addensate tra costole
discostate dagli archi
io violoncello tra laringe e cuore
sonorità profondo
lungo le corde d’improvvisi
in gola
sono non sono solamente soglia
solve et coagula
argento mi distingue all’apparenza
se viaggiare sull’onda
è stringere lame_nti tra le mani
sapete bene come
può tagliare la carta
e allora questo che vi sembra un letto
già libro – o giaciglio disfatto -
infine è uno sbadiglio
in retroscena.

Cristina Bove

9 novembre 1989: il Muro di Berlino è stato da poco abbattuto, quando al checkpoint Charlie di Berlino Est, dove erano avvenuti alcuni dei più tragici tentativi di fuga dalla DDR,  arriva MSTISLAV ROSTROPOVICH, il più grande violoncellista dei nostri tempi. Si siede, e davanti alle macerie improvvisa un concerto con alcune suite di Bach. Tutte in tonalità maggiore, perché, dopo 28 anni di vita in tonalità minore, per i berlinesi è giunto il momento della gioia. E, poi, è musica di Bach: assoluta, che unisce i popoli e abbatte le barriere. «Quando sono andato al Muro di Berlino non è stato un atto politico, ma personale. -spiegò Rostropovich- Ero a Parigi, la sera ho telefonato a un amico che mi ha detto di accendere immediatamente il televisore, era di sera. All’inizio non capivo, guardavo quelle immagini e non capivo. Quando ho capito le lacrime hanno iniziato a scendere. Il Muro di Berlino nella mia vita ha avuto il ruolo di una cicatrice sul cuore. Avevo 47 anni quando mi hanno cacciato dall’Unione Sovietica, dopo i 47 anni è iniziata un’altra vita. E queste due vite non si sono mai riunite. Quando ho visto che buttavano giù il Muro di Berlino ho pensato che finalmente avrei potuto avere la speranza che queste due parti della mia vita potessero ricongiungersi. E come un pazzo la mattina successiva ho preso il violoncello, sono salito su un aereo. Non sono andato a Berlino a suonare per la gente, sono andato lì a suonare affinché Dio mi ascoltasse, direttamente dal Muro di Berlino. Una specie di preghiera di ringraziamento a Dio. E davvero, dopo quel giorno, le mie due vite si sono riunite».

Andare ad un concerto é sempre un piacere.Scoprire che il gruppo spalla,prima a noi completamente sconosciuto,é di quelli che vale la pena ascoltare,é come il dolce profumo della cassoeula che si spande nella mia casa in questi giorni.

Per i Dredg,giovedì sera a Milano,hanno aperto i Judgement Day,terzetto composto da violino,violoncello e batteria.I tre ragazzi viaggiano sulla falsariga degli Apocalyptica,quartetto di violoncelli finlandesi che da anni porta avanti un heavy metal del tutto particolare eseguito con strumenti appartenenti alla tradizione classica.

I Judgement day nascono nel 2002 in California grazie ai fratelli Anton e Lewis Patzner che suonano i loro pezzi per le strade di Berkeley.Nel 2004,trovato il batterista,si autoproducono quello che a tutt’oggi é anche la loro unica release musicale,”Dark opus”.

Un grande disco,intriso di atmosfere oscure dai rimandi apocalittici ma anche di una grande potenza sonora,cosa che lascia a bocca aperta pensando al fatto che sia un terzetto composto in quel modo.Anton vola sul suo violino regalando grandi prestazioni,soprattutto assoli al fulmicotone che con la distorsione applicata al violino fanno venire i brividi.

Dal vivo la band é veramente fantastica ed ha un grande impatto sonoro.Vi invito all’ascolto di “Dark opus”,aspettando il loro nuovo album che dovrebbe arrivare presto.E sperando che i tre vengano presto contattati da un’etichetta,visto che ancora non l’hanno.

“DARK OPUS”-JUDGEMENT DAY

Tracklist

Per una serie di motivi ci siamo trovati nel laboratorio di un giovane liutaio, dalle parti di Cremona, specializzato in strumenti ad arco, come da tradizione della scuola cremonese. Fra le altre cose, ho visto l’interno di un violoncello e vari attrezzi e forme e modelli usati per realizzare i violini.

Così, tanto per fare dei collegamenti:

   Hace un tiempo, en mis ratos de ocio por YouTube, encontré a una compositora canadiense llamada Zoe Keating, cuyas composiciones eran completamente con violoncello, nada de voz. Y no solo frotando las cuerdas del maravilloso instrumento, sinó también golpeándolas, golpeando la caja, tocando las cuerdas con los dedos, y todos los sonidos posibles.

   Aquí, Zoe Keating interpreta su hermosa canción “Escape Artist”, con su cello, un computador y un pedal. Saludos, suerte a todos.

20. September 2009, 20.30 Uhr, Alter Stadtsaal Speyer
Speyerer Gitarrensommer 2009

Friedemann Wuttke & Minguet Quartett

Friedemann Wuttke – Gitarre
Ulrich Isfort – Violine
Annette Reisinger – Violine
Aroa Sorin – Violine
Matthias Diener – Violoncello

Zum würdigen Abschluss unseres diesjährigen Festivals erwartet Sie ein hochkarätiger Konzertabend, in welchem das renommierte Minguet Quartett mit der klassischen Gitarre von Friedemann Wuttke vereint erklingt.

Der Gitarrist Friedemann Wuttke wird in dieser selten zu hörenden und aparten Kammermusikbesetzung unter anderem die Musik Josef Haydns (200. Todestag) und das berühmte „Fandango Quintett“ von Luigi Boccherini zu Gehör bringen.

Der nach dem spanischen Philosophen Pablo Minguet benannte professionelle Klangkörper des Quartetts, immer wieder wegen seiner Stilsicherheit und des ausgefeilten homogenen Zusammenspiels lebhaft gefeiert, bietet der Gitarre und ihrem abendlichen Repertoire einen weitaus mehr als exzellenten Begleiter.

Einmal mehr wird sich unser Instrument – die Gitarre – nicht nur dem Liebhaber in seiner unerschöpflichen Vielfalt präsentieren.

Eintritt: 25,00 €

Tickets:
Reservierung: kulturing e. V. 0 62 32 / 29 07 36 oder kulturing@web.de
Spei’rer Buchladen: 0 62 32 / 7 20 18
Tourist-Info Speyer: 0 62 32 / 14 23 92
LEO-/Rheinpfalz-Ticket-Service: 0 180 / 500 3417, LEO Online

Eigentlich Begann meine musikalische Erfolgsgeschichte schon relativ früh. Bereits in der musikalischen Früherziehung, auf die meine Eltern bei mir großen Wert gelegt haben, wurde mir das Blockflötenspiel beigebracht. Jedoch vernachlässigte ich dieses Instrument immer mehr, stieg auf Klavier/Keyboard um, hörte dann aber nach ungefähr 6 Jahren damit auf. Mittlerweile habe ich das Klavierspielen verlernt, aber ich interessierte mich wieder für meine wieder ausgegrabene Sopranblockflöte.

Vor kurzem war ich von Posaune total begeistert und hatte meine Eltern beinahe dazu gebracht, mir den Unterricht zu bezahlen. Jedoch habe ich mich neulich in ein viel besseres Instrument verliebt, das man sogar konstruktiv in unserer Metal-Band verwenden könnte: das elektronische Cello.

Yamaha SVC50

Apocalyptica macht es vor, soll Martin es nachmachen? Ich fand’ Streicher eigentlich nicht sehr anziehend, aber solch etwas ist doch geil. Einfach nur geil. Elektronisches Cello, ich komme. Aber davor brauche ich erst einmal ein Fahrrad und einen Ferienjob.

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Gesucht: Werke für Kammerquintett

Komponisten aus aller Welt und jeglichen Alters sind zur Teilnahme am dritten Internationalen Kompositionswettbewerb des bekannten Wiener Kammerensembles Pierrot Lunaire eingeladen. Eingesandt werden kann Quintett-Musik für Flöte, Klarinette, Violine, Violoncello und Klavier. Der Wettbewerb ist mit 5′000 Euro dotiert. Einsende-Schluss ist am 31. Januar 2010, die weiteren Details (engl.) finden sich hier.

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Die Kompositions-Ausschreibungen im «Glarean» abonnieren

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“Noi Musicisti abbiamo il dovere di essere persone migliori, in quanto conoscitori della vera fonte della felicitá.”

[Pablo Casals]

Pablo Casals (El Vendrell, 29 dicembre 1876 – San Juan, 22 ottobre 1973), è stato un violoncellista, compositore e direttore d’orchestra spagnolo. Ribellatosi alla decisione del padre (che pure era stato il suo maestro) che lo voleva carpentiere, Casals si recò a studiare il violoncello a Barcellona, poi a Madrid, quindi a Parigi, suonando nei bistro e nelle sale da ballo per vivere. A 23 anni debuttò a Parigi e cominciò una carriera di successi in Europa e nelle Americhe. Nel frattempo si dedicava al progresso della cultura musicale del suo paese, fondando l’Orchestra Pau Casals e la Associazione Concertistica dei Lavoratori. Allo scoppio della Guerra civile spagnola si schierò contro i rivoluzionari franchisti. Per nove anni visse ritirato a Prada in Francia, e solo dal 1956, trasferitosi a Porto Rico, riprese la sua attività. Considerava l’orchestra lo “strumento” più completo. È anche ricordato per aver riscoperto le Sei Suites per violoncello solo di Bach, che ora sono un classico del repertorio violoncellistico.

Yesterday was a day of Beethoven! In what way? Well, remember I told you about the seefilmfirst website where I got free tickets to see ‘Sunshine Cleaning’? (Don’t go stealing my ticekts now )  Well, it seems like, besides free tickets for films, we also get notices about free tickets for some concerts! That’s great! Last week I received an e-mail promoting a series of events linked with Beethoven over the weekend. I looked through them and two events caught my eye: A Film about Beethoven’s ninth symphony yesterday morning and a concert of Beethoven’s cello sonatas yesterday evening. I logged on to the site and booked my tickets. So Voila’! Off I was yesterday!

Film: Beethoven’s Ninth Symphony

The Film was a story of how and why the ninths symphony came about, and how it has transcended everything, being used to represent from Marxist to Soviets, to Fascists and now also as an anthem for Europe! It was an interesting blend of old videos, videos of reconstructions, and modern images all interlinked. What was very strange however was the ending! It just ENDED, in the middle of a scene! We all sat there, and the hall attendants told us they would go to check what happened…apparently it stopped like that! WOW! They told us it could be as it was not fully edited (the emphasis was more on Beethoven for the whole series of events rather than film-making, so that is OK I guess). But anyways…WOW! It was very strange. They also didn’t seem sure of themselves…they just guessed it had finished as the time was right. Otherwise however it was quite interesting, though I could have done without some of the scene reconstructions shown on the videos

Beethoven’s Cello Sonatas

Another concert of the first 3 sonatas was done a few months ago, so yesterday the concert involved the last 3 cello sonatas. I used to play the cello, but stopped taking lessons around 5 years ago, as I realised I am not dedicated to it…it was common for me to go to the lesson with just 15mins of practice all week if at all! So I decided to stop wasting my teacher’s time. This was my first time being to a cello concert though (of this standard at least).

The concert was good, but the music maybe not exactly to my liking…not because it was not good! Far from it…especially judging from the number of bows the musicians took. I guess the reason is also part of why I started losing my enthusiasm for music…I don’t enjoy the idea of making music alone, or by two in this case…for me music is a more collective thing, which you make in groups, and enjoy the process of how all the instruments intermingle together. This comes from me finding playing on my own futile, but was always fascinated when playing in groups or in an orchestra…the fact that I was part of that whole which was making such great (or not so great, depending on when ) sound really lifted my spirits. However, I was not disappointed. I may have been if I had paid £22.50 like the person sitting next to me, because it is not exactly my thing, but paying nothing I was MORE than happy.

And guess what? I went home yesterday and told one of my flatmates that I was at a classical concert…and she was very excited! It seems like she really likes them, but finds no one to go with. SO I have tickets for a symphony concert next weekend (free of course ), and hopefully I get her to join me!

A lesson concerning how to play the prélude of BWV 1007 with an alto recorder.

Aldo Bova with an alto recorder by Francesco Livirghi (A=415).

Una lezione in quattro parti riguardo all’interpretazione su un flauto dolce contralto del preludio in sol maggiore della prima suite per violoncello solo di Bach. Pezzo splendido che pone molti problemi tecnici, di trascrizione e di interpretazione.

Public domain scores to help study: page on Johann Sebastian Bach at IMSLP / Petrucci Music Library.

1/4:

2/4:

3/4:

4/4:

God bless you for sharing culture!

Concierto del miércoles de las Noches del Carmen, una semana de conciertos realizados en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla. Espero que os guste, y perdón por el sonido de la cámara y del viento

“sound(s) good”
Composizione in Adobe Photoshop
Giorgia Benazzo

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String Thing: «Groove it!»

Walter Eigenmann

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Pop auf der Geige, Rock mit der Bratsche, Folk im Cello, oder Latin für den Bass – geht das?? Das geht. Und wie!
Den Beweis angetreten haben (längstens auf der Konzert-/Studiobühne und nun auch in Buchform) die vier deutschen StreicherInnen Jens Peizunka (Kontrabass), Mike Rutledge (Violine), Nicola Kruse (Violine) und Susanne Paul (Violoncello) – genannt «String Thing». Das (durchwegs auf Hochschulen klassisch ausgebildete) Streicherensemble String Thing «groovt» nunmehr schon seit zwanzig Jahren durch volle Konzertsääle und hat sich jetzt mit dem Wiesbadener Musikverlag Breitkopf&Härtel zusammengetan, um dem ganz besonderen Musik-Phänomen «Groove» auch auf den theoretischen bzw. instrumentaldidaktischen Grund zu gehen. Entstanden ist die 140-seitige Grundlagen-Untersuchung «Groovy Strings – Rhythmus&Groove im Streicherunterricht».
Doch was ist eigentlich Groove? Mit «Groove» verbinden die vier BuchautorInnen keinen fixierten musikwissenschaftlichen Terminus, sondern als erstes mal ein «stiltypisches Rhythmusmodell», eine «stilistisch eindeutige rhythmische Ausprägung eines Musikstückes»; Groove umfasst «Tempo, Art der rhytmischen Phrasierung bis hin zur Verwendung typischer harmonischer, melodischer und rhythmischer Strukturen und Figuren» (Christoph Hempel). Sodann betonen die AutorInnen den körperlichen, den spontan mitreißenden Aspekt dieses Begriffes: «Groove kann entstehen, wenn bei einem Musiker die Vorstellung des Rhythmus und seine Körperbewegung genau übereinstimmen. Dazu müssen ihm beide Ebenen mit einer Selbstverständlichkeit, einer ‘Von-alleine-Qualität’ verfügbar sein wie etwa der Herzschlag, das Atmen oder das Gehen».

Groove-Beispiele von im Heft durchgängig benutzten Phrasierungssilben, basierend auf der gängigen Praxis in Bigbands

Diese Selbstverständlichkeit ist allerdings erst das Resultat, nicht die Voraussetzung der Jazz-/Pop-Ausbildung, denn wie die AutorInnen grundsätzlich die gängige Unterrichtspraxis an den Musik-Schulinstitutionen kritisieren: «Die Meinung unter Jazz-Pädagogen ist immer noch verbreitet, ein Schüler könne von selbst gut phrasieren oder eben nicht. Entgegen dieser Einschätzung sind wir der festen Überzeugung, dass man lehren und lernen kann, Musik aus den Bereichen Jazz, Rock und Pop stilgerecht und ‘akzentfrei’ zu spielen. Was bisher fehlte, ist eine Methodik, die es ermöglicht, die notwendigen Grundlagen dazu systematisch zu vermitteln.» Und weiter: «Es erscheint uns gerechtfertigt, so unterschiedliche Stile groovender Musik wie Swing, Heavy Metal, Reggae, Bossa Nova und Blues unter einem aufführungspraktischen Dach zusammenzufassen und von einer übergeordneten Aufführungspraxis zu sprechen, denn bei allen beträchtlichen Unterschieden haben diese Stile eines gemeinsam: ihre afroamerikanischen Wurzeln. Daraus erklären sich die keineswegs zufälligen, beliebigen oder austauschbaren Gesetzmäßigkeiten, von denen das Rhythmusempfinden (Groove), die Artikulation, die Phrasierung und damit die spieltechnischen Besonderheiten groovender Musik geprägt sind.»

Eine Referenz-Formation in Sachen Streicher-Groove: String-Thing

Dass ihre «groovige», theoretisch-methodisch sehr durchdachte, didaktisch leicht realisierbare und dabei betont am praktischen, ja «emotionalen», weil v.a. rhythmischen Musizieren ausgerichtete Unterweisung in ziemliches musikpädagogisches Neuland vorstößt, ist den vier Buch-AutorInnen durchaus bewusst. Zu sehr verbreitet ist im herkömmlichen Streicherunterricht noch immer das «klassische», zuweilen mit fast versnobtem Rokokko-Perücken-Puder überzuckerte Image des brav vor seinem Notenständer aufgestellten Geigenschülers, welcher lustlos, aber pflichtbewusst sein Boccherini-Menuettchen rauf- und runterfiedelt, mehr ahnend als wissend, dass seine Violine einen der Hauptpfeiler altehrwürdiger abendländischer Instrumentalkultur symbolisiert. Und das Autoren-Quartett bedauert: «Für Bläser, Pianisten und Gitarristen ist die Beschäftigung mit Jazz, Rock und Pop längst selbstverständlich. Nur bei den Streichern ist dies nach wie vor eher ungewöhnlich, und entsprechende Literatur ist kaum zu finden.»

Umstritten, aber wirkungsvoll: Die Pop-Geigerin Vanessa Mae

Sehr richtig auch die Feststellung im Vorwort des Bandes, dass «groovende» Musikstile aller Richtungen den jungen Musikinteressierten möglicherweise überhaupt erst den Zugang zu Geige, Bratsche oder Cello eröffnet: «Die Beschäftigung mit populärer Musik in der mitunter schwierigen Phase der Pubertät kann eine neue Perspektive aufzeigen, wenn z.B. das Spielen von klassischer Musik als ‘uncool’ gilt und deshalb die Möglichkeit erwogen wird, den Instrmentalunterricht entweder ganz aufzugeben oder von einem Streichinstrument zu einem Pop-tauglicheren, ‘cooleren’ Instrument zu wechseln.» Allein dies schon eine schlagende Argumentierung für den Einbezug von Pop-Musik in den «klassischen» Geigenunterricht, dessen Musikauswahl nicht nur mit vergangenen Jahrhunderten, sondern auch mit der persönlich-alltäglichen, massiv Medien-gesteuerten Erlebniswelt der Jugendlichen zu tun haben sollte. (Andernfalls dürften in der Tat, wie allenthalben befürchtet, die Jahre der Geige als «Breiteninstrument» gezählt sein.)

«String Thing»: Mozart oder Hendrix? Mozart UND Hendrix!

Allerdings erfordern Jazz- und Popularmusik eine von Klassik deutlich unterschiedene Musikpädagogik. Deren Methodik- und Repertoire-Ansätze für den modernen Streicherunterricht jetzt auf gleichermaßen umfassende wie anregende Weise systematisiert und in ein effizientes Unterrichtskonzept gebracht zu haben ist eine echte Pionierarbeit der als Musiker und Lehrer mehrfach international ausgezeichneten «String-Thing»-Autoren. Zusätzlich aufgewertet wird der großformatige, auch layouterisch und notentypographisch sehr ästhetisch gestaltete Band durch die mitgelieferte Extra-CD, deren Audio-Tracks (Geige, Bratsche & Cello) sowohl zur Einstimmung am Unterrichtsbeginn als auch für den Playback-Hintergrund eingesetzt werden können.
Alles in allem ist «Groovy Strings» (Hörbeispiele) nicht nur eine bis jetzt sehr vermisste Materialsammlung, sondern auch ein methodisch progressiv anwendbarer Leitfaden, der zwar nur bedingt bei Anfängern, aber ab spätestens drittem Unterrichtsjahr systematisch eingesetzt werden kann, und dessen hoher Spaßfaktor die vor lauter ehrwürdiger Geigentradition muffige Luft in so mancher Musikschulstube schlagartig verbessern könnte. «Groovy Strings» ist nicht die Alternative, aber eine wertvolle Ergänzung zum «Klassik»-Unterricht. Das Werk gehört definitiv in die Notenmappe eines jeden Streicher-Pädagogen – direkt neben Mozart&Co.

String Thing: Groovy Strings, Rhythmus&Groove im Streicherunterricht, 140 Seiten & CD, Breitkopf-Härtel Verlag, ISBN 978-3-7651-0387-2

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Inhalt

Vorwort
Kapitel 1
Zur Arbeit mit diesem Buch
1.1 Übersicht
1.2 Zur Methodik des Rhythmuslernens
Kapitel 2
Was ist Groove?
Kapitel 3
Groovende Musik und Klassische Musik –
Merkmale und Unterschiede
3.1 Rhythmus
3.2 Tanz
3.3 Gesang
3.4 Dirigieren
3.5 Spielbewegungen am Streichinstrument
3.6 Musik
3.7 Zusammenfassung
Kapitel 4
Basisübungen
4.1 Die Groove-Bewegung
4.2 Bodypercussion und Vocalpercussion
(Subdivisions – Der innere Schlagzeuger)
4.3 Klatschen
4.4 Rhythmuswörter, Klatschen und Groove-Bewegung
4.5 Swing
Kapitel 5
Groovende Musik auf Streichinstrumenten – Grundlagen
5.1 Besonderheiten der Aufführungspraxis
5.2 Bogentechnik
5.3 Die linke Hand
Kapitel 6
Spezielle Spieltechniken
6.1 Bigband-Schweller
6.2 Bossa-Strich
6.3 Chicharra-Strich
6.4 Choppen
6.5 Deadnotes
6.6 Feedback
6.7 Gliss-down
6.8 Percussion auf dem Instrument
6.9 Rockiger Klang
6.10 Shake
6.11 Smear
6.12 Walkingbass-Pizz
6.13 Walkingbass-Strich
Kapitel 7
Übungen am Instrument
7.1 Binäre Rhythmen
7.2 Ternäre Rhythmen (Swing)
Kapitel 8
Einführung in die Spielstücke und Übungen
8.1 Die Spielstücke
8.2 Phrasierungssilben
8.3 Zu den Akkordsymbolen
Kapitel 9
14 Spielstücke in binären Rhythmen
9.1 Hans Stampf (M. Rutledge) Viertel und Achtel
9.2 Take It Easy (J. Piezunka) Bossa-Strich
9.3 Claudias Rock (N. Kruse) Achtelketten ohne folgenden Downbeat
9.4 Rockin´ Blue (S. Paul) Übergebundene Noten
9.5 Rock-Works (M. Rutledge) Vorgezogene lange Töne
9.6 Latino (S. Paul) 3+3+2-Pattern, Bossa-Strich
9.7 Regen in Pinar del Rio (J. Piezunka) 3-2-Clave, Bossa-Strich
9.8 Milonga espejial (M. Rutledge) Clave-Rhythmen
9.9 Simple Ballad (N. Kruse) Pop-Ballade mit Vierteltriolen
9.10 Offroad (N. Kruse) Ketten von Off-Achteln
9.11 Tango terrible (S. Paul) Tango-typische Spieltechniken
9.12 Rumpel-Reggae (S. Paul) Percussion auf dem Instrument
9.13 Die Heavy-Nummer (S. Paul) Rockige Spielweise
9.14 Funky Train (J. Piezunka) Funk-Rhythmen
     Kapitel 10 12 Spielstücke in ternären Rhythmen
10.1 Stompin´ Beginning (N. Kruse) Ternäre Achtel
10.2 Bindungs-Blues (S. Paul) Achtelketten mit Offbeat-Bindungen
10.3 Schuffel-Muffel (J. Piezunka) Achtelketten mit Abstoppen
     des letzten Tons („du-batt“)
10.4 Mixed Up (J. Piezunka) Themen der Stücke 10.1–10.3
10.5 On Top Of the Drop (M. Rutledge) Kicks (allein stehende Off-Achtel)
10.6 Jack´s Strings (N. Kruse) Vorgezogene Töne
10.7 Happy End (J. Piezunka) Abstoppen vor vorgezogenen Tönen
10.8 Webspinne (M. Rutledge) Lang und kurz artikulierte Töne, Off-Achtel
10.9 Cool Cat (S. Paul) Ketten von Off-Achteln
10.10 Tante Tarantel (S. Paul) Triolen
10.11 Strollin´ Together (M. Rutledge) Themen der Stücke 10.5–10.10
10.12 Happy Waltz (N. Kruse) 3/4-Takt
Anhang
1 Verzeichnis der Übungen
2 Verzeichnis der Videotracks
3 Verzeichnis der Audiotracks –
4 Glossar wichtiger Fachbegriffe

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Leseproben

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Dies war der Titel einer Matinée im Schloss Potzneusiedl am Sonntag, 24.5.2009, um 11 Uhr, wo die Künstler des Projekts

Mitten ins Herz

wieder zusammen fanden und an ihrem Schaffen teilhaben ließen.

Kurt Schmids Musik zu dem Kunstband mit lyrischen Texten von Elisabeth Kotauczek wurde diesmal vom “Schubertquartett” dar gebracht:

Gesang:

Georg Lehner und Michaela Becke

Am Programm standen folgende Werke des Komponisten Kurt Schmid:

Allegro scherzando, Op. 392

Idyllisches Breitenbrunn, Op. 421

Velours, Op. 410

Vollmond, Op. 411

Smooth, Op. 407

444 für Streicher, Op. 444

Tango erotico, Op. 415

Pizzicato amoroso, Op.416

Happy Snappy Fox, Op. 428

Notturno, Op. 456

Gruppenfoto im sonnendurchfluteten Schlossgarten:

Eu sempre me questionei sobre a utilização da tecnologia na música, seja ela eletrônica ou não.

Acho a música eletrônica feita no mundo hoje de qualidade, mas estagnada em uma fórmula, variando sobre ela.

Com a tecnologia hoje disponível era questão de tempo até alguém mostrar um caminho diferente.

E hoje eu tive uma idéia do que pode ser feito.

O nome dela é Zöe Keating, é canadense, e seu instrumento é um Violoncello. Multiplicado por 16. Com a ajuda da tecnologia.

Quem já viu algum show de Naná Vasconcelos sabe do que eu estou falando. O princípio é o mesmo.

E Zöe é uma orquestra. Sozinha. Vai criando loops e variando sobre eles.

Simplesmente genial.

La sierra musical es un instrumento del que te enamoras a primera vista – que no siempre en la primera audición. En teoría, cualquier serrucho puede tocarse musicalmente, aunque hoy en día hay unas sierras especiales (sin dientes) para este efecto, que vienen con un asa para hacer más fácil el acto de doblar la lámina de metal, ya que se controla el tono del sonido en función de la curvatura y de la longitud de lámina que se deje vibrar.

Oficialmente, la sierra es un idiófono. Si tenemos en cuenta que la categoría incluye instrumentos que van desde las castañuelas a la botella de anís, pasando por la kalimba, el hang, las maracas o la carraca, uno podría imaginarse que idiófono significa cualquier cosa, pero no: se trata de instrumentos cuyo cuerpo entero es el que vibra produciendo sonido (entre los idiófonos también hay instrumentos “serios”, de orquesta, como la familia de los xilófonos, los platillos y, ejem, las campanas y cascabeles).

El peculiar sonido de la sierra musical es cuando menos turbador. Si bien permite evocar melodías oníricas o darle un toque de magia a películas como Delicatessen, lo cierto es que una sierra mal tocada puede ser una auténtica cacofonía de lamentos musicales. Por ejemplo, esta interpretación del Somewhere over the rainbow de una orquesta de sierras oscila irremediablemente entre la genialidad y el espanto:

Sin embargo, hay músicos profesionales de la sierra (¿serradores? ¿serrinistas?) como Austin Blackburn, que se presentó a un concurso de talentos en la tele británica, cuyas interpretaciones son impecables. Me ha encantado este dúo de sierra musical y violoncello tocando O sole mio:

Por cierto, el violonchelista, Stjepan Hauser, es un cachondo. No sólo le da la vida a la canción con su acompañamiento, sino que además te partes con sus caras. Seguro que se ha dejado la melenita sólo para poder agitarla con el ímpetu de las sacudidas de cabeza…

Teatro Lirico – Via Sant’Alenixedda – Cagliari

Martedi 7 aprile 2009 ore 20:30 (turno B)

Nuovo e imperdibile appuntamento per la Stagione concertistica 2008-2009 del Teatro Lirico di Cagliari con l’esibizione della celebre Accademia Bizantina di Ravenna, ensamble specializzato nell’esecuzione di un repertorio musicale del XVII e XVIII secolo che si avvale di strumenti originali dell’epoca e famoso in tutto il mondo per la fedeltà rigorosa delle sue esecuzioni, e del suo primo violino solista  Stefano Montanari.

Il programma musicale della serata prevede: Sinfonia a quattro in fa maggiore di Tomaso Albinoni; Concerto in la minore per violino, archi e basso continuo op. 3 n. 6 RV 356, Concerto in la maggiore per due violini, archi e basso continuo op. 3 n. 5 RV 519, Concerto in re minore per violoncello, archi e basso continuo RV 405, Concerto in sol minore per archi e basso continuo op. 34 n. 2 RV 156, Concerto in si bemolle maggiore per violino, archi e basso continuo RV 369 di Antonio Vivaldi; Concerto grosso “La follia” dalla Sonata per violino in re minore op. V n. 12 di Arcangelo Corelli di Francesco Geminiani.

Info, biglietteria e prenotazioni: numero verde 800 881188

Biglietteria del Teatro Lirico, dal martedi al sabato, dalle ore 8:00 alle 14:00 e dalle 18:00 alle 20

Telefono 070/ 4082230 – 070/4082249

La casa produttrice italiana Dogal Strings era al Musikmesse di quest’anno per promuvoere la sua nuvo linea di corde per vari strumenti, incluse le corde per violoncello Goffriller.

Secondo Dogal, le corde Gofriller sono le più ccommode,  e sono disegnate per adattarsi a qualsiasi tipo di violoncello.

La compagnia produce corde anche per  molti altri strumenti, dai violini ai banjo alle chitarre – electriche, bassi, acoustiche e anche lap-steel – e anche per strumenti molto più esotici come sitars, balalaike russe o per il Portoghese ‘cavaquinhos’ (una specie di ukulele).

Nessuna informazione sul prezzo ancora.

Parte del recital de las Jornadas en torno al Cuarteto de Cuerda, organizadas por el C.S.M. Manuel Castillo de Sevilla.

2º mov:

4º mov:

Teatro Lirico, Via Sant’Alenixedda, Cagliari

Martedì 24 marzo 2009

La Stagione concertistica 2008-2009  prosegue con concerto di un duo cameristico d’eccezione: il violoncellista inglese Steven Isserlis e la pianista canadese Connie Shih.

Il programma musicale prevede:

Sonata n. 2 in re maggiore op. 58 di Felix Mendelssohn;

Sonata n. 3, dalla Sonata per violino e pianoforte op. postuma (trascrizione di Steven Isserlis) di Robert Schumann;

Pohádka di Leós Janáček; Sonata n. 1 H. 277 di Bohuslav Martinů

Orario: 21.00

Biglietteria e informazioni:

e-mail: biglietteria@teatroliricodicagliari.it;