Le 21 novembre 2009 à l’Atelier Satie.

Soirée chaleureuse et riche en émotions. Interprétation touchante des artistes présents à l’Atelier Satie, Luc Benoit au piano, Bernard Vitrac  baryton, Inès LSM soprane, Jean Sachs au violon, Eva Sanchez Ruiz à la guitare, Etienne Avronsart au didgeridoo et Bruno Lomenech, texte,  parmi les œuvres d’Inès Lopez-Sanchez Mathély et Jean-Michel Birais.

Quelques témoignages :

Un grand MERCI pour cette fabuleuse soirée.
Amandine

MERCI de m’avoir offert ces moments uniques et pleins d’émotions.
Alexandra

Merci Inès de cette belle soirée de haut niveau.
Je vous embrasse et encore bravo
Benoit

Inès, merci pour cette somptueuse soirée, c’était un très grand plaisir que de partager avec vous ce moment de si grande qualité. Merci encore.
Amicalement.
Charlotte

Bonjour Jean Michel et Inès,
Très belle soirée, riche de découvertes…. artistiques!
Je ne connaissais pas tout ce que fait Inès! sublime!!
Mon ami Guy a aimé vos oeuvres et le concert…
J’espère que la rencontre avec Fred Périé aura des suites en plus d’être un super copain ce qu’il fait est surprenant (en tout cas pour moi). Nous sommes du monde de Paccoud … et de ses entreprises parfois très folles …. et ça créé des liens…!
J’espère à bientôt, je vous embrasse.
Françoise

Oui une soirée riche d’émotions…
Une ambiance très agréable,
nous sommes prêts pour la prochaine “soirée entre amis chez Satie”
avec l’espoir que Diane puisse être des notres.
Il semblerait que votre horizon a de belles couleurs
Hélène

Je te remercie vraiment pour ton invitation, car j’ai passé une formidable soirée.
Cette ambiance  m’a rapproché de ce que pouvait vivre par exemple la famille Rouart, qui étaient des artistes, et qui aimaient s’entourer de leurs contemporains comme Renoir, Mallarmé, Paul Valéry, Berthe Morisot, Edouard Manet et tous ceux qui étaient les bienvenus.
Cette communion m’a également fait toucher les rassemblements qui pouvaient être engendrés au sein de la Grande Chaumière à Montparnasse ou bien à la Ruche dans le 15^ème parisien.
Souvent dans ces lieux choisis, les artistes se retrouvaient parce qu’ils se comprenaient et désiraient partager ces moments où l’autre se dévoile pour mieux recevoir.
J’ai apprécié, aussi vous pouvez cliquer sur le lien ci-dessous, qui vous conduira directement sur ma page ‘’des artistes dans mon entourage… ‘’.
Vous êtes en bas de page juste après René de Obaldia.
Régis

Luc Benoit

Bernard Vitrac, baryton,  accompagné au piano par Luc Benoit.

Inès Lopez-Sanchez Mathély accompagnée par Luc Benoit au piano.

Bruno Lomenech, lecture de nouvelles.

Em sẽ học Violon anh à…

Anh hãy chăm chỉ  học Piano đi nhé, rồi một ngày nào đó mình sẽ cùng chơi một bản nhạc.

Hy vọng tập trung vào Violon sẽ giúp em bớt nghĩ đến anh.

Cuối tháng này em sẽ lên Sài Gòn để vác bé Violon về đây. Em mong gặp anh lắm. Nhưng…

Renata Rosa

L’occasion est trop belle pour vous parler de Renata Rosa. Elle sera à Bruxelles le 18/11, à Utrecht le 19 et à Anvers le 21 dans le cadre du Festival Voix de Femmes.

Etat de Pernambouc - Brésil

Née à São Paulo, c’est principalement dans l’état du Pernambouc qu’elle puise et assimile la matière qui va la construire et l’enrichir. Dès l’adolescence, elle fréquente les villages de l’embouchure du fleuve São Fransisco où elle apprend à chanter le samba de coco, un chant d’appel et de réponse. Voici le groupe Samba de Coco Raize Arcoverde.

Poursuivant avec le toré, un type de polyphonie inspirée des indiens, elle en tira l’expérience d’une relation organique entre le chant et le mouvement.

J’ai effectué des recherches à ce propos et le résultat est assez troublant. J’ai trouvé un chant polyphonique pygmées, au Zaïre donc, lié au rituel du Toré, esprit de la forêt. Ces chants polyphoniques sont d’incroyables entrecroisements de voix et de timbres qui respectent une organisation rigoureuse… Mais j’ai aussi trouvé “Le toré”, rituel du peuple Truka qui invoque leur Dieu “Paitupan”, dans l’état de Pernambouc sur le fleuve Saõ Francisco… Y a-t-il un lien entre les deux? Ca, je ne l’ai pas trouvé! Renata Rosa proposera l’aboutissement de son travail sur les musiques Kariri-xoco, des indiens du Pernambouc.

Plus tard, elle s’initie au Maracatú rural, l’une des traditions du carnaval du Pernambouc.

Le Maracatu est le nom d’un rituel brésilien, pratiqué depuis le début de la colonisation dans le Nordeste, notamment dans l’état de Pernambouc, et hérité de l’histoire des esclaves en hommage au roi du Kongo.

Au cavalo-marinho aussi.

Elle devient l’une des rares femmes à jouer de la rabeca, un violon rural brésilien.

La rabeca - violon brésilien

Renata a fait de sa voix un véritable instrument qu’elle développe au contact des traditions du monde entier. Le Nordeste et son fabuleux folklore sont un prétexte à une invention musicale moderne où le travail de la voix trouve une place de choix.

Mais elle ne se limite pas au Nordeste brésilien et sa passion s’étend à l’ensemble des musiques du monde avec une préférence pour le chant indien et arabe. Des brincadeiras nordestines (terme portugais qui désigne les traditions qui mélangent musique et théâtre et où le public est avant tout acteur. On entend par là le cavalo-marinho, le samba de coco, le maracatu rural, etc) aux chants hongrois ou pakistanais, Renata Rosa ne cesse d’écouter et de chanter.

Fabuleuse, non? Evidemment un concert dans un espace plus intime est surement encore plus appréciable. Mais je suis certaine que ses prestations lors de son passage en Belgique ne laisseront pas de bois.

A bientôt

Anne Lecomte

Le Mozart noir, c’est Joseph Boulogne, chevalier de Saint-Georges. Son père était planteur en Guadeloupe et sa mère esclave dans la plantation. Habile dans toutes sortes de disciplines, il fut un virtuose de l’épée et du violon. Etrange mélange, mais qui ne fut pas étranger à sa renommée et qui nous rappelle une autre célébrité, fictive celle-ci. Un certain Sherlock. Mais je m’égare, là…

Mais pourquoi Mozart noir? Les notices de disques n’en disent rien, pas plus que le site internet (riche) consacré au personnage. Peut-être doit-il ce surnom à cette faculté d’être prodigieusement doué en tout. Ou encore parce qu’il fut le premier compositeur noir de musique classique. Peut-être…
Personne ne dit non plus qui l’a surnommé ainsi. Que de mystères… il faudra que je demande à Sherlock ce qu’il en pense.

Mais même sans réponse à ces deux questions, il est toujours possible d’écouter ses oeuvres dans nos collections.

SAINT-GEORGES, Joseph Boulogne Chevalier de.
Quatuors à cordes. Op. 1 (Arion 1998)   Disponibilité
Quatuor concertant pour cordes. Op. 14 no 6 (Valois 1996)   Disponibilité
Concertos pour violon (Arion 1990)   Disponibilité
Symphonies (In : Le Mozart noir) (CBC 2003)   Disponibilité

Ou encore lire sa biographie en créole dans les bibliothèques section jeunesse.

Marie-Noëlle

Journal d’écoute du 25 octobre 2009

Aujourd’hui j’ai écouté:

• La septième symphonie de Beethoven interprété par le Berlin Philharmoniker, dirigé par Karajan
• Le concerto pour violon de Mendelssohn en DVD, interprété par Anne-Sophie Mutter

Quelques notes

J’ai eu la chance d’interviewer la violoniste Anne-Sophie Mutter au téléphone en début d’année. C’était mon premier article de musique classique dans La Presse, et j’étais très stressée. Elle a été fort gentille.

Son agent m’a fait parvenir son dernier enregistrement du concerto, à la fois sur CD et sur DVD. J’avais écouté le CD plusieurs fois, mais pas encore de DVD. En plus d’une performance en concert, il contient aussi l’extrait d’un documentaire sur Mendelssohn.

Anecdote: dans les jours qui ont suivi l’entrevue avec Mutter, j’ai eu une courte conversation avec Claude Gingras. Il m’a demandé si j’allais voir le concert de Mutter avec l’OSM. Je lui ai répondu que la dame des relations publiques de l’OSM avait oublié de m’offrir des billets, et que j’étais trop timide pour en demander. Il a alors pris le téléphone devant moi pour les appeler, et j’ai eu les meilleurs places de concert que j’avais jamais eus de ma vie, aux premières loges, du côté droit. Elle a joué de façon magistrale et poignante, je n’en ai pas perdu une note. Je connaissais déjà le concerto depuis longtemps puisqu’il faisait partie des pièces incontournables que l’on nous donnait à écouter dans les cours de littérature musicale au cégep. Mais l’interprétation que Mutter en fait est très personnelle, et totalement différente de la version que je connaissais.

Voici mon article sur elle, publié dans La Presse du 7 février 2009

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Retour à Mendelssohn

Anne-Sophie Mutter revient à Montréal après 20 ans d’absence. Mais pour elle, c’est avant tout un retour au concerto en mi mineur de Mendelssohn, qu’elle n’avait pas joué depuis 10 ans.

Histoire de souligner le 200e anniversaire de naissance du compositeur, elle vient d’enregistrer l’oeuvre pour la deuxième fois, avec l’Orchestre du Gewandhaus, dirigé par Kurt Masur, sur Deutsche Grammophon.

Nous pourrons l’entendre les 10 et 11 février prochains avec l’OSM, sous la direction de Rafael Frühbeck de Burgos.

“Revenir à l’un des plus beaux concertos jamais écrits du répertoire pour violon est un moment marquant de ma vie, dit la musicienne, jointe à New York. Je retrouve tant de joie et de tendresse dans cette musique, que j’avoue voir Mendelssohn d’un oeil complètement différent aujourd’hui. Et je suis étonnée de constater qu’après 10 ans sans jouer le concerto, j’ai développé autant de passion pour lui.”

Il n’en a pas toujours été ainsi. Lorsqu’elle jouait Mendelssohn dans sa jeunesse, elle ne ressentait pas de connexion forte et immédiate avec le compositeur comme c’était le cas avec Mozart ou Beethoven.

“Je ne trouve aucune raison logique pour expliquer cela, c’était ainsi, tout simplement”, dit-elle.

Il en est tout autrement avec cette nouvelle interprétation très personnelle du concerto qu’elle nous offre. Son premier enregistrement de l’oeuvre datait de 1980, alors qu’elle jouait avec le Philarmonique de Berlin, dirigé par Herbert von Karajan. Qu’est-ce qui a changé depuis?

“Je crois que comparer un disque avec un autre n’est pas très sain, dit-elle, car à chaque instant de sa vie, un artiste essaie de donner le meilleur de lui-même. Chaque concert est une tentative pour se rapprocher le plus possible des intentions du compositeur. Mais c’est un travail en constante évolution.”

Sa récente interprétation du concerto se distingue de la précédente par l’emphase mise sur le côté passionné du premier mouvement, son dynamisme et cette impression de mouvement rapide et d’impatience caractéristique de Mendelssohn, explique la violoniste. Sans oublier la légèreté, l’élégance et l’articulation du dernier mouvement.

“Et bien sûr, je voulais souligner le caractère de romance sans paroles du second mouvement, qui le distingue d’un mouvement lent de concerto typique. Il nécessite une fluidité, pour ne pas le rendre romantique à outrance, ajoute-t-elle. Cette musique doit pouvoir se chanter. Je crois qu’avec Mendelssohn, comme chez Mozart, la simplicité est la clé.”

Elle a été inspirée dans cette direction notamment par les conseils du maestro Kurt Masur, qui a beaucoup travaillé à combattre les idées reçues sur le soi-disant manque de profondeur de Mendelssohn.

Mentionnons que l’Orchestre de Gewandhaus, avec lequel Mme Mutter vient d’enregistrer le concerto, est celui-là même qui l’avait joué pour la première fois à Leipzig, en 1845.

De retour à Montréal

Anne-Sophie Mutter n’en est pas à sa première collaboration avec l’OSM. Elle a participé à une tournée de l’orchestre en Europe avec Charles Dutoit. Sa dernière visite à Montréal remonte à 1989. Elle avait alors aussi joué le Mendelssohn.

“Je voulais revenir depuis longtemps, mais mon horaire ne le permettait pas, dit-elle. Je suis très contente de revenir et de jouer avec le maestro de Burgos, qui est l’un de mes chefs favoris. Nous avons travaillé plusieurs fois ensemble. Ma première en Espagne en 1978 était avec lui.”

C’est notamment parce qu’elle est une mère au travail “comme des millions d’autres”, insiste-t-elle, qu’elle n’a pas eu l’occasion de jouer souvent au Canada. Elle aimerait toutefois revenir avant longtemps pour présenter le concerto pour violon de la compositrice russe Sofia Goubaïdoulina, In Tempus Praesens, qui lui est dédié. Elle considère la pièce comme son “dernier grand amour en musique contemporaine”.

Plusieurs compositeurs ont créé des oeuvres pour la virtuose. C’est le cas, entre autres, de Penderecki et d’André Previn, son ex-mari.

“Rien ne se compare au moment où vous recevez une partition que vous êtes le premier à jouer, dit-elle. Bien entendu, vous n’en êtes pas propriétaire, mais un lien spécial se crée avec une oeuvre dont vous avez la primeur. Je suis toujours émue que les compositeurs me témoignent une telle confiance.”

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Voici un lien vers la critique de ce concert par Claude Gingras

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Déjeuner avec une diva, soirée avec Mozart

Aujourd’hui c’était vraiment une journée de musique. En plus des écoutes que j’ai faites, ce matin je suis allée déjeuner en compagnie d’une amie chanteuse d’opéra, que je ne nommerai pas ici puisqu’elle ne sait même pas que ce blogue existe, afin de lui poser diverses questions sur le chant lyrique. On apprend toujours énormément en compagnie de musiciens. Elle m’a également prêté trois livres sur l’opéra qui me seront très utiles. Évidemment mon amie n’est pas le moins du monde une diva, mais j’aime utiliser ce surnom de façon amicale.

Et ce soir, j’ai regardé le film Amadeus de Milos Forman avec mes amis, qui ne l’avaient jamais vu. Amadeus fait partie de mes films cultes depuis sa sortie en 1984. J’avais été le voir au cinéma avec ma mère à l’époque, j’avais alors quinze ans, et depuis, je crois que je l’ai regardé une bonne quinzaine de fois. Je le connais pratiquement par coeur. Toutefois, je ne l’avais pas vu depuis très longtemps.

Dans quelques semaines, nous allons assister à La Flûte enchantée à l’Opéra de Montréal et j’ai pensé que ce serait une bonne façon pour eux de s’initier au contexte de création de l’oeuvre et à la musique de Mozart, qu’ils ne connaissent pas tellement. Bien que ce film soit basé sur une pièce de théâtre et donne une aussi grande place à la fiction qu’à l’exactitude historique, je crois qu’il reste un excellent moyen de découvrir Mozart et sa musique. La trame sonore est extraordinaire, et j’apprécie particulièrement le passage où Mozart dicte à Salieri une partie de son Requiem.

Je voudrais que tout le monde puisse apprécier la musique classique, même s’ils n’ont pas eu la chance d’acquérir une culture musicale étant jeunes. À chaque fois que c’est possible, j’essaie d’inciter les gens qui m’entourent à en écouter et je leur disce que je sais sur les oeuvres et les compositeurs.

On pensait jamais bien voyager ensemble.  On est tellement différentes.

Encore aujourd’hui je ne peux pas totalement en saisir l’essence.
J’imagine que c’est juste quelque chose qui arrive.
Comme quand il neige et que tu marches dans la rue, et que pour une raison anonyme, il y a un flocon qui se pose dans ta bouche.

On s’était donné rendez-vous à Paris.

Dans un texte, comme ça, sur un blogue, «se donner rendez-vous à Paris» ça se mêle aux autres phrases sans qu’on y porte une attention particulière.  Mais dans la vraie vie, avec tes meilleures amies, «se donner rendez-vous à Paris» c’est plus qu’un évènement en soi.

Ça commencé avec du retard dans les avions.
Ça commencé avec presque 20h dans les machines volantes et les aéroports.
Ça commencé avec un appartement qui m’était prêté, dans un petit quartier de banlieue.
Ça finalement vraiment commencé, avec un miaulement de l’autre côté de la porte, et une bouteille de champagne qu’on a bue dans des tasses.

Après ça,
On était réunies.
Quatre.
Nous quatre :
À Paris.

Donc on fait ce qu’il y a à faire.
On module notre accent, et on trouve ça drôle.
On prend trop de photos, on squatte les musées, les statues.
On boit du vin à 2 euros sous les grandes pattes de la tour Eiffel.
On mange du confit, des croissants, et de la baguette.

Après Pigalle, on croise le Café des Deux Moulins.
Foire des péripéties cinématographiques d’Amélie Poulain.
On enjambe les pierres presque poncées des rues menant à Montmartre dans les petites collines abruptes que sont les rues y
conduisant.
On rit.
On est bien.
On est plus que bien
On est à Paris.

Nous sommes presque arrivées au point culminant de la butte aux artistes qu’on entend du Piaf.
On entend du crin grinçant sur des cordes.
On se regarde plus complice que possible.
On arrive.  Enfin.  Même pas essoufflée.

Un bonhomme est assis sur une petite caisse.
Sur son ampli.
Il a des lunettes rondes, et un dynamisme invitant.
Il est charismatique et humble.
Il ferme les yeux sous ses verres sphériques et happe son archet de passion, de sensualité, de ferveur.
Il déchaîne du Trenet.  La mer.

Encore aujourd’hui je ne peux pas totalement en saisir l’essence.
J’imagine que c’est juste quelque chose qui arrive.

On s’assoit.  Sans se consulter, le vote était unanime.
On s’imbibe.
Comme une éponge qui gobe.
Comme une étampe qui subit.

On était les quatre, à Paris.
Et après, on était les cinq, à Montmartre.
Nous et le violoniste.
Lui, son poil de cheval, et son coffre de bois.
C’était en fait juste ça.
Le violoniste qui entre son menton et son épaule, tenait le plus beau moment de notre rencontre.  Un moment inédit.   Un moment qui même en mots ne serait parlé pour lui-même.  Un moment où sans discuter, on en disait déjà trop.

À cet entretien, il y avait un lâcher-prise égorgeant.
Un abandon vulnérable et rarissime qui s’est imprimé dans nos annales incomprises.

Ce qui est inracontable,
C’est les meilleures histoires.
Ce qui nous échappe parce que c’est trop précieux,
C’est nous quatre et Paris.

http://www.youtube.com/watch?v=_k6IUE4h70k 

Elle a 10 ans, j’en ai 19, elle joue ça et théoriquement je devrais avoir le niveau pour le jouer, mais j’en suis incapable.

Dans le fon, moi, j’peux rien jouer de tout ça, parce que j’ai pas de prof, pis souvent j’ai pas l’audio.

Ça m’énarve, calisse. Le morceau le plus dure que j’ai appris c’est la fantaisie russe de portnof no.2. Moi aussi j’veux jouer du classique de même.

Merci, ça a fait du bien.

Il est immense, quelque chose de grand et d’étiré aux bras minces. Il a les cheveux pâles comme un ange et le visage barbouillé comme un démon – un ange déchu donc, ce sera sa première définition. La silhouette ressemble de loin à un David Bowie moins émacié, moins tragique mais plus gracile. Son nom de naissance est Patrick David Apps, à cette grande liane asexuée qui se dresse sur scène dans des vêtements improbables, entourée d’instruments aussi divers qu’une batterie, un violon, une contrebasse, des synthés, une guitare, un ukulélé… Métal symphonique ? Musique du monde ? Electropop ? La musique de Patrick Wolf est à la fois moins et bien plus que tout cela.
A l’occasion de sa grande tournée européenne et de la sortie de l’album The Bachelor, un retour sur le parcours musical d’un chanteur aussi génial que difficile à apprivoiser.

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Le jeune anglais est né en 1983 et se pose comme un musicien naturel dès le début de son adolescence – il commence à enregistrer des chansons à l’âge de 11 ans dans sa chambre avec son violon et sa voix qui s’affirme peu à peu comme un beau ténor profond à la limite du baryton. Les anecdotes privées d’un personnage changeant et peu apaisé ne nous intéressent pas pour cet article, il est intéressant en revanche de se représenter Patrick Wolf en ado faisant la manche dans les rues de Londres avec son violon, en soliste du groupe “Maison Crimineaux”, puis en artiste exigeant travaillant sur son premier album dans une maison de disques semi-indépendante.
Son parcours se réfère de manière atypique à des courants aussi différents que la musique électronique des années 20 et 30, notamment l’invention du Thérémine, ou la chanteuse Joni Mitchell. Il joue d’un nombre indéfini d’instruments, dont le violon, la harpe, le piano, la guitare, l’ukulélé, j’en passe. Sa fascination pour des types de musique très divers le pousse à une recherche unique, et à la fois, il ne cesse de se renouveler en ce que chaque album peut être associé à une certaine évolution, une période, un point de vue aussi précis qu’un angle de caméra.

Lycanthropy

Dans son premier album, sorti en 2003, Patrick devient Wolf et le raconte dans un album aux traits de parcours initiatique, qu’il appelle Lyncanthropy. Il y reprend des chansons composées à l’origine entre l’âge de 11 et 16 ans, plus ou moins modifiées a posteriori. Il explique son association avec les loups dans une interview “[...] j’étais plus solide et résistant que le garçon que j’avais été, ce qui m’intéressait dans le chant était des questions d’instinct, d’intuition et d’émotion, choses très liées à l’idée de lune”.
Ses textes effleurent son adolescence fugueuse passée à voler de la nourriture dans les rues de Londres, une première expérience sexuelle dont on ne sait pas bien si c’est un viol ou un consentement regretté, des chansons mélancoliques aux accents électroniques criards où l’on sent encore l’influence du punk et de la musique blanche.
L’album se renverse ensuite autour de la chanson “Paris” où l’introduction au violon préfigure les productions futures de Wolf, comme le fait sa voix tantôt noyée dans la réverbération, tantôt proche des sons épurés sur lesquels il se concentrera par la suite – et que l’on retrouve dans la suite de l’album. Peu à peu l’adolescent grandit, se dépêtre de ses contradictions et de sa mélancolie.
Lycanthropy est une œuvre de jeunesse littéralement, et qui pourtant est protéiforme et mature, entre ballades, chansons sauvages, et chants de barde. Le premier album de Wolf est vastement salué par la critique.

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Wind in the Wires

L’album Wind in the Wires, sorti en 2005, abandonne une partie de la recherche électronique de Wolf pour se concentrer sur une musique acoustique, comme en témoigne le morceau inaugural “Apparition” qui rappelle un orchestre symphonique réglant ses instruments avant un concert. L’orchestration repose sur le violon central dont on entend les solos criants sous le gémissement du chant, et sur le piano qui dessine l’arrière-plan. La voix est elle aussi plus pure, plus posée, le ténor joue uniquement sur les graves et se fait baryton.
Il aborde déjà dans cet album le thème de la mort de gens proches, sur lequel il reviendra souvent par la suite.
De manière plus importante, il y pose un projet musical défini en filigrane à travers plusieurs chansons, Land’s End entre autres.
L’album est un carnet de voyage, sur une musique plus fraîche, plus facile d’approche aussi que pour le premier album, il est composé essentiellement de ballades dont le rythme pop est démenti par la complexité de la trame musicale.
Le chanteur y parle de navires, de routes et d’océans, témoignage d’une musique qui s’éloigne de l’humeur maussade de ses débuts et prend pied dans une rêverie à la fois enfantine et mélancolique, le désir d’un ailleurs et la conscience que cette recherche assidue est vraisemblablement vouée à l’échec. Le jeune homme oscille entre apaisement et rage, à l’instar de Tristan, sa chanson inspirée de la légende de Tristram.
L’album est à la fois le témoignage d’un rêve et l’aveu d’un échec, Wolf allie l’expérience purement subjective à une inspiration trouvée dans des légendes nordiques ou dans des images fantasmatiques d’un monde autre.

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The Magic Position

La pochette de cet album sorti en 2007 annonce littéralement la couleur. Le chanteur abandonne le monochrome pour des cheveux rouges, des vêtements kitsh, un titre de pochette écrit au néon. La voix a fini sa mue, elle est adulte maintenant, plus grave et plus ferme. La musique est plus cohérente, mais aussi plus pop. Wolf semble abandonner définitivement les accords déconstruits pour une musique qui prend l’auditeur par la main et l’emmène gentiment le long de la partition, notamment dans la chanson Magic Position, qui rappelle davantage Mika que la musique expérimentale.
Ce n’est pas au hasard que le chanteur évoque la “major key” dans ce morceau, puisque l’album est constitué pour partie de chansons en majeur, renversement radical par rapport aux deux albums précédents.
Cependant qui espère trouver dans cet album un condensé de bonne humeur passée à la bisounours attitude risque une déception cruelle. L’optimisme affiché de l’album devient étrange, déroutant dans une chanson comme “Accident&Emergency” où le chanteur reprend l’idée du “sans mal comment verrait-on le bien” en ironisant sur les notions de terrorisme et accidents. On ne peut s’empêcher de voir dans son enthousiasme quelque chose de feint, et comme une contradiction dans les termes. L’album se dément lui-même, et l’optimisme ressemble étrangement à une couverture ironique pour une mélancolie plus grande.
A l’inverse des autres albums, où le début est plus amusé que la fin, ici l’album prend à contre-pied l’attente du spectateur, et le Mika se liquéfie sous des airs de clown sinistre.
Mais l’ironie qui aurait pu être grinçante devient nostalgie, après un Patrick Wolf grandissant, c’est un Patrick Wolf adulte qui se contemple de l’extérieur avec une résignation qui confine à la tendresse. L’album prend une distance avec lui-même, qui semble accompagner la distance du chanteur sur son propre personnage, donc son assomption.

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The Bachelor

Reprenant une disposition de pochette semblable à son premier album, Wolf apparaît ici sur une image étrange comme un capitaine Kirk décadent sur fond de tente futuriste et d’ukulélé. L’album The Bachelor, production la plus récente de l’artiste, est le premier-né de deux jumeaux, le suivant arrivant l’année prochaine sous le titre The Conqueror. Cette scission est due à une séparation entre le chanteur et le label Universal, qu’il quitte pour fonder sa propre maison de disques fondée sur la participation de ses fans.
The Bachelor est donc le premier volet du diptyque, le volet le plus sombre, celui qui évoque le passé, ses déceptions et son poids. Wolf, voyageur insatiable et solitaire, qui ne parvient jamais à se fixer à un endroit que pour le regretter, revient sur ses voies semées d’embûches. Décidément la couverture est bien choisie : dans cette œuvre plus que dans les autres Wolf se pose comme un extraterrestre à plusieurs titres.
Il se veut et se voit d’abord comme un voyageur d’un espace autre qui serait tombé un peu par hasard à un endroit dont il ne peut plus repartir, et qui ne cesse de tourner en suivant un même cercle : c’est qu’il lui manque une quatrième dimension où s’envoler. Extraterrestre assumé donc.
Mais extraterrestre musical aussi. Entre “Battle” qui a des airs de chanson de Rammstein, et “Oblivion” qui joue avec les violons sur des airs presque tziganes, plus que les autres, cet album est clairement inclassable. Il semble s’inspirer de tout ce qu’il y a eu de bon ces dernières années et les années d’avant, techniques d’électro, scratching de DJ, travail vocal de pop ou de musical, orchestration symphonique, et parvient à en tirer malgré tout une cohérence interne, pour une musique surprenante, parfois déroutante, toujours vive et dense.
Il adopte parfois une attitude de général sur un champ de bataille, parfois une attitude de conteur, par exemple dans “The Bachelor”, titre éponyme, dont le refrain raconte:

I’m not gonna marry in the fall
And I’m not gonna marry in the spring
I’ll never marry – marry at all
No one will wear my silver ring
Wear my silver ring, boy.

Entre élans politiques et réflexion sur le soi, Wolf se place à tous les carrefours, toutes les croisées.
S’il tombe parfois dans l’excès, l’on y sent toujours une pointe d’autodérision, la conscience parfaite de franchir ses limites, la volonté audacieuse de les repousser à l’extrême.

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La Wolf experience

Enfin il est impossible de parler de Patrick Wolf (malgré la longueur déjà conséquente de cet article hélàs) sans aborder l’aspect visuel de son travail.
Le visuel Wolf, c’est d’abord un travail sur le clip. Les clips de Wolf sont un spectacle son et lumière, qui prend le contrepied de la mode des clips “au naturel”. Les siens sont extrêmes, surjoués, tournés dans des lumières improbables et fluo, presque 80’s. Un bon exemple en est le clip de “Hard Times” tiré de son dernier album.

La comparaison initiale avec David Bowie retrouve ici un sens nouveau : comment ne pas rapprocher les deux silhouettes frêles et les deux visages à l’expression quasi mystique, les deux voix à la technique impeccable bien qu’aux inflexions très différentes ?
Le même excès, la même autodérision derrière le sérieux allégué, la même édification d’un personnage-chanteur qui devient en soi une œuvre d’art. Si ce n’est que Wolf pousse encore plus loin le vice : David Bowie s’était retranché derrière le masque de Ziggy, Wolf est à lui-même son propre masque.

Mais l’expérience Wolf, c’est aussi et surtout une expérience de la scène. L’on pourrait s’attendre, face à une musique aussi cryptique, aussi difficile d’accès au premier abord, à une expérience scénique distanciée, une représentation de No.
Or, Patrick Wolf en concert est tout sauf une ombre désincarnée. A vrai dire, le concert prend une dimension presque pédagogique, tant Wolf se veut proche de son public. Il se présente, se raconte, relate des anecdotes à première vue insignifiantes mais qui tissent avec l’audience un lien d’intimité, de proximité.
Patrick ne chante pas pour une salle mais pour une bande de potes, massés, à défaut d’un feu de camp, autour des feux de la rampe. Conscient de la difficulté de transposer le dispositif technique nécessaire à ses chansons sur une scène, Wolf compense le manque, ou plutôt transforme le manque, en se faisant barde, et le concert devient cabaret.
L’accent particulier que Wolf donne à ses chansons dans ces circonstances sert souvent d’éclairage pour la réécoute de ses albums a posteriori. Soulignant la différence entre travail de scène et travail de studio, Wolf a la clairvoyance et le talent de les rendre différents et complémentaires, ce qui fait de ses concerts une expérience édifiante, nouvelle au lieu d’être superflue.
La vidéo suivante, au son désastreux, vaut pour la perception qu’elle donne de l’ambiance de la salle.

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Quant à moi dans tout cela, son concert parisien du 10 octobre, j’y étais, perchée sur un escalier du Nouveau Casino. J’en retiendrai un Peter Pan adulte survolant ses chansons dans des costumes moulants de satin ou sur des ailes étranges et grises, un Anglais amusé, conscient d’être aimé de son public et qui joue avec la salle. Enfin, un artiste étonnant qui change d’instrument et joue du violon au pizzicato avant de noyer son visage dans la lumière d’un spot. Probablement dix minutes d’applaudissements pour un rappel, presque superflu tant Wolf sait réussir ses sorties.
Une grâce enfin, animale mais policée et d’apparence si peu sauvage, que l’on peinerait à voir en Wolf le Loup, s’il n’y avait dans son œuvre la qualité d’un solitaire hurlement à la lune, transformé par le talent en musique.

On commence par un excellent bassiste japonais. J’ai été vraiment bluffé, venant moi-même d’un ancien groupe où j’étais bassiste. Mais dans la catégorie “Je veux absolument me faire remarquer”, c’est un sérieux prétendant…

On continue ensuite sur l’extrême danger pendant l’utilisation d’un téléphone portable. Quand on en utilise un, il faut absolument regarder devant soi, sinon… c’est le drame…

Et on termine par un excellent cover de la musique “Toxicity” du groupe de nu metal System Of A Down. Petites particularités : ce sont trois (jolies) jeunes femmes qui jouent, et deux d’entre elles utilisent un violon électrique. Attention, ça dépote !

Yé !

Fini le p’tit violon rouge laid à 100$ acheté il y a 6 ans par mes parents. Asteur, j’en ai un qui vaut 800. C’est fou comme ça fait du bien, même si pour l’instant il est en location mais dans deux moi, ce sera mon cadeau de noel en avance. Là c’est vrai, j’touche plus à mes paies et j’économise parce que je le veux. Défi, défi…

Il est beau, il sonnt bien et je me suis acheté une sourdine pis les sourdines, c’est la joie ! Donc plus personne va m’entendre fausser chez nous, ils doivent être contents j’imagine…

Pour voir comment il sonne,
Cliquez là
C’est drôle, ça m’a pas fais mal de quitter mon alto…
Voilà, je voulais vous faire partager ma joie…

DG qui aime ça jouer sur des cordes qui grichent pas !

Finalement, j’ai pas trop le choix… il part demain. Je suis triste, mais il n’y a pas de prof et il n’y a pas un large répertoire comme le violon. Je suis, honnêtement, prête à reprendre le violon normal, donc plus aigû. Je vais m’en louer un chez mon luthier car le mien a rendu l’âme hier. En plus, j’ai deux morceaux au violon très importants à travailler. Important pour moi je veux dire. J’y tiens ! J’aurai un nouveau violon donc la motiv reviendra, mais ça m’atriste de quitter mon alto que j’aime tant… mais bon, ça l’air que c’est la vie ! C’est si beau un alto.. autant le son que le physique !

Mountain of ballons

Saturday in pm, needed a haircut and the best place to have it is downtown Querétaro, Mexico.

The mexicans people love balloons, all kinds, any colors as long as it is a balloon.  Here in the old centre de Querétaro, almost everyday, there is somebody carrying a pile of balloons on his back, selling it to the local children and families out for a walk around.  Yes, there are two feet underneath those ballons.

Entrance to the hairsalon

This is the entrance to the hair salon, an old door without any age, a small place with beat up old chairs and a friendly smile each time we go there.

The hair salon does both : men and women, the old fashion way.  If only this chair could speak for itself, with the hay in the back sticking out, oh the stories we would listen to, well into the night…

The cost of a haircut is 4$US (40 pesos).  The woman cutting the hair that day is a young one, around 30 years old, the daughter of the daughter of the owner.  This is a picture of the first owner on the wall, above all the chairs (3 of them), an old black and white picture that has seen better days…

Little colors for a girl'hairs

She cuts hairs without wetting them, just cutting very fast all around without giving it any style basically.  When all the head is done, then, she starts asking questions how we would like to style it.  Depending of the style chosen, she will wet the hairs with a spray bottle filled with water and will cut more if needed.  All in all, it takes about 10 minutes, done, simple and the rest of the style : do it yourself at home…

Saturday downtown Querétaro is also the night to go for private music concerts.  We have been going since 2006, very seldom missing a Saturday.  The concerts are private, with very limited spaces available and taking place in a hunted house now turned into a museum Casa de la Zacatecana.

The balcony above the room where the concert is taking place

This house stayed closed for many years and only recently did they decide to open it to the public and turn it into a museum (visit this site to know the story of this casa).  The acoustic of this place is remarkable and very appropriate for concerts.

Claudia Ramirez, violin I, Guillermo Villalobos, violion II

The cuarteto ‘Sonus’ was formed in 1998 with four very talented musicians.  One of the best concert I have listened to in many months.

Luis Obregon, Clarinete

Their program was filled with Rock and Jazz music, very nice.

Valery Sekretow, violoncello

From Led Zepellin, to Metallica, from Jimi Hendrix to The Eagles, we finished this wonderful evening by stopping by my favorite place to eat, the San-Miguelito, just a few blocks away.

San Miguelito, Querétaro

I love this place, located in an old hacienda full of history and ghosts that we can feel all around us when we eat.

Close up of a set table at San Miguelito

All the articles seen on each table, including the tables and chairs are for sale.  Those glasses are locally handmade made and over the years, I came out to own a very nice collection of two of each, having them all now.

View of the back of the resto, going to the gardens

The resto not only serve food but also has an open garden at the back where reception, family gathering can take place.

Cathedral of Querétaro, view at night

On our way out of the San-Miguelito, just above our head to the right, there is the Cathedral of Querétaro, always lighted at night, so peaceful and full of history.  Good night all!

Cet automne, l’AB rend hommage à l’ethnomusicologue américain Alan Lomax(1915-2002).  Cet hommage se déroule sur trois tableaux, à L’Ancienne Belgique en collaboration avec La Cinematek et le Mim, le musée des instruments de musique.

Depuis une semaine, vous pouvez découvrir la discographie d’Alan Lomax à la média de Bruxelles.

Alan Lomax, né le 31 janvier 1915 à Austin dans le Texas, commença sa carrière en 1933 avec son père, qui était lui-même un collecteur de chants traditionnels.  Après avoir installé un enregistreur de près de 150 kg, ainsi que les batteries nécessaires, dans le coffre de leur Ford, ils partent sillonner les routes du Sud des Etats-Unis et traîner le micro dans les prisons et camps de travail. C’est cette année-là qu’ils découvrent Huddie Ledbetter, plus connu sous le nom de Leadbelly, dans la prison d’Angola en Louisiane.

Leadbelly

En 1940, Alan Lomax commence son travail en radio pour CBS. C’est à cette époque aussi qu’il collabore avec Pete Seeger et Woody Guthrie sur un livre reprenant des chants plus engagés, ainsi que les enregistrements que son père, John, avait mis de côté, à cause de leur contenu. Cet ouvrage, “Hard hitting songs for hard hit people”, provoqua beaucoup de remous si bien qu’il ne verra le jour qu’en 1967 chez Oak. Il sera réédité chez Bison Books en 1999.

"Hard hitting songs for hard hit people"

En 1949, le climat politique est tel aux Etats-Unis que Lomax part en Europe où il passe la majeure partie des années 50. Il traînera son micro dans de nombreux pays:  Angleterre, Ecosse, Irlande, Italie, Espagne.

"Italian treasury"

De retour aux Etats-Unis fin des années 50, il va se concentrer à nouveau sur le Sud, Virginie, Kentucky, Alabama, Mississipi, Tennessee, Arkansas, Caroline du Nord et les îles au large de la Géorgie. En 1959 et 1960, sa femme Shirley Collins et lui engrangent un énorme collectage de ballades, blues, hymnes, work songs, spirituals, gospels, danses, shanties (chants de marins), airs de violons ou de banjo… Autant de traces de cultures anciennes, venue d’Europe ou d’Afrique, transformées au contact d’une autre vie quotidienne, d’un déracinement, de “métissages” multiples…

Je ne peux m’empêcher de vous mettre aussi une vidéo de Bessie Jones chantant “Little Johnny Brown” en invitant les enfants à participer à une ronde. Si  je ne me trompe, elle est accompagnée de Pete Seeger au banjo.

En 1962, Alan Lomax partira travailler six mois dans les Caraïbes, recueillant les traditions des communautés d’un nombre impressionnant d’îles, Trinidad, Tobago, St. Lucille, Nevis Carriacou, Guadeloupe, Dominique, Grenada, Martinique, St. Kitts…  Soit un résumé passionnant des multiples facettes des cultures caribéennes, traditions africaines, françaises, anglaises, espagnoles, celtes, indiennes (Inde).

Ceci n’est qu’un aperçu du travail d’Alan Lomax. Si l’envie vous prend d’aller plus loin, voici quelques liens…

La médiathèque avait édité une brochure en décembre 2005, elle existe encore en version papier à la Média de Bruxelles et sur le net, “Alan Lomax, Les grands collecteurs de musiques”.

Un billet complet sur le dvd documentaire “Alan Lomax, the songhunter”

Et voici sa discographie.

“L’immense” Petrucciani dans le standard de Duke Ellington “take the A train”:

Soliste…  Seul face à l’espace d’un silence, silence si précieux, creuset de tous les possibles avant que l’archet ne se pose sur les cordes du violon, que les notes effleurent les cordes invisibles du silence.

Mais Bach effleure-t-il ces vides infinis? Oh! Non! Bach est un initié, il converse avec les mystères de la musique et la complexité des sons, de leurs combinaisons innombrables. Il en connaît les couleurs, les profondeurs, les lumières et les ombres. Ni prétentieux, ni conquérant, il “est” de la musique comme on est d’un pays. C’est son monde.

Le violon de Grimal nous parle de ce monde immense, il parle son langage, il est un voyageur, il visite ce monde et l’interprète, il le questionne. C’est une quête spirituelle, un chemin initiatique.

Voilà une part de ce qui nous est donné sur ce très bel enregistrement des Sonates et Partitas pour violon seul.

David Grimal, virtuose du violon mène une carrière internationale. Il a initié un collectif de musiciens qui rassemble des artistes de renommée et des artistes débutants. Ce collectif se nomme “Les Dissonances”. Ils ont édité un album  “Métamorphoses de Strauss” et ” Nuit Transfigurée” de Schoenberg.

David Grimal fait aussi partie du “Quatuor Orfeo”. Il joue sur un Stradivarius de 1710.

Françoise Vandenwouwer