En China el año nuevo o lunar se celebra tiempo después de lo que acostumbramos en “occidente”. Su designación “lunar” alude a que coincide con “la segunda luna nueva tras el solsticio del invierno boreal” . Por ejemplo nuestro agonizante 2009 es el año 4707 según el calendario chino e inició el 26 de enero (según Wikipedia). Es mucho más sencillo imaginar que el “año nuevo lunar” representa el inicio de la primavera. Y como nada más representativo de la primavera que el florecimiento, esa imagen -la del árbol en flor- inicia y finaliza una película que acabo de ver. Como imaginarán es “Chinese Odyssey 2002″ que fue estrenada hace siete años coincidiendo con el año nuevo chino. El productor es Wong Kar Wai, por segunda vez en mancuerna con el polifacético Jeffrey Lau (el director). Los protagonistas son Tony Leung, Faye Wong, Zhao Wei y Cheng Chan. Podríamos decir que se trata de una comedia “romántico-absurdo-melodramática” en la que la combinación precisa de esos tres elementos convence precisamente porque Lau y los suyos le faltan al respeto a cosas muy serias del cine chino contemporáneo. Sin ir lejos a la obra del mismísimo Wong Kar Wai (sus diálogos dolorosísimos en “Chungking Express” [1994] y el ambiente tipo “In The Mood For Love”  [2000] con todo y los protagonistas) y a una parte sustancial del cine Wuxia como ”Crouching Tiger, Hidden Dragon” (“Tigre y Dragón”, 2000)”.

El árbol que florece

Quizá pueda ayudar a entender de que va esta “Una Historia de amor en China” (el desafortunado título en español) si pensamos en una canción de Airport Girl llamada “The Foolishness That We Create Through Love Is The Closest We Come To Greatness” que no menciono por un arrebato súbito de euforia preadolescente sino pensando en lo que dice Orhan Pamuk en “Me llamo Rojo“:

“¿Es el amor el que vuelve estúpidas a las personas o es que sólo los estúpidos se enamoran?”

(puesto que nada más estúpido que el pop y sobre esa otra estupidez un himno…de estúpidos)

La película de Lau no atina a respondernos la pregunta de Pamuk. Sobretodo porque se ocupa de cupidos travestidos, peinados afro, inverosímiles coreografías de artes marciales, patos laqueados, duraznos en flor, estúpidos, estúpidas, toneladas de tensión sexual a lo “Ranma y 1/2“, el expresivo rostro de Zhao Wei, pruebas de amor que resultan terriblemente mal y amores a prueba de todo que no lo son tanto así.

Nuestra ciencia, nuestro descreimiento de todo e incluso nuestro cinismo nos preparan para aborrecer el virulento discurso de “Chinese...”. Y todo va bien hasta que llega la escena del durazno en flor. Y ahí -en el ocaso de la farsa- descubrimos que, sin embargo, (la cosa) se mueve.

A francesa Louis Vuitton, conhecida no mundo do luxo por suas malas e bolsas, traz um dos diretores de cinema mais reconhecidos da atualidade, o chinês Wong Kar Wai, para realizar o Journeys Awards, onde estará à frente do corpo de jurados.

O prêmio foi criado para celebrar o talento dos cineastas de países emergentes. Alguns dos alunos das mais prestigiadas escolas de cinema internacionais, e outros talentos, foram convidados para fazer um filme usando o tema “Journeys” (viagens).

São dois os prêmios pelo qual os 15 candidatos estão concorrendo, ou seja, são dois ganhadores, sendo que quem escolherá um será o júri, que irão analisar qual é o mais criativo, e claro, pelo nível técnico da produção. Essa premiação ganhou o nome de “THE JURY AWARD”. O segundo, batizado de “THE PEOPLE’S CHOICE AWARD”, será com base na popularidade , enfim, o filme com o maior número de votos online leva.

Embora sejam duas formas de avaliação o prêmio é mesmo. Cada ganhador leva um prêmio de 25 mil dólares. Os filmes vencedores serão apresentados no site da Louis Vuitton, além de serem exibidos também em todas as lojas da marca, ao redor do mundo. Portanto trate de dar uma forcinha, assista aos vídeos candidatos e dê o seu voto!

El éxito de la película “Ip Man” protagonizada por Donnie Yen ha revitalizado el cine de artes marciales en Hong Kong, y con la segunda parte a punto de llegar, la moda del maestro de Bruce Lee va a la alza.

Se ha anunciado que se está preparando una serie de televisión sobre la infancia y juventud de Ip Man (con Yuen Biao como su maestro) y Wong Kar Wai quiere su pedazo del pastel. Kar Wai anunció hace mucho este proyecto, pero no se había puesto en marcha hasta ahora.

Esta claro que con este director no vamos a ver nada parecido a la épica película de Donnie Yen, y yo personalmente tengo miedo de qué pueda salir de todo esto. En cuanto a su protagonistas, pocas novedades, siendo Wong Kar Wai, es obvio que el protagonista será Tony Leung. También se ha anunciado la participación de Zhang Ziyi y Zhao Benshan.

Una de las sorpresas de la película nos viene de unos rumores que anuncian que es la película que ha escogido Brigitte Lin (La Novia del Cabello Blanco) para volver a la gran pantalla. Y por esto, ya valdría la pena la película.

El equipo se reunió en Kaiping en Guangdong para hacer la ceremonia de comienzo de rodaje. El rodaje empezará el 12 de Diciembre y acabará el 18 de Abril (aunque siendo Wong Kar Wai, esto nunca se sabe, podría retrasarse años.) ( A todo esto ¿qué habrá hecho para convencer a Tony Leung de aparecer en otra película suya? Después de 2046 los protagonistas dijeron que no volverían a trabajar con él…). En fin, la película se llamará “The Great Master“  (一代宗师)

A ideia inicial de escrever para o Judão era sobre um nerd na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Mas acontece que há duas coisas: 1) eu não sou nerd e 2) não estava a fim de assistir nada da Mostra. Calma, que essa é uma técnica de prender a sua atenção, afirmando duas coisas que podem polemizar. Então vamos lá.

Eu sou nerd, claro. Mas não do jeito que as pessoas estereotiparam os CDFs. Gosto de Lanterna Verde, X-Men, Star Wars e De Volta para o Futuro. Mas também gosto de Wong Kar-Wai, Pearl Jam e Monet. Tenho toda uma teoria sobre o gostar das coisas, sobre colocar as pessoas em categorias pré-determinadas, mas vou te poupar. O fato é que há algum tempo passei a quebrar certos paradigmas e pude tirar proveito de mais coisas. Não jogo RPG e por isso não sou CDF? Gosto do diretor Jean Paul Civeyrac e por isso sou cabeçudo? Sei pelo menos cinco versões diferentes da morte de Thomas e Martha Wayne, por isso sou nerd? Acho o Nirvana sensacional e isso faz de mim um grunge? Que seja. Pode me colocar a tag que quiser. Vou continuar curtindo cada uma dessas coisas, sem precisar defender uma ideologia específica, baseada em coisas tão banais e divertidas como música, HQ e filmes.

Essa foi a primeira vez em três anos que não trabalhei na Mostra ou em algo relacionado a ela. Por isso não queria assistir a nenhum filme da programação. Era muito agito e só queria assistir um filme em paz. O único que assisti foi Bastardos Inglórios. Em 2007, fiz assessoria do evento, ocasião em que ‘conheci’ o Borbs. Até então, só sabia o nome que assinava os textos do Judão. Por isso, o lobby que fiz, para que a equipe desse estimado site ganhasse credenciais, foi justamente por achar que mereciam.

Ouvi algumas chacotas, mas sempre mantive minha opinião. O motivo: leia o parágrafo anterior. Simplesmente segui a lógica: se eu era leitor do Judão e via filmes da Mostra [não só os blockbusters, mas os 'cabeçudos' também], a probabilidade de existir mais pessoas nessa condição era grande. Nesse ano, uma das pessoas que já trabalhou comigo mandou-me um email, com o release da MTV anunciando a parceria com o Judão. O email: “Você tinha razão. Eles venceram”.

‘Eles’ não, cara-pálida. Nós. E não nós, os nerds, apenas. Pegue Rock Band dos Beatles, por exemplo. São dois mundos que ‘colidem’. Repare na ascensão e reconhecimento de filmes como Spider-Man, X-Men e afins. Até as moças que praticam yoga ‘venceram’, já que há jogos específicos para a prática, no Wii. Acho que o caminho da ‘vitória’ segue lado a lado a trajetória do avanço tecnológico nos últimos anos. Quando o mundo deixou de olhar para Bill Gates como estereótipo de nerd e passou a ter Steve Jobs como seu símbolo, começamos a trilhar a vitória. E pelamor, sem essa de entrar na pendenga Microsoft x Apple e defender seu sistema operacional, dizendo que o verdadeiro geek-nerd-CDF usa é Linux. O Bill Gates só tem cara de bobo e a palavra ‘geek’ sempre foi associada a isso, a alguém meio bobo, meio estranho [assim como 'punk', para arruaceiro].

Liberte-se das categorias em que te colocaram. Aceite que alguém ‘nerd’ nunca tenha lido Dark Knight, Watchmen ou Akira. Assista comédias românticas com sua guria, para dar risada e vê-la sorrir. Vá para praia sem iPod [ou celular!]. Viaje para algum lugar que não tenha energia elétrica e aprenda a montar uma barraca. Só não faça algo porque alguém esperou que você fizesse. Que a Força esteja com você.

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Texto publicado originalmente no Judão.

In the past week, I have…

a) eaten Post’s Blueberry Mornings obsessively
b) been enchanted by Neil Gaiman’s Blueberry Girl
c) watched Blueberry Nights by Wor Kar Wai
d) fallen in love with The Cookie’s Museum Blueberry Tart cookies.

di Simona Maggiorelli

In the mood for love di Wong Kar Wai

L’ Atlante delle emozioni,  con cui Giuliana Bruno ha vinto nel 2004 il premio internazionale Kraszna-Krausz come migliore libro sulle immagini in movimento, è davvero uno dei saggi più sorprendenti degli ultimi anni per chi si occupa di arte contemporanea e di estetica. Non solo per l’affascinante cartografia di percorsi e di nessi che tesse viaggiando fra architettura, arti visive e cinema. Ma anche per il linguaggio con cui  queste cinquecento pagine sono scritte.  Fondendo discorso accademico e racconto, teoresi e linguaggio rapsodico, «con il piacere – annota l’autrice stessa – di selezionare e organizzare il discorso in forma di travelogue visivo».
Laureata all’Orientale di Napoli e dal 1990 professore di Visual and enviromental studies a Harvard con il suo monumentale Atlante delle emozioni e con libri come Pubbliche intimità, anch’esso uscito in Italia per Bruno Mondadori, Giuliana Bruno ha “imposto” una voce radicalmente diversa nel rigido panorama internazionale della critica dominato da scelte razionaliste, gelidamente concettuali, astratte.

Ci è riuscita “partendo da sé,” dal proprio sentire, rifiutando uno sguardo oggettivante e recuperando alla scrittura immagini e affetti. «E’ vero – ammette la studiosa che in questi giorni è a Roma per la due giorni di studi che ha inaugurato il MAXXI  ( e che ha visto la presenza di Aaron Betsky- e della stessa Hadid) ho cercato un modo di guardare differente, uno sguardo nuovo, per così dire “tattile”. La maniera classica di guardare ci ha insegnato una fredda distanza fra noi e le persone che guardiamo.

A me sembra, invece, che ci sia un modo un po’ più carezzevole di avvicinarsi e di essere toccati dalle immagini. In modo che l’occhio non sia di un voyeur ma di un voyager, per me declinato al femminile, come voyageuse. Insomma mi interessava una modalità più fluida di entrare e di guardare attraverso le cose e di rapportarsi agli ambienti che attraversiamo, a quei luoghi che raccolgono le nostre emozioni, le nostre memorie. Niente è neutro, tanto meno gli spazi della rappresentazione.
Possiamo leggerlo come un recupero delle emozioni ostracizzate dai filosofi?
Le emozioni non hanno nulla a che fare con il sentimentalismo. Sono una forma di conoscenza. E l’immagine ha un contenuto, un sostrato. Al di là di quello che mostra di per sé. Le immagini emotive si muovono nel tempo e non solo nello spazio.
Mentre lei scriveva il suo Atlante delle emozioni, il filosofo Remo Bodei sceglieva per il proprio lavoro  un titolo spinoziano come Geometria delle passioni, due diverse modalità?
Ho incontrato più volte Remo Bodei, è una persona straordinaria, sensibile. Però sul piano intellettuale, innegabilmente, esprime una forma di geometria, mentre, per dirla con Deleuze, il mio pensiero ha molte pieghe.
A proposito di cultura francese, lei prende le distanze dal discorso che Julia Kristeva ha fatto sull’«apparato cinematico». Perché?
Semiologia e  psicoanalisi si sono occupate dello sguardo filmico e lo hanno trattato non solo come testo ma come apparato di una forma di visione. Ho letto molto ma mi sembrava che mancasse qualcosa di fondamentale in quegli scritti. Ovvero che il modello applicato a questo apparato filmico fosse una sorta di trappola lacaniana da cui non si riusciva a uscire. La soggettività veniva rinchiusa in una forma di rappresentazione duplice e spaccata di fronte allo specchio. A mio modo di vedere lo schermo cinematografico è più di uno specchio o di una finestra.  E non mi corrispondeva lo sguardo trascendentale e incorporeo,  questo io-ego come grande occhio, che emergeva da questa lettura lacaniana del cinema che è stata a lungo dominante nella cultura francese.
Così si è rivolta al filosofo Hugo Münsterberg, collaboratore di William James. Un curioso personaggio che riconosceva forza psichica alla rappresentazione cinematografica. Come l’ha scoperto?
Mentre cercavo di mettere a punto un mio diverso approccio al cinema scrivendo l’Atlante delle emozioni mi sono ricordata di avere un libriccino di questo filosofo ebreo tedesco che avevo letto molti anni prima. Münsterberg faceva ricerca agli inizi del XX secolo, in un periodo molto fertile, quando nasceva la psicologia sperimentale. E aveva dato vita a suo laboratorio filosofico sulle immagini.  Nel 1916, dunque molto presto, Münsterberg scoprì il cinema e scrisse  un libro assai interessante. All’epoca nessun filosofo si occupava  di cinema. Né tanto meno si pensava che fosse un’arte. Avendo lavorato molto sulla psiche, invece, Münsterberg riconosceva al cinema non solo la possibilità di rappresentare delle cose ma anche di rappresentare come pensiamo. Parlare di forza psichica del cinema per lui significava riconoscerne la forza emotiva, ma anche cognitiva. Naturalmente lui non andava oltre. Si trattava, invece, di leggere le forme di immaginazione e di rappresentazione cinematografica. Ma il suo pensiero mi è parso comunque importante. Tanto da dedicargli una monografia che sta per uscire negli Usa.
«L’indubbio progenitore del cinema è l’architettura», scriveva Ejzenštejn. è stato per lei una fonte?
Sono tornata a Ejzenštejn proprio per il rapporto che vedeva fra montaggio e architettura. Di  lui, ovviamente, si è scritto molto, ma  un suo saggio degli anni Trenta mi ha spinta a continuare una ricerca trasversale  che associa il cinema alla produzione di spazio in tutti i sensi, non solo  fisico. Come l’architettura anche il cinema è una maniera di “spaziare” in molti sensi. Il primo film, diceva Ejzenštejn,  è l’Acropoli di Atene. Non la caverna di Platone. Proponendo così un modello metaforico molto diverso. Il  cinema  richiama l’attraversamento di luoghi  in una città con una serie di visioni, di immagini in movimento. Lo spettatore non è più intrappolato nella caverna platonica. Ma l’accostamento fra l’architettura e il cinema funziona anche se si pensa al  solo fatto che l’architettura non si contempla. Si recepisce con il corpo, con la sensazioni.
Nel suo lavoro il cinema di Antonioni occupa un posto importante. Come regista capace di creare «uno spazio mentale» e di raccontare per immagini il mondo interiore dei  personaggi. Ci sono registi oggi ai quali riconosce una ricerca analoga?
Sì amo molto Antonioni, con il suo modo di filmare quasi minimalista riesce a tracciare personaggi a tutto tondo, non meri caratteri. Antonioni non parlava del personaggio attraverso l’azione, ma con l’introspezione che traspare dalle sue inquadrature. Talvolta anche di bellissime architetture vuote. Basta questo per restituirci il mondo interiore di un personaggio, il modo in cui sente e vive. Una cosa che ritrovo per esempio in Wong Kar Wai, regista di In the mood for love. Anche se  con un’estetica diversa, ritrovo nel suo cinema un certo modo di guardare il rapporto fra uomo e donna, lo spazio psichico, lo spazio della memoria, lo spazio dell’immaginazione, il tempo. Si ha la sensazione che questo spazio contenga una durata che non riguarda la  “velocità”. Questo sguardo differente torna anche in molte installazioni di arte. Lo trovo non di rado espresso nelle immagini in movimento che oggi si vedono nelle gallerie d’arte.
La videoarte, integrando più linguaggi d’arte, apre nuove possibilità espressive?
In Pubbliche intimità ho insistito molto su questo cambiamento che a me pare molto interessante. Non è la morte del cinema ma un’estensione dello sguardo filmico che entra nelle gallerie e nei musei proponendo un modo diverso di relazionarsi con le immagini. Non è più la contemplazione della pittura come immagine fissa, ma comprende il movimento dell’immagine, il movimento dello spettatore e il movimento di un tempo che direi interiore. Nella concitazione della vita metropolitana alcune opere di videoarte e installazioni offrono un modo di riappropriarsi del tempo,  dell’interiorità.  In un certo senso queste nuove forme di arte ci invitano a guardare le immagini guardandoci dentro e a guardarsi dentro per vedere meglio fuori e, spero, per cambiare.
Nel tempo breve, ellittico, di un’opera di videoarte le immagini talora ,possono arrivare ad avere un “calore” speciale, una deformazione quasi onirica, poetica.
E’ una dimensione che riguarda il “tenore” delle immagini ma non solo. Penso, per esempio, a certe opere sonore di Janet Cardiff: seguendo la sua voce si entra in uno spazio. Altre volte c’è una piccola videocamera che ti permette di percepire la forma di relazione che l’artista ha con il mondo. è come se ti facesse entrare nella sua mente, nella sua maniera di sentire. In una sua installazione realizzata dopo l’11 settembre, ricordo, aveva collocato delle casse in un luogo molto grande. Gli spettatori potevano muoversi e ascoltare dagli amplificatori oppure mettersi dove  volevano. L’atmosfera che si veniva a creare era molto particolare, intensa, partecipata. Ognuno in silenzio seguiva il filo delle proprie immagini interiori, ma al tempo stesso era vicino agli altri. In un momento molto duro per New York, in un museo, stranamente si aveva la sensazione di poter attraversare questo trauma in maniera anche pubblica, sociale. è un aspetto del cinema che mi ha sempre molto affascinato e che qui trovavo allo zenit. L’installazione di Cardiff permetteva di essere al contempo molto dentro di sé e insieme di condividere con altre persone  emozioni, sensazioni, pensieri, forme di discorso. Di nuovo a Berlino qualche mese fa ho incontrato una sua installazione. Ho notato che i più giovani avevano spento tutto, telefonini, iPhone e quant’altro e ascoltavano a occhi chiusi. La dimensione in cui si era trasportati non aveva nulla di nostalgico, niente di religioso. Era come se l’artista ci invitasse a fermarci un momento. Per non essere sempre spezzati tra le cose, per trovare un modo, anche solo per un istante, di connettersi con gli altri e con il nostro mondo interiore.

da left avvenimenti del 13 febbraio 2009-

Directed by Wong Kar Wai (2007).
Stars Jude Law as Jeremy, Norah Jones as Elizabeth, David Strathairn as Officer Arnie Copeland, Rachel Weisz as Sue Lynne Copeland, Natalie Portman as Leslie the hardcore poker player.

I sometimes forget why I chose a movie. I mean, I am not much for romantic movies in general so I sat through the first couple of minutes of this with my head tilted and my face scrunched up ever so slightly. I thought I could see it all … the tragically predictable way it would play out. I was wrong.

Elizabeth’s boyfriend cheats on her and she takes refuge at a café run by Jeremy. I thought to myself “oh, no”. You know why. Girl meets boy. I won’t even bother running through the rest of the cliché that goes with that.

Thing is just when you think you know what you’re in for this movie does a sharp turn and goes off in another direction. Elizabeth leaves town. She heads out and finds work at a bar at night and a diner during the day. She meets Officer Arnie, a troubled soul who is in the middle of a bad divorce. His wife Sue Lynn has left him.

Again the story in itself is such a cliché that I think I’ve heard that particular country and western song a few too many times.

The reason why all this works has to do with pacing and distance and cinematography. Wong Kar Wai’s style puts you in mind of soft, improvisational jazz. It drifts around certain themes, comes back to them, goes at them from a couple of different angles, but always with the same basic emotional chords as a foundation.

The story with Arnie and Sue Lynn ends badly. There really is no other way for it to end.

Elizabeth moves on and winds up in Nevada where she works as a waitress in a casino. She runs in to Leslie, a professional poker player, who tricks Elisabeth into taking a road trip with her. Leslie has a strange relationship with her father, and this particular segment of the story is mostly about that.

The way the story is dealt with is mostly Elisabeth as a spectator getting involved in peoples lives by somehow landing smack in the middle of them. She grows up in the process, changing and acquiring the distance she needs to be able to go back to New York and meet up with Jeremy again.

It’s all a terrible cliché. It is. But the way it’s handled is beautiful and so well shot, so well acted, that you see beyond that. Sometimes things are a cliché because they are universal, because they do happen and because they are somehow part of the great narratives.

That’s what you get out of this if you go along for the ride. That, and a really great soundtrack.

Mule

so the three films i’m going to talk about are (in the order they are to be viewed, not in the order in which i love them):

in the mood for love

marie antoinette

wings of desire

these films are all favorites of mine, all time favorite favorites, best movies ever and i can’t pick which one would be my all time #1. it’s too hard. they have influenced how i think, feel, dress and view the world. i could do a full on blog for each one. the only way to settle it would be to have them fight for my favor but no matter who won i would be disappointed. sigh.

so instead i’m going to focus on the amazing fashion/style of each movie and talk about how to pick out an outfit from each one. now, this is an imaginary internet shopping outfit, i’ll list real prices but nothing is really affordable. i imagine the outfits i pick out to be like inspiration for you to go out and find your own at your local vintage shops and nordstrom racks.

i wish, sometimes, that this blog was one of those blogs where i am like a maria von trapp of  fashion and i can say “hey! remember that amazing white coat rachel weiss wore in the brothers bloom???? well, here is how to make it in a half hour with the fabric from your old sofa and six nickels”. but guys, i am just not that girl. so enjoy.

IN THE MOOD FOR LOVE

as i mentioned before, this is a movie that is seriously up for best movie ever award. it’s so beautiful and tragic with the most amazing costumes and music that it might melt you into the floor. it did me. hong kong 1960’s. hot, hot, hot tony leung. unrequited love that is so soft you can barely hear it but it’s deafening. is this another one of my quiet films? you betcha.

wong kar wai, i think, is all about the skin tight, crazy, crazy tight cheongsam. it’s what he puts all his ladies in and they all look amazing. if you are going to try this look, be sure to either have gone to the gym and dieted for at least two years before. like that all grapefruit diet. it was really hard to find cheongsam that didn’t look like bad prom night, but here it is a beautiful one clocking in at $129.99:

if you are looking for a gorgeous cheongsam of your own, please do not be deterred by the picture of paris hilton that instantly pops up when you google “cheongsam”. there are a lot of affordable ones and to achieve the full wong kar wai treatment, you’ll have to take it to be tailored. but you really can’t argue with those lines. they are beautiful. from here i’ll take you to proper accessories to give yourself the look of the heroine mrs. chan at the climax of the movie: stark reds and blacks.

stella mccartney red trench for $658. love those classic sharp lapels.

14k white gold and black pearl dangle earrings for $312

a black miu miu leather nappa shoulder bag for  $1,150

and dont’ forget your pumps! beautiful christian louboutin new decoltissimo 85 patent pumps for $565:if you want to go chan to the max, you’ll also need some silk stockings, a beehive and some killer black eyeliner. i suggest calvin klien for lingerie, mac for make up and some aqua net for hair (i used to have a roommate with a beehive and she swore by that stuff).

MARIE ANTOINETTE

so if you have been reading this blog for a bit you will know i am obsessed with sofia coppola’s marie antoinette. i have already talked a lot about how incredibly ornate yet quiet this film is. it’s really astonishing. and it is so, so beautiful and detailed. eating with your eyes, i call that. but i’ll shut up now and let you see for yourself, if you have not already.

now, all the blogs and magazine articles i checked out in prep for this blog in regards to marie antoinette inspired fashion, which seemed to peak around 2006 (but in my opinion is always in style) were all like “OMG! don’t over do it, pick ONE color you like or do ONE loud thing that is MA inspired and tone the rest down or you’ll look costume-y.” and you know what i say to that? FUCK THAT SHIT. i think if you’re going to pull together a marie antoinette inspired number you better look DECKED. it’s marie antoinette for crying out loud! i don’t want to see that you put on a jeweled cameo necklace over your black turtle neck because you were “inspired” by marie antoinette. no, no. if you are channeling the great MA, you better turn it out. that being said, i give you my marie antoinette outfit….waist up first:

first, pompadour your hair until it looks like candy floss.

then some tarina tarantino tulle flower clips scattered about in baby blue, clocking in at $70

pretty dangling pink earrings from betsy johnson for $41

next, a stack of fake pearls. necklaces, from top: pearl-and-chain necklace, $1488, pearl-and-safety-pin necklace, $963, tom binns; single-strand pearls, price upon request, mikimoto. stolen from marie claire, i think.

personal fave, the ostrich-feather vest, $3,275,  givenchy by riccardo tisci

underneath which will live this beautiful knit corset by ditu who only gives you prices and sizes on requests.

now waist down all valentino, poor you…

valentino red silk organza miniskirt for $495

then scare yourself up some baby blue tights and finally, finally, stuff your pretty manicured tootsies into…

these beauties are hot off the spring 2010 runway and i don’t have a price. i’m guessing they will cost you some kind of organ or access to your dna.

last step, powder your nose and rouge your cheeks. mac can help there (they don’t pay me to promote them so hard and i don’t work there, i swear, i just believe in the goodness of mac). and you have marie ala 2009. voila!

WINGS OF DESIRE

i feel like wim wenders, the director of wings of desire, would not be super happy to see his beloved ode to berlin end up on a blog that is mostly-ish about fashion but, whatever. this film isn’t especially fashion heavy like the other two but it is so beautiful, every word, every picture. it’s a love story to a city. it’s a love story to love. it’s a love story to life.

mostly black and white, it will occasionally blast into color and give you the greatest of shocks. “the world is such an amazing place!”,  you will think, “i didn’t know!”. set with adoration in the bleakness of berlin late 80’s (with a surprise nick cave guest spot! could this movie BE cooler?) it follows the story of an angel who becomes fascinated  by a circus performer, the etherial marion the acrobat. played beautifully by solveig dommartin. columbo is also in it. it’s amazing. there’s really no key outfit to this movie, just some fun bright circus colors, the colors of berlin and the graffiti and the architecture there. so i just had fun playing with what i thought marion would dress like.

it was hard to post something that didn’t look like porn off the american apparel website (which, sadly and gladly? i don’t know how i feel about that place, is where you go for 80’s inspired basic pieces) but i found this cute red turtle neck dress for $32…but remember when buying from AA always buy like 6 sizes bigger then you are. okay, enough with the AA frowning upon.

i loved this beautiful, exquisite burberry coat (can i get enough burberry coats? no i cannot) in purple over the red, having fun with my circus theme but not going too far. plus, marion wears trenches in the film. everyone wears trenches in the film. this coat is $1,084.

next we got some steve madden duffled boots with a fun fringe that isn’t too western for europe i don’t think clocking in at $159.90

finally, accessories. well, she’d need some sensible black stockings for that outfit because berlin is COLD in the winter time, she could pop into KaDeWe for those suckers and you could fly to berlin and do the same (or go to macys). marion loves big red lips, so again i’d send her to mac, because they do that well for people who understand lipstick (not me, sad to report).  then we have silver art deco earrings by hq design for $157

and last but not least for that wild red, pre-tori amos (tori amos copied it) hair i have some fun peacock feathers. marion needs feathers because she is an acrobat and closer to angels then she knows.

even though this picture looks very fancy, i can guarantee that YOU who are probably closer to bankruptcy then a glam career with the circus, can make that headband for under $7. why do i say this? because despite my earlier “i’m not maria von trapp” bit, i did make two feather headbands with a friend this summer that are NICER then the ones i see for sale for $30 and we made them for under $5. so there’s my dab of thrify this post. and here’s my dab of columbo, who really makes the film.

and please, please, pretty please, go check out these movies if you have not yet! they are so wonderful and beautiful and will make you feel all kinds of sad pangs and wild joys. if you watch them for the first time, i would love to hear you thoughts.

ain’t art grand?

Clase magistral con Wong Kar – Wai

Entrevista Laurent Tirard

Transcripción by muzderauli

La razón por la que me metí en el mundo del cine tiene que ver más con la geografía que con cualquier otra cosa. Nací en Shanghai, pero mis padres se trasladaron a Hong Kong cuando tenía cinco años. La gente de Hong Kong no habla el mismo dialecto que la gente de Shanghai, así que allí no podía hablar con nadie; no podía hacer amigos. Y mi madre que se encontraba en la misma situación, me llevaba al cine con frecuencia, porque era algo que podía entenderse más allá de las palabras. Era un lenguaje universal basado en las imágenes.

Por lo tanto, como mucha gente de mi generación, descubrí el mundo a través de las películas y, más tarde, a través de la televisión. Veinte años antes quizá hubiese elegido la música para expresarme, cincuenta años antes, habrían sido los libros. Pero crecí con imágenes y parecía algo natural que fuera a estudiar artes plásticas. Me metí en el diseño grafico porque, en aquella época, no había escuela de cine en Hong Kong. La gente que quería estudiar cine se trasladaba a Europa o Estados Unidos y yo no podía permitírmelo. Sin embargo tuve la suerte de salir de la escuela en un momento en que todos los jóvenes que se habían ido al extranjero a estudiar cine estaban volviendo a Hong Kong e intentaban crear una nueva ola de artistas. Así que estuve trabajando en la televisión durante un año y, después, empecé a escribir para el cine, cosa que estuve haciendo durante diez años antes de empezar a dirigir. Y a pesar de todo, si me preguntaras, creo que aún no me considero un director. Sigo viéndome como un miembro más del público, un miembro del público que ha pasado detrás de la cámara cuando hago una película, siempre trato de reproducir las primeras impresiones que tuve cuando era aficionado al cine. Y  creo que hago películas para el público antes que nada. Pero por supuesto tiene que haber algo más que eso; no es el único motivo, sólo debe de ser uno de los motivos; el resto es algo más personal y, bueno, más secreto.

Yo escribo mis guiones. No es una cuestión de ego; no es una cuestión de ser el autor de la película… francamente, el sueño más feliz que tengo es levantarme por la mañana y encontrar un guión esperándome en la mesilla de noche. Pero que hasta eso suceda, supongo que tendré que escribir; aunque escribir no es una tarea fácil, no es una experiencia agradable. He intentado trabajar con guionistas, pero siempre me parece que a los guionistas les planteaba un problema trabajar con un director que también escribiera. No sé exactamente por qué, pero siempre surgían conflictos. Así que finalmente, decidí que si podía escribir mis propios guiones  ¿por qué molestarme con los guionistas?

No obstante, he de decir que tengo un planteamiento de la escritura de guiones bastante fuera de lo común. Mira yo escribo como director, no como guionista; de manera que escribo con imágenes. Y para mí lo más importante de un guión es saber en qué lugar va a desarrollarse; porque si ya sabes eso, puedes decidir lo que hacen los personajes en ese espacio. El espacio incluso te dice quienes son los personajes, por qué están ahí, etc. Todo lo demás va surgiendo poco a poco si ya tienes un lugar en mente. Así que tengo que localizar exteriores antes de empezar siquiera a escribir. Igualmente siempre empiezo con muchas ideas, pero nunca está claro el argumento en sí. Sé lo que no quiero, pero no sé lo que quiero exactamente. Creo que todo el proceso e hacer una película es, de hecho, una manera de encontrar todas esas respuestas. Y hasta que no haya encontrado esas respuestas, continuaré haciendo la película. A veces encuentro la película en el plató, a veces durante el montaje, a veces tras meses después del primer pase.

Lo único que trato de dejar bien claro cuando empiezo una película es el género en el que quiero situarla. De niño crecí viendo películas de género, westerns, historias de fantasmas, de espadachines… de manera que intento rodar cada una de mis películas en un género distinto y creo que eso es parte de lo que las ha hecho tan originales.

La música es muy importante en mis películas. Sin embargo, casi nunca encargo que la compongan expresamente, porque me resulta muy difícil comunicarme con los músicos. Ellos tienen un lenguaje musical y yo lo tengo visual. La mayoría de las veces no nos entendemos. A pesar de todo, la música tiene que ser visual; debe tener una música que funcione con la imagen. Así que lo resuelvo de la siguiente manera: cada vez que escucho música que me inspira algo visual; la grabo y la dejo a un lado, sabiendo que la utilizaré después.

Utilizo música durante todas las fases del proceso cinematográfico. Por supuesto, la utilizo cuando estoy montando. Y algo que me gusta especialmente hacer es utilizar música de época en films contemporáneos. Porque la música es como un color, es como un filtro que tiñe todo de un color diferente. Y tengo la impresión de que utilizar música de una época distinta a donde se localiza la imagen la hace ambigua, compleja. También utilizo música en el plató, aunque no tanto como para crear un ambiente como para encontrar un ritmo. Cuando intento explicar al operador de cámara la velocidad que quiero para un determinado movimiento, una pieza musical la suele comunicar mejor que mil palabras.

No me obsesionan especialmente las cosas técnicas. Para mí, la cámara no es más que un instrumento que se utiliza para traducir lo que están viendo los ojos. Sin embargo cuando llego al plató para rodar una escena determinada, siempre empiezo por el encuadre, porque tengo que conocer el espacio donde va a evolucionar la escena. Únicamente cuando lo sé puedo decidir la posición de los actores. Explico lo que quiero al director de fotografía. Hemos trabajado tanto tiempo juntos que esto no requiere mayor conversación. Le doy el ángulo, lo encuadra y, el noventa por ciento de las veces me doy por satisfecho.

Por regla general no ruedo demasiado material desde distintos ángulos; aunque por supuesto depende de la escena. Muy a menudo sólo hay una manera de rodarla. Sin embargo, en algunas escenas y, sobre todo, si la escena es algo parecido a una transición, donde la historia puede cambiar de un punto de vista a otro, ruedo mucho desde distintas posiciones, porque sólo en el montaje puedo saber si la trama debe seguir a una persona o a otra. En cuanto a la decisión de donde colocar la cámara en un plano determinado, bueno, está la gramática y sin embargo, siempre es un experimento. Siempre tienes que plantearte la pregunta ¿por qué?. Debe de haber algún tipo de lógica, incluso si no significa nada para nadie, excepto para ti. En realidad es como la poesía. Los poetas utilizan las palabras de maneras distintas; a veces por el sonido, por el tono, por el significado, etc. Todos podemos crear un lenguaje diferente con los mismos elementos, pero tiene que significar algo. Puede que suene analítico, pero no lo es.

Muchas de mis decisiones son instintivas. Suelo tener una sensación muy fuerte de lo que está bien y de lo que no, y es tan sencillo como eso. De todas formas, la cinematografía es algo difícil de analizar verbalmente. Es muy parecido a la comida: cuando tienes un sabor muy persistente en la boca no puedes explicarlo o describirlo correctamente a otra persona. Es muy abstracto. Pasa lo mismo con la cinematografía. Y de hecho no he cambiado mucho mi forma de trabajar desde que empecé. Es una pena porque no creo que sea una buena manera de trabajar, pero por desgracia, es la única que conozco. Siempre quise ser como Hitchcock, que decidía todo antes del rodaje, pero, por alguna razón, no puedo trabajar de esa forma, así que bueno es una lástima.

Una última cosa; para ser director, tienes que ser sincero; no con los demás, sino contigo mismo. Tienes que saber porqué estás haciendo una película; tienes que saber cuando estás cometiendo una equivocación.

2046

muzderauli.wordpress.com

Two Lovers, 2008 – Direção: James Gray – Elenco: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw.

Definir os melhores filmes desta década não é tarefa fácil, porém uma de minhas certezas é que Two Lovers estará posicionado numa das dez primeiras colocações, enquanto James Gray continuará expandindo seu talento e provando o por quê atualmente é um dos melhores diretores americanos.

Two Lovers é algo muito mais aproximado a um atacante do que um mero romance, quando desvia de tudo e todos para chegar aos sentimentos; atingindo-lhes como uma flecha molhada de amor e solidão – aliás, havia tempos que não via algo tão humano e profundo como a relação estabelecida no Cinema entre essas duas coisas. No ínicio fez-se o amor, e no final há a solidão – que por mais bem acompanhada que esteja, sempre será aquela solidão que permanece no fundo de nós; intocável e surpreendente.

Joaquim Phoenix está aqui em seu melhor papel, e transparece uma quimica com Gray excelente. É uma pena que deixará de trabalhar na carreira de ator.. realmente, uma pena! Em Two Lovers sua personagem é tão sincera e singela que fica dificil não transformar-se no próprio Leonard, e sentir a angústia do amor. Este é um dos poucos filmes atuais que você realmente sente como um arrepio cada escolha do personagem de Phoenix. E essa relação conosco é tão magistral quanto a melhor de todas – Alain Delon em 1972, com A Primeira Noite de Tranquilidade.

Muito maior que a própria pretensão, e porém inferior a We Own the Night, Two Lovers acaba sendo um tocante exercicio de Cinema, levado às relações, à angústia e ao sentimento de aprisionamento que ecoa dentro do protagonista. Onde, afinal, tudo é e sempre foi o Amor.

5/5

Oriental Hotel

Of all Wong Kar Wai’s films, I think 2046 is the loneliest one.

It is a loose sequel to the 1991 film Days of Being Wild and the 2000 film In the Mood for Love. It follows the aftermath of Chow Mo-wan’s  affair with Su Li-Zhen in 1960s Hong Kong.

The film is the third chapter of a shared story that began with Days of Being Wild and continued with In the Mood for Love.

There are four main story arcs to the film. Three are about the relations of Chow with women that he meets after losing Su Li-Zhen. The first concerns Chow and Wang Jing Wen, the second is about Chow and Bai Ling, and the third is about Chow and a different woman who is also named Su Li-Zhen. The fourth takes place in Chow’s mysterious world of 2046 and concerns a Japanese passenger falling in love with an android. Typical of Wong Kar-wai films, the arcs are presented in pieces and in non-chronological order.

“In the year 2046… A mysterious train leaves for 2046 every once in a while. Every passenger going to 2046 has the same intention: They want to recapture lost memories… Nobody’s ever come back…”

An emotionally delayed android

“Before, when people had secrets they didn’t want to share. They’d climb a mountain, find a tree and carve a hole in it. And whisper the secret in the hole . Then cover it over with mud. That way, nobody else would ever discover it.”

Love is all a matter of timing.

Oh..2047 is a sci-fi book that he wrote for her,  about a Japanese traveler who sought to leave 2046.

Nem tudo, ainda bem, é Hollywood.

Por isso, o História Universal da Infâmia preparou um especial com cinco grandes nomes do Cinema na Ásia. Entre os escolhidos: dois chineses, um radicado em Hong Kong e o outro, Taiwan, uma japonesa, um iraniano e um Tailandês. Todos premiado com, pelo menos, um Cannes.

Brilliant. Time to talk about our Ten lists once more, so settle in for the long haul and try and keep up. Much discussion ensues as Sam tries to extol the virtues of Ingmar Bergman, praise the magical realism of Billy Liar and attempt to make sense of All About Lily Chou-Chou. John continues the theme, causing slight, though understandable, consternation with his uncensored views on Raging Bull and confessions of multiple tears during Schindler’s List. Tom rounds the night off in business-like fashion with praise for The 400 Blows, controversial dislike for the second half of Stalker and man-crushed love for Le Samourai.

Download The Movie Overdose Episode 40.5

Remember to email us, sugarplums!

Un film del 2010, regia di Wong Kar-Wai, con . Prodotto da ()

Drammatico

Una misteriosa e affascinante signora che afferma di arrivare da Shangai intrettiene una pericolosa relazione con una spia.

Un film del 2010, regia di Wong Kar-Wai, con . Prodotto da ()

Drammatico

Una misteriosa e affascinante signora che afferma di arrivare da Shangai intrettiene una pericolosa relazione con una spia.

El día 6 de Novembre es va veure aquesta pel·lícula:

IN THE MOOD FOR LOVE (deseando amar) del Wong Kar-Wai, feta el 2000?.

…

]]> http://movieoverdose.wordpress.com/2009/11/06/the-movie-overdose-40-5-the-top-ten-the-requel-the-results-show/ Fri, 06 Nov 2009 18:16:57 +0000 Sam Unsted http://movieoverdose.wordpress.com/2009/11/06/the-movie-overdose-40-5-the-top-ten-the-requel-the-results-show/

Brilliant. Time to talk about our Ten lists once more, so settle in for the long haul and try and keep up. Much discussion ensues as Sam tries to extol the virtues of Ingmar Bergman, praise the magical realism of Billy Liar and attempt to make sense of All About Lily Chou-Chou. John continues the theme, causing slight, though understandable, consternation with his uncensored views on Raging Bull and confessions of multiple tears during Schindler’s List. Tom rounds the night off in business-like fashion with praise for The 400 Blows, controversial dislike for the second half of Stalker and man-crushed love for Le Samourai.

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My first video game review for G4 went up earlier this week. I wrote about Band Hero for Nintendo DS. You can read my professional summation of that experience here. It’s been several years since I had to approach video games as a reviewer. While I was toiling away in the lightless rooms of QA testing after returning from Peace Corps, I started writing for a website called Nintendo World Report.

I initially found it a very easy thing to do. Video game reviews write themselves in many ways. The scale on which games are evaluated has been so formulaic, so heavily skewing towards a small set of technical and creative prejudices, that it was an act of simple algebra applying a 7.0 to a children’s platformer or a 3.5 to an arcade revival about shooting syphilitic aliens.

The more I did it, the more I wondered about the lasting value of it. The same ten or twenty adjectives could be swapped out irrespective of genre or concept. Games with technically advanced graphics could never rank below a certain level of commendation. And the audience played along in a kind of call-and-response way, anticipating the formula and arguing vehemently when it turned out to be inconsistent in any small way.

In the short time that I spent reviewing records for IGN, I found this constraint to be non-existent. The scoring system was the same (1-10) but the medium was explicitly subjective. When I attached a 6.5 to Merriweather Post Pavilion, a record which I like quite a lot, I didn’t feel any trepidation. It was my experience with the record, and it was as honest and thorough as it could be after ten listens. The challenge of coming up with a numeric score in music reviewing was more about interrogating my own experience, not predicting what the average consumer’s experience would be (though, to my discredit, I made mention of this mythic creature on more than one occasion).

There is pressure to always have an opinion in our culture; to choose a side, wear a team color, to have an answer coming out of the movie theater when someone asks you what you thought. Over the weekend I watched Days of Being Wild, one of Wong Kar Wai’s first movies, about a man stringing along two women then going on a trip to find his long-lost birth mother.

I watched it late at night and, like a lot of Kar-Wai’s movies, it bored me. He makes movies I like rewatching, movies that I like thinking about in hindsight. But the process of taking in everything on a first-run is an exercise in extreme patience, a bored supplication. Is that a good experience? Is it bad? Is entertainment the first front on which creative works establish their enduring value? If so, is it really a reviewer’s job to evaluate whether or not the work entertains effectively?

I think reviews are, by definition, worthless. You can review a car or a brand of super glue, because they have specific functions that can be broken down and ranked in efficacy and convenience. Art has no corollary function, its only defining characteristic is abstraction. Sometimes that takes the form of a brain-baiting plot, and sometimes it takes the form of totemic deliberation. When I read criticism, I don’t want to hear about whether or not the thing worked, I want to know what it meant to you, the reviewer, the human being watching, playing, reading, hopefully, feeling.

I found that almost impossible to do in trying to account for my experiences with Band Hero. So instead I just wrote about whether or not it works.

Wong Kar Wai

I’m a great fan of Wong Kar Wai, and the fact that some critics trashed My Blueberry Nights made me a bit nervous. But not to worry: while it is not my favorite (that’s Fallen Angels), it stands way above the average Hollywood production. Cinematography (Darius Khondji), music (Ry Cooder), immensely decorative colors, a script with bitter-sweet symbolism — Wong’s trademark style is unmistakable. The acting — well, that’s a different story. He routinely works without a finished script, which gives his actors a lot of room to improvise and shine — or leaves them without needed guidance, as the case may be. Norah Jones should stay with her music (she sings exceptionally well); Jude Law as yet another heart-throb makes you yawn;  I can’t forgive Rachel Weisz for The Constant Gardener and The Shape of Things, and Natalie Portman who did a great job in Léon,  chose some mediocre roles as well.  In this film, she’s tolerable but not outstanding. That reward goes to David Strathairn as an alcoholic police officer — he by far outshines the other actors.

So yes — by and large, the acting is dull and wooden. And yet, this is a film worth watching; the critics who slam it go on and on with bakery-style metaphors like eye candy when in fact a truly good-looking film is something of a not-to-be-missed delight. No danger of vacuity, when Wong Kar Wai is directing.