Salah satu rute gowes favoritku sehabis kuliah adalah Kampus – Perpustakaan Kota – Blok M (Blok Majapahit, sebuah lokasi tempat penjualan buku-buku bekas di Malang). Sambil menunggu matahari agak condong ke barat kuhabiskan waktuku di masjid atau perpustakaan kampus setelah itu aku mengarahkan sepedaku ke perpustakaan kota di Ijen Boulevard. Meskipun agak jauh tapi rute ini melewati jalan-jalan yang lebih rindang dibanding lewat Jl. Soekarno Hatta – Griya Shanta.

Yang kusuka dari Perpustakaan Kota Malang adalah syarat keanggotaan dan peminjaman yang sangat mudah. Bahkan jika anda hanya ingin membaca koleksinya di situ tanpa meminjam anda cukup mengisi buku tamu tanpa harus menjadi anggota dulu. Selain itu karena aku memakai ontel maka tidak ada biaya parkir.

Memasuki perpustakaan kota aku serasa bernostalgia. Seolah-olah aku kembali ke masa ketika aku masih menjadi murid sekolah dasar karena banyak buku-buku yang kubaca di SD bisa kutemui di situ. Salah satunya adalah karya Karl May, Winnetou Ketua Suku Apache. Perkiraanku koleksi perpustakaan ini (sekitar tahun 2000) dimulai/dari era yang bersamaan dengan perpustakaan SD-ku. Aromanya pun khas, aroma buku-buku yang berusia lama.

Kini perpustakaan kota telah bermetamorfosis. Bangunannya terlihat atraktif dan menarik perhatian karena dicat dengan warna-warna mencolok seperti kuning dan oranye. Sebuah pilihan yang tepat karena letaknya yang agak tersembunyi di pertigaan pertemuan antara Jl. Semeru dan Jl. Boulevard Ijen. Begitupun koleksinya telah bertambah. Pemkot Malang memberikan anggaran yang lebih besar untuk menambah dan memperbarui koleksi buku-bukunya. Jam kunjungan kini juga lebih lama, sampai jam 5 sore. Bahkan di hari libur pun tetap buka meski tidak melayani peminjaman, hanya baca di tempat saja. Ini tentu saja sangat mengakomodasi para pekerja “9 to 5” yang ingin menyalurkan minat bacanya yang hanya bisa berkunjung di hari libur akibat jam kerja yang ketat.

Dengan semakin bertambahnya koleksi, pengunjung dan jenis layanan, sudah selayaknya jika Perpus Kota Malang mulai memikirkan perluasan bangunan. Bangunan yang baru nanti harus mengakomodasi fungsi perpustakaan moderen yang tidak sekedar tempat membaca tetapi juga tempat interaksi antar warga, ruang pertemuan dan seminar, galeri atau pameran seni

Reality

Rather than ruminate on how long it’s been since I last posted on this forum (17 days – I’ve been spending my “writing block” on translation projects, my dissertation and a filmography for a book), I will elaborate on a few of the major events that have marked the last two weeks.

Our film AOP, a mockumentary about a secret West German fetish, debuted at the HFF “Konrad Wolf” as part of the end of orientation festivities on Friday October 23rd.  It went over lukewarm compared with the other “Knaller” made by the other nine groups (at least 3 of which took place in a bathroom), but director Maurice M. Mohn swore to me that the film “wasn’t unsuccessful” at the party afterwards.  Speaking of THAT party:  it was held after 11:00 p.m. at a sketchy, illegal club in Kreuzkölln with no fire exits, no windows, a sketchy fridge full of bottled beer and nothing but techno beats (the latter being a plus against the other factors).  I sort of plowed my way through the packed bathroom line to reach the exit around 2:30 after quaffing a few cheap beers and yelling my way through several conversations in the smoky darkness.  An experience, to be sure.

I went to a wonderful Fulbright brunch on Sunday October 25^th held by the generous Luisa Greenfield and Ming Tsao in Kreuzberg, where I met Jacob Comenetz, a former Fulbrighter now working at the Bundespresseagentur (more on him to come) and got a pile of great book recommendations from Ming about writing about the electronic music aesthetic (you want that list? Send a comment my way!).  Later that day, I picked up Kat at the Berlin Tegel airport, who successfully got her very heavy baggage out of the terminal without a cart (or my help, since that’s how European airports work) and we ate out at Tuk-Tuk, the Indonesian restaurant down the street from us.

Having Kat around has been great for many reasons.  Here are a few:

* Cessation of married-man-long-distance loneliness;

* More satisfying sleep;

* The apartment is now warmer;

* Increased intake of generally nutritious food that tastes good;

* New impulse to plan social events and outings, and I can show her all the old stuff I’ve gotten to know;

* Celebrating birthdays and holidays is much more meaningful again!

In the first week (Oct. 26 – Nov. 1st), I purposefully overscheduled us with many social events, including coffee with Kira and Beverly and dinner with the same, carving pumpkins with Katie Weeks and Hilary Bown, Luisa’s film screening on Friday night, and a Fulbright alumni Halloween party at Joe’s Bar in Prenzlauer Berg on Saturday night with Jacob.  I did so to make Kat feel at home and connected here, which also conversely made me feel more at home and connected here as well.  Speaking of Luisa’s screening, we had a great turn-out for the two shorter, more experimental films (Light and Bridegroom… see below) but, since we started over an hour late, over half the audience missed the wonderful mess that was John Ford’s Seven Women (1966).  We hope that everybody returns for our continuing Ford/Straub pairings, as well as other assorted film gems we manage to procure.  As for the Halloween party, Kat and I went as a vampire-zombie duo who hated each other through our expressions on our T-shirts:  “Vampires Bite” and “Zombies Need Brains.”  Ha ha.

This last week has presented us with opportunities to walk around and shop (such as in Kreuzberg’s famous Bergmannstrasse), watch movies together (many reviewed below) and get our visas (by waking up at 3 a.m. and surmounting the evil LABO).  All in all a good time, and I anticipate more to come.

Professionally speaking, I’ve had some ups and downs the last two weeks.  Ups:  I spent four hours with Herr Dieter Kosslick, director of the Berlinale, and two hours with Dr. Gottfried Langenstein, director of ARTE; I’ve found hundreds of newspaper articles with revealing insights on the reception of the Indianerfilme in East Germany; I’ve met up with Reinhild Steingröver of the University of Rochester and established contact with several other scholars working on parallel topics to my dissertation.  Downs: I lost my first month’s worth of book/film notes due to a faulty data back-up attempt, so I’ve got another 10 hours of work to do in reconstructing it.  This is the way it goes.

And one final note:  if you’re ever on Akazienstrasse in Schöneberg, DO NOT eat at the South Indian restaurant called Chennai Dosai, not only because their food is not particularly good, but because they played the opening track from the Hrithik Roshan sci-fi Bollywood film Koi Mil Gya (2003) on a loop THE ENTIRE TIME WE SAT THERE.  It was a unique form of tourist torture, though I’m sure they weren’t expecting a customer who knew the film.

Fantasy

Posse (dir. Mario van Peebles, USA 1993)

Woody Strode, Big Daddy Kane, and many other prominent African-Americans star in this somewhat violent, misogynist and cliché Western.  Its primary contradiction lies in its seeming original mission – to re-insert African-Americans into a Western film tradition absolutely dominated by actors coded as “white” -  and its aesthetic outcome – a cheap Leone treasure/revenge plot with a lot of melodramatic cheese and macho strutting from Van Peebles.  The fact that I couldn’t really read the blocky explanatory text at the end didn’t really detract from the palpably saccharine coating that Van Peebles put on this piece of macho-masculine self-glorification.

The Treasure of Silver Lake (dir. Harald Reinl, FRG/France/Yugoslavia 1963)

The film that started the whole Euro-Western trend, and a completely necessary entry in the cinema books next to adventure films such as Errol Flynn’s Captain Blood (1935)or Lucas’ and Spielberg’s Raiders of the Lost Ark (1981).  The superhuman duo of Winnetou (Pierre Brice) and Old Shatterhand (Lex Barker) stumble upon an injustice committed (the murder of Götz George’s German immigrant father) and a treasure to discover.  Let’s just say that, on a superficial level, the film absolutely delivers:  colorful landscapes, bold action sequences, and plot twists that still convince the 8 year-old inside of you.  You only think about the crazy exoticism of the whole charade afterwards…

The Sons of Great Bear (dir. Josef Mach, GDR 1966)

The East German response to Reinl and Wendlandt’s Winnetou films, The Sons of Great Bear is the most “historically accurate” of all the DEFA Indianerfilme and also one of the most visually compelling.  That being said, Mach had little idea how to direct an action sequence, so the ending fight scene is confusing and frustrating to say the least, not to mention more-or-less tacked on to Liselotte Welskopf-Henrich’s original source material.  The press reviews made sure to note how much actor Gojko Mitic’s physique looked like the “real-life” Shoshone, though their basis on which to judge that comes from other Westerns’ portrayal of Native Americans.  Hmmm….

Little Big Man (dir. Arthur Penn, USA 1970)

Thomas Berger’s picaresque about the only white survivor of Little Bighorn, a man brought up by the Cheyenne (a.k.a. the human beings) named Jack, is expertly executed by Penn, if awkwardly assembled as a whole.  General Custer’s portrayal in the film is nothing short of brilliant – an arrogant prick more than a proper villain – and the Cheyenne are given a lot of positive screen-time.  Of course, Dustin Hoffman’s Jack dominates the majority of the film, with mixed results.

Battleship Potemkin (dir. Sergei Eisenstein, Russia 1925)

Restored 35mm print containing all the original scenes?  Check.
Live accompaniment by an adept pianist?  Check.
Kat’s first time seeing a leftist modernist classic?  Check.
I really can’t say anything more, other than that the Kino Arsenal has a special place in my heart.

Trick ‘r Treat (dir. Michael Dougherty, USA 2008)

A kind of Four Rooms treatment of Halloween, Trick ‘r Treat is a very smooth movie with regard to horror clichés, playing on one’s expectations, and the usual twists and turns one expects of even the slasher genre nowadays.  One should watch this with one’s tongue firmly in cheek, even through all the horrifying bits.  I say no more.

The Omen (dir. Richard Donner, UK/USA 1976)

Um… Gregory Peck’s character is kind of dumb?  This is at least what the film suggests, after one is led through a constant barrage of corroborating evidence that demonstrates his son is the antichrist, and he still doesn’t seem to get it.  Oh well:  there are many other films with evil children that work with the formula that The Omen put forth, so I suppose it’s influential.

League of Extraordinary Gentlemen (dir. Stephen Norrington, USA 2003)

This was the second time I’ve seen the film, and the second time I’ve seen it in Berlin (the last time was with Mary Brandel in 2003 – and I hated it then too.)  Alan Moore’s excellent graphic novel was to be transformed into a grand piece of pulp, and instead turned into a nightmarish gobbledy-gook of lame special FX (including the atrocious Venice sequence), too many characters running around (including “Tom Sawyer,” their worst revision), and sequel-baiting (the *ahem* “ending”).  Stuart Townsend is about the only redeeming feature of this feature, and that’s because he’s so damn charming in any case.

V for Vendetta (dir. James McTeigue, UK/Germany 2006)

Another slightly second-rate “good” film from the Wachowski Brothers, V for Vendetta continuously bills itself as a smart action thriller which raises bits of moral ambiguity for the postmodern cinema-goer, but is ultimately far too utopian about the power of the masses to stomach.  Alan Moore wasn’t nearly as idealistic as this, and far more critical of the respective places within society that Evie, V and the masses inhabit.  You can tell through the exquisite detail of the sets that the Babelsberg people worked on this one, though.

Genau Gleich (dir. Burkhart Wunderlich, Germany 2009)

A film that I’m currently subtitling for Burkhart about an incestuous relationship between German-Polish twins and an old woman on a bench waiting for Elvis.  An absolutely brilliant concluding shot is likely to give this one high marks at the Berlinale if, indeed, we manage to get the film into competition.

Light (dir. Marie Menken, USA 1964)

Dizzying Christmas lights, spinning motion, elliptical editing.  The lost American avant-garde.  Shall we see it again?

The Bridegroom, the Comedienne and the Pimp (dir. Jean-Marie Straub, Daniele Huillet, FRG 1968)

I must’ve seen this film something like eight or nine times since I’ve come to UMass.  Nevertheless, the mixture of prostitutes against an industrial backdrop, Ferdinand Bruckner’s “The Pains of Youth” by Fassbinder’s antitheater group, and the intense chase/marriage sequence at the end never fail to incite thoughts of alternatives to mainstream cinema and new spatial configurations of narrative.

Seven Women (dir. John Ford, USA 1966)

Ford’s last film is an outright laugh riot starring Anne Bancroft as a self-confident doctor who winds up in a doomed community of American missionaries in Mongolia.  Oh wait – this wasn’t supposed to be funny?  Then perhaps there’s too much Sirkian irony in this overstuffed, full-color studio epic, which is probably why the film was buried after its creation:  Ford’s film is trapped between gender and a hard place.   Oh yeah, and there’s actually eight women, but one of them happens to be Chinese…

Coraline (dir. Henry Selick, USA 2009)

Coraline is a well-executed animated feature in glorious 3D that was screened at the HFF as part of our overall 3D research project.  Many of the fantastic landscapes, both interiors and exteriors, are enhanced by the 3D effects, but these effects don’t overwhelm the adaptation from the original text.  What does overwhelm the adaptation is the inclusion of a male character who has to save Coraline’s butt in the end, classifying it as yet another film with a strong female character who needs a man to both tame and save her.  Why can’t Hollywood ever be done with its male heroes?

G-Force (dir. Hoyt Yeatman, USA 2009)

Most 3D films rely on re-vamped spatial relations that make tighter spaces seem even tighter and wide open spaces seem glorious.  So what better means of exploring tight spaces and big vistas than making a supremely small cast, through whose eyes we must view the world?  Such is the visual premise of G-Force, which has guinea pig commandos saving the world from a silly plot in a classic Jerry Bruckheimer fashion.  Nevertheless, the effects are convincing and most of the side-plots are not particularly annoying.  I would say:  Mr. Yeatman’s background in visual FX for advertising and trailers paid off in a big way for the film, though its effects scenes are so pronounced as to make all of the dialog sequences seem drawn-out and dull.  Definitely a movie that attempts to satiate a hyper-active age group.  Critics who don’t fully “get” 3D films and who are thoroughly in Pixar’s camp are liable to hate it,  but I can root for it from the sidelines.

gunung talang

in this photo: eko (akang), bron, imuf, iwan (gembel), uci

Kalo gak salah perjalanan ini terjadi sekitar tahun 2000 pas liburan kuliah anak2 kampus.., ane kesel juga neh sama mereka soalnya kena tinggal tanpa pemberitahuan mereka berangkat ke gunung talang.., hahahaha….

tapi akhirnya ane balas dendam siangnya ane berangkat ke gunung singgalang rame2 buat ngebalas kekecewaan waktu itu.., dengan modal duit pinjaman dan alat serba minjam maka terselenggaralah kegiatan panjat-memanjat ini…,

begitu juga dengan teman2 yg berangkat ke gunung talang ini , si bron (M. Safii) minjem kelambu emaknya buat tidur di gunung biar nggak di gigit nyamuk.., eko (akang) minjem lampu tetangganya biar gak kegelapan di gunung.., sedangkan iwan, uci & imuf minjem 2 bungkus rokok dari tetangganya biar gak ke dinginan di gunung….

it was nine years a go friend……, just for remember and that time would never come back again…

susur sungai aek martua

in this photo : save, bron, andi, kudap, ngeb-ngeb (pak ogah)

sekiat taon 2002 kalo gak salah kejadian ini terjadi, berawal dari nongkrong2 di kampus akhirnya muncul ide yg hari itu juga langsung berangkat ke aek martua- tangun untuk berhepi-hepi ria…,

yang paling edan adalah si andi, berangkat dengan bermodal ijin sama kinoy dan satu kantong plastik isi sabun dan sikat gigi…, kalo yg laennya amunisi lumayan lengkap…..

tapi dengan aktifitas maen domino, di sela2 hujan lebat, dan badai di dalam hutan saat itu, tak menyurutkan niat kami untuk maen domino didalam hutan dan ditemani segelas kopi dan bebrapa rokok tingwe alias linting dewe.., menambah khidmatnya liburan saat itu………..

]]> http://kommapalawinnetou.wordpress.com/2009/09/19/welcome-winnetous-member/ Sat, 19 Sep 2009 18:08:23 +0000 kommapala winnetou http://kommapalawinnetou.wordpress.com/2009/09/19/welcome-winnetous-member/

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Streszczenie dla nielubiących czytać.

Kein Krieg im Kino.

Die Goldene Palme hätte er verdient gehabt. Meint er. Der Quentin. Nicht, dass er Michael Haneke die Auszeichnung nicht gönnen würde, aber der Große Preis der Jury, der hätte doch zumindest drin sein müssen. Dem Kollegen Jacques Audiard also und dessen Film „Un Prophète“, der stattdessen ausgewählt wurde, gönnt er die Ehre also offenbar nicht. So jedenfalls muss man schließen. – Was Tarantino da der Associated Press erzählt hat, darf man vermutlich nicht allzu ernst nehmen. Irgendwie war halt nicht das Geschenk unter dem Weihnachtsbaum, das er sich gewünscht hatte, und das kann einem schon mal die Feiertage verderben. Als er im Mai nach Cannes eingereist war, die „Inglourious Basterds“ noch brühwarm auf dem Schneidetisch, wurde er nicht müde zu betonen, wie sehr er dieses Festival liebe, dass es für ihn so eine Art Olympiade des Kinos sei, dass es nichts Größeres gebe, als dort seinen Film vorzustellen, und so weiter, und so weiter. Doch ausgerechnet hier, wo er 1994 zum King of Pulp gekrönt wurde, 2004 gar Jurypräsident war, und selbst 2008 mit dem belanglosen „Death Proof“ noch ins offizielle Programm kam, wird sein langgehegtes Lieblingsprojekt einfach übergangen. Die Reaktion ist dem gemäß die eines enttäuschten Kindes, das anderen Versprechungen unterstellt, und sich dann trotzig abwendet, wenn diese nicht eingehalten werden. So blieb er dann auch der Verleihungszeremonie fern, obwohl sein (heimlicher) Hauptdarsteller dort den größten Triumph seiner bisherigen Karriere feiern konnte. Dass Christoph Waltz darüber hinaus zum Besten gehört, was Tarantinos ebenso lustiger wie unausgewogener Nazikiller-Zirkus zu bieten hat, spiegelt die Jury-Entscheidung im Grunde nur wider. Denn der Film steht und fällt in erster Linie mit dem international bisher völlig unbekannten Österreicher – und umso profunderen Undank bekommt dessen Figur am Ende von ihrem Erfinder. Der größte seiner „Basterds“ ist eben immer noch Tarantino selber.

Wer auch nur am Rande die Vielzahl an Diskussionen, Kampagnen und Interviews seit der Uraufführung in Cannes verfolgt hat, weiß eigentlich schon alles über diesen Film, hat schon alles gesehen und alles gehört. Das Drumherum ist bei Tarantino längst Teil der Postproduktion geworden, denn der Filmemacher ist Kult und Marke in einem. Und da seine Auftritte bisweilen unterhaltsamer sind als alles, was er in den letzten Jahren auf die Leinwand gebracht hat, lohnt es sich immer, seinen kinotrunkenen Selbstvermarktungsmonologen zuzuhören. Verteilt auf unterschiedliche Figuren in einer jener Schlagabtauschorgien, für die der bekennende Cinemaniac bekannt ist, funktioniert das alles mittlerweile nicht mehr so gut wie früher. In „Death Proof“ suchte man über weite Strecken vergeblich nach den Pointen, die Tarantinos Dialoge so angenehm von der gängigen Ware abhebt, die Hollywoods Drehbuchautoren im Allgemeinen abliefern. Die Nonsens-Gespräche über Popkultur, Gossip und Banalfetischismus, die den übermäßigen Redeanteil in „Resevoir Dogs“ und „Pulp Fiction“ so unverzichtbar machen, wirkten hier selten uninspiriert und beliebig. Hinzu kam, dass die Frauenfiguren, die unablässig vor sich hin quasselten, zu den uninteressantesten Gestalten gehörten, die QT, wie ihn das hippe US-Feuilleton gerne abkürzt, jemals erfunden hat.

„Inglourious Basterds“ hat teilweise ähnliche Probleme und opfert, weil Tarantino bei seinen Dialogen mittlerweile offensichtlich das Ökonomieprinzip abhanden gekommen ist, beinahe einen gesamten Akt (den vierten) dem Prinzip endloser Faselei. Zudem wird – auch das ein Phänomen, das bereits bei „Death Proof“ auf dem Spielplan stand – in einem solchem Maß über Quentins Lieblingsthema, das Kino natürlich, schwadroniert, dass sich so mancher im Publikum ernsthaft ausgeschlossen fühlen mag. Überhaupt vereint der Film Stärken und Schwachen seines Machers, und so erstaunlich die Höhen sind, zu denen er sich bisweilen aufschwingt, so flach geraten die Täler, die man als Zuschauer durchwandern muss.

Am Anfang steht zugleich die stärkste Szenenfolge, und da Tarantino sich selber die Latte so hoch legt, dass er sie unmöglich im Verlauf des Films noch einmal wird überspringen können, ist es verzeihlich, dass die restlichen rund 120 Minuten eine andere Richtung einschlagen. Schon früh konnte man im Netz einen kurzen Eindruck davon bekommen, wie intensiv die Konfrontation eines ehrenhaften französischen Bauern (Denis Menochet) mit SS-Judenjäger Hans Landa (Waltz) ausfällt, doch die insgesamt etwa 20 Minuten Leinwandpräsenz, die der Film den beiden einräumt, übertrifft auch die kühnsten Erwartungen noch mit Leichtigkeit. Landa taucht danach zwar noch zweimal auf, aber die teuflische Bedrohung, die von dieser Figur ausgeht, das perfide Treiben aus makelloser Höflichkeit, zynischer Spielfreude und menschenverachtender Fokussiertheit gehört zur atemberaubendsten Darstellung des Bösen, die es jemals im Kino zu sehen gab. Landa bündelt Mephisto, Hannibal Lecter und die gut erzogenen Eindringlinge aus Hanekes „Funny Games“ zu einer einzigen Figur. Doch erst mit dem präzisen, erschreckend natürlichen Spiel ihres Darstellers wird sie zum komplexen Zerrbild menschlicher Abgründe. Vielleicht hat Tarantino beim Schreiben bereits geahnt, wie monströs diese Gestalt in den Händen des richtigen Schauspielers werden könnte, und sie deshalb im Verlauf des Films langsam demontiert, so dass am Schluss nichts mehr von ihrem ursprünglichen Schrecken übrig bleibt.

Diese Praxis ist natürlich Standard bei QT, und sie trifft in der Regel nahezu alle Figuren – jedenfalls die männlichen. Alle werden sie auf ihre Weise früher oder später entlarvt und / oder der Lächerlichkeit preisgegeben. Der jammernde Stuntman Mike ist dafür nur das offensichtlichste Beispiel. Tarantino erfindet keine geradlinigen Charaktere. Wenn er einen aufrichtigen Soldaten konstruiert, der lieber sterben würde als seine Kameraden zu verraten, dann muss das schon ein judenhassender Nazi sein, der mit einem Baseballschläger zu Brei geschlagen wird. Die Guten prügeln und skalpieren, die Bösen haben exzellente Manieren und Ideale. Man könnte sagen, im Krieg verschwimmen die Grenzen, doch das ist schnell überinterpretiert, denn bei Tarantino gibt es auch sonst nie bloß schwarz und weiß. Kaum eine Figur bleibt, auch bis in die kleinste Nebenrolle hinein, von diesem Prinzip verschont – einzig Hitler (am Rande des Chargierens: Martin Wuttke) und Goebbels (Sylvester Groth, hat einige der besten Pointen), die beiden realen Monster der Geschichte, sind von Anfang an bereits als Witzfiguren angelegt. Doch auch das ist natürlich Demontage, wenn auch nicht filmintern.

Fünf Kapitel strukturieren die Erzählung, und das ist nur einer von vielen Manierismen (andere mögen sagen: Trademarks), die „Inglourious Basterds“ unmissverständlich als Produkt ihres Machers ausweisen. Im Rahmen des einzelnen Films wirken sie manchmal wie Fremdkörper (ein „Kill Bill“-typischer Rückblendeneinschub, der eine einzelne Figur einführt; eine Exkursion über die Brennbarkeit von Filmrollen) im Gesamtwerk aber sind sie sozusagen interfilmische Verweise. – Fünf Kapitel also von unterschiedlicher Qualität, Optik, Gewichtung und Unterhaltsamkeit. Landa wird als unerbittlicher Judenjäger eingeführt, und ein junges Mädchen namens Shosanna (Mélanie Laurent) entkommt seinem Zugriff. Später, in Kapitel Drei, wird sie wiederkehren und ein Kino in Paris leiten. Zwischendurch lernt der Zuschauer die „Basterds“ kennen, einen 9-köpfigen Trupp von Nazijägern (also Landas direkte Antagonisten), angeführt von Aldo Raine (Brad Pitt), dem Apachen, einem Südstaatenlieutnant, der Wert darauf legt, dass seine Soldaten ihre Opfer skalpieren. In Paris führt die Begegnung Shosannas mit einem gefeierten deutschen Kriegshelden (blass aber passend: Daniel Brühl), der um sie wirbt, dazu, dass die Premiere eines Films über seine Heldentaten in ihrem Kino aufgeführt wird. Ehrengäste: Hitler, Goebbels und andere Mitglieder der Führungsriege. Für Shosanna eine unvergleichliche Gelegenheit – sie will den Event dazu nutzen, sich an den Mördern ihrer Eltern zu rächen und das Kino in die Luft zu jagen. Die Engländer (unter ihnen Mike Myers und Rod Taylor als Winston Churchill!) planen Ähnliches und bringen die „Basterds“ ins Spiel. Das geschieht zu Beginn von Kapitel Drei, und danach heißt es für den Zuschauer: Durchhalten, denn es wird viel geredet, und das ohne Punkt und Komma.

„Inglourious Basterds“ ist Flickwerk und Nummernrevue, aber zugleich auch clevere alternative Geschichtsschreibung. Hätte es seine Figuren tatsächlich gegeben, so wäre das Kriegsende vielleicht verlaufen wie hier – so behauptet es Tarantino ganz ernsthaft und wörtlich, und man mag ihm glauben, dass er das tatsächlich denkt. Vor allem aber gilt: Der Künstler legt sich die Dinge so zurecht, wie sie ihm am besten gefallen – egal, ob das die Schreibweise eines Titels ist oder der Ausgang des Zweiten Weltkriegs. Hier besiegt das Kino die grausame Wirklichkeit, doch mit diesem lustigen, aber nicht unbedingt einer tieferen Reflexion gegenüber offenen Interpretationsfigur mögen sich andere beschäftigen. Überhaupt lässt sich hier viel an der Deutungsschraube drehen, und die ist vor allem popkulturell und filmhistorisch geprägt. Georg Seeßlen hat gleich ein ganzes Buch über die Besonderheiten dieses Films geschrieben und seinen Macher mal schnell zum „Erlöser mit dem richtigen Maß an Frechheit“ erhoben, der mit der deutschen Hitler-Besessenheit endlich Schluss mache und den Diktator buchstäblich einfach in Stücke zerschießen lasse. So kann man es sehen. Oder auch nicht.

Tarantino wehrt sich zurecht gegen den immer mal wieder erhobenen Vorwurf, er hätte einfach zu viele Filme gesehen, um selber etwas zu produzieren, was nicht in erster Linie wiederum vom Kino handelt. Solange sich seine bunten Zitationsmaschinen problemlos konsumieren lassen, ohne dass man versierter Cineast sein muss, ist das nämlich kein Problem. Im Gegenteil: Wer sich einen Spaß daraus machen will, die Unzahl von Quer- und Längsverweisen nachzuvollziehen, mit denen QT seine Arbeiten schmückt, dem eröffnet sich eine zusätzliche Spielebene. Wo diese aber in den Vordergrund rückt und zum Selbstzweck wird, nimmt Quentins Kino elitäre Züge an. Wenn die Engländer hinter verschlossenen Türen über einen möglichen Anschlag diskutieren, und dabei die Rolle der UFA ein zentrales Thema wird, nur weil der Ort des Geschehens ein Kino ist, dreht sich der Film um sich selbst. Was ein amerikanisches Publikum zudem wohl von einer mehrminütigen Diskussion über die Herkunft und Nationalität von Winnetou halten mag, kann man sich an fünf Fingern abzählen. Aber auch hier redet Tarantino selbstverständlich nur über das Kino, denn auch wenn zwischen Kriegsende und dem ersten Leinwandauftritt des tapferen Apachenhäuptlings (daher natürlich auch der Spitzname, den die Deutschen dem amerikanischen Skalpsammler geben) knappe 17 Jahre liegen, kennt jeder gute Durchschnittsnazi den Friedensgruß von Pierre Brice bereits genau.

Nicht weniger zitatenreich gerät wie gewohnt Tarantinos Musikauswahl. Hatte er noch 2007 laut getönt, niemals mit einem Filmkomponisten zusammenarbeiten zu wollen, so war er doch für „Inglourious Basterds“ bemüht, sich die Dienste von Ennio Morricone zu sichern. Es kam nicht dazu. Morricone hatte zwar zugesagt, doch die knappe Terminplanung bis zur Fertigstellung in Cannes kam dazwischen. So gibt es also stattdessen, wie schon zuvor bei „Kill Bill“ und „Death Proof“ einige ältere Titel des Meisters zu hören, doch wie immer beweist Tarantino, dass er entweder keine Ahnung von oder kein Interesse an thematischer Verwendung von Musik hat. Was er auswählt, setzt er ausschließlich punktuell ein, durchaus effektiv (atemberaubend: die Flucht Shosannas vor Landa), jedoch ohne Zusammenhalt stiftende Funktion. So sehen alle Sequenzen, die präzise zur Musik montiert sind, immer verdächtig nach Temp-Tracking aus.

Und doch zeigt gerade seine Musikauswahl immer wieder, wie Tarantino sich Dinge zurecht legt und für seine Zwecke einfach uminterpretiert. Ein besonders raffiniertes Beispiel dafür findet sich im Finale. [See these eyes of green:] Das finale Kapitel beginnt Tarantino im Stil eines Videoclips aus den 80ern mit David Bowies „Putting out Fire“ (aus Paul Schraders „Cat People“ – selbstverständlich auch ein Filmzitat) und nutzt den Text als Regieanweisung. Man fragt sich zunächst mit einigem Recht, wozu eine derartige Doppelung gut sein soll, doch wird man sich wundern, wie weit sich der Bogen des Songs spannen lässt. [I can stare for a thousand years] Während die Clip-Ästhetik nämlich scheinbar die bloße Oberfläche imitiert, und etwa Shosannas grüne Augen zeigt, während die Lyrics von ebensolchen handeln, braucht es das Ende des Kapitels, um zu begreifen, welche Augen hier für tausend Jahre sogar dann noch starren können, wenn ihr Träger längst nicht mehr lebt. Und am Ende ist auch das wieder eine Liebeserklärung an das Kino.

Artikel © 2009 Thomas Lenz. Alle Rechte vorbehalten.
Filmplakat / Fotos: Universal Pictures International Germany GmbH

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C O P Y R I G H T © A L I C E D R O G O R E A N U 2009

După ce, în copilărie, visam să mă fac fie indian (ca Winnetou), fie Omul Invizibil (diferit de cel al lui H. G. Wells), ajuns la cea de-a doua tinereţe începui să-mi doresc lucruri mai realiste, cum ar fi să mă fac devalizor ori creator de nădejdi. Într-un final, m-am decis:

Voi intra în marea politică!

Cum se anunţă o toamnă grea, cu contracandidaţi serioşi, lucrez deja la afişele de campanie.

Am unul, de dimensiuni mai mari, conceput pentru publicul serios:

„Cauţi Omul de care ai nevoie? Iată-mă! În locul resemnării, Relansarea, în locul indolenţei, Interesul!”

Într-un afiş mai ludic, menit a fi postat prin locuri umbroase, apar pozat în fundal, nu întrutotul luminos, spunând textul (acesta apare scris, nu se aude): „Pst! Pst! Votează-mă!”

Pentru ganguri, am conceput un alt anunţ: „Ce faci? Te pişi? Bine, dar nu uita s-o scuturi, să te închei la şliţ şi, apoi, să mă votezi! Am o tipă pentru Turism de-ţi pică fălcile!…”

Mai lucrez acum şi la alte aspecte… Oricum, în Decembrie ne vedem la Cotroceni.

“Unter Geiern” lautet der Titel der heurigen Produktion, die selbst bei der Präsentation zum vollen Erfolg wurde.

Sogar ein junger Magister war seitens der Bezirkshauptmannschaft angereist. Seine Armbanduhr (Rolex Daytona) blinzelte im Scheinwerferlicht.

Nach den Begrüßungsworten des Hausherrn (Bürgermeister), des Landeshauptmann Stellvertreters und des Dr. Rohrmosers ging es unverzüglich los.

Vorab:
Ein großes Lob den Organisatoren und den Künstlern.

Mit dem bewährten Ensemble unter der künstlerischen Leitung von Rainer Vogl und dem Blutsbrüderpaar Bálazs Schallenberg und Helmut Urban bieten wir eine eindrucksvolle Vorstellung auf der wunderschönen Naturbühne.

Weitere Profidarsteller garantieren einen hohen künstlerischen Standard. 50 Mitwirkende und 17 Pferde liefern eine ebenso actionreiche wie humorvolle Inszenierung. Eine Stadtshow, Gastronomie und ein kreatives Kinderprogramm machen den Event zum wahren Fest für Groß und Klein.

Gespielt wird “Unter Geiern” vom 01. bis 30. August, jeweils Fr. Sa. 19 Uhr bzw. So 17 Uhr

Rahmenprogramm: „Tag der offenen Tür“ an jedem Vorstellungstag!
Kinderrahmenprogramm: Kinderschminken, Zeichnen, Zielschießen, Bogenschießen, Hufeisenwerfen, Glücksrad, Rätsel-Rallye, Trapperspiel; außerdem Kutschenfahrten, Stadtshow, Western-Museum, Backstage-Führung nach jeder Vorstellung, Gastronomie, u.a.

Veranstalter:

KDG-KulturdienstleistungsGmbH, Eventbühne Steinbruch 1, 2722 Winzendorf

Vorverkauf und Infos: www.winwi.at, info@winwi.at, Tel 0664/ 20 12 974.

Testurteil: Absoulut sehenswert

Barcelona – Andorre Arcalis – 224 km

Als Kind bewunderte ich Pierre Brice, weil ich glaubte, er sei Winnetou. Gestern bewunderte ich Brice Feillu: 1.88m lang, 66 kg leicht. Was neben dem Rad wie eine Spargel aussieht, ist auf dem Rad an den Bergen gegenüber dem Maillot Jaune im Vorteil. Fast gleich gross, wiegt Cancellara zwölf Kilo mehr. Das macht in der Endabrechnung nach Arcalis fast eine Minute pro Kilo. Der leichteste und kleinste aber ist zugleich der grösste: Rinaldo Nocentini, 1.74m kurz und 60kg leicht, knackte die Nuss des Schlussanstiegs am besten. Erste Tourteilnahme mit 32 Jahren, erstes Maillot Jaune. Es muss nicht immer ein Campionissimo sein!

Und die Favoriten? Contador meinte kürzlich, auf dem Rad könne er seiner Persönlichkeit Ausdruck verleihen. Auf die Nachfrage, wie er das genau meine, gab er zur Antwort, das vermöge er eben nicht in Worten auszudrücken, ansonsten er Schriftsteller und nicht Radprofi geworden wäre. Ob ihm Dr. Fuentes auch noch so gut reden gelernt hat?

Lance, the grand old man! Er konnte Contador nicht folgen, zu leicht dessen Tritt, zu hoch die Pace. Doch ich höre ihn noch sagen, wo die Tour wirklich entschieden wird: Am Ventoux! Dort, wo alle Winde wehen, will Lance einmal noch Flagge zeigen! So spricht ein wahrer Champion.

Die gewöhnliche Journaille mokiert sich jedoch schon seit Tagen über das angeblich herbeigeredete Duell; Ausdruck reinster Dekadenz einer Generation, die nur noch den Mainstream kennt und für die ein Mensch mit Kanten einen Waffenschein beantragen müsste. Leider eine Geisteshaltung mit Selbstläufertendenz: Sobald nur noch solche Schnuller-Journalisten in den Redaktionsstuben sitzen, werden auch nur noch derartige Lutschbonbons eingestellt. Dabei lebt der Sport von gerade solcher Konfrontation, vom Mut eines Mannes, der alles gewonnen hat, und der sich nicht auf seinen Lorbeeren ausruht; der noch einmal alles auf eine Karte setzt und sich im kalten Wind der Berge, auf dem kochenden Asphalt des Midi seinen Gegnern stellt. Seit Arcalis ist High Noon! (L.T.)

Auf unsre roten Brüder ist Verlaß: Keine Langeweile in Radebeul

WISSENSWERTES ÜBER KOMMENDE FEIERTAGE (LANGEWEILE)

Waren das Aufregungen in den letzten Wochen! Die Spannung siedete im mittleren Unerträglichkeitsbereich. Wer wird Deutscher Meister? Wird Sandy, Mandy oder Wendy Germany’s Next Top Moppel? Sterben wir alle an der Schweinegrippe? Schägt einer den Raab? Heißt Fiat bald Opel?  Machen wir wieder den letzten Platz beim Eurovision Song Contest? Welcher neue Super-Stern geht am taubstummblauen Plastik-Himmel Dieter Bohlens auf? Wird Hotte „Boring Old Fart“ Köhler noch einmal diese wuschige Zahnfee aus dem Osten besiegen? – Ein „Herzschlagfinale“ jagte das nächste, Tränen des Glücks, der Enttäuschung und Erleichterung wurden der Öffentlichkeit dargebracht, ganz Deutschland tat, was es ruhig öfter mal machen sollte, es hielt die Luft an. Pokale und Schalen wurden geküsst, Trostpreise vergeben, den Eltern und Sponsoren gedankt, und ganz besonders auch den Fans draußen an den Empfängern. Nun ist alles besiegt, besiegelt und besoffen: Deutschland kann wieder aufatmen, durchpusten, Sauerstoff tanken, die Seele baumeln lassen usw. Wunderbar, diese Ruhe. Oder…? Oder? Manch ein Mitglied der „nationalen Erregungsgemeinschaft“ (Sloterdijk) trommelt schon wieder nervös mit den Fingern: Und jetzt? Was kommt jetzt? Jetzt, so steht wahlweise zu hoffen oder zu befürchten, senkt sich das blöde, bleiern-banale Nichts fädenziehender Langeweile über das Land und erstickt alles menschliche Leben!

Manche nennen es Bundesliga-Pause, andere Sommer oder Regenzeit. Noch andere, deren Freud unser Leid ist, nennens Hauptsaison. Die Kollegen meiner Gattin verwenden noch immer den alten, liebenswerten Ausdruck „Saure-Gurken-Zeit“, der entweder, wie das englische season of the very smallest potatoes eine bedenkliche Ernährungslage meint oder eine Verballhornung des jiddischen Ausdrucks „Zóres-und Jòkresszeit“ für „Not und Teuerung“ darstellt, in jedem Falle aber bedeutet, daß man als Journalist noch kreativer sein muß als sonst, wenn man eine einigermaßen ansehnliche neue Sau durchs Dorf jagen will.

Wenn TV-Magazinen nichts Gescheites einfällt, können sie immerhin eine Straßenumfrage veranstalten und nach dem Sinn der bevorstehenden christlichen Feiertage Finxten und Frohen Leichnam fragen. Was haben wir uns an den Antworten der weitgehend ahnungslosen „Generation Doof“ schon be-ömmelt! Die Dummheit der anderen ist ja immer wieder ein ungetrübter Quell der Freude und Seelenerheiterung! Dabei, ich weiß zwar, warum Pfingsten gefeiert wird ( – wir gedenken des Ereignisses, das sich begab, als die Jünger Jesu plötzlich allesamt einen schweren Hau bekamen und ihren Mist nicht nur aramäisch, sondern auch dänisch, finno-ugrisch, uigurisch und auf Bantu predigen konnten; – Pfingsten ist daher auch bekannt als Tag des Zungenredens vulgo der Dolmetscher – Gruß an Chris nach UK!), aber den katholischen Fronleichnam muß auch ich immer mal wieder nach-googeln, weil es sich dabei um eine schon recht abgefahrene theologische Spinnerei handelt: An diesem auch als „Blutfest“ oder „Corpus Christi“ bekannten Fest feiert man die leibliche Gegenwart Jesu Christi in der Eucharistie.

Wenn Ihr auch das nicht kapiert, müsst Ihr halt mal eine katholische Heilige Messe buchen und Euch anschauen, was da abgeht, Freunde! Wenn der Mann mit dem kostbarsten Gewand da vorne auf der Bühne mit so einer Schelle klingelt, die Schale mit den Hostien-Oblaten hochhebt und dabei murmelt: „Hoc est corpus meus“ („Dies ist mein Leib“), dann meint man in diesen Kreisen, sei eben dieser Leib des Leibhaftigen, Quatsch, des Herrn, bzw. der von seinem Sohn, da irgendwie konkret und krass am Anwesen. Das schlichte Volk, des Kirchenlateinischen kaum mächtig, verstand bei der Priesterformel immer nur „Hokospokus“, womit, letzten Endes, darüber auch schon so ziemlich alles gesagt ist.

Wenn alle Brückentage abgefeiert sind, ist definitiv Sense, dann ist im Lande große Pause, dann sind Nasebohren, Haareraufen und Nägelbeißen angesagt, – eine Periode oder Phase großer Gefahr im übrigen, denn anthropologische Forscher haben herausgefunden, daß der gemeingefährlichste Unfug unter Humanpopulationen zumeist aus Langeweile veranstaltet wird, wofür der katholische Hokuspokus ja nur ein einfaches Beispiel ist. Aus Langeweile werden Rauschmittel eingenommen, Ehen geschlossen oder gebrochen, Kriege geführt, oder es wird wenigstens von den Nachbarn andauernd gegrillt – meine Terrasse ächzt seit Tagen unter den Miasmen verkohlten, innen noch blutigen Schweinefleisches (von wegen saure Gurken!), oder, besonders perfide, es riecht ganz mörderisch nach verschmorten Sardinen! Das ist doch widerlich! Lassen Sie das! Ich will den feinen Aromen frischen Spargels nachschmecken! Gegen Sie weg mit Ihrem blöden Fisch da!

So, da bin ich wieder, mußte nur eben was über die Hecke rufen. – Befreit vom Zwang, sich über Langeweile zu beklagen, sind an diesem Wochenende allein die Bewohner der wunderschönen Karl-May-Stadt Radebeul bei Dresden. Über diese lese ich heute auf der Wikipedia-Startseite: „Die Wein-, Villen- und Gartenstadt mit ihren acht historischen Dorfkernen und zwei Villenquartieren liegt nordwestlich von Dresden zwischen der Elbe im Süden und den Weinhängen der Großlage Lößnitz im Norden“. So weit, so gut, aber jetzt die Frohe Botschaft für alle Blutsbrüder Winnetous und Apanachis: „Die Schmalspurbahn Lößnitzdackel, die durch den tief eingeschnittenen Lößnitzgrund Richtung Moritzburg und von dort weiter nach Radeburg fährt, wird an diesem Wochenende im Rahmen des Fests wieder von Indianern überfallen“! – Wird das vielleicht Schule machen? Nun, wie wir Medienmenschen gerne sagen: Man darf gespannt sein!

PS: Zum Wochenendausklang für meine agnostischen Freunde noch ein hübsches Liedchen: ERDMÖBEL mit “Einer wie wir” (“If God were one of us”)

nachtrag zum ausflug an die plitwitzer seen:

die richtige antwort ist eingegangen – natürlich war es winnetou, der held meiner kindheit, der erste wegen dessen tod ich weinen musste…

und ganz speziell wurde dort der schatz im silbersee gedreht…

so und hier noch was fürs sentimental werden

und wer mehr vom schatz sehen möchte…

Als Kind wolltest Du sein wie…? Klekih-petra

Was liegt zu Hause neben deinem Bett? Mein Kriegs-Beil natürlich.

Welche 3 Dinge würdest du AUF KEINEN FALL auf eine einsame Insel mitnehmen? Old Shatterhand, Sam Hawkens und meine Schwester Nscho-tschi.

Was ist Deine Lieblings-Band? Ammon Düll

Welches Buch liest Du gerade? Kann nicht lesen.

Verrate uns Deine Lieblings-Internetadresse? http://www.youtube.com/watch?v=gzeydENt0yQ

Dein liebstes Hobby? Kiowa-Skalps nehmen.

Was sollte Dir später einmal nachgesagt werden? Lieber rot als tot.

Wie entspannst Du am besten? Bei der Bärenjagd auf meinem Pferd Kniltschi.

Mein peinlichstes Erlebnis war …? Als mir Ribanna unter den Lenden-Schurz greifen wollte.

In cartea Winnetou scrisa de Karl May,  Old Shatterhand, rolul principal al operei avea o arma numita ca titlul acestui post cu care… ei bine dobora ursi si omora oameni. Acum, daca nu stiti cartea, mentionez ca rolul principal era un rol pozitiv, prieten al apasilor si un om drept, in esenta un om foarte rar intalnit in acea perioada.

Aceasta arma totusi, nu era foarte rara. Aproape oricine avea chef/nevoie/ceva maruntis in buzunar isi putea procura una si sa doboare ursi… si oameni.

Asta inseamna ca indiferent de felul tau de a fi poti rani la fel de usor si de puternic pe cineva?

Heute waren wir dann noch kurz in der Villa Bärenfett und natürlich der Villa Shatterhand. Die Jungs und Mädel waren am meisten von dem dem Anblick auf der berühmten Schiesseisen (Silberbüchse, Bärentöter und natürlich Henry Stutzen) des Herrn May und seiner Pseudonyme begeistert. Wie soll man die Kinder da pazifistisch erziehen…

Allerdings brachten die nachfolgenden Recherchen bei Wikipedia und im WWW zu Tage, das es sich beim Henry Stutzen Old Shatterhand wohl um eine Idee von Karl May handelt.

Von der netten Dame im Museum wurden wir auch gleich auf den neuen Trickfilm hingewiesen, der in Kürze starten soll – we will see (ob wir ihn sehen).