Cine Arte

Preocupación por la Experimentación.

1. La más ingenua e inútil: Postura de decir que el cine es arte.
2. Arte y Cine: Aceptar que hay una preocupación del lenguaje. Postura de autoría.
3. Cine practicado en el espacio del arte:  Lo que se conoce como artes visuales, artísticas, audiovisuales (prácticas denominadas como cine experimental)

•    Al cine-arte se le llama “música visual”.

•    El cine es un elemento preciso para trabajar la temporalidad, la cadencia y el ritmo.

•    Se empiezan a hacer pequeños Films mudos.

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Cinematografía Naciente del S. XIX

•  El arte se encuentra en una crisis profunda, comienza un proceso de revisión completa, se abre la búsqueda.

•  Proceso de indagación en el cine audiovisual.

•  Lo que les interesa a los artistas es la multimedialidad, polimedialidad de recuros (luz, fotografía, movimiento, mímica, ballet, sonido, etc), una diversidad de manifestaciones.

•  El cine trabaja con una temporalidad y el movimiento (factor que se encuentra limitado en la pintura)

•  Música visual: Temporabilidad audiovisual (hasta 24 frames)

•  En esta experiencia domina lo abstracto, no lo realista.

1.    “Symphonie Diagonale” (“La Sinfonía Diagonal” 1921)

Viking Eggeling: Sueco, trabajó en Alemania.

•    Uso de Luz en movimiento

•    Dibujos en 50×50 sobre papel negro.

•    Elementos de composición, cadencia.

•    Los elementos van evolucionando con una lógica gráfica.

2.    “Opus” (1919-26).

Walter Ruttman

•    Connotación Manual.

•    Diferentes cadencias, transiciones mas clásicas (occidentales, mas familiares).

•    Mas Transparente a la lógica de los criterios composicionales.

•    Uso de colores. Elementos mas redonditos.

•    Criterio Melódico-rítmico, que pertenece a la música Docta.

•    Uso de Dibujos.

•    Estas practicas de animación se usara después en Vj’s, lo que es el uso de animación con música.

Walter Ruttmann

Dio un paso más. Era arquitecto y pintor y se inicia en el cine en los mismos años que los anteriores. Hizo 4 películas dentro del movimiento abstracto (Opus I, II, III y IV) con las que se adelantó a las anteriores propuestas recurriendo al color y al acompañamiento musical.

Realizadas a partir de una estructura mecánica con 2 rodillos.

Su vocabulario visual es también más variado. Inventa formas móviles que terminan teniendo una capacidad palpitante.

De su calidad técnica y artística habla el hecho de que fuera el primero de los autores abstractos en pasar del trabajo minoritario al cine comercial de la mano de Fritz Lang para quien filmó una breve secuencia `sueño de los escudos heráldicos’ que se incluyó dentro de “Los nibelungos”. Evoluciona hacia las 3 dimensiones.

3.   Norman McLaren

Canadiense, artista óptico, interviene sus obras representando a través de la gráfica el sonido que se plantea.

Es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora. Su obra más famosa es Neighbours la cual ganó innumerables premios a través de todo el mundo.

4.     “Rythm 21” (1921).

Hans Richter

•    Uso de B/N.

•    Uso de Toda la Pantalla.

•    Recursos mecánicos: Alejamiento y acercamiento, ocultando los pedasos de papel.

•    Referencias de constructivismo Ruso / Malevich.

5.    “Fragment” (1923).

Hans Richter

•    Mismo uso grafico/estilo visual.

•    Figuras rectangulares/cuadrados.

•    Uso de Transparencias.

•    Ritmo.

•    Pero este es un poco mas distinto en composición; uso de diagonales, aparición y desaparición.

Tendencia: Artistas plásticos se interesan en el movimiento, temporalidad.

Veían la cinematografía como instrumento de trucaje (uso de negativos, retroceder, adelanto, apurar, etc.)

Uno de los conflictos de la fotografía, era usar la imagen realista. Por esto, Man Ray, quiso en zafarse de ese realismo, no usando la cámara, trabajara usando la emulsión, pero también sobre animación:

•    Desarrollo de la película sobre una sala oscura

•    Emulsión reticulada, que crea el efecto de grano “arena”.

•    Alternancia entre positivo y negativo.

•    Tomas nocturnas, atracción por las luces nocturnas.

6.    “El Retorno a la Razón” (1923).

Man Ray

•    Empieza con emulsión reticulada sobre acetato, elevando la temperatura para que se quiebre la emulsion, logrando un efecto de granulado.

•    Uso de materiales como: clavos, chinches, mucha emulsión.

•    Tomas nocturnas, combinadas con animación.

•    Uso de sus famosos “Rayogramas”

•    Espacio y tiempo

•    Uso del negativo del film.

•    Trata de safarse de la imagen realista, por lo que no usaba cámara y trabaja directamente sobre la emulsión.

Berlim Alexanderplatz, de Rainer Werner Fassbinder.

Fassbinder considerava Alexanderplatz seu projeto de vida. É composto por 13 episódios e um epílogo de 2 horas. Foi feito para a televisão alemã em 1980, com o tempo de produção de um ano. É uma adaptação do romance de Alfred Döblin (com o mesmo nome) e trata do período entre guerras. Franz Biberkopf é o protagonista que acaba de sair da cadeia e se depara com o mundo que agora já é estranho para ele. Fassbinder irá retratar a Berlim da época, suas noites escuras, a recessão, os bares, o nazismo, os comunistas e toda a agitação sombria que se passava na Alemanha. Como se quisesse redimir a culpa dos alemães pela Segunda Guerra Mundial e seus crimes bárbaros, Fassbinder mostra como uma situação fragilizante possibilitou a ascensão do nazismo e como a população alemã pode ter apoiado o regime em nome da prosperidade, da ordem, da lei e do trabalho que tanto faltavam à Alemanha naquele período. Obrigada pelo Tratado de Versalhes a pagar os custos da Primeira Grande Guerra, a Alemanha mergulhou numa crise sem precedentes em sua história. Alta inflação, desemprego em massa, fome.

Esse cenário é representado em Berlim Alexanderplatz através da luta de Franz Biberkopf para sobreviver após sair da cadeia. Suas angústias e seu desejo de uma vida tranqüila refletem o sentimento da população da época perante a crise instalada. Franz começa a trabalhar vendendo o jornal do partido nazista usando exatamente esse discurso. Ele não tem ódio dos judeus ou de qualquer outro grupo étnico, apenas quer paz, trabalho e ordem. Franz, nesse capítulo, representa uma parcela da população alemã que apoiou o nazismo na esperança de dias melhores e que talvez possa ter se arrependido muito tarde da escolha que fez.

Fassbinder compõe um cenário e iluminação intimistas. Seu trabalho com sombras e recortes fez com que milhares de alemães desregulassem seus aparelhos de televisão mexendo no contraste. A idéia de Fassbinder era criar um ambiente sem profundidade de campo, apenas os personagens em movimentos pelas sombras, seus rostos próximos. O romance de Döblin é constituído de montagens de textos. Como num processo de colagem, Alfred Döblin reflete o ambiente da grande cidade, com seus ruídos, cartazes, jornais, transeuntes, bondes, trens, ambulantes, etc. Tudo isso é “colado” em meio à narrativa, a sensação que temos é mergulhar na imensidão de acontecimentos de uma cidade grande. Fassbinder adapta isso de maneira diferente, ele não usará tantos espaços abertos em Alexanderplatz. Pelo contrário, ele filma em espaços internos, e o barulho da cidade, suas luzes e seus ruídos invadem os ambientes, assim como a trilha sonora. Fassbinder mergulhou nas sombras os personagens e trouxe a ambientação da cidade grande para dentro de seus cenários. Mesmo quando filma em lugares públicos (a estação de metrô, por exemplo), Fassbinder cria um ambiente pouco iluminado onde os personagens se confundem com o cenário e os sons e ruídos interferem a todo o momento.

A Berlim mostrada por Ruttman (em Berlim: Sinfonia de uma Metrópole) está de certa forma representada por Fassbinder. Apesar da opção de cenários fechados (talvez até pelo custo de um filme – série – que precisa de reconstituição de época), o drama vivido pelos personagens e a realização de um processo de colagem similar ao feito no romance de Döblin garantem um mergulho na atmosfera da época e a representação sombria e angustiante do período entre – guerras.