figuration. Tristam est encore aujourd’hui un artiste actif qui continue la composition musicale via son Myspace mais aussi la peinture dans des salles d’exposition parisiennes.

C’est peut être une chanson débile mais je suis attendri quand je l’entends. Un hymne positif sympathique qui sent bon le Marc Toaesca et les années Mitterand.

Two days ago, Peter Scrietta at /Film broke news that Darren Aronofsky’s fifth film, “Black Swan” had cast Vincent Cassel, Winona Ryder and Barbara Hershey. The three actors will join Mila Kunis and Natalie Portman in a twisted tale of competition for the Swan Lake ballet lead.

Before you read ballet and run, let me detail the plot a bit: Portman is to play Nina, the heir apparent of the aging Ryder’s role as the Swan Queen in Swan Lake. However, Kunis’ Lilly is also challenging for the role, but she also looks eerily similar to Nina, but is that just a coincidence or something more?

Before I tread into possible spoiler territory, I will give you this information. “Black Swan” is set to start filming in just a few weeks, and does not yet have a US distributor, though there is interest already. I will update with any news when it does eventually get picked up.

Now, after the jump are possible plot detail spoilers, so beware: Although the story may change slightly, the general gist is that Nina has to go to a very dark place to appease the director of the ballet (Cassel) because while she has nailed the lighter side of her role, it is the dark part of the Swan Queen that Cassel is not sure of. In her efforts, she comes across Lilly who looks eerily similar, but Nina can never get close enough to really tell before Lilly disappears. This leads to a stepping stone of the supernatural when Nina becomes unsure if Lilly is even real and perhaps a delusion or something more.

Winona Ryder, Vincent Cassel y Barbara Hershey se incorporan a Black Swan, thriller sobrenatural que dirige Darren Aronofsky. Anteriormente Natalie Portman y Mila Kunis habían sido anunciadas como protagonistas de la película, que hasta hoy carecía de otros rostros para sus papeles secundarios. En el filme Portman es una veterana bailarina que justo antes de una importante representación lucha por el protagonismo de la misma con otra compañera. La rivalidad entre ambas crece cada día entre la bailarina y su competidora, pero el caso es que esta parece no ser real, no estando claro si se trata de una aparición paranormal o si simplemente es producto de su mente. La sinopsis, que es un tanto peculiar, se anticipa como un nuevo reto para un director del talento de Aronofsky, que ya ha captado la atención del público anunciando una escena en la que las dos protagonistas mantienen un fogoso encuentro sexual. Ryder será en el filme la bailarina principal del grupo que por su edad está a punto de poner fin a su carrera, Cassel el director de la obra y Hershey la madre de la protagonista. En la fotografía Winona Ryder.

Vincent Cassel, Winona Ryder y Barbara Hershey se van a integrar al thriller sobrenatural que el director Darren Aronofsky hará denominado “Black Swan”, donde tendrá como escenario el mundo del Ballet de la ciudad de Nueva York, según lo publicado en /Film.

Ya anteriormente se había anunciado de que Natalie Portman y Mila Kunis están también en esta película.

En caso de que se nos haya pasado, aquí va un pequeño resumen de esta cinta: Natalie Portman será Nina, una bailarina veterana de ballet que se la pasa retándose con su rival llamada Lilly (interpretada por Mila Kunis, la del programa de televisión “That 70’s show) y mientras “los riesgos y las volteretas se incrementan a la hora de que estas bailarinas hagan su gran debut” Nina no está segura si su rival es una aparición sobrenatural o simplemente está teniendo visiones.

La cinta va a comenzar a filmarse pronto en Nueva York.

De l’existentialisme et de l’ennui dans le cinéma français

Pour Joe Queenan du Guardian, les films policiers français pêchent trop souvent par un excès d’intellectualisme… un peu creux : “Si une scène devait résumer l’essence du film policier à la française, on la trouverait à peu près au milieu du classique de 1954 Touchez pas au grisbi, de Jacques Becker. Serrée de près par la police, en disgrâce auprès de ses semblables des bas-fonds parisiens moins recommandables encore, le vieux virtuose du braquage joué par Jean Gabin décide de se mettre quelque temps au vert. S’installant dans un pied-à-terre secret qui prend la forme d’un appartement étonnamment chic, ce fumeur compulsif revêt un élégant pyjama sorti de nulle part avant de s’assurer que René Dary, son complice des mauvais coups, est lui aussi à l’aise dans ses vêtements d’intérieur. La leçon de cette scène est limpide : aussi précaire que soit la situation, aussi incessante que soit la traque de la police, un homme ne doit jamais renoncer à son confort, à commencer par son pyjama.

Les enjeux de qualité de vie sont une des marques récurrentes du film policier français, qui parle autant de joie de vivre* que de joie de tuer*. Qui d’autre qu’un Français pourrait faire un film (Classe tous risques, réalisé par Claude Sautet en 1960) sur un malfrat qui cherche un foyer comme il faut pour ses gamins alors que toutes les polices sont à ses trousses ? Qui d’autre qu’un Français pourrait faire un film (Rien ne va plus, Claude Chabrol, 1997) sur une artiste de l’escroquerie, incarnée par Isabelle Huppert, qui cherche à s’émanciper de son escroc de père en s’engageant dans une relation amoureuse avec un escroc plus jeune et plus séduisant, qu’elle a bien l’intention de plumer ?

Les réalisateurs français ont toujours été obsédés par les malfrats, mais leurs films n’ont pas grand-chose à voir avec ceux qui se tournent aux Etats-Unis ou en Grande-Bretagne. Les films de gangsters américains sont palpitants, mais manquent souvent de profondeur ; les Britanniques, eux, mettent surtout en scène des petits voyous et manquent toujours de profondeur – ce qui explique que les cinéphiles anglophones trouvent souvent les gangsters cool, mais les voient rarement comme des exemples à suivre. Les Français, en revanche, aiment les gangsters philosophes et les films offrant une analyse de la société au sens large, comme si la société avait besoin de l’expertise des réalisateurs français.

Je ne dis pas que les films policiers français sont marqués par une authentique profondeur, mais c’est en tout cas ce qu’aiment à penser les réalisateurs français. Leurs films regorgent de répliques creuses du type “les temps changent, pas les hommes” – ou encore “l’homme naît innocent, mais ne le reste pas”. Le niveau a baissé depuis Voltaire, c’est certain. Le message classiquement délivré par un film policier français est que le plus minable des hors-la-loi est tenu par un code moral qui échappe à la compréhension du citoyen lambda respectueux de la loi – et qu’à leur manière les malfrats ont plus de principes que les policiers. C’est le thème de Mesrine (réalisé par Jean-François Richet, 2008), mais aussi du classique de 1937 de Julien Duvivier Pépé le Moko, d’A bout de souffle (1960) de Godard ou encore du très remarqué Du rififi chez les hommes de Jules Dassin, sorti en 1955. 

L’idée d’un code d’honneur dans la pègre est l’une de ces incongruités qui, depuis toujours, passent pour de la sagesse en France, où un fond d’anarchisme de pacotille cohabite bon an mal an avec des comportements profondément bourgeois à l’égard de toute chose. Dans les films français, les gangsters ont toujours un charme étrange, sont avant tout des gars épatants qui ont perdu le contrôle de leur personnalité quelque part en chemin.

Mais, comme le cinéma ne cesse de le démontrer, les films n’ont pas besoin d’être cohérents ni logiques pour être excellents. Surtout quand ils sont aussi beaux que Le Cercle rouge (Jean-Pierre Melville, 1970), Le Samouraï (Jean-Pierre Melville, 1967) ou Pépé le Moko. Abstraction faite de leurs absurdités philosophiques, les excellents films policiers français sont remarquablement nombreux.

S’ils sont si bons, c’est parce que tout le monde veut en être : tous les réalisateurs – de François Truffaut à Claude Lelouch, en passant par Claude Sautet ou Claude Chabrol – se sont adonnés au genre au moins une fois, et les meilleurs films mettent en scène la fine fleur des acteurs français, de Jean Gabin à Jean-Paul Belmondo, en passant par Lino Ventura, Jean-Louis Trintignant, Vincent Cassel, Yves Montand, Alain Delon, Jeanne Moreau, Gérard Depardieu, plus tout une ribambelle d’acteurs magnifiques mais méconnus hors de France. Vous en avez donc pour votre argent, et cela vaut le coup.

Il serait fâcheux de conclure cet exposé sans parler de l’existentialisme et de l’ennui. Ces deux indissociables pierres angulaires de la civilisation française moderne jouent un rôle clé dans le succès de la version hexagonale de ce genre cinématographique. Avant même la théorisation de l’existentialisme, au début des années 1940, et avant même que l’ennui ne soit inventé et breveté par Jean-Paul Sartre, en 1944, les malfrats français étaient déjà souvent en proie au tourment et à un ennui profond. C’est l’ennui qui précipite Pépé le Moko vers son destin, lorsqu’il abandonne stupidement l’enceinte protectrice de la casbah pour vivre son amour pour une Parisienne aisée et sophistiquée. C’est l’ennui qui conduit au désastre l’étincelant mais effacé Delon, aussi bien dans Le Cercle rouge que dans Le Samouraï. L’ennui, encore, qui laisse Belmondo mort sur le pavé parisien à la fin d’A bout de souffle. Vivre chaque jour comme si c’était le dernier, mais le faire sans enthousiasme, tel est le cocktail de presque tous les films français que j’ai vus. Le seul film policier français dont je me souvienne dans lequel tout le monde semble déborder d’énergie est La Balance, récompensé par une avalanche de césars en 1983. Mais La Balance a été réalisé par Bob Swain – un Américain.”

Joe Queenan – The Guardian – 27/08/09

This isn’t going to be one of my infamous one-line film reviews because this is a film I want to talk  to you guys about a bit.

A lot of you may not of heard of Irreversible.

I love films. I love small indie films as much as I am a sucker for a big, popcorn blockbuster. I’d heard quite a few things about Irreversible a few years ago when it was released and it was then I first saw it and it was last night that I watched it for a second time.

The film is quite simply the most astonishing, shocking and brutal piece of film I’ve ever seen. It takes its name from the fact the film is played in reverse (you start with the last scene, finish with the first) and is about 3 friends – Monica Bellucci, Vincent Cassel and Albert Dupontel - and how quickly an idyllic life can be destroyed by violence.  It’s the brilliance of how director, Gaspar Noe shoots and edits the film that makes it hit home. The first 25 minutes are a brutal assault on your senses – the scene in a gay fetish club and it’s use of high-frequency sound in the overall mix as well as the spinning camera is the most convincing representation of drug and alcohol high that I think cinema has ever created and the act of violence itself is horrific and totally realistic. I’ve seen enough films in my time to not shock easily, in fact it’s a very rare occurence. The fire-extinguisher beat down shocked me to the core of my being as I had no idea it was coming (I’m purposely not discussing the films biggest controversy so that anyone who does decide to watch on account of this post will not know that’s coming either).

The genius of the film is the reverse chronological order it’s shot. 13 scenes in total force us to witness the violence first and then the course of events that lead toward it. You see an act of violence, but you don’t know why it’s happening. Only later do you discover why things have unfolded in this manner and only then do you understand it’s an act of vengeance.  It’s the most affecting piece of film I’ve watched and I can’t get it out of my head. I suggest anyone reading this find it (It’s fairly easy to find on most free-view movie sites or Amazon) and watch it because, as brutal as it may be, it’s a brilliant depiction of just how easy it is for things to be destroyed. The motif at the end of the film (or the start depending on how you see it) is “Time destroys everything” . It caused people to vomit, pass-out and leave movie theaters when it was shown at the Festival de Cannes in 2002 and even sparked riots. It’s not for the faint-hearted but it’s worth getting through (which isn’t easy) because it’s rare you’ll see something as frighteningly honest about the extents human beings can go and the despicable things that even the most placid are capable of. For me this film isn’t shock for shock’s sake, it doesn’t glorify violence. It shows it in the most brutal and horrifying manner and acts as a deterrent in some respects. If you’ve ever had a movie-fantasy about beating someone up, this will have the opposite effect. It’s essential cinema  – raw, visceral and intense. Irreversible is a brilliant piece of film-making and should be seen because of its sheer power.

Below is the clip of the film’s murder. (Do NOT watch this if you are easily offended by violence and disturbing images)

Vez ou outra nos deparamos com filmes que até fazem muito sucesso, ou repercutem de alguma forma, mas que por acaso a gente só consegue analisar bem depois. Irreversível é um longa-metragem de 99 minutos que transcorre de trás pra frente, isso mesmo, para quem não viu, o filme começa com o final e vai se desenrolando até o começo. Estranho? Espere até vê-lo por inteiro, nada pode ser mais estranho que esse filme como um todo. Repleto de violência, ganhou vários prêmios e chocou o público na competição do Festival de Cannes em 2002. De início (ou melhor, final) somos apresentados a uma cena de um crime brutal, e logo após vai regredindo até o início dos fatos com cenas doces e amorosas. Poderia se chamar de final feliz, mesmo quando se trata do começo?

Escrito e dirigido por Gaspar Noé. Nos papéis principais temos o casal na vida real Monica Bellucci e Vincent Cassel, que interpretam bem o casal do filme. Ainda no elenco vemos Albert Dunpontel, Philippe Nahon e Jo Prestia. Os responsáveis pelo trabalho (atores, diretor, roteiristas, etc.) já se encontraram na produção de outros trabalhos, isso contribui para que haja sintonia. E Bellucci já é conhecida do público, principalmente por seu papel de Persephone  nas seqüências de Matrix. Outro detalhe é que muitos personagens ganham o nome do próprio ator, e também é notável quando o personagem Marcus se intitula Vincent.

As pessoas de estômago fraco irão parar de ver o filme nas primeiras cenas, ou simplesmente cobrirão o rosto em algumas, e também aqueles que gostam de um filme linear, com uma câmera estacionária não irão se satisfazer. Nessa obra de arte francesa temos tudo ao contrário, tudo sob controle do diretor, vemos uma câmera girando, dando piruetas e há cenas como se alguém (estranho) tivesse carregando-a. Há momentos transitórios em que há uma sensação de tontura, e cenas longas que as vezes acha-se que são desnecessárias. Cenas fortes como a que se passa nos corredores, que mais parecem masmorras, da boate de sadomasoquismo gay, Rectum.

As cenas transcorrem “do começo ao fim” o que é feito de trás pra frente é a ordem das cenas. Os créditos finais são apresentados logo no início, e no fim temos uma bela cena a princípio sem muito sentido que iniciaria outro filme qualquer. O trabalho é quase todo improvisado pelos excelentes atores, pois o roteiro original só tem 4 páginas. Há quem compare as inovações de cenas batidas que há em Irreversível com a forma de inovar de Psicose. A história se passa em uma única noite, que vai do final dela até o início. Talvez você crie uma aversão ou incompreensão dos motivos que levam o personagem Marcus (Vincent Cassel) e seu amigo Pierre (Albert Dunpontel) a buscar por vingança pelo que acontece à mocinha Alex (Monica Bellucci), mas o filme que começa com o clímax e revelando o fim da história ainda consegue surpreender com fatos relevantes que são explicitados apenas no início (que no caso é o fim do filme).

Há que se esperar até o filme acabar (e a história começar) se você quiser realmente entender, pois esse é um filme que não usa meios para explicar o fim, mas usa o fim para explicar os meios. Enquanto se assiste há um despertar de emoções, desde nojo, horror, aversão, tristeza até emoções singulares em cada um. Acho muito difícil você se levantar de uma cadeira ao final do filme sem sentir uma tontura, ou simplesmente uma confusão de idéias, principalmente com a cena da luz oscilante que encerra o filme. Se você achou esse texto confuso, posso lhe afirmar que o filme é muito mais.

Trailer:

Le Film: Un très bon âge de glace.

Un excellent troisième opus, qui vient rectifier le tir après un second opus qui bien que pas mauvais s’embourbait un peu dans les mêmes thèmes que le premier âge de glace.

On retrouve donc Manny le Mammouth, sa nouvelle compagne désormais enceinte ainsi que ses « frères », bref toute la bande du précédent opus, avec cependant un Sid beaucoup moins présent mais un Buck campé en anglais par un Simon Pegg A-HU-RI-SSANT et qui donne a se personnage toute la folie mais en même temps de la classe, a l’image d’un Jack Sparrow dans le premier pirates des caraïbes. Hélas, en français, le doublage est nettement moins convaincant et il est donc plus que vivement recommandé à ceux qui le peuvent d’opter pour la piste VO DTS MA 7.1.

Mais en dehors de ce Buck qui a lui seul vaut le détour et apporte un nouveau souffle à cet opus, il semble que celui-ci soit aussi un peu plus mâture que les précédents au regard des thèmes abordés mais aussi des blagues ou clins d’œil, comme la crise de la quarantaine à travers Diego, mais aussi les classiques comme l’amitié, l’amour, la famille…

Les fans de scratch ne seront pas déçus avec l’addition là aussi bienvenue d’un nouveau personnage a ses cotes : Scratee qui lui en fera voir de toutes les couleurs jusqu’au bout.

Au final et même si on atteint toujours pas les chef d’œuvre de Pixar, il semble que les studios de la Fox s’en rapprochent de plus en plus avec plus de fun, plus d’action et un film qui plaira aux petits comme aux grands avec comme dans les opus précédents, notamment le premier, une double grille de lecture dans ces aventures

85/100

L’image: Un Top Image!

Encore un film d’animation en Blu-Ray et encore un Top Image. En même temps on se demande comment il serait possible de rater un transfert d’un film créé à la base sur ordinateur et ne faisant qu’une heure trente lors d’un portage sur BD double couche de 50 gigas. J’en viens même à me demander si en fait on ne note pas en fin de compte le travail accompli par les studios d’animation que le transfert en lui-même.

D’ailleurs le point en moins sur ma note provient d’un ciel pas bien dégradé lorsque Sid et ses nouveaux amis vont dormir de nuit dans une grotte. Mais est-ce un défaut d’encodage ou lors de la création ? Impossible à savoir…

Pour revenir a la qualité d’image, il est ici indéniable que la colorimétrie est beaucoup plus a son avantage que sur DVD (c’est d’ailleurs un des points les plus marquants avec les nouveaux formats HD et dont on parle sans doute le moins) et on découvre ainsi que Sid est en fait jaune/vert.

Les plans du premier au dernier sont parfaitement et nettement visibles et le passage de cet opus de l’âge de glace à un monde ou la végétation est bien plus présente est un régal pour les yeux.

Les contrastes sont particulièrement bien retranscrits avec des blancs qui ne sont pas brûlés et des noirs qui ne sont pas bouchés. Si le film n’est pas proposé en 3D ce n’est pas un mal vu les résultats a l’heure actuelle dans nos salons et pour avoir vu cet opus au cinéma en 3D, l’apport de cette 3D, effet marketing récalcitrant chez les majors, cette version 2D est bien plus a son avantage car même avec les nouveaux procédés technologiques disponibles en salle, on perd alors quand même énormément en contraste, colorimétrie et au final et en l’état actuel de la technologie, la version 2D est celle la plus proche de la vision des créateurs.

99/100

Le Son: Une excellente piste son peut-être un poil trop frontale

Une Piste DTS-HD Master Audio 7.1 assez agréable dans l’ensemble.

Au niveau des bons points, les voix qui sont parfaitement intelligibles a tout niveau sonore et même en VO on ne se sent pas obliger de mettre un poil plus fort pour parfaitement comprendre. Une piste VO a privilégier si vous le pouvez pas tellement parce qu’en VO, les voix sont (quasi) toujours mieux ainsi que les blagues et dialogues pas toujours heureusement traduits, mais plutôt pour profiter du spectacle énorme de Simon Pegg en doublage de Buck qui est a des années lumières de la voix française ! (Parisienne pour la bonne nouvelle).

Le caisson de basse se retrouvera allègrement sollicité pendant les scènes d’action et s’il ne vous fâchera pas avec votre voisin pour le film, il fera trembler vos sols lorsque les gros T-Rex se rameutent.

La scène avant est particulièrement dynamique et viens compenser une scène arrière pas anémique mais un peu décevante, comme sur de nombreux films d’animation d’ailleurs. Le mix étant fait de toute pièce dans les films d’animation, a de rares exceptions il y a donc très peu de petits bruits d’ambiance tels que des « vrais »films le permettent si bien captures et bien mixés.

Pour revenir à cette scène arrière, on ne se sent donc pas enveloppé à 100% dans le film, mais dès que le besoin s’en fait sentir, à la moindre scène d’action les enceintes arrières sont parfaitement sollicitées. Pas si catastrophique que ce que certains tests pouvaient le présager.

Compensé comme je le disais en plus par un excellent mix frontal, très riche lui et parfaitement spatialisé, exploitant à fond des effets gauches-droits et bénéficiant d’une telle dynamique qu’on se sent, happé dans le champ sonore et au final dans le film grâce à cette scène avant particulièrement bien travaillée.

Au final une piste son pas des plus folles a cause d’une scène arrière qui comme cela arrive souvent aura pu être un peu plus utilisée, mais qui fait plus qu’honorablement son travail en suivant le cours du film et en se trouvant plus percutante quand il le faut, lors des scènes d’action.

90/100

Genre: Animation
Durée: 1h34
Zone: A
Doublage: VFF
Langues: Anglais DTS-HD M A 7.1 / Français Dolby Digital 5.1 /Portugais Dolby Digital 5.1 / Espagnol Dolby Digital 5.1

Sous-titres: Anglais / Français / Portugais / Espagnol / Cantonais / Mandarin

Sont proposés en outre le DVD zone 1 du film avec VF et VO ainsi qu’une copie numérique pour PC et Mac en VO uniquement.

Elizabeth, 1998, Storbritannien

Regi: Shekar Kapur
Manus: Michael Hirst

Det här är filmen hur Elizabeth I (Cate Blanchett)  kom till makten i England och vilket extremt (och livshotande!) motstånd hon mötte – inte för att hon var kvinna, utan för att hon var protestant och inte katolik.

I vilket fall som helst så är queerinnehållet att hon råkar komma på en av hennes franska friare (Vincent Cassel) med att ha sexlekar, utklädd till drottning. Elizabeth ler mest och säger att “mina känslor för dig har inte förändrats, men jag måste tänka på folkets bästa”. Prinsen/prinsessan försvarar sig med att säga något liknande “du får ju bära klänning så varför får inte jag?” vilket är väldigt queert och bra. Den här franska kungligheten verkar för övrigt bisexuell – och i hens sovrum så försiggick det orgier deluxe. Elizabeth själv är dock kär i en man – men eftersom hon inte vill gifta sig och skaffa barn (och i en scen klipper av allt hår bara för att sedan ta på en peruk över det i någon slags symbolism) är hon ändå rätt queer. Miniqueer.

/Johnny

Le Film: Un très bon thriller/policier francais.

Un très bon moment, que ce thriller/policier qui marqua le cinéma français en 2000.

Vincent Cassel est excellent en jeune flic, Jean Reno est très bon et les second rôles sont plutôt convaincants. En revanche Nadia Fares est plutôt mauvaise dans son rôle.

Mathieu Kassovitz opère une mise en scène plutôt classique a l’exception de quelques plans, mais efficace. On est peut être pas au niveau de La Haine niveau technique de mise en scène, mais bien loin des mauvais films hollywoodiens de l’ami Kassovitz.

La musique de Bruno Coulais est bien entendu magnifique et comme toute excellente bande-son porte en partie le film sur ses épaules.

Au niveau du scenario, ce film adapté du roman de Grangé possede un thème intéressant et ne manque pas de rythme. La première fois qu’on le voit on est bien tenu en haleine et les fois suivantes, l’histoire bien ficelée avec deux enquêteurs et deux enquêtes qui en apparence s’opposent complètement pour se rejoindre est assez bien trouvée.

78/100

L’image: Un transfert plutôt bon mais avec quelques problèmes.

Si d’un point de vu général cette édition est plutôt bonne, il y a au niveau de l’image a boire et a manger.

La scène d’ouverture avec des gros plans sur un cadavre montre de magnifiques détails sur les gros plans et une colorimétrie parfaitement maîtrisée. En revanche dès la scène suivante, qui suit en plan large la voiture du Commissaire Niemans, l’image est très floue même si ici encore la colorimétrie est très belle.

C’est un peu a l’image du reste du film, des plans moyens et proches très bons mais des plans larges très souvent trop flous, a l’exception de quelques uns.

Ce qui amène a se poser la question suivante : reprise du transfert ratée ou mauvaise photographie lors du tournage.

Il y a un léger grain pellicule présent tout le long du film, pas du tout dérangeant. Cependant, on observe du grain sur quelques scènes, comme notamment celle de la cave dans le glacier.

A noter enfin un contraste qui n’est pas parfaitement maitrisé, avec quelques noirs bouchés et des blancs qui auraient pu etres plus blancs.

Enfin sur quelques scenes, notamment de Vincent Cassel a l’ecole, il y a un petit probleme de fluidite, on a l’impression que sa tete saccade lorsqu’il est dans le couloir et suit la directrice.

Bref un bel upgrade sur la version DVD, mais un sentiment d’inachevé.

72/100

Le Son: Pas rentre-dedans, mais excellent.

Une Piste DTS-HD Master Audio 5.1 magnifique, encore meilleur que la déjà excellent piste 5.1 DTS du DVD !

La musique composée par Bruno Coulais peut ici prendre toute son ampleur, exploitant a merveille les 6 canaux.

De même le mix compose par Cyril Holtz est l’un des plus léché qui m’ai été donné d’entendre.

Les voix sont parfaitement retranscrites, il est d’ailleurs étonnant d’entendre que celles-ci font partie de ce qui bénéficie le plus du passage au DTS HD Master Audio, elles sont en effet bien plus intelligibles.

Le mixage utilise au mieux les 6 canaux du home cinéma et on se trouve au milieu d’une ambiance parfaitement retranscrite. Il y a une multitude de détails a entendre, comme par exemple le tic-tac de l’horloge dans le bureau du recteur, ou des bruits d’ambiance sur la scène arrière lors de la rencontre entre la bonne sœur et Vincent Cassel, ou des bruits de voiture électrique ou de vélos sur le campus de l’université.

Chaque passage d’hélicoptère utilise parfaitement l’espace sonore, de même que les scènes d’action.

On regrettera seulement une sous-exploitation du caisse de basse avec des infras qui ne se font que trop peu souvent sentir.

Mais au final on est bien en présence d’une piste sonore de démo, certes plus subtile que rentre dedans, on se rapproche plus d’une piste a la Benjamin Button que du Transformers 2.

Tous ces petits effets et cette ambiance parfaitement retranscrite font mouche et les scènes d’action font preuve d’une belle dynamique.

98/100

Genre: Policier/Thriller/Action
Durée: 1h46
Zone: All
Langues: Français DTS Master Audio 5.1/ B.O. isolee DTS High Resolution 5.1
Sous-titres: Anglais / Français

Ocean’s 12 a fost pentru mine o dezamagire (pe vremea aia n-aveam idee cat de naspa o sa fie Ocean’s 13), dar ceva ce mi-a ramas in minte a fost scena cand Vicent Cassel trece printre niste lasere pe sunetul unei melodii captivante prin ritm.

Cassel, care m-a agasat infiorator in Eastern Promises are meritul de a fi cerut in mod expres ca melodia The a la Menthe, a celor de la La Caution sa fie introdusa in film si asa acesti hip-hoaperi francezi, care aduc a C.I.A.-ul nostru bastinas, au ajuns celebri.

Au un aer proaspat, asa ca, in afara de melodia consacrata, va mai ofer una, care mi-a atras atentia pentru ca se aude bine si are un videoclip care mi-a adus aminte de cele ale lui Peter Gabriel.

Vive la France!

“La Haine” is a French film released in 1995 directed by Mathieu Kassovitz (winner Best Director 1995 Cannes Film Festival) . Blu-ray versions have been released in Europe.

Doberman: follows cops, robbers, bent cops and transvestites entangled in a feud & bank robbery – although there’s only a few minutes spent in the bank. The film has a strange, over-exposed and grainy, look but remains slick and stylish throughout. There’s a ton of hyper violence culminating in the world’s worst facepalm, but it’s all pretty surreal as it’s based on a pulp comic. The script’s just as brutal and not very PC, mainly due to the transvestite / gay / fetish characters and general eccentric stereotypes. Also, what is it with directors treating Monica Belluci so roughly? Unfortunately, it lacks the depth, substance and story of similarly styled Besson / Tarantino films. Definitely a visual treat, but it’s a bit of a no-brainer and stays in-your-face from the very first frame. Style over substance.

Score: 6/10

Adineauri am văzut Irreversible, filmul lui Gaspar Noel, cu Monica Bellucci şi Vincent Cassel. Vincent Cassel, în caz că nu ştiaţi, este soţul Monicăi irl. And I get why. Mmm.

În orice caz, mă aşteptam ca filmul să fie violent, dar nu atât de violent. Pot să zic că am tresărit/ţipat puţin pe alocuri. Adică am văzut multe filme violente la viaţa mea, dar ăsta e mult prea realist, which makes the violence much much worse. Înţeleg de ce au plecat mulţi de la film. Şi felul în care e filmat e foarte obositor, şi muzica, şi ritmul. E obositor cu totul. Şi arată multe. Atât din violenţă cât şi din sex. Mult prea mult.

Şi până la final te întristezi groaznic. Dar cei doi au chemistry, asta e clar. Lots of it. Şi reuşesc să fie nice. Despite everything.

E un film cu mult feeling. Poate o să sune ciudat, dar e multă emoţie acolo şi până la final îmi transmite multă emoţie. Şi e toată povestea aia cu scenariu în mare improvizat. Maybe that had a lot to do with it. Poate de-asta pare atât de natural. Că na, până la urmă povestea nu e deosebită, chestiile luate separat nu sunt extraordinare, dar per total filmul merită văzut.

Vi-l recomand. Dar eu n-aş putea să-l mai văd o dată

One story, two films.

L’Instinct de Mort and L’Ennemi Public N°1 present us a cinematic view over the life of Jacques Mesrine, one of the most famous European criminals that became France’s Public Enemy Nº1 by the late 70’s.

The first part, my favorite of the two, starts by showing us the violent past behind the man and his rise in the criminal underworld…this film is probably the only of the two that can be put under the Hollywood gangster genre, going deeper into the character’s dilemmas and his struggle to grow a family and combine that with his crimes.

Violence overflows throughout both movies, and although some stuff may be exaggerated, I think the director Jean-François Richet subtly tried to justify the personality of Mesrine with some sort of Robin Hood complex and the fact that he tried to maintain a controversial code of honor.
That fact helps the audience to feel a connection with the character in the beginning, but the undeniable sociopath nature of Mesrine becomes clear in the second film, specially near the end.

In terms of directing and acting, this movie really exceeded all my expectations…I mean, any movie that Vincent Cassel does almost has a seal of quality just from his name on the cast, but this one is really a great mix of storytelling and entertainment. Even the end of it all, which we also see right away in the beginning of the first film, delivers a extraordinary sense of ruggedness, leaving you with a bitterness on the mouth, but a confirmation of how reality works in the criminal side of life.

Mesrine’s vision of reality was heavily distorted, life and death had nothing but a symbolic value for him, and we get to understand that in the movie, but what really shocked me was reading his wikipedia page and finding out that almost everything we see on both movies really happened, even the most insane stuff, and also his murder by the French police.

By the way, read another opinion on the movies (written ages ago lol), from my beloved girlfriend that watched them almost entirely with me.

IMDB LINKS:
PART 1: L’Instinct de Mort
PART 2: L’Ennemi Public N°1

TRAILERS:
PART 1 (American version)
PART 2 (French version)

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