Neste mês de Novembro a Serpentine Gallery, em Londres, deu largada em sua primeira exposição de design, que ficará em cartaz por três meses, de 26 de Novembro de 2009 a 7 de Fevereiro de 2010, e a nossa leitora Jess não esqueceu de nos contar esse babado!

Chamada de Design Real, a exposição tem como designer anfitrião o alemão Konstantin Grcic. A idéia de Konstantin é destacar os 40 produtos que mais atingiram o público com sua forma e funcionalidade.

Depois da foto, já deu para sacar que, a Melissa não escapou com a sandália criada pela Zaha Hadid, né?!?!?! Pois é. O calçado já desembarcou nos Estados Unidos e, parece estar abafando, conforme publicado no site de moda Style.com. A primeira remessa enviada para lá já até esgotou! O mais curioso disso tudo é que, mesmo sendo um calçado feminino, ele está despertando interesse até nos homens para utilizar como… objeto de decoração! rs… Não acredita? Michael Kuhle diz aqui o seguinte: “Nós tivemos alguns clientes, incluindo diversos homens, comprando apenas para decorar suas casas.”

Jess, super obrigado! Mais curiosidades e detalhes nestes links!

det nya transportmuseet i Glasgow! Ikväll visar tv2 K-special med henne. det är där som min man jobbar som plåtslagare tillsammans med en kompis från Göteborg. Jättekul och intressant att få följa!

http://www.glasgowarchitecture.co.uk/museum_of_transport_glasgow.php

http://svt.se/2.105243/k_special

he Zaha Hadid for LACOSTE footwear collaboration began with a digitized interpretation of surfaces with repeated patterns. ‘The design expression behind the collaboration with LACOSTE footwear allows the evolution of dynamic fluid grids,’ explains Hadid. ‘When wrapped around the shape of a foot, these expand and contract to negotiate and adapt to the body ergonomically. In doing so a landscape emerges, undulating and radiating as it merges seamlessly with the body.’ The digital landscape is translated into a tactile landscape by a series of metal plates depicting the desired wave pattern. These plates were subsequently utilised to apply a combination of heat embossing and debossing techniques to the calf leather, thus rendering the topography in relief. This resulting topography gradually emerges on the uppers as it curves around the top and exterior fascia of each shoe, and fades across the straps. A 2D plan drawing of the 3D pattern is replicated on the sole of the shoe. The continuity and fluidity in the design are enhanced by the minimum depth of the sole and the seamless strap closure system. The limited edition closure system features a bi-stable snapping metal band encased in the leather strap at the upper-most end. This responsive band gently wraps and secures itself at ankle height in the men’s limited edition and at knee height in the women’s limited edition. The unique Zaha Hadid for Lacoste logo appears on the side of the heel and on the in-sock. The sleek and sophisticated black box which packages the product also bears an embossed version of the same logo. The women’s boots are available in black and purple, whilst the men’s come in black and navy. This limited-edition collection of just 850 pairs will be available exclusively at such high-end boutiques as Colette in Paris, Dover Street Market in London and 10 Corso Como in Milan. The exclusive collaboration will be highlighted in store by a suite of bespoke material designed to compliment and enhance the themes and colours of the project.

‘An interesting thing about the museum in Rome is that it is no longer an object, but rather a field, which implies that many programs could be attached to the museum. It’s no longer a museum, but a center.  Here we are weaving a dense texture of interior and exterior spaces. It’s an intriguing mixture of permanent, temporary and commercial galleries, irrigating a large urban field with linear display surfaces. It could be a library; there are so many buildings that are not standing next to, but are intertwined and superimposed over one another. This means that, through the organizational diagram, you could weave other programs into the whole idea of gallery spaces. You can make connections between architecture and art – the bridges can connect them and make them into one exhibition. That gives you the interesting possibility of having an exhibition across the field. You can walk through a whole segment of a city to view spaces. In Rome, the organization will allow you to have exhibitions across the field, but they can also be very compressed, so you have a great variety.’  Zaha Hadid 

The MAXXI National Museum of XXI Century Arts, instituted by the Italian Ministry for Cultural Heritage and Activities is Italy’s first national public museum dedicated to contemporary creativity. Zaha Hadid, the winner of the 1999 international design competition for this project is currently approaching completion in Rome’s Flaminio neighborhood, on the site of the former Montello Barracks.  Since 2003 an experimental and innovative construction site has been working to complete this new, ultramodern and contemporary museum.  The museum runs over a surface area of 27,000 square meters, the complex was designed in such a way that it acts as home to two individual institutions: MAXXI Art and MAXXI Architecture.  The MAXXI’s 27,000 square meters include in addition to the two museums, an auditorium, a library and media library, a bookshop, a cafeteria, temporary exhibition spaces, various open spaces for live events, commercial activities, workshops and spaces of study and recreation.

Zaha Hadid designed a museum where form follows function.  The building is distinguished by two key architectural elements _ concrete and glass.  The exposed concrete walls set the boundaries of the exhibition halls and establish the interweaving volumes, while the transparent glass roof modulate and filters natural light passing in.  In this project the two museums – MAXXI Art and MAXXI Architecture – rotate around a large, double storey atrium, the point of connection with the permanent collection galleries and temporary exhibition spaces, the auditorium, reception area, cafeteria and bookshop.   While the arrangement of the concrete walls, the glass roof and the steel stairs and columns characterizes the neutral appearance of the display areas, while portable panels ensure the plasticity of their use.  The organic and flowing forms and the variation of the interweaving different levels in combination with the natural light flowing in create a highly complex spatial and functional experience that offers ever-changing unexpected views from the interior towards the open spaces.  

The projects interior finishes and furnishings are going to be completed within this year and the exhibition design and official inauguration of the museum will take place in the beginning of 2010.  The form and the design which was given to this program has a flowing aspect which is actually very encouraging for the visitor as a museum is asked to function in this way.  The form has a continuous flow and asks of the visitor to keep moving in the same pace that the building progresses.  The architecture and the materials used enhance the natural light which is cleverly controlled through the interior architectural form.  The natural light allows for the optimum natural lighting of the art works as well as the other pieces exhibited.  The concrete walls create the perfect background setting to promote the arts, while the high ceilings with a maximum height of 22.90 meters make room for important pieces to be exhibited.  Nonetheless, the intertwining structures are truly fascinating as all of Zaha Hadid’s works are.  As an architect Hadid has managed to create the impossible – possible, and to amaze us with the unique forms which she and her architectural team design for projects worldwide.  

The MAXXI National Museum (via Guido Reni, 2f 00196 Rome/Italy) is focused on promoting the arts and architecture through the collection, conservation, study and dissemination of the most current movements.  To date, the MAXXI Art collection contains over 300 works by such artists as Boetti, Clemente, Kapoor, Kentridge, Merz, Penone, Pintaldi, Richter, Warhol and others of equally prominent persons. The MAXXI Architecture collection features the personal archives of Carlo Scarpa, Aldo Rossi, Pierluigi Nervi and others, as well as projects by contemporary architects such as Toyo Ito, Italo Rota and Giancarlo De Carlo, together with the photographic collections of the Atlante italiano and Cantiere d’autore projects.  The official inauguration of the MAXXI National Museum is scheduled for 2010.  

 
Zaha Hadid is an architect who constantly challenges the known limits of architecture, urban planning and design. Through her research, Zaha Hadid pursues a continuous exploration focused on defining new spatial concepts.  Fundamentally for Zaha Hadid it is the relationship between architecture and landscape that, when combined together, produces unexpected results and dynamic forms.  At present Zaha Hadid is working on a significant number of projects, including: the Aquatic Center for the 2012 London Olympics; the Signature Towers in Dubai; the Performing Arts Center in Abu Dhabi; the Opera Theater in Guangzhou, China; private residences in the United States and Russia; and master plans in Spain, Istanbul and the Middle East.  Photo © Roland Halbe- Image Courtesy of Zaha Hadid Architects

Details:
Total site area: 29,000 square meters
Exterior spaces: 19,640 square meters
Interior spaces: 21,200 square meters
Display space: 10.000 square meters
Services (auditorium, libraries, cafeteria, restaurant, etc.): 6,000 square meters
MAXXI art: 4.077 square meters
MAXXI architecture: 1,935 square meters 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Aquatic Center

The 160m long wave shaped roof frame for Zaha Hadid’s Aquatic Center has just been lifted and lowered into place, marking one of the most complex engineering and construction challenges of the Olympic Park for the London 2012 games.   Weighing in at over 3,000 tons, the gigantic steel trusses rest on a mere three concrete supports to provide open space for the facility’s large racing and diving pools.  The roof is also designed to stretch, twist and contract in response to the effects of snow, wind and changing temperatures.

Fabricated in Newport from plate rolled in Gateshead, Motherwell and Scunthorpe, the steel framing was assembled on site and connected 20m off the ground on temporary supports.   The completed roof frame was then carefully lowered into its permanent position and the temporary supports were removed in phases to enable work to continue beneath the roof, namely, the excavation for the venue’s two 50 meter swimming pools and 25 meter diving pool.

The Aquatic Center is right on schedule to be finished in the summer of 2011.  In a few months, work will begin on the aluminium roof covering.   After the aluminium, the 12,000 sq m ceiling will be clad in Red Lauro timber, a sustainable sources that will combine the required level of durability and visual impact.

As seen on World Architecture News.

Via ArchDaily

ZA

HA

Installation: exhibition- Palazzo Dellaragione – Padova-Italia

Genesy Artemide Lamp

Jesolo Magica Retail Center – Jesolo-Italia

Cairo Expo City – Egipto

Fonte: minimalismi.com

Designed by Zaha Hadid Architects, the MAXXI National Museum of XXI Century Arts, instituted by the Italian Ministry for Cultural Heritage and Activities is Italy’s first national public museum dedicated to contemporary creativity. Zaha Hadid, the winner of the 1999 international design competition for this project is currently approaching completion in Rome’s Flaminio neighborhood, on the site of the former Montello Barracks.  Since 2003 an experimental and innovative construction site has been working to complete this new, ultramodern and contemporary museum.  The museum runs over a surface area of 27,000 square meters, the complex was designed in such a way that it acts as home to two individual institutions: MAXXI Art and MAXXI Architecture.  The MAXXI’s 27,000 square meters include in addition to the two museums, an auditorium, a library and media library, a bookshop, a cafeteria, temporary exhibition spaces, various open spaces for live events, commercial activities, workshops and spaces of study and recreation.

Via & more: Yatzer

Fonte: “ilgiornale“

di Andrea Tornielli da Roma

«Amore» e «bellezza». Sono le due parole chiave del pontificato di Benedetto XVI che ieri mattina, sulla scia dei predecessori, ricordando l’analogo gesto compiuto da Paolo VI nel 1964 e la lettera loro specificamente indirizzata dall’«artista» Giovanni Paolo II, ha incontrato gli artisti nella Cappella Sistina definendoli «custodi della bellezza». Ha chiesto loro di essere «annunciatori e testimoni di speranza» e di non temere il confronto «con la sorgente prima e ultima della bellezza».
Sotto le volte michelangiolesche, nel luogo in cui poco meno di cinque anni fa Joseph Ratzinger pronunciò l’«accepto» che lo rese Papa, si sono radunati 260 artisti delle varie discipline, dai registi Nanni Moretti, Ettore Scola e Franco Zeffirelli, agli attori Raul Bova, Monica Guerritore e Sergio Castellitto, ai cantanti Roberto Vecchioni e Claudio Baglioni. Ma anche pittori, scultori e architetti, come l’irachena Zaha Hadid, alla quale i sauditi hanno affidato il nuovo progetto per La Mecca. Promotore dell’iniziativa è il presidente del Pontificio consiglio della cultura Gianfranco Ravasi, uomo chiave del Vaticano per il dialogo con il mondo dell’arte.

Papa Ratzinger ha detto di voler «rinnovare l’amicizia della Chiesa con il mondo dell’arte». Ha rievocato le indimenticabili parole di Paolo VI, che agli artisti disse: «Noi abbiamo bisogno di voi. Perché, come sapete, il nostro ministero è quello di predicare e di rendere accessibile e comprensibile, anzi commovente, il mondo dello spirito, dell’invisibile, dell’ineffabile, di Dio. E in questa operazione… voi siete maestri». Benedetto XVI spiega: «È l’esperienza del bello, del bello autentico, non effimero né superficiale» che può ridare speranza, comunicando quella «scossa» che fa uscire da se stessi e risveglia il cuore e la mente, perché, come scriveva Dostoevskij, «l’umanità può vivere senza la scienza, può vivere senza pane, ma soltanto senza la bellezza non potrebbe più vivere, perché non ci sarebbe più nulla da fare al mondo».
Ma, continua il Papa, la bellezza che oggi «viene propagandata è illusoria e mendace, superficiale e abbagliante fino allo stordimento», mentre l’autentica bellezza permette «di conoscere, di amare, di andare verso l’Altro, verso l’Oltre da sé».
Il discorso di Ratzinger si conclude con un appello ai «custodi della bellezza», perché siano «grati dei doni ricevuti e pienamente consapevoli della grande responsabilità di comunicare la bellezza»: «Siate anche voi, attraverso la vostra arte, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità! E non abbiate paura di confrontarvi con la sorgente prima e ultima della bellezza, di dialogare con i credenti, con chi, come voi, si sente pellegrino nel mondo e nella storia verso la Bellezza infinita! La fede non toglie nulla al vostro genio, alla vostra arte, anzi li esalta e li nutre».

I’m back after having spent 2 days in Berlin for…work. Wow, that was exciting! Kein leisure this time!

The Ritz-Carlton was hosting the Herald Tribune conference of the luxury industry in Berlin. This conference has been traditionally hosted in London, Paris, Hong Kong, Tokyo. But this year Suzy Menkes, the venerable fashion editor of Herald Tribune, picked Berlin because the flirt between luxury and technology is becoming something serious. And surely Milano, Paris or London felt a bit passé when it comes to technology.

It was kind of odd to talk luxury in Berlin, the anti-luxury town. Or the über-luxury town, if you think that a cleaner air, using the bike and nature at your doorstep are the real luxury now. But Suzy Menkes has antennas, and they are tuning in on new themes: technology, CSR. After all the New York Times offers one of the best online media experiences, we started to see during the US election campaign how its Lab was exploiting all the potential offered by multimedia and the mixture of graphic/text/photo/interactivity. Plus the US are pushing smart grids, greener technology: sign of the times. And Berlin is a good example of sticking to environmental commitments.

Technology + luxury is indeed an intriguing combination and the concentration of interesting speeches and conversations provided abundant food for thought. Not all contributions were equally interesting. Some speakers lost golden opportunities for sharing with the audience a deeper understanding of their approach to technology because they picked a standard, institutional presentation off the rack and delivered it without too much belief, thus lowering the momentum generated by lush video introductions. Or because they never answered to questions but just kept on pumping their message “we’re the best”. But they were just a couple of them. The majority of the speakers had prepared the material carefully, both conversation and multimedia content, has delivered the key messages with passion and answered in a candid way to Suzy Menkes’s questions.

My favorite speeches…

1. Christopher Bailey, Creative Director @ Burberry like a dj mixed effective visuals and music, lots of it, with pragmatic examples and clear messages. He’s really in tune with the times. He shared with the audience in a simple way many examples on how the company is approaching technology in an holistic way: be it environmental issues in the workplace, permanent videoconference facilities, wifi and skype, online activities, approach to social networks, and feedback from social networks. It’s not a matter on jumping on the bandwagon of the latest cool gadgetry. But of having a vision on how that brand could profit from technology, preparing a plan and rolling it out. Not being afraid of engaging into a dialogue, not sticking to the brand monologue bunker-mentality.

2. Natalie Massenet, CEO @ Net-à-porter answered in a candid way even tough questions such as “what is the % of merchandise sold online that is returned?”. It is about 25%, but the fact you can do it without fuss lowers the barrier to entry and encourages shopping. She approached the theme of discounts and outlets with grace but without hiding the truth. Very elegant, very impactful. Or, as Menkes said, Multinational, multilingual, multimedia…

3. Jochen Zeitz, CEO @ Puma delivered a very inspired and quite intimidating speech on the social responsibilities of companies, or rather, the responsibility tout court of companies and customers alike vis a’ vis the environment. He sounded a bit like a priest and sometimes a dash paternalistic, putting himself on a level above the audience. But apart from the form, the substance of the speech was there. My impression is that he is truly committed and is working with the objective to making a difference, starting with a different way to use packaging for instance. No cosmetic CSR, but a clear vision. He may sound idealistic, but ideals are not a bad thing to have and I trust the man is pragmatic too – after all he’s German, right? – and we will see the results down the road. The speech was carefully prepared, even if it was delivered like a sermon. Maybe the audience could have been spared the many references to Heidegger and Ralph Waldo Emerson, but very inspiring and deep nonetheless. The guy is honest and means what he says.

4. Jefferson Hack, Editorial Director, Dazed & Confused – during the coffee break Hack was rehearsing his presentation. I love to see this. It means the speaker is taking the audience seriously and has worked personally on his presentation, is involved and cares about the product and the customers he has in front of him. Hack started off with a powerful video (and sound, hey!) and carried on with an extremely lateral-thinking form of presentation, and clear ideas on smart media. Similarly as with music, we will consume media online and “buy the paper” in the same way as we “buy the CD” or the vinyl now: for its artwork, as a souvenir of the experienced we consumed somewhere else, online. At the end he showed he cared for the audience, signaling that a bunch of links had been prepared were available forthose who wished to further explore the matter of smart media. Competent and thorough, but at the same impactful and effective, without trying to please the audience or the moderator by means of cheap seduction. Rough edges.

I crossed later Hack at Grill Royal and couldn’t agree more with him on the theme of higher quality magazines. I buy far less magazines today than I used to 10 years ago. But those ones I buy, are of better quality and deliver something more than just the news or the odd fashion editorial. Think about Dummy, Monocle, Brand Eins. And Vogue Paris, which I still buy because of its clean graphic look, extraordinary art work and articles which are not shallow.

5. Ross Lovegrove, Designer, Lovegrove Studio – was able to deliver a presentation which bordered more on the philosophical divertissement than on the clear description of the role of technology in luxury. But he had won the siberian slot, the one around 3pm, and managed to keep the audience interested and entertained during the toughest moment of any conference: digestion. Was it because he mentioned that during his career as a cook he managed to add marijuana to any dish? or because he was very tanned and laid back? He loathes retrospective, he hates looking back and he only works on future/futuristic stuff. Still, objects become icons – and sell – also because they have the magic of aging well, epitomizing the Zeitgeist of their time. One should not despise the source of his cashflows, oder?

6. During the same module Adam Thorpe and Joe Hunter from Vexed dived deeper in the relationship between technology and the human body and discussed poignantly themes such as impact protection, moisture management, protection from pollution and visibility. We’re in smart materials territory, and the two bikers work on an array of projects also for other brands in order to develop materials with special properties and garments with ergonomic solutions to specific problems. I suggested to Adam to go and have a look to Otto Bock’s building across the road, an amazing buiding more fascinating than Prada’s Aoyama flagship in Tokyo…smart materials once more, with the difference that they deal with trauma recovery rather than avoiding trauma! Avant-après!

7. Alexander Reichert, Prada Transformer Project Architect, OMA together with Tomaso Galli from Prada. The Transformer is a fantastic giant toy and maybe you needed lateral risk-takers like the Pradas to make it a reality. Reichert’s project is a fantastic challenge which became real. On the one hand, I wonder about the financial implication and return of such a project. On the other hand, on paper it seems more interesting than Chanel’s cocoon-spaceship Art Container designed by Zaha Hadid, because it is truly innovative and capsizes, literally, the paradigm of building, making it truly…polyedric. Mongolian jurta, Eskimo boat, Indian Teepee, Scythian carriage, god knows how Reichert came up with the mega-toy. Reichert seemed quite shy (but very proud) in presenting his project, so some interesting slides got skipped because of his being maladroit. Tomaso’s communication skills were crucial in smoothing the creases. But as Reichert picked up a 3-d maquette of the Transformer things started to get better, he was more in control of the presentation and could share the 3-d idea behind it: a pyramid-shaped building morphing in a movie theater (rectangle), art exhibition (cross), special event (circle) and fashion event (octagon).….more tomorrow….

Photo: NYT – IHT

di Simona Maggiorelli

In the mood for love di Wong Kar Wai

L’ Atlante delle emozioni,  con cui Giuliana Bruno ha vinto nel 2004 il premio internazionale Kraszna-Krausz come migliore libro sulle immagini in movimento, è davvero uno dei saggi più sorprendenti degli ultimi anni per chi si occupa di arte contemporanea e di estetica. Non solo per l’affascinante cartografia di percorsi e di nessi che tesse viaggiando fra architettura, arti visive e cinema. Ma anche per il linguaggio con cui  queste cinquecento pagine sono scritte.  Fondendo discorso accademico e racconto, teoresi e linguaggio rapsodico, «con il piacere – annota l’autrice stessa – di selezionare e organizzare il discorso in forma di travelogue visivo».
Laureata all’Orientale di Napoli e dal 1990 professore di Visual and enviromental studies a Harvard con il suo monumentale Atlante delle emozioni e con libri come Pubbliche intimità, anch’esso uscito in Italia per Bruno Mondadori, Giuliana Bruno ha “imposto” una voce radicalmente diversa nel rigido panorama internazionale della critica dominato da scelte razionaliste, gelidamente concettuali, astratte.

Ci è riuscita “partendo da sé,” dal proprio sentire, rifiutando uno sguardo oggettivante e recuperando alla scrittura immagini e affetti. «E’ vero – ammette la studiosa che in questi giorni è a Roma per la due giorni di studi che ha inaugurato il MAXXI  ( e che ha visto la presenza di Aaron Betsky- e della stessa Hadid) ho cercato un modo di guardare differente, uno sguardo nuovo, per così dire “tattile”. La maniera classica di guardare ci ha insegnato una fredda distanza fra noi e le persone che guardiamo.

A me sembra, invece, che ci sia un modo un po’ più carezzevole di avvicinarsi e di essere toccati dalle immagini. In modo che l’occhio non sia di un voyeur ma di un voyager, per me declinato al femminile, come voyageuse. Insomma mi interessava una modalità più fluida di entrare e di guardare attraverso le cose e di rapportarsi agli ambienti che attraversiamo, a quei luoghi che raccolgono le nostre emozioni, le nostre memorie. Niente è neutro, tanto meno gli spazi della rappresentazione.
Possiamo leggerlo come un recupero delle emozioni ostracizzate dai filosofi?
Le emozioni non hanno nulla a che fare con il sentimentalismo. Sono una forma di conoscenza. E l’immagine ha un contenuto, un sostrato. Al di là di quello che mostra di per sé. Le immagini emotive si muovono nel tempo e non solo nello spazio.
Mentre lei scriveva il suo Atlante delle emozioni, il filosofo Remo Bodei sceglieva per il proprio lavoro  un titolo spinoziano come Geometria delle passioni, due diverse modalità?
Ho incontrato più volte Remo Bodei, è una persona straordinaria, sensibile. Però sul piano intellettuale, innegabilmente, esprime una forma di geometria, mentre, per dirla con Deleuze, il mio pensiero ha molte pieghe.
A proposito di cultura francese, lei prende le distanze dal discorso che Julia Kristeva ha fatto sull’«apparato cinematico». Perché?
Semiologia e  psicoanalisi si sono occupate dello sguardo filmico e lo hanno trattato non solo come testo ma come apparato di una forma di visione. Ho letto molto ma mi sembrava che mancasse qualcosa di fondamentale in quegli scritti. Ovvero che il modello applicato a questo apparato filmico fosse una sorta di trappola lacaniana da cui non si riusciva a uscire. La soggettività veniva rinchiusa in una forma di rappresentazione duplice e spaccata di fronte allo specchio. A mio modo di vedere lo schermo cinematografico è più di uno specchio o di una finestra.  E non mi corrispondeva lo sguardo trascendentale e incorporeo,  questo io-ego come grande occhio, che emergeva da questa lettura lacaniana del cinema che è stata a lungo dominante nella cultura francese.
Così si è rivolta al filosofo Hugo Münsterberg, collaboratore di William James. Un curioso personaggio che riconosceva forza psichica alla rappresentazione cinematografica. Come l’ha scoperto?
Mentre cercavo di mettere a punto un mio diverso approccio al cinema scrivendo l’Atlante delle emozioni mi sono ricordata di avere un libriccino di questo filosofo ebreo tedesco che avevo letto molti anni prima. Münsterberg faceva ricerca agli inizi del XX secolo, in un periodo molto fertile, quando nasceva la psicologia sperimentale. E aveva dato vita a suo laboratorio filosofico sulle immagini.  Nel 1916, dunque molto presto, Münsterberg scoprì il cinema e scrisse  un libro assai interessante. All’epoca nessun filosofo si occupava  di cinema. Né tanto meno si pensava che fosse un’arte. Avendo lavorato molto sulla psiche, invece, Münsterberg riconosceva al cinema non solo la possibilità di rappresentare delle cose ma anche di rappresentare come pensiamo. Parlare di forza psichica del cinema per lui significava riconoscerne la forza emotiva, ma anche cognitiva. Naturalmente lui non andava oltre. Si trattava, invece, di leggere le forme di immaginazione e di rappresentazione cinematografica. Ma il suo pensiero mi è parso comunque importante. Tanto da dedicargli una monografia che sta per uscire negli Usa.
«L’indubbio progenitore del cinema è l’architettura», scriveva Ejzenštejn. è stato per lei una fonte?
Sono tornata a Ejzenštejn proprio per il rapporto che vedeva fra montaggio e architettura. Di  lui, ovviamente, si è scritto molto, ma  un suo saggio degli anni Trenta mi ha spinta a continuare una ricerca trasversale  che associa il cinema alla produzione di spazio in tutti i sensi, non solo  fisico. Come l’architettura anche il cinema è una maniera di “spaziare” in molti sensi. Il primo film, diceva Ejzenštejn,  è l’Acropoli di Atene. Non la caverna di Platone. Proponendo così un modello metaforico molto diverso. Il  cinema  richiama l’attraversamento di luoghi  in una città con una serie di visioni, di immagini in movimento. Lo spettatore non è più intrappolato nella caverna platonica. Ma l’accostamento fra l’architettura e il cinema funziona anche se si pensa al  solo fatto che l’architettura non si contempla. Si recepisce con il corpo, con la sensazioni.
Nel suo lavoro il cinema di Antonioni occupa un posto importante. Come regista capace di creare «uno spazio mentale» e di raccontare per immagini il mondo interiore dei  personaggi. Ci sono registi oggi ai quali riconosce una ricerca analoga?
Sì amo molto Antonioni, con il suo modo di filmare quasi minimalista riesce a tracciare personaggi a tutto tondo, non meri caratteri. Antonioni non parlava del personaggio attraverso l’azione, ma con l’introspezione che traspare dalle sue inquadrature. Talvolta anche di bellissime architetture vuote. Basta questo per restituirci il mondo interiore di un personaggio, il modo in cui sente e vive. Una cosa che ritrovo per esempio in Wong Kar Wai, regista di In the mood for love. Anche se  con un’estetica diversa, ritrovo nel suo cinema un certo modo di guardare il rapporto fra uomo e donna, lo spazio psichico, lo spazio della memoria, lo spazio dell’immaginazione, il tempo. Si ha la sensazione che questo spazio contenga una durata che non riguarda la  “velocità”. Questo sguardo differente torna anche in molte installazioni di arte. Lo trovo non di rado espresso nelle immagini in movimento che oggi si vedono nelle gallerie d’arte.
La videoarte, integrando più linguaggi d’arte, apre nuove possibilità espressive?
In Pubbliche intimità ho insistito molto su questo cambiamento che a me pare molto interessante. Non è la morte del cinema ma un’estensione dello sguardo filmico che entra nelle gallerie e nei musei proponendo un modo diverso di relazionarsi con le immagini. Non è più la contemplazione della pittura come immagine fissa, ma comprende il movimento dell’immagine, il movimento dello spettatore e il movimento di un tempo che direi interiore. Nella concitazione della vita metropolitana alcune opere di videoarte e installazioni offrono un modo di riappropriarsi del tempo,  dell’interiorità.  In un certo senso queste nuove forme di arte ci invitano a guardare le immagini guardandoci dentro e a guardarsi dentro per vedere meglio fuori e, spero, per cambiare.
Nel tempo breve, ellittico, di un’opera di videoarte le immagini talora ,possono arrivare ad avere un “calore” speciale, una deformazione quasi onirica, poetica.
E’ una dimensione che riguarda il “tenore” delle immagini ma non solo. Penso, per esempio, a certe opere sonore di Janet Cardiff: seguendo la sua voce si entra in uno spazio. Altre volte c’è una piccola videocamera che ti permette di percepire la forma di relazione che l’artista ha con il mondo. è come se ti facesse entrare nella sua mente, nella sua maniera di sentire. In una sua installazione realizzata dopo l’11 settembre, ricordo, aveva collocato delle casse in un luogo molto grande. Gli spettatori potevano muoversi e ascoltare dagli amplificatori oppure mettersi dove  volevano. L’atmosfera che si veniva a creare era molto particolare, intensa, partecipata. Ognuno in silenzio seguiva il filo delle proprie immagini interiori, ma al tempo stesso era vicino agli altri. In un momento molto duro per New York, in un museo, stranamente si aveva la sensazione di poter attraversare questo trauma in maniera anche pubblica, sociale. è un aspetto del cinema che mi ha sempre molto affascinato e che qui trovavo allo zenit. L’installazione di Cardiff permetteva di essere al contempo molto dentro di sé e insieme di condividere con altre persone  emozioni, sensazioni, pensieri, forme di discorso. Di nuovo a Berlino qualche mese fa ho incontrato una sua installazione. Ho notato che i più giovani avevano spento tutto, telefonini, iPhone e quant’altro e ascoltavano a occhi chiusi. La dimensione in cui si era trasportati non aveva nulla di nostalgico, niente di religioso. Era come se l’artista ci invitasse a fermarci un momento. Per non essere sempre spezzati tra le cose, per trovare un modo, anche solo per un istante, di connettersi con gli altri e con il nostro mondo interiore.

da left avvenimenti del 13 febbraio 2009-

What do Bill Viola, Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Santiago Calatrava, Andrea Bocelli, Ennio Morricone, Arvo Pärt, Peter Greenaway, Nanni Moretti and Paolo Taviani have in common? They will all be gathering in the Sistine Chapel on Saturday to hear Pope Benedict’s appeal for a new era in relations between the Church and the art world.

The full list of participants is here and our preview is here.

Photo: Santiago Calatrava’s Ponte della Costituzione in Venice (Frenza)

Em virtude do Desafio Interblogs, essa semana postarei algumas experimentações que ficaram esquecidas na pasta de looks!
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Legging C&A
Camiseta C&A
A Zaha agora pertence a outra pessoa, que sei que a usará muitíssimo bem!

Roma inaugura por fin el museo Maxxi de arte contemporáneo. El deslumbrante edificio se ha abierto a medias, es decir, vacío, porque la crisis manda y las 350 obras que formarán la colección (todas, del siglo XXI) llegarán en primavera. Pero la última creación de Hadid ha fascinado ya a todos los que la han visto.

Más info aquí.

Photos; Fabio Quici

This piece of Zaha Hadid architecture has been a long time in the making. The museum is finally opening it’s doors to the public. The interior space is pure Hadid. Trust the Italians to be so bold in their choice of architect. The arched windows in the bottom photo seem a nod to the architecture of the square Colosseum at the Palazzo della Civiltà Italiana, EUR, Rome.

Fabio Quici has taken some awesome pictures of the MAXXI. Here is a link to his work, FBQC>

Collezione arte – Alighiero Boetti – … mettere al mondo il mondo…, 1971 

A Roma è nato il museo Maxxi, il museo nazionale delle arti del XXI secolo. L’apertura definitiva è prevista per la primavera del 2010. Lo spazio museale è opera dell’architetta iraniana Zaha Hadid. Le opere ospitate al Maxxi sono tante e di grande prestigio: Boetti, Clemente, Kapoor, Kentridge, Merz, Penone, Pintaldi, Richter, Warhol e molti altri. Il museo è attivo anche online. Il sito Internet ufficiale del Maxxi, infatti, offre una serie di servizi e di pagine informative utili per tutti quelli che volessero recarsi a visitarlo o per chi, invece, non potendo farlo, vorrebbe dare un’occhiata, seppur virtuale, al grande spazio dedicato alla creatività contemporanea.

di Simona Maggiorelli

MAXXI, Roma foto di Richard Bryant

Piani inclinati, superfici ondulate e inserti di vetro nel pavimento. L’archistar Zaha Hadid ha creato un edificio dalle forme fluide e di straordinaria eleganza
n orizzonte fluido di linee che corrono verso inaspettati punti di fuga. Spazi che si schiudono l’uno sull’altro senza soluzione di continuità. Agili scale e poi percorsi lungo ballatoi con la sensazione di una morbida salita fino alla vista mozzafiato del piano alto dalla grande vetrata, affacciato sui palazzi dello storico quartiere dove sorge il MAXXI di Roma. Il museo del ventunesimo secolo costruito dall’architetto anglo- irachena Zaha Hadid sabato e domenica prossime, a dieci anni dalla sua ideazione (e dopo non poche traversie economiche e burocratiche), apre finalmente le porte al pubblico. Anche se non è stata ancora allestita all’interno la collezione permanente di oltre 350 opere di arte contemporanea destinata a questi spazi. Nel fine settimana una coreografia creata ad hoc da Sasha Waltz accenderà di musica e danza questa grande “nave-museo”, ma chi abbia già percorso questi spazi nella breve anteprima di ieri può testimoniare che anche l’esperienza che offrono le sue sale nude e vuote non è indifferente. I piani inclinati dei pavimenti, le superfici ondulate, l’assenza di barriere e confini danno il senso di un luogo aperto alla fantasia e all’immaginazione. «Fin dagli inizi la mia idea è stata quella di costruire un campus d’arte, piuttosto che un museo in senso stretto» ha detto la stessa Hadid presentando in conferenza stampa la sua opera. «Ho progettato il MAXXI- ha spiegato- in modo che i curatori delle mostre, in futuro, possano organizzare i loro percorsi espositivi sviluppandoli narrativamente lungo i piani dell’edificio, oppure sfruttando gli spazi laterali». Un pensiero progettuale che poi ha preso concretamente forma nel lavoro con Patrik Schumacher, da oltre trent’anni socio e stretto collaboratore dell’archistar di Baghdad. «Con lui ricorderemo sempre ogni linea tracciata e le notti trascorse a disegnare il complesso» ha sottolineato Hadid, ringraziando poi il presidente della Fondazione MAXXI Pio Baldi per il sostegno, ma anche scherzosamente minacciando il ministro dei Beni culturali Sandro Bondi e l’assessore alla cultura del Comune di Umberto Croppi di tornare sovente per vegliare sul buon uso della sua creazione. Originale interprete di un nuovo modo di pensare le superfici, Hadid di fatto ha decomposto lo spazio del vecchio edificio militare di via Guido Reni per aggiungere fluidità e bellezza ma anche un funzionalità più duttile all’edificio. Un lavoro di scomposizione e ricomposizione delle forme qui realizzato usando materiali diversi, dal cemento, al ferro al vetro (con inserti anche nei pavimenti), mentre un ruolo di primo piano gioca il complesso sistema di illuminazione, che di giorno filtra o amplifica la luce naturale e di sera offre una raffinata regia di luci artificiali.

dal quotidiano Terra  del 13 febbraio 2009

Nella sua Storia dell’architettura moderna Bruno Zevi da un’accezione di estrema importanza a quello che definisce manierismo moderno, le cui opere esplorano infatti il linguaggio dei maestri, lo applicano in cornici più vaste, ne intrecciano gli etimi con incisività e coraggio. I manieristi indagano tematiche espressive pluralistiche, arricchendo il lessico, i nessi grammaticali e sintattici, le articolazioni linguistiche con originalità e talvolta genialmente, senza mai deragliare dal solco dell’avanguardia. Viene a mente la differenza di comodo che viene fatta in ambito scientifico tra ricerca pura e ricerca applicata, dove mentre la prima ha come obiettivo primario l’avanzamento della conoscenza e la comprensione teorica tra le diverse variabili in gioco in un determinato processo, la seconda è svolta allo scopo di trovare soluzioni pratiche e specifiche, il cui obiettivo primario non è l’avanzamento della conoscenza, bensì lo sfruttamento di questa a fini pratici. È chiaro da ciò come il periodo storico che stiamo vivendo è per l’architettura una fase di maniera. Dietro la brutalità di una parola, si cela quindi una condizione di estremo interesse per il contemporaneo. Ma di quale maestri sono legittime figlie le nostre decadi? E soprattutto, è legittimo parlare di un rapporto diretto ed univoco? Stando a guardare le architetture dei protagonisti di quel tumultuoso ‘80, si direbbe piuttosto che sono proprio i maestri a reinventarsi, e la maniera a rincorrere, capovolgendo i fattori dell’equazione. L’esempio di Zaha Hadid è quanto mai calzante, avendo essa stessa dato vita ad almeno tre schiere di manierismi, che preso nel suo insieme non può che apparire contraddittorio e paradossale: passando per il neo-avanguardismo, passando poi verso una fase post-digitale, ed attualmente impegnata verso ciò che Patrik Schumacher chiama ambiguamente parametrismo, il lavoro dello studio inglese pare essere simile ad un andirivieni concettuale, al quale ogni innovazione apportata, deriva da un saccheggio legittimo di un con testo pratico-teorico affermato, ed una applicazione personale dello stesso.  Tutte e tre le sue fasi si possono difatti collocare facilmente in uno zeigheist chiaro: come gli anni dell’Architectural Association di Londra la hanno portata ad interessarsi ai primi anni ‘20 ed alle avanguardie storiche, così sul finire degli anni ‘90 le influenze della ormai matura transarchitettura si faranno sentire su una consistente quantità di progetti, per arrivare nell’ultimo lustro circa a sperimentare ciò che per gli studenti delle università di tutto il mondo iniziava a diventare legge.

Il progetto per la sede della Corte Civile di Madrid, i cui lavori inizieranno nel 2010, potrebbe benissimo essere uscito dallo studio di un Lars Spuybroek o di un Kas Oosterhuis di sorta, se non dal desktop di uno studente particolarmente abile. Non è certo da abiurare questo tipo di pratica, ed anzi è tipica dell’evoluzione della storia dell’architettura: non è stato per caso Le Corbusier a trarre ispirazione dalla Citté Industrielle di Tony Garnier per gran parte delle sue idee urbanistiche ed architettoniche? Sarebbe quindi Le Corbusier da definire un manierista? Probabilmente sì, proprio per la natura flebile ed aleatoria del manierismo stesso: si rende necessario definire quindi il manierismo in una accezione più elastica, liquida, ed adattabile al contesto di cui si sta parlando. Il termine manierismo sta ad indicare la presenza di un’eredità implicità in un’opera di un maestro, di cui l’opera manierista stessa ne rappresenta la prosecuzione, ed in qualche modo un tributo. Non si intende qui peccare d’impressionismo, e confondere la citazione con la rielaborazione. Vi sono delle lacerazioni storiche difficilmente riassimilabili a tendenze temporali lineari, spesso infeconde, qualche volta esplosive. Paradossalmente, in un epoca come la nostra, che predilige lo scandalo, la trasgressione più insensata, il rifiuto e l’abietto, non si può certo dire che sia facile trovare ina di queste lacerazioni prima accennate. Ma forse, non ce né nemmeno bisogno.

Award-winning (and female) architect Zaha Hadid designed the aquatic center for London 2012, and it’s finally begun the construction process! Notoriously known for building impossible buildings, giving her a bad rep among engineers, her sting-ray inspired concept is finally going to be put into reality. Here is a rendering on what the final product should look like, as well an an animation:

You can also check out some more of Zaha Hadid’s designs HERE

Innanzitutto bisogna dire dello spazio architettonico: enorme come la stiva di una nave e costolato come il ventre di una balena. Curvilineo, morbido, con scale che si srotolano come nastri neri tra un piano e l’altro; o come stelle filanti, quando da bambini soffiavamo dentro al fragile cilindro e le strisce di carta partivano per altezze che ci sembravano vertiginose, con avvitamenti imprevedibili. Colori sobri, bianco, nero e grigio cemento. E una immensa vetrata aggettante e inclinata, alla quale si arriva da un pavimento in salita, cosicchè quando ci si affaccia e si guarda fuori, sembra proprio di essere nella cabina di comando di un transatlantico.

Poi i visitatori: centinaia, un numero incalcolabile per la prima delle due serate evento, in cui il MAXXI, Museo nazionale delle arti del XXI secolo, si è aperto al pubblico. Vuoto di opere, in attesa che la collezione che i curatori stanno mettendo insieme prenda forma. Animato invece dalla performance site specific Dialoge 09, commissionata alla coreografa Sasha Waltz. Residente, con la sua compagnia, a Berlino e già codirettrice artistica con Thomas Ostermeier del prestigioso spazio teatrale dello Schaubühne, la Waltz non è nuova a  queste esperienze su commissione per i luoghi museali.

Con un consistente gruppo di trentotto danzatori e otto musicisti, Sasha Waltz crea un’ora e tre quarti di pezzi coreografici, dislocati talvolta in successione, ma anche contemporaneamente, in tutti gli ambienti del museo, e concepiti spesso in modo da essere visibili da più prospettive, grazie al magistrale gioco dei volumi dell’architetto Zaha Hadid. Difficile e faticoso comunque per il pubblico orientarsi, salire, scendere, inseguire gli interpreti in una folla paragonabile solo a quella che, in tempi pre-recessione, intasava i grandi magazzini sotto Natale.

Quanto alla coreografia, è volutamente frammentaria ma non priva di momenti molto eleganti, specie nei plastici duetti, o nel salone dove una decina di corpi maschili sono appesi a  testa in giù, come angeli  michelangioleschi scacciati dal paradiso terrestre. In altri momenti e luoghi sembra di riconoscere nelle sequenze danzate qualcosa di egizio, una gestualità ripetitiva in accumulazione, geometrica e minimalista, e poi molto espressionismo tedesco, nelle citazioni dei cori labaniani, disposti sul pavimento a disegnare cerchi e diagonali. Ma gli interpreti sono troppo spesso impegnati a non farsi prevaricare e ingoiare dalla struttura e dalle cubature “fuori scala”.

Bellissimi i costumi di Bernd Skodzig, declinati su una scala cromatica in armonia perfetta con lo spazio, il grigio del cemento, il nero delle sinuose scale, il beige della pelle nuda dei danzatori; affiora improvviso un rosso fiamma (sul viso di una ragazza, su un completo maschile) e commuove il luminoso giallo del tappeto di margherite nel pirotecnico finale, che vede in azione, nell’atrio al piano terreno, l’intera compagnia ricomposta.

(Sasha Waltz & Guest, Dialoge 09- MAXXI, Deconstruction I, 14/15 novembre, Roma)

I cut articles out of the newspaper and keep them in a folder.  Yep, I’m that girl.  I fear that I am one step away from being a scrapbook-er.  Eeek.

Here’s the latest clipping…

Modern Lines for the Eternal City from The New York Times

Architecture review of Maxxi, the new museum of contemporary art designed by Zaha Hadid on the outskirts of Rome’s historic quarter

But it also is a way of making architecture – which is about static objects – more dynamic by capturing the energy of bodies charging through space.

What we don’t know, however, and won’t know for a while, is whether the galleries strike the right balance between the need to move crowds and the stillness required for contemplating art.

*photos and text from nytimes.com